Mostrando 1–24 de 29 resultados
TIPO
- CineCine 26
- SeriesSeries 1
FILTRAR POR GÉNERO
FORMATO
IDIOMA
- CASTELLANO 25
- InglésInglés 3
- INGLES 1
PRODUCTORA
- BBC 1
- Blowback Productions 1
- Canal+ España 1
- Ceskoslovenský Státní Film 1
- Coproducción Australia-Estados Unidos 1
- Coproducción España-Francia-Portugal 1
- Coproducción Francia-Irán-Alemania del Oeste (RFA) 2
- F.D. Cinematografica 3
- Golan-Globus Productions 1
- ICAA 1
- ICAIC 1
- Kamera Film Unit 2
- Le Musée d'Orsay 1
- Nautilus Films 1
- ParamountParamount 2
- Participant Media 1
- Praxis Films 1
- RTVE 2
- Warner Bros 2
AÑO LANZAMIENTO
Director
Price
CATEGORÍAS
- Accessories 3
- GÉNERO 3865
- Acción / aventuras / artes marciales 1219
- Animación / Anime 135
- Asiatico 128
- Bélico 234
- Ciencia ficción / SCI FI 389
- Clasico 1083
- Comedia 821
- Contemporáneo / moderno 136
- Documental 29
- Drama 2018
- Erótico / adultos 32
- Europeo 916
- Infantil 196
- Musical 184
- Religioso 83
- Romance 559
- Social / político 720
- Super héroes y comics 87
- Terror 566
- Thriller/ Policíaco 1314
- Western 184
- IMPORTACIÓN 103
- NOVEDADES 1237
- PREVENTA 283
Documental
El documental se caracteriza por presentar la realidad o unos hechos determinados. Tiene una finalidad informativa y didáctica principalmente e intenta exponer la realidad de forma objetiva. La credibilidad es clave en un documental. Sus personajes existen también fuera del film, antes y después del film. Es esto, y únicamente esto, lo que diferencia un film documental de un film de ficción
Una representación audiovisual de la realidad. Siendo dicha realidad el punto de vista del director, por tanto, la postura nunca podrá ser objetiva pero sí informativa
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BELLEZA NEGRA (Un caballo llamado Furia)
Género
Aventuras. Drama. Infantil | Cine familiar. Animales. Caballos
Grupos
Adaptaciones de Anna Sewell | Belleza Negra
Sinopsis
Un hermoso caballo negro vive diferentes aventuras desde su nacimiento hasta que se hace mayor. En el siglo XIX, en un establo en el corazón de Inglaterra, nace Belleza Negra y, a partir de entonces, y a lo largo de las dos décadas siguientes, el pequeño caballo vivirá las más emocionantes aventuras, llenas de fantasía y imaginación. Belleza Negra dependerá siempre del hombre. Vivirá momentos buenos y malos, tendrá dueños bondadosos y otros malvados, amigos inseparables e insensibles enemigos
(Caroline Thompson, 1994)
Posición en rankings FA
33 Mejores películas infantiles de imagen real
78 Mejores películas sobre animales
Críticas
«Una versión desgarradora y llena de belleza del libro».
«Aunque ya se ha rodado tres veces en la era del sonido, nunca se ha llevado a la pantalla fielmente o bien, una situación parcialmente remediada por esta interpretación conmovedora y bastante grave de esta perenne historia infantil»
La película transmite la nostalgia de cualquier ser vivo que ha tenido un pasado feliz y al que la vida ha golpeado; lo que podría haber sido y no pudo ser. El protagonista del film es Belleza Negra y no los humanos que pasan por su vida y el objetivo de la película es ponernos en el lugar de tantos seres injustamente tratados ayer, hoy y mañana, y eso, compañeros cinéfilos, es realidad. Belleza negra es un símbolo y este film rezuma sensibilidad.
CERVANTES CONTRA LOPE
Género
Drama | Literatura. Falso documental. Siglo XVI. Telefilm
Sinopsis
Narra el enfrentamiento entre los dos escritores debido a la publicación de la apócrifa segunda parte de «El Quijote» firmada por Alonso Fernández de Avellaneda. Rodada en falso documental, deja hablar a sus protagonistas, Cervantes y Lope de Vega, pero también a otras figuras como Góngora, Quevedo y a otros escritores, literatos, editores y protagonistas del Siglo de Oro
(Manuel Huerga, 2016)
CRITICAS
Muy buena idea original y magistral la ambientación, pero propiamente no es una película, sino entrevistas ficticias en donde los escritores clásicos elogiándose se lanzan pullas. Hay exceso de entrevistas de los escritores mirando a cámara demasiada didáctica y falta dramatismo, humor genuino y anécdotas que reflejen los valores de la época.
Hay material como para hacer el «Amadeus» de Milos Forman. Un Lope que abarca todos los géneros del teatro y la poesía de la época y querido por un público mayoritario, envidiando a un Cervantes que ha alcanzado un prestigio con el Quijote universal y genuino.
Un Quevedo acusando a Góngora de judío para que lo quemen en la hoguera (esto no sale) sino sus elogios mezclados con veneno y tampoco salen los prejuicios de la Contrarreforma de la época.
