Mostrando 97–120 de 128 resultados
TIPO
- CineCine 116
- SeriesSeries 9
FILTRAR POR GÉNERO
FORMATO
IDIOMA
PRODUCTORA
- 20th Century Fox 1
- 21 Century Shengkai Film 1
- ACEMAKER movieworks 1
- Akira Committee Company Ltd. 1
- Bandai Visual 1
- BBC Film 1
- Beijing Forbidden Films 1
- Cinema City 1
- Cinema City Film Productions 1
- CJ Entertainment 4
- Cloud Production Committee 1
- CoMix Wave Films 1
- Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Alemania-Francia-Italia 1
- Coproducción China-Francia-Japón 1
- Coproducción China-Hong Kong 2
- Coproducción Hong Kong-China 3
- Coproducción Hong Kong-Corea del Sur 1
- Coproducción Hong Kong-Taiwán 1
- Coproducción Hong Kong-Taiwán-Alemania 1
- Coproducción Japón-Estados Unidos 2
- Coproducción Japón-Francia 3
- Coproducción Taiwán-Estados Unido 1
- Coproducción Taiwán-Japón 1
- Daiei Films 1
- Daiei Studios 4
- Daiichi Eiga 1
- Film Workshop 2
- Fuji TV 3
- Golden Harvest Company 3
- Government of West Bengal 1
- J-Movie Wars 1
- Jeonwonsa Film 1
- Kim Ki-Young Production 1
- Kurosawa Production Co. 1
- Machi Xcelsior Studios 1
- Milestone Pictures 1
- Moho Films 3
- New Line Cinema 1
- Next Entertainment World 1
- Nikkatsu 2
- Ninjin Club 1
- Nintendo 1
- Nippon Animation 1
- Opus Pictures 1
- Satyajit Ray 1
- Shin Cine Communications 1
- Shintoho 2
- Shochiku 5
- Shôchiku 4
- Studio Chizu 1
- Studio Ghibli 1
- Super Bullet Pictures 1
- Tatsunoko Production 1
- TMoment 1
- Toei 4
- Toei Animation 5
- Toei Company 1
- Toei Tokio 1
- Toho 24
- TV Tokyo 1
- Warner Bros 3
- Xi 'an Motion-Picture 1
AÑO LANZAMIENTO
Director
- Akira Kurosawa 21
- Akira Toriyama 3
- An Tae-jin 1
- Ang Lee 1
- Atsushi Muroga 1
- Benny Chan 1
- Bong Joon-ho 2
- Brett Ratner 1
- Bruce Lee 1
- Chen Kaige 2
- Ching Siu-Tung 1
- Clarence Fok 1
- Elichi Kudo 1
- Fritz Lang 1
- Hayao Miyazaki 1
- Hirokazu Koreeda 1
- Hiroshi Inagaki 4
- Hiroshi Shidara 1
- Hong Sang-soo 1
- Hou Hsiao-Hsien 1
- Isao Takahata 3
- Jae-Hoon Choi 1
- Jang Sun-woo 1
- Jia Zhangke 1
- John Woo 4
- Jung Woo-sung 1
- Junya Sato 1
- Kao Pao-Shu 1
- Katsuhiro Otomo 1
- Keisuke Kinoshita 1
- Kenji Mizoguchi 6
- Kenji Tanigaki 1
- Kenneth Bi 1
- Kim Ki-young 1
- Kinji Fukasaku 2
- Kiyoshi Kurosawa 1
- Kon Ichikawa 3
- Kunio Watanabe 1
- Kunitoshi Manda 1
- Makoto Shinkai 1
- Mamoru Hosoda 1
- Mamoru Oshii 1
- Masahiko Nagasawa 1
- Masakazu Hashimoto 1
- Masaki Kobayashi 2
- Masayuki Hayashi 1
- Mikio Naruse 2
- Na Hong-jin 1
- Nagisa Ôshima 1
- Osamu Kasai 1
- Park Chan-wook 5
- Ping Lumpraploeng 1
- Rob Jabbaz 1
- Robert Clouse 3
- Sammo Hung 1
- Satyajit Ray 2
- Seiji Maruyama 1
- Shuji Terayama 1
- Takumi Furukawa 1
- Tomoharu Katsumata 1
- Tōru Murakawa 1
- Toshiharu Ikeda 1
- Toshiya Fujita 1
- VARIOS 1
- Wang Quan'an 1
- Wong Jing 1
- Wong Kar-Wai 1
- Yasujirō Ozu 6
- Ying Da 1
- Yōjirō Takita 1
- Yoshitaro Nomura 1
- Zhang Yimou 1
Price
CATEGORÍAS
- Accessories 3
- GÉNERO 3865
- Acción / aventuras / artes marciales 1219
- Animación / Anime 135
- Asiatico 128
- Bélico 234
- Ciencia ficción / SCI FI 389
- Clasico 1083
- Comedia 821
- Contemporáneo / moderno 136
- Documental 29
- Drama 2018
- Erótico / adultos 32
- Europeo 916
- Infantil 196
- Musical 184
- Religioso 83
- Romance 559
- Social / político 720
- Super héroes y comics 87
- Terror 566
- Thriller/ Policíaco 1314
- Western 184
- IMPORTACIÓN 103
- NOVEDADES 1237
- PREVENTA 283
Asiatico
SAMURAI II
Género
Drama. Aventuras | Biográfico. Histórico. Siglo XVII. Japón feudal. Samuráis. Secuela
Grupos
Trilogía Samurái
Sinopsis
Tras años recorriendo multitud de lugares, labrando su reputación como el más grande luchador del Japón, Takezo regresa a Kioto para enfrentarse al líder de la más prestigiosa escuela de samurais de la región. Como demostración de su valor, Takezo se dirige deliberadamente hacia una emboscada preparada por los seguidores de la escuela, mientras el joven y brillante luchador Sasaki Kojiro le observa, con el convencimiento de que puede derrotar a Takezo
(Hiroshi Inagaki, 1955)
CRITICAS
Aunque la segunda entrega de la trilogía del Samurai baja un poco el nivel de su antecesora, el film de Hiroshi Inagaki sigue siendo una gran película de aventuras.
El film retoma la acción de la primera entrega tres años después de que Takezo dejase atrás su pasado para seguir formándose como samurai. Takezo se ha forjado una gran reputación y es conocido por todos con el nombre de Musashi Miyamoto, un distro samurai respetado y temido a partes iguales. Takezo regresa a Kyoto y reta al líder de una importante escuela de samurais. También tendrá tiempo para reencontrarse con su pasado, y se verá en la encrucijada de renunciar o no, al amor de la mujer a la que ama. Y por si faltara algo en esta segunda entrega, Takezo también conocerá a Sasaki Kajiro, un joven que parece tener la misma destreza que él con la espada.
“Samurai 2” quizás esté por debajo del nivel de la primera de la saga, ya que en esta entrega Inagaki se centra más en las escenas de acción que en desarrollar la historia, que a pesar de avanzar, no introducen cambios importantes. Por suerte el director nos regala un final en el que nos introduce de lleno es la tercera parte. Sasaki Kajiro te espera…
Segunda película de que es la biografía del gran mito samurái japonés, Shinmen Musashi del pueblo llamado Miyamoto, y que pasaría a la historia como Miyamoto Musashi.
Rodado con el típico buen hacer de las películas de samuráis de la época y con un joven Mifune que empezaba con lo que sería su larga trayectoria de películas haciendo de samurai. en principio me resulto una película un tanto oscura no por su complejidad, más bien porque tenía el brillo de la pantalla por debajo de 50 y no se ve casi nada porque toda la acción es de noche, cosa por otro lado normal para lo que eran los duelos. y es que esta película no cuenta otro cosa que el duelo que convertiría a Musashi en una leyenda. Por otro lado me sorprendieron las inclusiones de los pensamientos de Musashi (históricos claro) lo que le da un mayor grado de hagiografía a la película.