Hay demasiado respeto cursi hacia los clásicos,, como una necesidad de que se hable de ellos y aunque plantea sus envidias y sus sentimientos menos ensalzables, pero no se profundiza en estos sentimientos lo suficiente.
CITIZEN FOUR
Género
Documental | Espionaje. Internet / Informática
Sinopsis
En enero de 2013, Laura Poitras comenzó a recibir correos electrónicos cifrados firmados por un tal «Citizenfour», que le aseguraba tener pruebas de los programas de vigilancia ilegales dirigidos por la NSA en colaboración con otras agencias de inteligencia en todo el mundo. Cinco meses más tarde, junto con los periodistas de The Guardian Glenn Greenwald y Ewen MacAskill voló a Hong Kong para el primero de muchos encuentros con un hombre anónimo que resultó ser Edward Snowden.
Para documentar las sorprendentes y preocupantes revelaciones de Snowden, Poitras viajó siempre con una cámara. La película resultante es la historia que se desarrolla ante nuestros ojos en este documental
(Laura Poitras, 2014)
CRITICAS
Desgraciadamente no estamos ante una cinta política de ficción distópica, tipo “1984”, “Metrópolis” o “Gatacca”. Tampoco es una nueva serie de espionaje, nacida de las plumas prolíficas de John Le Carre o de Frederick Forsyth. Lo que la directora norteamericana Laura Poitras nos desvela en su documental “Citizenfour”, es el atentado a los derechos fundamentales más abyecto que un gobierno democrático ha cometido contra sus ciudadanos. Y no, no hablamos de estados totalitarios liderados por despóticos dictadores, no. Estamos hablando de del país que más presume de libertad, los EEUU de América.
Durante más de cuatro meses Laura Poitras estuvo recibiendo mensajes encriptados de “Citizenfour”. En ellos, el anónimo informante iba añadiendo datos y aportando pruebas sobre el espionaje masivo de la NSA (Agencia de Seguridad Nacional) norteamericana. En un correo electrónico de febrero de 2013, «Citizenfour» dice conocer cuales son las empresas de telecomunicaciones más grandes de los EEUU que suministran los datos a la NSA, traicionando la intimidad de sus clientes.
Tiene pruebas: –“Estamos construyendo la mayor arma de opresión en la historia del hombre. Sin embargo, sus directores se eximen de responsabilidad. El director de la NSA, Keith Alexander mintió al Congreso, puedo probarlo. Miles de millones de comunicaciones de Estados Unidos están siendo interceptadas.
En la recopilación de pruebas de irregularidades, me he centrado en el maltratado pueblo estadounidense, pero créeme cuando te digo que la vigilancia bajo la que vivimos es un privilegio en comparación a como tratamos al resto del mundo”-.
CIUDADANO BOB ROBERTS
Género
Drama | Sátira. Política. Falso documental
Grupos
Saturday Night Live (Películas)
Sinopsis
Bob Roberts, un cantante folk, anuncia su candidatura al Senado de los Estados Unidos por el estado de Pennsylvania. La campaña electoral resulta ser una trama con fines económicos, racistas y militares. Un humilde periodista revela la verdadera personalidad e ideas del candidato y de sus colaboradores.
(Tim Robbins, 1992)
CRITICAS
Tim Robbins nos muestra la peligrosa deriva del conservadurismo americano hacia las formas que hoy conforman el espectro neocon. No hay duda que que se podría decir que Robbins es maniqueo en su visión, y que desde su óptica izquierdista, mostrar a la derecha como fascista es poco menos que interesado y exagerado. Pués bien, para aquellos que piensen eso sólo tiene que echar un vistazo a la política actual de Bush o incluso a gente como Nicolas Sarkozy, políticos que han usado el mismo sistema que Bob Roberts para atraer votos (interesante el paralelismo entre la denuncia del Mayo del 68 que hace Sarkozy y la crítica de los años 60 por Bob Roberts). Vender miedo, vender el retorno de valores tradicionales, vender a la izquierda como el demonio, acusar a los logros en libertad social de los males de una nación precisamente en nombre de la libertad, vender sexismo, vender racismo, vender a Diós, vender seguridad, vender en definitiva mentiras.
Esta película se muestra como un claro precedente de los documentales políticos de Michael Moore e incluso los supera en visión afilada de la situación, porque allí donde Moore retrata Robbins predice. Y lo que es peor, acierta.
Demoledora. Un auténtico prodigio de denuncia política, que además se avanzo mucho a nuestros tiempos.
EL AMOR Y LA MUERTE. Historia de Enrique Granados
Género
Documental | Documental sobre música
Sinopsis
Documental que recrea la historia apasionante y tormentosa del compositor Enrique Granados en la Barcelona de finales del siglo XIX y principios del XX, sus viajes a Madrid, París y Nueva York, la lucha por la vida y los primeros triunfos… El relato se entremezcla con nuevas versiones de sus obras maestras a cargo de intérpretes de la talla de Rosa Torres-Pardo, Evgeny Kissin, Cañizares, Arcángel, Rocío Márquez, Carlos Álvarez o Nancy Fabiola Herrera, entre otros.
(Arantxa Aguirre, 2018)
CRITICAS
La directora madrileña Arantxa Aguirre vuelve a demostrar su talento en el género documental, y que logró las nominaciones a los premios Goya en 2007 y 2018 con » Hécuba, un sueño de pasión » y » Dancing Beethoven «.