Recomendada en varias webs como una de las mejores 10 películas de samuráis de la historia, junto a la primera y tercera parte.
SANJURO
- Género
Acción. Aventuras | Japón feudal. Samuráis. Secuela
Sinopsis
En el Japón de la era Tokugawa, un grupo de nueve jóvenes samuráis está decidido a acabar con la corrupción reinante y a acabar con todos los que están relacionados con ella. Consiguen el apoyo del inspector de policía Kikui y se preparan para llevar a cabo su plan. Poco después, aparece Sanjuro, un personaje salido de entre las sombras, que empezará a actuar y a poner orden en medio del caos.
(Akira Kurosawa, 1962)
Fotografía
Fukuzo Koizumi, Takao Saito (B&W)
CRITICAS
Otra película «ligera» de Kurosawa. Del género de samurais o «jidai-geki», es una continuación de la exitosa «Yojimbo». Tal vez un poco inferior a ésta en algunos aspectos pero no por ello desdeñable, incluye aventura, grandes enseñanzas y momentos de humor.
Toshiro Mifune realiza una composición en la línea de Yojimbo, un pulgoso y desastrado ronin, samurai sin señor, de vuelta de todo que intuye y visualiza las situaciones a las que se tendrán que enfrentar él y sus protegidos, un grupo de samuráis de clase alta, doblemente torpes ya que por un lado su ingenuidad les lleva a meterse en la boca del lobo una y otra vez y por otra parte no escuchan la voz de la experiencia que representa Sanjuro, apoyándose en percepciones y prejuicios que pronto demuestran ser erróneos. Tal es su ineptitud que hasta un guarda enemigo con no muchas luces pero con más sentido común, prisionero de los samuráis se atreve a darles consejos a pesar de su situación poco favorable.
Entre los secundarios destaca Tatsuya Nakadai, que protagonizaría «Rashomón» y «Ran», como el lugarteniente de los villanos a los que se ofrece Sanjuro y con el que empaliza. Takashi Shimura es uno de los corruptos funcionarios que retienen prisionero al chambelán y al que el grupo pretende liberar.
La aparición de mujeres en la historia, la mujer del chambelán y su hija, produce no pocos inconvenientes al grupo, además de momentos jocosos (Ayyy, ese granero…). También aportan soluciones y enseñanzas, sobre todo a Sanjuro, que encuentra en la vieja dama la horma de su zapato.
A destacar el duelo final, de gran intensidad. En el «spoiler» lo destripo parcialmente pero aporto una anécdota interesante.
En definitiva, película muy interesante del cine japonés y que también recomiendo como introductoria al universo de este director.
SCARLET – EDICION METALICA 4K UHD
Género
Animación. Aventuras. Fantástico. Romance | Animación para adultos. Venganza
Sinopsis
Una princesa medieval experta en el manejo de la espada se embarca en una peligrosa misión para vengar la muerte de su padre. Tras fracasar en su misión y encontrarse gravemente herida en un ‘Otromundo’, conoce a un joven idealista de nuestro presente que no solo la ayuda a curarse, sino que le muestra la posibilidad de un futuro libre de amargura y rabia. Cuando se enfrenta de nuevo al asesino de su padre, Scarlet se enfrenta a su batalla más difícil: ¿podrá romper el ciclo del odio y encontrar un sentido a la vida más allá de la venganza?
(Mamoru Hosoda, 2025)
CRITICAS
Es muy difícil valorar una obra de un artista sin equivocarse. Esta película es la obra de un artista, y eso me gustaría valorar.
No es, desde luego, para cualquier persona, pues no resulta fácil entrar en el mundo y la reflexión que propone el director, seguir sus alegorías y su forma de representar la naturaleza humana. A eso se une lo acostumbrados que estamos al relato y la narrativa occidental, especialmente norteamericana, y lo alejado que está oriente a esa percepción de la vida, y de la muerte, y de la forma de pasar por ambas. Es curioso, a este respecto, como han tenido que vender la película en occidente para arrastrar al cine a los espectadores, poniendo el acento, por supuesto, en guerrera y espadas. Yo pude hacerlo, pude sumergirme en lo que propone el director, afortunadamente, y la disfruté mucho. Pero más allá de eso lo que me empuja a calificar como muy buena la película es el innegable esfuerzo por contar algo, por proponer una nueva visión, una aportación a un mito occidental reconocido.
Es interesante ver como Hosoda entremezcla una trama con giros muy shakesperianos -traiciones familiares incluidas- con todo un despliegue de creatividad a la hora de imaginar nuevos mundos. Eso sí, en este último punto, no consigue sacarle todo el provecho y se acaba estancado. Esa misma dualidad fallida sucede con el diseño animado que presenta. La combinación de personajes 3D con dibujos y fondos trazados a mano funciona de forma irregular y, en algunos momentos emotivos, llegan a sacar al espectador de la acción.
Asimismo, el final precipitado y los mensajes sobreexplicados dejan un regusto agridulce e infravaloran al espectador. El hecho de que el metraje se alargue en exceso tampoco ayuda a elevar la experiencia. Aun así, «Scarlet» deja una aventura con buenos valores y una sencilla trama del bien contra el mal. Esta queda encarnada en la figura del tío Claudio, quien demuestra cómo la ambición sádica, el egoísmo y la codicia corrompen a las personas.
El sonido, a veces ensordecedor, que acompaña a la representación de mundos ideados, y la forma de presentar y representar a los personajes me ha mantenido cautivado, a eso se ha unido una reflexión que, sin ser original, sin dejar de estar manida, le da empaque y peso al viaje de Scarlett. Un disfrute sin duda.
SCORE (VIOLENCIA CALLEJERA)
Género
Acción | Crimen. Robos & Atracos
Sinopsis
Un atracador de bancos, que está purgando su pena en la cárcel, es liberado bajo fianza. Un gángster ha pagado por él y le obliga a robar más bancos, hasta que la fianza le esté íntegramente reembolsada. El último atraco consiste en el robo de una joyería para el que necesita la ayuda de tres de sus viejos amigos
(Atsushi Muroga, 1995)
CRITICAS
«Chance», un atracador de bancos profesional, es liberado de la cárcel por un jefe mafioso que a cambio le exige que asalte un importante joyería. Todo va sobre ruedas hasta que de camino a la fábrica abandonada donde van a hacer entrega de las joyas se cruzan con una pareja de autoestopistas ( sin duda los mejores personajes de la película) mezcla de «Los asesinos de la luna de miel» y Clarence y Alabama de «Amor a quemarropa», que deciden hacerse con el botín.
A partir de ahí todo son tiros, sangre, gritos y persecuciones.
En resumen, una delicia friki y trasnochada de esas que le gustan al señor Tarantino.
Yo personalmente la he disfrutado bastante, aunque lo harás más todavía si sabes lo que te dispones a ver.
SEOUL
Género
Acción. Thriller
Sinopsis
Mientras se dirige al aeropuerto de Seúl, el detective japonés Hayase se ve envuelto en la persecución de unos ladrones que intentan robar un vehículo de seguridad. Algunos de los ladrones consiguen escapar, así que Hayase tiene que quedarse en Seúl para ayudar a identificar a los ladrones que han huido. Forma equipo con el detective coreano Yeong Choi y descubren que los malhechores son unos terroristas que, con el secuestro del ministro de asuntos exteriores japonés, planean boicotear la próxima cumbre de mandatarios asiáticos. ¿Podrán Hayase y Yeong Choi localizar a la banda de terroristas en la ciudad de Seúl y sólo en 72 horas?