El proyecto formó parte de la prestigiosa sección Tiempo de Historia de la pasada edición de la Seminci
En esta ocasión la directora vuelve a colaborar con José Luis López-Linares, que es parte fundamental en la producción y es el director de fotografía de esta película, y con el que había codirigido varios proyectos de calidad en el documental. Los dos cineastas se encuentran entre los mayores talentos nacionales en el género, y en esta ocasión el resultado es un notable largometraje de carácter biográfico sobre la figura de Enrique Granados, uno de los compositores españoles más importantes de finales del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX, junto a Falla y Albéniz, y que además de ser instructiva dando a conocer la vida personal y profesional del músico español, narrada en orden cronológico y al mismo tiempo tiene una calidad técnica muy elevada, lo que tiene más mérito teniendo en cuenta que es un proyecto de bajo presupuesto.
Lo que vemos se presenta mezclando imágenes en blanco y negro, una parte mediante animación de gran belleza plástica, y con unas voces en off conocidas, destacando las de Jordi Mollá como Granados y la de Emma Suárez en el caso de su mujer Amparo Gal.
La propuesta tiene momento alegres, otros más trágicos, y se recrean muy bien las ciudades de Barcelona y Nueva York de la época, con un recorrido lento por las Ramblas que es de lo más destacado de este largometraje.
El empleo de la animación en algunos momentos puede recordar a » Un día más con vida
( 2018 ) «, aunque en esta ocasión hay más de documental que de cine de animación.
Si a todas estas virtudes añadimos la música de fondo del compositor catalán, y el recorrido histórico por sus principales composiciones, el proyecto reúne todas las cualidades para que los aficionados al género no pierdan la oportunidad de disfrutar con una de los mejores documentales del año.
EL CAMINO A BRESSON
Género
Documental
Sinopsis
Dos jóvenes admiradores del director de cine Robert Bresson consiguieron entrevistarlo en Cannes, donde se presentaba su film ‘L’argent’ (1983). El documental analiza la concepción del cine y el estilo de Bresson. Contiene también entrevistas con personalidades como Andrei Tarkovski, Louis Malle, Paul Schrader o Dominique Sanda (actriz del film ‘Un femme douce’). Como colofón, el encuentro con Bresson, en su habitación de hotel.
(Leo De Boer, Jurriën Rood, 1984)
Hermético, rígido, huidizo, parco en palabras, austero en cuanto a la expresividad emocional. Así era el genio del cine europeo, y con ello tienen que lidiar los dos valientes estudiantes holandeses de cine, Leo De Boer y Jurriën Rood, para lograr este documental.
Trece obras en cuarenta años, obras que encontraban a la mayoría de su público entre la gente de los círculos cinematográficos, obras, algunas, que lograron que quebraran productoras
EL MANUSCRITO ENCONTRADO EN ZARAGOZA
Edic.Coleccionista/libreto
2 DISCOS MUY DIFÍCIL DE ENCONTRAR
Género: Fantástico, drama. Comedia | Surrealismo. Fantasmas
DESCRIPCION
El manuscrito encontrado en Zaragoza es el título en castellano de Rękopis znaleziony w Saragossie, una película polaca dirigida en 1965 por Wojciech Jerzy Has basada en la novela homónima del escritor polaco Jan Potocki.
La película fue estrenada en Polonia sin cortar sus 180 minutos de metraje original, pero al llegar a Estados Unidos se acortó hasta los 152 minutos y en el caso del Reino Unido no pasó de los 125. Durante los años 1990, Jerry García, junto con Martin Scorsese y Francis Ford Coppola, financiaron la restauración de una edición sin cortar de la película, que finalmente se editó en DVD en el año 2001. Este mismo montaje fue editado en España conjuntamente por Versus Entertainment / Notro Films, en una edición de 2 discos en DVD, con libreto (Madrid, 2007)
Sinopsis
El capitán de las tropas napoleónicas Alfonso van Worden, recién llegado a Madrid, descubre gracias a dos princesas moriscas que está destinado a grandes empresas, por las cuales deberá superar numerosas pruebas. Comenzará entonces una sucesión circular de aventuras, desarrolladas bajo la influencia de un cabalista y un matemático
Posición en rankings FA
16 Mejores películas polacas de todos los tiempos
117 Mejores películas de fantasía
EL MANUSCRITO ENCONTRADO EN ZARAGOZA
Género
Fantástico, drama. Comedia | Surrealismo. Fantasmas
DESCRIPCION
El manuscrito encontrado en Zaragoza es el título en castellano de Rękopis znaleziony w Saragossie, una película polaca dirigida en 1965 por Wojciech Jerzy Has basada en la novela homónima del escritor polaco Jan Potocki.