(Masahiko Nagasawa, 2002)
CRITICAS
Combina momentos de drama emocional, pasajes de humor y un interesante choque entre las culturas coreana y japonesa, culminando en una conclusión positiva que apunta hacia el entendimiento e incluso una ligera reconciliación entre dos pueblos históricamente enfrentados.
Este componente cultural aporta una personalidad propia a la película y la diferencia de otras producciones similares. Aunque el eje principal sigue siendo el suspense, acompañado por algunas secuencias de acción, estamos ante una película moderna y estilizada que evita las escenas de artes marciales típicas de muchas producciones asiáticas. Lo que realmente sostiene esta propuesta tan diversa son sus dos protagonistas: un policía japonés y otro coreano, completamente opuestos entre sí. Su relación constituye el auténtico corazón de la historia.
Los personajes son tan complejos e interesantes que la película podría considerarse tanto un estudio de personajes como una reflexión sobre la cultura, la mentalidad y la sociedad de Corea y Japón. Además, representan dos generaciones diferentes y el inevitable choque entre ambas. Tanto Tomoya Nagase como Min-su Choi realizan interpretaciones magníficas y consiguen que sus personajes resulten inolvidables.
Al principio, la trama parece bastante sencilla y convencional. Sin embargo, gracias al carisma de los protagonistas, la historia logra mantener el interés. Y justo cuando uno cree estar ante un thriller ordinario sobre un secuestro, aparece un giro argumental inesperado que transforma la película en una historia de robo y conspiración mucho más ambiciosa.
SEVEN SAMURAI / LOS SIETE SAMURAI – EDICION COLECCIONISTA 4K UHD – IMPORTACION
Género
Aventuras. Drama | Japón feudal. Siglo XVI. Samuráis. Película de culto
Sinopsis
Japón, Siglo XVI. Una aldea de campesinos indefensos es repetidamente atacada y saqueada por una banda de forajidos. Aconsejados por el anciano de la aldea, unos aldeanos acuden a la ciudad con el objetivo de contratar a un grupo de samuráis para protegerlos. A pesar de que el único salario es comida y techo, varios samuráis se van incorporando uno a uno al singular grupo que finalmente se dirige a la aldea.
(Akira Kurosawa, 1954)
CRITICAS
Kurosawa puede quedarse a gusto, pues únicamente habiendo realizado esta obra cumbre ya entraría en los anales del cine. Este fresco que realizó sobre la historia del Japón feudal y sus costumbres es algo más que una peli de aventuras. Durante casi cuatro horas, nos sumergimos en el Japón como si estuviéramos allí, contemplando las batallas, ayudando a los campesinos, o buscando samuráis. Un auténtico monumento, una obra de amor al cine, una película perfecta.
La épica que tiene impresa toda la película es sin duda su gran fuerte. Partiendo de la base de que el género de aventuras es monotemático y tópico, esta película ya tiene un punto a favor. Y en su largo metraje, Kurosawa muestra una gran variedad de personajes. Le da tiempo a mostrarnos cada recoveco de los samuráis, pero también de la gran mayoría de los campesinos. La intención de Kurosawa es que, al acabar la película, entendamos por qué cada samurái ha aceptado el cargo de defender a los campesinos, y llegamos a la cuenta de que ninguno tiene los mismos motivos que el otro. Sus personajes nunca son planos, pues sabemos su pasado, su presente, y lo que esperan del futuro con apenas una conversación. Son personajes que viven, con sus preocupaciones, y se basan el un codigo, el bushido, marcado por el honor, el valor y el respeto. Y ello es extraño en una película de aventuras, pues se podría decir que Kurosawa » deja de lado » la acción. Y todo ello por no hablar del extraordinario final por la batalla. Unas escenas finales llenas de un lirismo auténticamente fordiano, y que superan con creces algo que a veces estropea una película: un mal final.
Pero a todo esto hay que añadirle el cuidado que pone Kurosawa en mostrar como era el Japón retratado en la película. Parece casi un fresco, una fotografía tomada en pleno Japón feudal. Todas las costumbres, sentimientos, e ideas propias de la época están reflejadas en la pantalla: la misoginía, la cobardía de los campesinos, la valentía de los samuráis, la amistad y el honor, algo importantísimo en unos personajes llenos de tanto carisma.
Y ya no me queda más que hablar de la dirección del maestro. Su dirección es sencilla, pura, sin efectismos baratos para dar más espectacularidad. Sus escenas intimas están recreadas de una forma lírica, pero real al mismo tiempo, con unas escenas de batalla en la que sabemos en todo momento lo que está ocurriendo gracias a que Kurosawa, al igual que el maestro Ford, no mueve la cámara a no ser que sea necesario, apoyada en la sutileza a la hora de contar los hechos, como cuando rescatan a un niño sin saber qué ocurre. Sin un montaje frenético, sabemos siempre que pasa, pues plantea las coreografías como un verdadero samurái planificaría la batalla. Y para ello contó con un reparto único, presidido por sus dos protagonistas favoritos: Mifune y Shimura, que alcanzan en esta película unas cotas interpretativas supremas.
Sympathy for the underdog – IMPORTACION – Simpatía por el más débil
Género
Drama. Cine negro | Crimen. Yakuza & Triada
Sinopsis
Gunji, un yakuza envejecido y liberado tras pasar 10 años en prisión, quiere reunir a su antigua banda para recuperar su lugar en el mundo del crimen de Yokohama.
(Kinji Fukasaku, 1971)
CRITICAS
Tras rendirme ante el gran Fukasaku de la saga de yakuza más concienzuda de la historia del cine, “Yakuza papers”, me dispongo a seguir con interés su filmografía. En el camino me encuentro una joya oculta, cuyo título habrían filmado los Rollings: “Sympathy for the underdog”.
Gran película japonesa de yakuza, una de las grandes del género, en la inequívoca línea marcada por el cineasta nipón en toda su filmografía. En esta ocasión, se reduce el número de escenas multitudinarias, plagadas de extras repartiendo estopa. En su lugar hay una tendencia más cercana a los primeros planos y escenas de transcurso más pausado que de costumbre, siempre teniendo en cuenta que es Fukasaku al fin y al cabo, todo dentro de lo admisible dentro de su estilo (lo que él entendiera por primer plano y escena pausada, que no tiene que coincidir necesariamente con el concepto que tenemos los demás).
He visto por alguna parte que Kitano se inspiró en esta película para su “Sonatine”, pero lo cierto es que, después de verla, puedo afirmar que eso no es del todo cierto, sino que la película producto de esa inspiración fue “Brother”. Los paralelismos son abundantes, para empezar las inseparables gafas de sol del protagonista, seña de identidad, además de la trama de caída y ascenso progresivo dentro del crimen organizado, la presencia de los americanos de turno y el sentimiento de hermandad que surge entre los integrantes de la pandilla, que aciertan a llamarse entre ellos “brother” o “bro” en la versión subtitulada en inglés.
Absolutamente recomendable para amantes del cine asiático o de mafia.
THE APU TRILOGY (La trilogia de APU) ED. Criterion
«Son películas que hay que ver – cine humanista en su mejor versión (…) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)»
Género: Drama | Familia. Pobreza. Infancia. Años 1910-1919
Grupos: Trilogía de Apu (Satyajit Ray) | Adaptaciones de Bibhutibhushan Bandyopadhyay
- Pather Panchali (La canción del camino)
Sinopsis
Narra la historia de una familia bengalí acuciada por la mala suerte. El padre, Harihara, es un sacerdote seglar, curandero, soñador y poeta. Sabajaya, la madre, trabaja para alimentar a su familia, que recibe con alegría y esperanza la llegada de un nuevo hijo, Apu.