La película fue estrenada en Polonia sin cortar sus 180 minutos de metraje original, pero al llegar a Estados Unidos se acortó hasta los 152 minutos y en el caso del Reino Unido no pasó de los 125. Durante los años 1990, Jerry García, junto con Martin Scorsese y Francis Ford Coppola, financiaron la restauración de una edición sin cortar de la película, que finalmente se editó en DVD en el año 2001. Este mismo montaje fue editado en España conjuntamente por Versus Entertainment / Notro Films, en una edición de 2 discos en DVD, con libreto (Madrid, 2007)
Sinopsis
El capitán de las tropas napoleónicas Alfonso van Worden, recién llegado a Madrid, descubre gracias a dos princesas moriscas que está destinado a grandes empresas, por las cuales deberá superar numerosas pruebas. Comenzará entonces una sucesión circular de aventuras, desarrolladas bajo la influencia de un cabalista y un matemático
Posición en rankings FA
16 Mejores películas polacas de todos los tiempos
117 Mejores películas de fantasía
EL SOL DEL MEMBRILLO
Género
Documental | Biográfico. Pintura
Sinopsis
Ésta es la historia de un artista (Antonio López) que trata de pintar, durante la época de maduración de sus frutos, un árbol —un membrillero— que hace tiempo plantó en el jardín de la casa que ahora le sirve de estudio. A lo largo de su vida, casi como una necesidad, el pintor ha trabajado sobre el mismo tema en muchas ocasiones. Cada año, con la llegada del otoño, esa necesidad se renueva. Lo que el artista no ha hecho nunca en su pintura del árbol es introducir entre sus hojas los rayos del sol. Desde el estilo que le es propio —un estilo que parte de la exactitud— esa tentativa posee una gran dificultad, se revela, según las circustancias, casi como una imposibilidad. En esta ocasión decide afrontarla. Pero lo hace como es habitual en él, con una tensión razonable, sin perseguir siquiera el acabado del cuadro, sin otro afán que permanecer unas semanas junto al frágil y generoso árbol. La película da cuenta de esta experiencia y, a la vez, de todo aquello (el paso de los días, la rutina cotidiana de personas y cosas…) que gravitan sobre esa casa y ese jardín. Un espacio y un tiempo —otoño de 1990— donde el artista trabaja y los frutos del árbol llegan al momento de su máximo esplendor. Cuando el invierno empieza a anunciar su llegada, los membrillos maduros, al caer de las ramas, ponen punto final a la labor del pintor, iniciando en tierra el proceso de su descomposición. Es entonces cuando, en la noche, el pintor nos cuenta un sueño.
(Víctor Erice, 1992)
Premios
1992: Festival de Cannes: Premio del Jurado y Premio FIPRESCI
1992: Festival de Chicago: Hugo de Oro – Mejor película
Críticas
Documental que explora el proceso creativo del artista a través de la contemplación del pintor Antonio López pintando un árbol, un membrillo. Una clase magistral de tempo pausado y asombrosa sencillez que trata de seguir el rastro evolutivo de la creación de una obra de arte. Teniendo en cuenta que se trata de un documental poco convencional -incluso dentro de este género tan proclive a la experimentación- obtuvo un considerable éxito de taquilla, consiguiendo además -en general- muy buenas críticas. Desde luego, al menos por su singularidad y su temática, merece la pena verlo. Ahora bien, si busca consejo sobre si le gustará o no, poco importa la opinión de un crítico; «El sol del membrillo» es un film de autor personalísimo y diferente que atrapa, aburre o, como tercera opción, interesa al principio pero cansa algo al final de su largo metraje. En resúmen: a muchos les llegó a fascinar, pero no es apto para impacientes.
EPIC: Elvis Presley in Concert – EDICION METALICA
Género
Documental | Documental sobre música. Conciertos
Sinopsis
La figura del gran Elvis Presley, con imágenes de archivo y grabaciones nunca vistas del Rey del rock.
CRITICAS
Me encanta simplemente me encanta. Para mí, presenciar a Elvis Presley en concierto, especialmente en su etapa de apogeo en Las Vegas a principios de los 70 (tal como lo muestra la reciente experiencia inmersiva EPiC), es ser testigo de un fenómeno irrepetible donde la energía visceral supera cualquier producción moderna.
Mi opinión subjetiva y extendida es que el Rey no era solo un cantante, sino una fuerza de la naturaleza escénica: ver esas imágenes restauradas me hace sentir la electricidad que hipnotizaba a la multitud, un carisma puro que, a pesar de los años, sigue siendo contagioso.
Lo positivo es innegable: su voz era una potencia inigualable, profunda y versátil, capaz de pasar del rock duro al góspel con una facilidad pasmosa. Visualmente, el nivel de sus conciertos era un espectáculo de lentejuelas y swagger, donde su presencia física, moviéndose como un gato sobre el escenario, justificaba su apodo. La conexión con el público era, desde mi perspectiva, la mejor parte; él no cantaba para la gente, sino con ellos, a menudo relajado y bromeando, convirtiendo un gran show en algo íntimo.
Lo malo, desde una crítica más fría, radica en la inestabilidad de sus últimos años, donde los problemas de salud comenzaron a vislumbrarse en algunas actuaciones, pasando de la energía eléctrica a momentos de mayor pesadez escénica hacia 1976-1977. Sin embargo, si nos ceñimos a su retorno en 1970, ese es un Elvis enfocado, audaz y en la cima de sus habilidades, derribando la caricatura en que a veces se le ha convertido.
Musicalmente, la banda que lo acompañaba era sólida y, aunque él mismo admitía con humor su necesidad de moverse constantemente, lo que lo hacía una molestia para los cánones estrictos, ese «jittery» o nervio era precisamente lo que lo hacía grande. Al final, lo que me queda es la sensación de estar ante un artista que, a pesar de sus excesos, entendía el valor de dar un espectáculo inolvidable.