Es el primer film de «La trilogía de Apu»
- Aparajito (El invencible)
Sinopsis
Relata la juventud de Apu en Benarés, su deseo de independizarse y estudiar en Calcuta para poder llevar una vida diferente a la que han conocido sus padres.
Segundo film de la «Trilogía de Apu»
- Apur Sansar (El mundo de Apu)
Sinopsis
Apu, que ha logrado trágicamente su ansiada independencia, siente reforzada su ansia de conocimiento. Sus deseos de escribir, soñar y amar parecen cumplirse cuando conoce a Aparna y se casa con ella.
Tercera y última parte de la «trilogía de Apu»
Posición en rankings FA
3 Mejores secuelas de la historia del cine
14 Mejores películas de los años 50
41 Mejores películas de drama
57 Mejores películas de la historia del cine
Premios
1961: Premios BAFTA: Nominada a Mejor película
1960: Premio del National Board of Review: Mejor película extranjera
1960: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor película extranjera
THE BEAST TO DIE
COMPAÑIA
Toei Tokio
GENERO
THRILLER DRAMA ASIATICO ACCION
SINOPSIS
Un periodista que cubrió la guerra de Vietnam se vuelve mentalmente inestable y se embarca en una ola de robos y asesinatos.
(Tōru Murakawa, 1980)
The Bounty Hunter Trilogy (Limited Edition) (Elichi Kudo)
Descripción del producto
Antes de hacerse un nombre en Lone Wolf and Cub, Tomisaburo Wakayama protagonizó este tríptico de violentos espectáculos de samuráis que se inspiran en James Bond y los Spaghetti Westerns, pero que presentan el estilo familiar y la acción sangrienta de la época.
Wakayama interpreta al doctor y espía a sueldo Shikoro Ichibei, quien en Shigehiro (The Streetfighter) Ozawa’s Killer’s Mission es contratado para evitar la venta de armas de fuego a un Shogun hostil. En la continuación de Eiichi (13 Assassins) Kudo, The Fort of Death, Ichibei es contratado en una misión al estilo de los Siete Samuráis para proteger una aldea de agricultores de un Señor despiadado. En la última película, Ozawa regresa para Ocho hombres para matar, en la que contratan a Ichibei para recuperar un alijo de oro robado de la mina del gobierno. Con una variedad de armas y dispositivos que enorgullecerían a Q con Ichibei apoyado por un grupo de ayudantes que incluyen compañeros espías, ronin y ninjas femeninas, las películas de Bounty Hunter ofrecen emociones de acción en abundancia y merecen estar junto a las célebres epopeyas de acción que siguieron.
«[Kudo es] un estilista extraordinario… Llamarlo un hábil director de acción es subestimar el poder de sus escenas.»
Wakayama es increíble como el astuto, descarado y corpulento espía samurái que lanza espadas… Si solo conoces a Wakayama Tomisaburo por su papel más famoso de Ogami Itto en las películas SIX LONE WOLF AND CUB (1972-1974), te espera un placer aquí.»
Género Acción y aventura
Formato Blu-ray
Idioma Japonés
Duración 4 horas y 35 minutos
Subtítulos en inglés opcionales.
THE BOXER
Género
Drama | Deporte. Boxeo
Sinopsis
Hayato fue un gran boxeador que actualmente vive desdichado apagando sus penas con alcohol. Un día se presenta en su casa Tenma solicitándole ayuda para entrenarlo y así poder llegar a ser una gran figura del boxeo. Aunque inicialmente Hayato no tiene intención alguna en entrenar al que fue el asesino de su hermano, una vez que averigua que este murió en un accidente fortuito, se decide a comenzar el entrenamiento.
(Shuji Terayama, 1977)
CRITICAS
Probablemente sea el único que piense así, pero prefiero ver esta película de boxeo inédita que la aclamada Rocky. Rocky se estrenó un año antes y existen innumerables similitudes. Terayama mejora la película original diez veces y convierte la historia en una película deportiva apasionante, tensa y entretenida.
La historia trata sobre un boxeador al que le acaban de decir que debería abandonar el boxeo. El día anterior, mata accidentalmente a un hombre en una obra en construcción. Se acerca al hermano de la víctima, quien fue maestro de boxeo años atrás, para que lo entrene y lo convierta en el próximo campeón.
Los montajes de entrenamiento (lo que a todos les encanta de Rocky) me parecieron la mejor parte de la película. Utilizando el paisaje industrial, las vías de tren desoladas, las carreteras abiertas y los puentes de hormigón, Terayama transforma una ciudad contaminada y en decadencia en algo estilizado y memorable. La historia es increíblemente predecible, lo que limita su estética extravagante característica, aunque todas sus demás técnicas de autor están presentes. Música impresionante, una paleta de colores cambiante, vías de tren y una clara influencia de Fellini.
THE BULLET TRAIN /Pánico en el Tokio Express
Género
Acción. Thriller | Trenes / Metros. Terrorismo. Escenario único
Sinopsis
Un grupo terrorista coloca una bomba en un tren bala que recorre el trayecto Tokio-Hakata. El tren, de nombre Hikari 109, explotará si el convoy baja de la velocidad de 80 km/hora. Un operador del tren (Sonny Chiba) se encargará de intentar desactivar la bomba y salvar a los 1500 pasajeros que viajan en el tren.
(Junya Sato, 1975)
CRITICAS
Unos radicales malignos pero con motivos, que no son indeseables vamos, se ven empujados por las adversidades a cometer actos criminales y le plantan una «bombaca» al eterno Shinkansen japonés (tren bala para el que no lo sepa), tan símbolo del sol naciente como los Ninjas, Mazinger, el Honda NSX, Godzilla o la señorita Hitomy Tanaka…
Toda autoridad tokiota que se precie se apunta al carro de las soluciones contrarreloj y las decisiones «difíciles» en un tour de force donde 1.500 pasajeros, si, ¡1.500! tienen las horas contadas.
La película mola mucho, es cool, friki, elegante, dura, y con las caras de un montón de japoneses estresados y temerosos de Baragon y Tokugawa pero con huevos suficientes como para que no les tiemble el pulso al enfrentar la anarquía de los radicales, radicales comandados con decisión y temor a partes iguales por el estupendo Ken Takakura, el legendario Clint Eastwood japonés que gastaba una mirada de los mil metros superior y que fue símbolo del cine «yakuza chino» de los lejanos 70, un tipo de los que molan, fumaba con estilo, montaba en moto con estilo y caminaba con estilo, ese estilo que sólo tienen los elegidos, le acompaña en el reparto Sonny Chiba, que sale poco, pero cuando sale mola y un funcionario de los trenes con un cronometro por el que irías al infierno a por helados.
Ellos y otros tantos componen un corre que te pillo muy satisfactorio con un ritmo creciente y con clímax realmente conseguidos, aderezado con una banda sonora mezcla de peli porno y cinta de Chuck Norris que te hace desear tener una Honda CB 400 e ir por ahí adelante con una camisa hawaiana abierta hasta la mitad mirando mal a la peña.
Hipnóticos los planos en los que al menos 10 japoneses cogen el teléfono con diversas caras de preocupación para atender las llamadas de los radicales y recomendable por las peleas de los pasajeros del tren poseídos por la tensión del momento o esos seguimientos eternos e inestables del Shinkansen mientras deambula por el Japón de los 70 sin poder bajar de 80 por hora so pena de saltar por los aires.
Recomendable a pesar de su duración, por entretenida, cool, por el señor Takakura y porque mola y punto, precursora según parece de la Speed de Keanu Reeves y otras tantas pelis occidentales de acción, un buen plato de sushi que sabe a cine de verdad!!
THE BURMESE HARP/ El arpa birmana
Género
Bélico. Drama | II Guerra Mundial. Música. Ejército
Sinopsis
Año 1945; los japoneses están a punto de firmar la paz en Birmania. Un soldado, admirado por sus compañeros porque toca el arpa, es nombrado mediador japonés
(Kon Ichikawa, 1956)
CRITICAS
La costumbre religiosa de enterrar, quemar, en resumen no dejar abandonados cadáveres humanos en plena intemperie, es característica de las religiones monoteístas y también de muchas otras, ya el hinduismo o la mayoría de las ramas del budismo como el asentado en Birmania. Y en esta labor religiosa va a desembocar un sargento japonés de la II Guerra Mundial, integrante del ejército nipón que invadió Birmania, cuando sufre una conversión producto del hastío de la guerra, el shock de la muerte multiplicada por muchos seres humanos y máxime cuando son muertes que él ha tratado de evitar pero que por pura cabezonería o fundamentalismo patriótico de otra gente no ha sido posible evitarlas.
Indudablemente este soldado no era cualquier soldado, sino un hombre sensible, un artista, un músico, inmerso en una guerra como suele ocurrir en todas las guerras donde siempre hay personas cordiales y pacíficas que se ven arrastradas por el sistema y los poderes a la confrontación sin ser ellos prototipos de personas violentas ni inclinadas a dañar a nadie.
El guión ciertamente no se ocupa de las barbaridades que los japoneses hicieron en ese país del sudeste asiático, sino anecdóticamente pone su punto de mira en un pelotón de soldados y un oficial (músico profesional) que avanzan por las tierras rojas de Birmania practicando cantos para mantenerse animados en ausencia de confrontaciones directas. Y sobre todo focalizando la historia en el citado sargento, con talento musical innato aunque sin estudios musicales, que toca el arpa birmana como los ángeles.
Es un película curiosa, noble, que apuesta por los valores humanos (compañerismo, piedad, misericordia, la música en el viejo sentido de método para calmar la «mala leche o mala sangre», dar sepultura a los muertos, etc.), valores humanos que son presentados como algo más fuerte y principal que las luchas y maldades también entre humanos.
Y esto, independientemente de que sea poco realista históricamente hablando, es una manera de encausar una película, pues en cine como en literatura o en pintura, escultura, arquitectura o simple decoración, no todos los intentos de llevar a cabo una obra de arte han de ser en su vertiente realista-copia de la realidad exacta, sino que también hay toda una gran variedad de conseguir mostrar la realidad suavizando, poetizando, limando, exagerando, fantaseando, imaginando otras caras ocultas de lo real, incluso mitologizándola (por algo existe el mito y tiene casi la misma antiguedad de uso que la razón).
THE FALL OF AKO CASTLE (Espadas vengadoras, 1978) ED. COLECCIONISTA 4K UHD BLU RAY
- Sinopsis
Lord Asano es condenado a hacer seppuku por el ataque a Lord Kira en el palacio del Shogun, y sus hombres deciden llevar a cabo la más honorable de las venganzas. - Nueva adaptación de la leyenda de los 47 ronin.
- Premios
1979: Japan Academy Awards: Nominada a Mejor fotografía.
CRITICAS
Nos muestra a un Fukasaku en pleno dominio de sus habilidades rindiendo tributo a los cineastas de antaño; la imagen, rica en detalles gracias a la fotografía de Yoshiro Miyajima y la dirección artística de Tokumichi Igawa, deleita con su bellísimo mosaico de intensos colores. Esta poética de la forma choca de inmediato con la violencia. Y conociendo al director la violencia se revela cruda y sin paliativos, haciendo hincapié su cámara, ya nerviosa, en la sangre derramada del corredor del castillo, mientras un desagradable (como siempre) Nobuo Kaneko portando el rostro de Yoshihisa se arrastra ante la furia del joven Teruhiko Saigo como Asano.
Desde este primer e impactante arranque, el primero elabora, al igual que ya hacía en sus viejas «yakuza eiga», una disyuntiva de gran importancia: el desafío contra la autoridad; pero el Japón de la posguerra y la recuperación económica no es el de la era Genroku. En este periodo feudal se siguen a ciegas códigos estrictos de honor y castigo, aun así dictados por burócratas cínicos y despiadados.
En adelante, y por medio de Yoshio Oishi, consejero jefe de Asano, quedarán enfrentados los conceptos de ley y justicia y la contradicción de las órdenes, pero sin quebrantar, en ningún momento, el código de honor y rectitud, vitales para que se cimente un sólido discurso acerca de la validez del código establecido por el Gobierno (dokusai-ho) contra el código del honor samurái (bushido), maestro de ceremonias a la hora de reunir a esos fieros sirvientes con el objetivo de vengar a su sacrificado señor (como sucedía con los clanes yakuza de «Batallas sin Honor ni Humanidad» u otras «crook stories» modernas).
Takada, y es algo que le viene muy bien a la conocida dinámica de acción colectiva del director, puede que modele el argumento con Oishi de figura central, sin embargo apuesta por sacarle el mayor jugo posible al magnífico reparto coral con el que se cuenta (sobresaliendo algunas de las caras más míticas del cine nipón, desde «Sonny» Chiba, Mariko Okada, Toru Minegishi, Hiroki Matsukata o Tetsuro Tanba a Shinsuke Ashida, Tsunehiko Watase, Sanae Nakahara, Yoshi Kato o la todavía muy joven Mieko Harada, e incluso por ahí veremos a Toshiro Mifune en un breve pero significativo cameo; desde luego un elenco estelar).
THE FURIOUS
Género
Acción. Thriller | Crimen. Artes marciales. Paternidad. Secuestros / Desapariciones
Sinopsis
Rainy, hija del experto en artes marciales Wang Wei, es secuestrada por una red de tráfico de menores. En un frenético intento de recuperarla, el padre se lanza a la guerra, enfrentándose a numerosos obstáculos mientras lucha contra criminales y policías corruptos. En el camino conoce a Navin, un periodista en busca de su esposa desaparecida. Ambos despliegan sus habilidades de combate mientras aprenden las virtudes de la confianza mutua.
(Kenji Tanigaki, 2025)
CRITICAS
‘The Furious’ es la primera película dirigida en solitario por Kenji Tanihaki, conocido hasta ahora por ser coordinador de especialistas y/o coreógrafo de acción en películas como ‘Raging Fire’ o ‘La ciudad de los guerreros’.
Y la primera película (en solitario) de Kenji Tanihaki es el recital de hostias que promete (y aspira a) ser. Un contundente y estilizado recital de hostias que destaca por sus excelentes coreografías, su agresividad física y, al igual que la citada película de Soi Cheang, un clímax brutal: Una intensa y sufrida pelea a tres bandas entre cinco contendientes, tras la que uno acaba tan machacado como tras la de Iko Uwais y Cecep Arif Rahman que ponía el broche de oro a ‘Redada asesina 2’. Y eso que uno sólo ha mirado (desde la incomodidad de su butaca).
Una pelea final en la que, por cierto, se vuelven a enfrentar Joe Taslim y Yayan Ruhian, en la que puede o puede no ser la revancha de aquella no menos mítica que ya mantuvieron, precisamente, en la primera ‘Redada asesina’…
En fin, que puede que a nivel de historia, guión o personajes ‘The Furious’ ni esté particularmente trabajada ni sea especialmente llamativa. Que como película sea muy simple y directa, no más que una excusa -con apenas tiempos muertos- para la tortas. Da lo mismo, que lo mismo da. Tanihaki va a lo que va, y va con todo a presentar un recital de hostias tan convincente y sucinto -ni de dos horas que pasan en un suspiro- como para convertir a ‘The Furious’ en un clásico moderno instantáneo de obligado visionado para los fans del género.