Como él mismo solía decir con su profunda voz al concluir sus shows, «Elvis has left the building» (Elvis ha dejado el edificio), dejándonos siempre con ganas de más. «La imagen es una cosa y el hombre es otra… es muy difícil vivir a la altura de una imagen.» — Elvis Presley.
Fraude
Género
Documental | Pintura
Sinopsis
Documental sobre el fraude y las falsificaciones que se centra en la figura del falsificador Elmyr de Hory y su biógrafo, Clifford Irving, autor también de la fraudulenta biografía de Howard Hughes. Asimismo relata la reclusión de Hughes y la carrera de Welles, que comenzó con la emisión radiofónica de una falsa invasión marciana: «The War of the Worlds».
(Orson Welles, 1973)
CRITICAS
Obra singular, escrita, protagonizada y dirigida por Orson Wlles. Se rodó en Ibiza (España), EEUU, Toussaint y otras localidades de Francia.
La acción principal, la del narrador, se desarrolla en 1973, en localidades de Francia, Irlanda, España y EEUU. La narración contiene una lúcida reflexión sobre los límites, imprecisos y complejos, que separan la verdad de la mentira, la realidad de la ficción. Tras el elogio a la magia, se explican fraudes célebres por su trascendencia, autoría o ambigüedad. Se refiere a Elmyr de Hory, pintor especialmente dotado para la imitación de grandes maestros, como Modigliani, Matisse, Van Dongen y Picasso; a Clifford Irving, autor de la falsa biografía de Howard Hughes; a las falsedades que jalonaron la vida de Howard Hughes; al programa radiofónico, de 1938, sobre el falso ataque alienígena a la tierra; y a otros fraudes.
La película combina fragmentos documentales y fragmentos de ficción, en un relato que contiene una interesantísima exploración de la combinación de verdad y mentira, certezas e incertidumbres, que se da en la vida, la realidad social, los relatos y biografías e, incluso, en el arte. La expresión más elevada de la acción humana, el arte, se apoya legitimamente en la ficción para provocar goce espiritual y emoción estética. La falsedad de la pintura se basa en el uso de pigmentos de escaso grosor, que producen imágenes que evocan realidades (perspectiva, profundidad, movimiento) que no están en el cuadro. Los actores dramáticos crean la ilusión de unos personajes que no están en el escenario.
En el mundo nada es sencillo, ni siquiera el fraude. El autor exalta el valor de la ficción, acepta la complejidad de la verdad y rechaza el fraude basado en afanes de lucro ilegítimo. El mayor mérito de Elmyr de Hory, presunto falsificador, consistió en quebrar la creencia en la infalibilidad de los expertos en arte, dictadores de la autoría de grandes pintores. El mayor mérito del arte consiste en que «es una mentira que nos hace descubrir la verdad».
La música, de Michel Legrand, refuerza el relato con melodías coloristas, brillantes y variadas. La fotografía adopta el formato documentalista con filmaciones de los actores y del narrador.
Fraude
Género
Documental | Pintura
Sinopsis
Documental sobre el fraude y las falsificaciones que se centra en la figura del falsificador Elmyr de Hory y su biógrafo, Clifford Irving, autor también de la fraudulenta biografía de Howard Hughes. Asimismo relata la reclusión de Hughes y la carrera de Welles, que comenzó con la emisión radiofónica de una falsa invasión marciana: «The War of the Worlds».
(Orson Welles, 1973)
CRITICAS
Obra singular, escrita, protagonizada y dirigida por Orson Wlles. Se rodó en Ibiza (España), EEUU, Toussaint y otras localidades de Francia.
La acción principal, la del narrador, se desarrolla en 1973, en localidades de Francia, Irlanda, España y EEUU. La narración contiene una lúcida reflexión sobre los límites, imprecisos y complejos, que separan la verdad de la mentira, la realidad de la ficción. Tras el elogio a la magia, se explican fraudes célebres por su trascendencia, autoría o ambigüedad. Se refiere a Elmyr de Hory, pintor especialmente dotado para la imitación de grandes maestros, como Modigliani, Matisse, Van Dongen y Picasso; a Clifford Irving, autor de la falsa biografía de Howard Hughes; a las falsedades que jalonaron la vida de Howard Hughes; al programa radiofónico, de 1938, sobre el falso ataque alienígena a la tierra; y a otros fraudes.
La película combina fragmentos documentales y fragmentos de ficción, en un relato que contiene una interesantísima exploración de la combinación de verdad y mentira, certezas e incertidumbres, que se da en la vida, la realidad social, los relatos y biografías e, incluso, en el arte. La expresión más elevada de la acción humana, el arte, se apoya legitimamente en la ficción para provocar goce espiritual y emoción estética. La falsedad de la pintura se basa en el uso de pigmentos de escaso grosor, que producen imágenes que evocan realidades (perspectiva, profundidad, movimiento) que no están en el cuadro. Los actores dramáticos crean la ilusión de unos personajes que no están en el escenario.