De los que hacen afición, de los que son leyenda.
En lo que esperamos no sea el único, sino el primero de al menos otro más; que sea, por qué no, su particular ‘Redada asesina’ o ‘Headshot’; esto es, la antesala de su particular ‘Redada asesina 2’ o ‘The Night Comes For Us’.
THE GRANDMASTER
Género
Drama. Acción | Artes marciales. Biográfico. Guerra Chino-Japonesa (II)
Sinopsis
Un relato sobre las artes marciales y el alma de la civilización china. Dos maestros de kung fu, Ip Man (Tony Leung), el hombre que entrenó al mítico Bruce Lee, y la bella Gong Er (Zhang Ziyi) se reúnen en la ciudad natal de Ip Man en vísperas de la invasión japonesa de 1936. El padre de Gong Er, un gran maestro de renombre, también viaja a esa ciudad para la ceremonia de su jubilación, que tendrá lugar en el legendario burdel El pabellón de oro. Historia de traición, honor y amor que se desarrolla en la tumultuosa época que siguió a la caída de la última dinastía china, un tiempo de caos y guerra, pero también una época de oro de las artes marciales en China
(Wong Kar-Wai, 2013)
CRITICAS
«The Grandmaster» no es una película de artes marciales al uso, ahí está la grandeza de la película y lo que ayuda a que el cine de Wong Kar-Wai tenga sentido entre combates de kung fu. La película no es siquiera una biografía en el más estricto sentido de la palabra. El realizador chino se centra en hablar de filosofía pura, de poesía a través de espectaculares combates que ponen el vello de punta. Si de un tema trata la película es del kung fu, pero no solo a nivel de arte marcial, a nivel de forma de vida. Elige la figura de Ip Man, interpretado por Tony Leung para hablarnos de ello, pero no es una película que abarque toda la vida del maestro de Bruce Lee. Solo es un personaje más en un precioso poema visual.
Una vez más, Wong Kar-Wai demuestra por qué es mi director asiático contemporáneo favorito. Maneja la cámara como nadie y le saca el máximo partido a cada toma. No solo en los combates, que son realmente espectaculares. También en el resto de escenas pone su toque particular creando esa atmósfera tan suya, tan impresionante. En «The Grandmaster» no destaca tanto, a excepción de otras películas del chino, el uso de la banda sonora. El film cuenta con una buena BSO, pero no es tan fundamental como en otras obras de Wong, que casi parece un personaje más fe la película.
En resumidas cuentas, «The Grandmaster» es una película excelente. Un bello poema visual, profundo y potente a partes iguales. Wong Kar-Wai ha sabido crear magníficas escenas de acción sin perder un ápice de su estilo íntimo, bello y personal. No busquéis una película de artes marciales como tal, no lo es. Tampoco una película biográfica sobre Ip Man, tampoco lo es. Eso sí, si como yo sois amantes del cine del director nacido en Shanghai, no dejéis de verla.
The Killer (El asesino) – EDICION COLECCIONISTA 4K UHD
Género
Acción. Thriller. Drama | Crimen. Amistad. Remake
Sinopsis
Sin abandonar su particular estilo que combina el melodrama al más puro estilo Douglas Sirk con la violencia de Peckinpah, el director asiático John Woo consigue su obra maestra dentro del género de acción «made in Hong Kong»: una violencia desatada irrumpe tras momentos de calma.
(John Woo, 1989)
CRITICAS
Partamos de la base de que John Woo hace pelis de acción. Es decir, cuando nos ponemos delante de la pantalla debemos pensar que en EE.UU. Steven Seagal hace «cine de acción». Por encima de la ley o Buscando justicia son películas calcadas del cine hecho en Hong-Kong, que fueron los verdaderos creadores de «las pelis de tiros», pero que no le llegan a la altura de los tobillos. A mí me encantan Jodorowsky y Bergman.
Una película muy recomendable, pero extrañamente una gran desconocida para la mayoría de la gente. Es cierto que no se trata ni mucho menos de una obra maestra, pero a mí me ha parecido una película muy digna, tanto que me parece la mejor de su director, John Woo.
Cuando veo The Killer, Woo en lo suyo es el mejor. Lástima que en USA hayan restado talento a este director en lugar de potenciarlo con el mejor presupuesto de que dispone (Black Jack con Dolph Lundgren, Cara a cara o Mission Imposible 2 son peores que su peor película en Hong Kong. Sólo en Windtalkers intuí algo del Woo original -sus temas de siempre: el honor, la amistad y el sacrificio-).
Pese a que las escenas de acción están bastante logradas, no se reduce solamente a ser la típica película de acción, y ese es en mi opinión su principal valor. Cuenta con un ritmo trepidante, y te mantiene enganchado desde el primer momento. Sin embargo lo más loable de este film es que no solo hay balas huecas por todos lados, también hay sentimientos, emociones y una buena trama. Podemos encontrar un conmovedor y a la vez original sentido de la amistad. Además hay momentos graciosos, como el encuentro entre el policía y el asesino en casa de la chica ciega.
Muy recomendable. Verdaderamente entretenida.
The Killer (El asesino) – EDICION COLECCIONISTA 4K UHD
Género
Acción. Thriller. Drama | Crimen. Amistad. Remake
Sinopsis
Sin abandonar su particular estilo que combina el melodrama al más puro estilo Douglas Sirk con la violencia de Peckinpah, el director asiático John Woo consigue su obra maestra dentro del género de acción «made in Hong Kong»: una violencia desatada irrumpe tras momentos de calma.
(John Woo, 1989)
CRITICAS
Partamos de la base de que John Woo hace pelis de acción. Es decir, cuando nos ponemos delante de la pantalla debemos pensar que en EE.UU. Steven Seagal hace «cine de acción». Por encima de la ley o Buscando justicia son películas calcadas del cine hecho en Hong-Kong, que fueron los verdaderos creadores de «las pelis de tiros», pero que no le llegan a la altura de los tobillos. A mí me encantan Jodorowsky y Bergman.
Una película muy recomendable, pero extrañamente una gran desconocida para la mayoría de la gente. Es cierto que no se trata ni mucho menos de una obra maestra, pero a mí me ha parecido una película muy digna, tanto que me parece la mejor de su director, John Woo.
Cuando veo The Killer, Woo en lo suyo es el mejor. Lástima que en USA hayan restado talento a este director en lugar de potenciarlo con el mejor presupuesto de que dispone (Black Jack con Dolph Lundgren, Cara a cara o Mission Imposible 2 son peores que su peor película en Hong Kong. Sólo en Windtalkers intuí algo del Woo original -sus temas de siempre: el honor, la amistad y el sacrificio-).
Pese a que las escenas de acción están bastante logradas, no se reduce solamente a ser la típica película de acción, y ese es en mi opinión su principal valor. Cuenta con un ritmo trepidante, y te mantiene enganchado desde el primer momento. Sin embargo lo más loable de este film es que no solo hay balas huecas por todos lados, también hay sentimientos, emociones y una buena trama. Podemos encontrar un conmovedor y a la vez original sentido de la amistad. Además hay momentos graciosos, como el encuentro entre el policía y el asesino en casa de la chica ciega.
Muy recomendable. Verdaderamente entretenida.
THE POOL
Género
Thriller. Terror. Drama. Acción | Cocodrilos. Supervivencia. Escenario único
Sinopsis
Tras quedarse dormidos, una pareja se despierta en una piscina vacía abandonada, de 6 metros de profundidad, sin escalerilla para subir. Sin posibilidad alguna de salir de allí, cuando gritan en busca de ayuda sólo oyen los sonidos de una granja de cocodrilos cercana
(Ping Lumpraploeng, 2018)
CRITICAS
Cine atrevido y original proveniente del sudeste asiático (Tailandia), el cual, es capaz de desarrollar una historia, tan absurda y embaucadora como entrañable. La historia de un perdedor, absorbido por una espiral, que lo arrastrará a un tsunami de emociones.
Decir que la película tiene muy buen ritmo, los protagonistas se encuentran inconvenientes uno tras otro y sufren continuamente con todas estas desavenencias.
Logras empatizar con el sufrimiento de ellos, aunque he de decir que suceden situaciones bastante irreales, y pensé que en circunstancias normales no tendría ninguna salvación, pero es una película y se acepta.
Modesta en su concepción, pero brillante en cuanto al guion y su desarrollo. Hacía tiempo que una película no me transmitía tanta angustia, emocionalidad, pero sobre todo, empatía.
Sorprendente, bien planteada, capaz de hacer sentirte parte de la odisea de Koy y Day. Una película la cual, el hecho de verla, me parece una fantástica idea.
THE SADNESS
Género
Terror | Gore. Pandemias
Sinopsis
Una pareja joven es llevada al límite de la cordura mientras trata de reunirse en medio del caos de un brote pandémico. Las calles se convierten en violencia y depravación, a medida que los infectados se ven empujados a realizar las cosas más crueles y horribles que te puedas imaginar. Asesinato, tortura, violación y mutilación son solo el comienzo. Ya pasó la era de la civilidad y el orden.
(Rob Jabbaz, 2021)
CRITICAS
Película Taiwanesa sobre infectados, tope sangrienta y muy bien realizada que es oro puro para los amantes de la sangre y lo salvaje.
Y es que tengo que decir que me ha parecido una de las mejores pelis sangrientas de los últimos años, así lo digo. Es un frenesí de sangre y perversión que no para y que te mantiene constantemente enganchado, salvajadas y diálogos perversos incluidos.
Por lo visto se desata un virus en el cual el infectado se convierte en una suerte de sádico maníaco y perverso sexual pero manteniendo la consciencia y sus recuerdos.
Los efectos especiales salvo en algunas ocasiones son casi todos protésicos y a la antigua usanza, y son de un nivel altísimo. De hecho es de lo mejor del film.
La idea del argumento es perfecta, todo sucede muy bien hilado y el razonamiento y sentido común de lo que nos proponen carece de fisuras de las que tristemente estamos acostumbrados.
Inclusive hay escenas que no son sangrientas que son verdaderas obras filosóficas y que generan las claves para entender lo que ocurre.
Contiene un montonazo de referencias al cine de terror
En su parte negativa diría que puede que haya gente a la que el guión le resulte algo básico, a priori, el argumento si pareciera que sea llano, nada rebuscado, infección, me persiguen… pero si miras entre líneas todo se ajusta a una idea muy bien estructurada y con una conclusión que me ha parecido grandiosa. Ver spoiler.
Lo dicho, todo buen amante del gore y del cine truculento no puede perdérsela.
Thirst
Género
Terror. Drama | Religión. Vampiros. Enfermedad. Drama romántico
Sinopsis
Sang-hyun, un caritativo sacerdote que suele visitar a los pacientes del pequeño hospital de su ciudad, vive atormentado por las dudas y la desesperación que le provoca un mundo dominado por el sufrimiento y la muerte. El deseo de salvar vidas lo lleva a África, para participar en un proyecto cuyo objetivo es encontrar una vacuna contra un virus letal. Allí contrae una enfermedad mortal de la que se recupera casi milagrosamente. La gente, convencida de sus poderes de curación, empieza a ir en peregrinación a su casa. Sin embargo, una noche, Sang-hyun sufre una recaída y muere. A la mañana siguiente, se ha convertido en vampiro: se siente animado por una nueva vitalidad, pero siente un gran rechazo por sí mismo, al verse transformado en una criatura sanguinaria.
(Park Chang -wook, 2009)
CRITICAS
Thirst es una de las películas más bellamente imperfectas que ha dado el cine fantástico en los últimos años, una gema sin pulir que nos llega de oriente y nada menos que de Park Chan Wook, uno de los pocos directores coreanos capaces de haber temblar los cimientos de aquellos géneros en los que se deja notar. Después de finalizar su trilogía de la venganza, probó suerte con resultados más o menos favorables en su aproximación ameliesca a la ciencia-ficción, “I’m a Cyborg, But It’s Ok”. Y ahora, antes de involucrarse en el remake de “Arcadia” de Costa-Gavras, nos ofrece su particular visión del vampirismo en su personal nuevo largometraje, a todas luces mejorable, pero por cuyas venas corre auténtico cine, la sangre de un cineasta de raza capaz de adorar y homenajear sin problemas un tipo de cine que, lamentablemente, ya no se hace.
En una época en la que los vampiros son jóvenes andróginos de piel perfecta y mirada intensa (Crepúsculo, Vampire Diaries), Chan Wook decide contarnos la historia de un cura feo que se convierte en vampiro por un experimento fallido. Con todas sus creencias derribadas, el joven sacerdote encuentra un apoyo en una joven y en la familia de ésta, ocultando su condición, descubriéndola poco a poco, durante una primera hora que sirve de presentación y que se toma su tiempo para explicar esta nueva mitología: no hay ajos, ni crucifijos, este vampiro es esencialmente humano, teme a lo que no conoce, tiene sentimientos, se siente solo, necesitado. Y esta nueva vida le está dando lo que no tuvo antes, todo a cambio de apenas unas gotas del líquido rojo.
La combinación de géneros requiere cierta habilidad para no salir maltrecho de ella. Creo que en esta película la forma de tratarlos hace que todos ellos se acoplen de manera adecuada -no se matan, se complementan-, lejos del enredo habitual y mayúsculo que supone.
En esta mezcla funcionan a la perfección los frecuentes momentos en los que se busca una salida cómica clandestina de la escena, a la vez que lírica, negociando con la extravagancia. Es un humor muy particular, original, diferente, a ratos macabro, en otros algo light, a veces con ingenio en la imagen, en la siguiente con una confesión, quizá malinterpretado.
Al final “Thirst” avanza entre zancadillas y chispazos ocurrentes. Siempre sorprendente el dónde va a parar, sin estación fija. No hay diálogos fingidos, tampoco chupasangres hipotéticos ni colmillos salientes con sangre brotando, ni siquiera imitaciones rebajadas de ‘capas Drácula’. Sí desmesura, se echa en falta cierto orden, más tranquilidad, menos vaivenes.
Park Chan-wook no ha ido a Transilvania, ni falta que hace, no vaya a ser que en el viaje olvide que los vampiros duermen en armarios y los cambie por ataúdes.
THIRST
Género
Terror. Drama | Religión. Vampiros. Enfermedad. Drama romántico
Sinopsis
Sang-hyun, un caritativo sacerdote que suele visitar a los pacientes del pequeño hospital de su ciudad, vive atormentado por las dudas y la desesperación que le provoca un mundo dominado por el sufrimiento y la muerte. El deseo de salvar vidas lo lleva a África, para participar en un proyecto cuyo objetivo es encontrar una vacuna contra un virus letal. Allí contrae una enfermedad mortal de la que se recupera casi milagrosamente. La gente, convencida de sus poderes de curación, empieza a ir en peregrinación a su casa. Sin embargo, una noche, Sang-hyun sufre una recaída y muere. A la mañana siguiente, se ha convertido en vampiro: se siente animado por una nueva vitalidad, pero siente un gran rechazo por sí mismo, al verse transformado en una criatura sanguinaria.