En el mundo nada es sencillo, ni siquiera el fraude. El autor exalta el valor de la ficción, acepta la complejidad de la verdad y rechaza el fraude basado en afanes de lucro ilegítimo. El mayor mérito de Elmyr de Hory, presunto falsificador, consistió en quebrar la creencia en la infalibilidad de los expertos en arte, dictadores de la autoría de grandes pintores. El mayor mérito del arte consiste en que «es una mentira que nos hace descubrir la verdad».
La música, de Michel Legrand, refuerza el relato con melodías coloristas, brillantes y variadas. La fotografía adopta el formato documentalista con filmaciones de los actores y del narrador.
HOLOCAUST CANNIBAL / HOLOCAUSTO CANIBAL (1980)
ED. 4K ULTRA HD BLU RAY
Género
Terror. Aventuras. Drama | Gore. Falso documental. Metraje encontrado. Película Mondo. Película de culto
Sinopsis
Cuatro jóvenes documentalistas se adentran en la selva amazónica, en pleno corazón de América del Sur, para realizar un reportaje sobre las tribus que habitan en esa región, de las que se dice que todavía practican el canibalismo. Debido a la desaparición de los reporteros, dos meses después un grupo de rescate es enviado para averiguar qué ha sido de ellos; lo único que encuentran es el material filmado sobre su terrible fin.
(Ruggero Deodato, 1980)
Una de las experiencias más intencionadamente desagradables y violentas que puedes ver en tu vida»
Gran experimento filmado desde una singular perspectiva en la que consiguen casi hacernos cómplice de las mayores barbaridades de la que tan solo es capaz de perpetrar el hombre. Ninguna fiera, por fiera que fuese, disfrutaría con el placer de matar; esas matan por hambre, por miedo, o por instinto de protección.
HOLOCAUSTO CANIBAL
Género
Terror. Aventuras. Drama | Gore. Falso documental. Metraje encontrado. Película Mondo. Película de culto
Sinopsis
Cuatro jóvenes documentalistas se adentran en la selva amazónica, en pleno corazón de América del Sur, para realizar un reportaje sobre las tribus que habitan en esa región, de las que se dice que todavía practican el canibalismo. Debido a la desaparición de los reporteros, dos meses después un grupo de rescate es enviado para averiguar qué ha sido de ellos; lo único que encuentran es el material filmado sobre su terrible fin.
HOLOCAUSTO CANIBAL (1980)
Género
Terror. Aventuras. Drama | Gore. Falso documental. Metraje encontrado. Película Mondo. Película de culto
Sinopsis
Cuatro jóvenes documentalistas se adentran en la selva amazónica, en pleno corazón de América del Sur, para realizar un reportaje sobre las tribus que habitan en esa región, de las que se dice que todavía practican el canibalismo. Debido a la desaparición de los reporteros, dos meses después un grupo de rescate es enviado para averiguar qué ha sido de ellos; lo único que encuentran es el material filmado sobre su terrible fin.
(Ruggero Deodato, 1980)
Una de las experiencias más intencionadamente desagradables y violentas que puedes ver en tu vida»
Gran experimento filmado desde una singular perspectiva en la que consiguen casi hacernos cómplice de las mayores barbaridades de la que tan solo es capaz de perpetrar el hombre. Ninguna fiera, por fiera que fuese, disfrutaría con el placer de matar; esas matan por hambre, por miedo, o por instinto de protección.
ILUMINACION INTIMA
Género
Comedia. Drama | Música. Nueva Ola Checoslovaca
Sinopsis
Un joven violonchelista de Praga y su sofisticada novia visitan a algunos amigos en un pequeño pueblo. El violonchelista también ha sido contratado para tocar con la orquesta local.
( Ivan Passer, 1965)
Intocable (Mr. Untouchable)
Género
Documental
Sinopsis
Narra la verdadera historia del célebre Nick Barnes, un yanqui que se convirtió en el ‘padrino negro’ más poderoso de la historia de Nueva York. El documental sumerge al espectador en el mundo de la heroína y la lucha antidroga del gobierno americano en la década de 1970.
(Marc Levin, 2007)
CRITICAS
Este documental está claramente influenciado por “Cocaine Cowboys” (Billy Corben, 2006), que reinventaría el género por razones que explico/aré en la crítica correspondiente.
Que “El señor intocable” sea producto de influencia no le quita mérito, porque los realizadores utilizan los puntos destacables del documental de Corben y los ensamblan en una nueva historia impresionante sobre uno de los narcotraficantes más importantes del siglo XX, surgido en el Harlem de los setenta y en la impunidad ante lo desconocido, los narcóticos de uso generalizado.
Nick Barnes, delincuente de poca monta con un futuro poco halagüeño, es el protagonista indiscutible de la película. Este señor negro, tras crecer en la miseria familiar y económica, paso de “dealer” a Demiurgo del negocio en cuestión de pocos años, todo ello al crearse contactos con la mafia italiana y poseer la inteligencia para administrarlos.
El documental vibra en nuestros ojos por la aparición del propio Barnes en pantalla relatando su experiencia, aunque su imagen está difuminada para protegerle, pero esto no empaña la importancia del testimonio y lo curioso del asunto, porque un hombre que mantiene la jerga del gueto junto y un vocabulario de hombre leído, ya, como poco, demuestra una mínima complejidad. La historia del intocable expone el sueño americano desde la perspectiva del malo, pero tampoco lo sacrifica de antemano, sino que, para ser justos, deja al espectador que se haga una idea y escoja entre los críticos y los alabadores. Entre ellos, podemos ver en el documental a compañeros de trapicheos, policías, periodistas, su exmujer, etc. Forman un crisol completísimo con la que no echamos en falta ningún comentario.