(Park Chan-wook, 2009)
CRITICAS
Es muy reconfortante constatar cómo cada año los distintos subgéneros se oxigenan reciclando sus variables y resultando siempre sorprendentes. Pero, por segundo año consecutivo, el vampirismo está de enhorabuena. Si “Let the right one in” supuso toda una joya fosilizada en el mismo día de su génesis, “Thirst” se ha convertido ya no sólo en la mejor aportación coreana al subgénero sino en la “película con colmillos” del año. Un colega la describió como “Crepúsculo versión hetero”, yo le añado además “con sentido del humor y la riqueza visual del cine asiático”. Pero, sobre todo, y en palabras de su director, “es una película para la que no he investigado la mitología existente, soy muy fan del subgénero, de hecho una de mis películas favoritas es “Martin” de George A. Romero.
Mi intención persiguió romper los estereotipos vampíricos para encontrar su esencia, ya veis que el protagonista ni tiene colmillos ni teme a los crucifijos, de hecho es sacerdote”. También es gracioso observar que en la “historia de amor” entre el protagonista y una mujer casada él es el virgen y ella “lleva los pantalones” en la cama, invirtiendo los roles encontramos la comedia y la originalidad.
Es sorprendente ver a Kim-ok-vin, coprotagonista, en carne y hueso durante la rueda de prensa, cualquiera que no haya visto la película diría que no tiene más de quince años y que ignora lo que tiene entre las piernas.
En definitiva, el título estrella de la jornada gustó al público aunque los comentarios sobre su duración excesiva son comunes. Además, una vez uno se recupera de la espectacular última media hora y recapacita se cerciora de que hay mucho material que sobra y que quizá su eliminación hubiera hecho la proyección más digestiva.
TRONO DE SANGRE
Género
Drama | Japón feudal. Siglo XVI. Samuráis
Grupos
Shakespeare: Macbeth
Sinopsis
Japón feudal, siglo XVI. Adaptación del «Macbeth» de William Shakespeare. Cuando los generales Taketori Washizu y Yoshaki Miki regresan de una victoriosa batalla, se encuentran en el camino con una extraña anciana, que profetiza que Washizu llegará a ser el señor del Castillo del Norte. A partir de ese momento, su esposa lo instigará hasta convencerlo de que debe cumplir su destino.
(Akira Kurosawa, 1957)
CRITICAS
Al trasladar la historia de Shakespeare al japón feudal, Kurosawa no sólo crea una adaptación de una obra literaria en imágenes, sino que consigue una intertextualidad hasta la fecha no vista. Como ya demostrara con Rashomon (1950), el director se adelantaba a su tiempo.
“Trono de sangre” es sin duda, la mejor adaptación cinematográfica de cuantas se han hecho de Macbeth (y una de las mejores adaptaciones literarias de la historia del séptimo arte) y al mismo tiempo, es la versión más alejada de los estrictamente escrito por W. Shakespeare. El director nipón, mutila parte del texto y cambia ciertos pasajes para construir un Macbeth cuya fuerza radica en la imagen y el plano escogido (al contrario que Welles, en “Trono de sangre” abundan los planos generales, suavizando así la tragedia; pero hay también, unos primeros planos que hielan la sangre -como cuando Washizu (el Macbeth de Shakespeare) y Miki (Banquo en la obra de teatro) adquieren los honores profecitados por la bruja o cuando Lady Washizu (L. Macbeth) convence a su marido para matar al rey-). Kurosawa realiza un meticuloso trabajo de cámara y una maravillosa puesta en escena. Es puro cine conseguido por un lenguaje cinematográfico apoteósico.
En “Trono de sangre” podemos apreciar a la Lady Macbeth (Lady Asaji Washizu interpretada por Isuzu Yamada) más pavorosa y fría. Kurosawa usa el plano fijo cada vez que Asaji confabula con su marido Taketori Washizu (Toshirô Mifune). Los movimientos suaves, casi gravitatorios de Asaji y un maquillaje fantasmal ayudan a crear a la mejor L. Macbeth de cuantas hayan sido adaptadas. Su suerte no despertará pena alguna en el espectador.
Al desprenderse más del texto, gana en universalidad (el director se queda con la naturaleza ambiciosa y manipulable del hombre para extrapolarlo a un mundo completamente ajeno al medievo europeo de primeros del milenio donde Shakespeare basó su obra) ,y la película se mueve más por el camino psicológico. Todo queda menos expuesto. La universalidad y atemporalidad de Shakespeare hacen que sus obras sean, en cierto sentido, fácilmente adaptables. Pero son pocas las que consiguen ir más allá de lo que dejó escrito el dramaturgo. Escasas son, las adaptaciones cinematográficas que intentan (y triunfan) al llevar a la pantalla no sólo la palabra (los diálogos y la naturaleza humana que Shakespeare radiografió) sino la esencia de la obra en imágenes imperecederas.
El brillante final, traidor al texto de Shakespeare, termina por destapar la importancia de esta obra. Kurosawa se desprende definitivamente del mejor dramaturgo de la historia, y lo hace sin arrugarse, saliendo airoso y cambiando de un plumazo la tragedia clásica por la épica.
UGETSU / Cuentos de la luna pálida
Género
Drama. Fantástico | Siglo XVI. Japón feudal. Sobrenatural
Sinopsis
Japón, siglo XVI. Durante la guerra civil, los aldeanos Genjuro y Tobei pretenden hacer fortuna: Genjuro como alfarero y Tobei como samurai. Ambos dejan a sus esposas abandonadas para cumplir con sus ambiciosos sueños. La misteriosa Lady Wakasa, otra víctima de la guerra, se cruzará en el camino de Genjuro.
(Kenji Mizoguchi, 1953)
CRITICAS
Ugetsu monogatari es una autentica joya del cine, es la belleza misma. Una interesante mezcla con lo más característico del cine japonés de la época: Tiene un poco de cine fantástico (está basado en una leyenda japonesa), un poco de melodrama, típico de la obra de Mizoguchi, de relato feudal, de retrato social, de cine de samuráis… Todo subyugado al tema, no por evidente menos certero, que gira alrededor de la avaricia y la codicia. Así, “Cuentos de la luna pálida de agosto” actúa como una especie de compilación de lo mejorcito del cine japonés.
En el apartado formal la película es impresionante, una de las cotas más altas del incuestionable maestro. Desde la milimétrica composición de los encuadres en los que tanto personajes como espacios y atrezzos están maravillosamente hilvanados, hasta la impresionante fotografía que dota a la película de un aureola fantasmagórica y tétrica excepcional, jugando con los claroscuros como pocas veces se ha visto en el cine. Los actores, como es común en Mizoguchi, están espléndidos y la música logra ese efecto unificador y mágico que tanto es de agradecer y tan pocas veces se «ve».
Formalmente, una maravilla. Una de esas pelis que todo cinéfilo en ciernes debería ver sí o sí para saber de qué va esto del cine. Pocas veces veremos en una gran pantalla una composición de planos tan perfecta, un aprovechamiento de la iluminación tan oportuno y un ritmo narrativo tan grácil y elegante.
Nada que objetar, tampoco, a su incuestionable moralina. Porque la tiene, claro ¿Y qué? Al fin y al cabo todos sabemos que la felicidad plena es una utopía y que “la avaricia rompe el saco” ¿no? Mizoguchi, en cualquier caso, demuestra que sabe manejarse como pez en el agua en el ámbito melodramático y que la desmedida expresividad interpretativa de los actores japoneses, bien canalizada, puede constituir un recurso cinematográfico tan legítimo como eficaz.
En definitiva, no por tópico menos cierto, una obra de arte.