Lo audiovisual acompaña en todo momento, porque la música revisa la ola coetánea creativa de la «América negra», junto con una acertada selección de imágenes, encuadradas en un montaje trepidante. Todos estos factores, más la mitificación de Barnes, sostienen la magia de una de las décadas más extravagantes de la historia. Tan extravagante como llamativo resulta la ostentación de poderío del protagonista, de sus secuaces y de la troupe de voceras que le rodeaba en la época dorada del porfío. En la actualidad sería improbable mantener una actitud jactanciosa y la esperanza de que no te cacen.
JIMI HENDRIX
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LA BELLEZA Y EL DOLOR
Género
Documental | Drogas. Homosexualidad. Fotografía
Sinopsis
Sigue la vida de la artista Nan Goldin y su activismo contra la dinastía farmacéutica de los Sackler, responsables de la mayor epidemia de opioides de la historia de Estados Unidos.
(Laura Poitras, 2022)
CRITICAS
«Una cinta despiadada, misteriosa y, por supuesto, inextinguible. (…) Lo que queda es sencillamente una película luminosa y muy triste; una película que, literalmente, sangra.
Arte, muerte y corrupción bajo la responsabilidad de una sola familia: los Sackler, una dinastía farmacéutica productores de OxyContin, un analgésico que ha provocado la mayor depresión farmacéutica en el mundo, conocida como la “crisis de los opiáceos”. Los Sackler – amantes y filántropos del Arte- daban brillo a su apellido luciendo en prestigiosas instituciones como museos, galerías, universidades… Se dedicaban a realizar desorbitantes donaciones a costa de enfermos inocentes.
Nan Goldin, fotógrafa reconocida como una de las más importantes retratistas de la corriente contracultural del Nueva York de los años 70/80, también cayó en sus garras: “Todo empezó en 2014 cuando un médico en Berlín me recetó el potente narcótico OxyContin para curar una tendinitis en la muñeca. Aunque solo me tomé las píldoras prescritas, enseguida me enganché”.
Tras la rehabilitación Goldin inicia su propia batalla al frente de P.A.I.N. (Intervención Ahora para las Adicciones Prescritas) consiguiendo valiosos resultados. Lograron que museos de la talla del de Arte Metropolitano de Nueva York, el Louvre de París o la Tate Modern de Londres, rechazaran más donaciones de los poderosos Sackler.
Atraída por su activismo, carrera profesional y desgarradora biografía, la cineasta Laura Poitras dirige “La belleza y el dolor”, un demoledor e interesante documental sobre Nan Goldin, una mujer que sabe lo que es vivir al otro lado, en la marginalidad, allí donde todo es más oscuro y doloroso de lo que uno pueda imaginar.
Convertida en la segunda película documental de la historia en ganar el León de Oro en el Festival de Venecia, (la anterior fue “Sacro Gra” de Gianfranco Rosi, en 2013), “La belleza y el dolor” sabe qué es lo que realmente duele.
La comuna (Paris, 1871)
Género
Documental. Bélico. Drama | Falso documental. Histórico. Siglo XIX. Documental sobre Historia
Sinopsis
Estamos en París en el año 1871; mientras que un periodista de Versalles TV transmite información falsamente tranquilizadora, se crea una Televisión Comunal, que refleja la opinión de los insurgentes de la capital francesa. Así, estas dos cadenas cubren la revolución y gobierno de la Comuna de París, entre el 26 de marzo y el 28 de mayo de 1871, de una manera totalmente diferente. El canal público oficial, TV Nacional de Versalles, da una versión oral y excluyente de los acontecimientos, que contrasta con la de la recién creada TV Comunal. Esta última pretende dar la palabra a los mismos ciudadanos que la otra televisión ciega y amordaza. Pero no sólo eso sino que pretende dar la palabra también a los actores que encarnan a esos ciudadanos, y que tienen su opinión acerca de las injusticias que ciento treinta y tres años después perviven en la sociedad contemporánea.
(Peter Watkins, 2000)
CRITICAS
Falso documental, película de ficción «documentalizada», o recreación histórica teatralizada. Sea cual sea la etiqueta que se le quiera dar, «La Commune» narra la primera toma de poder político por parte de la clase obrera en Europa Occidental, ocurrida durante los meses de marzo y mayo de 1871 en París: la conocida como «Comuna de París».
El director cuenta estos hechos de una forma original y, sobre todo, muy adecuada para uno de sus, creo yo, propósitos principales: criticar la actuación de los medios de comunicación (antes, durante y después de 1871), casi siempre en favor de los intereses de las élites (socioeconómicas y políticas), a través de la tergiversación de la información de la que disponen para así influir de la manera que más les convenga en la opinión pública. Y, para ello, el director de «La Commune» da el papel protagonista a los periodistas que se hacen eco de las noticias que ocurren durante los 71 días que duró la Comuna de París: por un lado, están los reporteros de la televisión comunal, progresista, que hacen su trabajo a pie de calle; y, por otro lado, están los programas sobre esos mismos hechos que retransmite la televisión nacional, conservadora y cercana a los intereses del gobierno del Estado.
Se trata de un instrumento anacrónico, obviamente, pero sirve para establecer intencionados paralelismos entre la situación social, económica, política, cultural y periodística de la época de la Comuna de París y de la época actual (tanto la del año 2000, cuando se filmó esta película, como la del año 2014). Además, el director juega a romper la barrera entre los actores y sus roles, pues durante buena parte de la segunda parte de «La Commune» los actores opinan sobre sus personajes, los sucesos que se recrean, la importancia de conocer la Historia, el papel de la economía, la manipulación ideológica a través del periodismo, etc. Todo ello para reafirmar la construcción de estos paralelismos y para propiciar en el espectador una actitud reflexiva y crítica hacia los hechos históricos y los hechos presentes, incluso antes de terminar la película. Y lo consigue. Con creces.
Los ambiciosos propósitos del film y, ante todo, sus apabullantes buenos resultados debieron asustar a las productoras. Sólo así se explica uno de los últimos rótulos de «La Commune» (rótulos con los que, a lo largo de la película, se añade una información necesaria para completar y comprender mejor los hechos que se van recreando):
“La participación activa de los actores en esta película es lo que más temen los medios de comunicación. Y quizá uno de los motivos por los que las cadenas de televisión consultadas se negaron a financiar la película. Lo que más temen los medios de comunicación es ver al hombrecito en la pequeña pantalla sustituido por una multitud, por el público…”.
LA MIRADA DE ORSON WELLES
Género
Documental | Documental sobre cine. Biográfico
Sinopsis
Documental que indaga en la vida artística y personal de Orson Welles a través de los centenares de dibujos y cuadros realizados por el cineasta.
(Mark Cousins, 2018)
Posición en rankings FA
129 Mejores documentales sobre cine
Críticas
«Cousins propone una nueva vía de entrada y logra que la revisitación de un clásico no suene a redundancia, sino a descubrimiento. (…) es un trabajo de amor»
La morte rouge (Soliloquio)
Género
Drama. Documental | Cine experimental. Mediometraje
Sinopsis
«La Morte Rouge» es el nombre de un pueblo situado en el Canadá francés, en los alrededores de Quebec. Hasta ahora nadie ha logrado encontrarlo en los mapas, quizás porque solamente existió en la imaginación de los guionistas de «La garra escarlata», película rodada en Hollywood en 1944 y protagonizada por el famoso detective Sherlock Holmes. Fue estrenada en la España en 1946. Un narrador habla de las experiencias de un niño que ve la primera película de su vida.
(Víctor Erice, 2006)
LEYENDAS DE LA INDIA (BBC, DIVISA FILMS, 2008)
SINOPSIS
Descubre la fascinante historia de la India a través de esta colección de 3 DVD.
Presentada por el historiador Michael Wood, esta serie documental te lleva a un viaje a través de una civilización más allá de la historia, explorando sus leyendas y misterios. Disfruta de horas de contenido en español, inglés y portugués.
«Leyendas de la India» nos sumerge en las fascinantes maravillas que componen el complejo mundo de una civilización viva con más de 5.000 años de historia: la increíble diversidad de sus gentes y paisajes; el intenso drama de su pasado y una herencia de una cultura grandiosa y heterogénea cuyas influencias religiosas y filosóficas han impregnado al resto del mundo. El eminente historiador Michael Wood recorre la India por los caminos usados por los peregrinos, comerciantes y trabajadores itinerantes desde tiempos prehistóricos, para realizar la historia de las primeras civilizaciones hindúes y mostrar como los cimientos de la India moderno (sus costumbres, creencias, dioses, orden social y concepción de la vida) surgen de ese intenso pasado…
Contenido:
Disco 1:
1. Los inicios
2. El poder de las ideas
Disco 2:
3. El mar Arábigo en la costa de Kerala
4. La edad de oro
Disco 3:
5. El encuentro de dos océanos
6. Libertad
LIVE AID – PACK ESPECIAL COLECCIONISTA GRAN CONCIERTO HISTORICO
CLASICO ENTRE LOS CONCIERTOS CLASICOS
GRANDES ESTRELLAS EN LIVE AID 1985
GENERO
Musical/Documental
GRANDES ESTRELLAS
David Bowie, Duran Duran, Hal Uplinger, Jack Nicholson, Freddie Mercury, Adam Clayton, Eric Clapton, Bryan Ferry, Madonna, David Crosby, Bryan Adams, Vincent Scarza, Phil Collins, Elton John, Charlie Burchill
MAS DE 10 HORA DE GRABACION COMPLETO
IMPECABLE CON POSTERS Y DESPLEGABLES
Formato multimedia : DVD
Tiempo de ejecución : 10 horas
Fecha de lanzamiento : 5 noviembre 2004
Actores : Bryan Adams, David Bowie, Charlie Burchill, Eric Clapton, Adam Clayton
Subtitulado: : Inglés
Subtítulos: : Alemán, Italiano, Holandés, Francés, Inglés, Español, Portugués
Idioma : Inglés (Dolby Digital 2.0 Stereo), Inglés (DTS 5.1), Inglés (Dolby Digital 5.1)