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PRECINTADA

-9% Nuevo PRECINTADADVDCambridge Productions Inc

EL HOMBRE DE RIO NEVADO

El precio original era: 13,25 €.El precio actual es: 12,04 €. *IVA Incluido

Género

Drama. Western. Romance | Cine familiar. Caballos

Sinopsis

Jim Craig ha vivido hasta los dieciocho años en la granja familiar situada en las montañas de Australia. Cuando muere su padre, se ve obligado a irse a la llanura, pues necesita ganar dinero para reconstruir la finca. Los problemas surgen cuando se enamora de una bella joven

(George T. Miller, 1982)

CRITICAS

Basado en el conocido poema «The Man from Snowy River» (1890), del famoso poeta australiano Andrew Barton Paterson (1864-1941). La moneda de 10 dólares australiana tiene la imagen de Barton, además de una ilustración inspirada y parte del texto del poema.

Jim Craig (Tom Burlinson) es un solitario y aguerrido joven, huérfano de padres, formado en el inhóspito mundo de las montañas australianas. Ha tenido que luchar por hacerse de una posición y respeto en la vida.

Jim conoce a Jessica (Sigrid Thornton), una joven de la que se enamora, pero no será fácil demostrarle su amor, el padre (Kirk Douglas) de la joven le impondrá tenaz resistencia.

Una bella y hermosa historia de amor, basado en la superación de sus protagonistas y del ambiente que los rodea. Es la pérdida de la inocencia de un joven, que además sufre la desgracia de perder a sus seres queridos, es su inicio hacia la edad adulta.

El mítico Kirk Douglas nos regala una de sus mejores actuaciones en un doble papel protagónico.

La película tuvo un presupuesto $3.5 millones y generó por venta de taquillas la cantidad de $21 millones en EEUU solamente, además recibió cinco nominaciones a diferentes premios y/o festivales de cine, de los cuales gano dos de ellos.

El film tuvo una secuela, “Return to Snowy River” (1988) con los protagonistas principales, Tom Burlinson y Sigrid Thornton, por Kirk Douglas participo Brian Dennehy.

-4% PRECINTADABlu rayCarlyle Productions

EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO

El precio original era: 27,53 €.El precio actual es: 26,32 €. *IVA Incluido

Género

Drama | Drogas. Jazz

Sinopsis

Frankie Machine, un hombre con talento musical, sale de la cárcel y, además, consigue dejar la heroína. Su principal problema será encontrar un medio de vida honrado y evitar las drogas y el juego.

(Otto Preminger, 1955)

CRITICAS

Muchas son las cosas que se pueden destacar de este film.

En primer lugar el hecho ser el primero en tratar de forma explícita, siendo en todo momento una película comercial, la adicción a la heroína y acercarse sin tapujos al síndrome de abstinencia, lo cual, dicho sea de paso, permitió a Sinatra desarrollar un papel que le llevó a estar nominado para el Oscar de ese año.

Destacar también la banda sonora, la música de jazz que acompaña a Frankie en todo momento (incluso en su subconsciente), esa música que el mismo interpreta con la batería (su gran pasión) cuando las drogas o su mujer le dejan. El montaje, típico en el Hollywood de la época y de Preminger en particular, es un montaje casi invisible, donde no se producen a penas rupturas visuales en los tránsitos narrativos, todo fluye con aparente normalidad para que nos centremos en la historia, en la propia narrativa, dejando para una segundo o subsiguientes visionados el ir descubriendo la maestría con la que un director de corte clásico va resolviendo cada detalle.

Pero si algo cabe destacar de la película es que todo y abordar de forma clara y explícita la adicción a la heroína de su protagonista y siendo este un tema central no es el único elemento dramático en la narrativa del film. La película, que podría entrar en la categoría de lo que se dio en llamar “film noir” da una importancia decisiva al contexto, al entorno hostil (social, económico y familiar), el chantaje (mafioso y amoroso) y las propias pasiones amorosas, que son, en esencia, el tema de fondo de la película, alejándose a su vez, de cualquier postura moralista sobre el uso, abuso, o pesadilla de la adicción a la heroína, postura que desafortunadamente sí hemos visto en otras películas mucho más recientes .

Excepcional  Kim Novak, voluptuosa y sensual como siempre y maternal como nunca.

-3% Nuevo PRECINTADA4K UHD + BLU RAYRegency Television

El hombre del norte – EDICION 4K UHD

El precio original era: 39,87 €.El precio actual es: 38,66 €. *IVA Incluido

Género

Aventuras. Acción. Drama | Vikingos. Siglo X. Venganza. Cine épico

Sinopsis

En Islandia, en pleno siglo X, un príncipe nórdico (Skarsgard) busca vengar a toda costa la muerte de su padre

(Robert Eggers, 2022)

CRITICAS

Bestial, brutal, bella, espectacular e impactante, esto son solo algunos de los adjetivos con los que se podría describir la nueva película de Robert Eggers (La Bruja, El Faro…).

Es una película que gracias a su gran trabajo de producción y dirección logra atrapar con el poderío de sus imágenes desde el principio al espectador, y es así como se nos coge de la mano para meternos de lleno en una historia clásica de venganzas y cuentas pendientes que atormentan a sus personajes protagonistas. En pleno siglo X, un príncipe nórdico (Alexander Skarsgard) busca vengar a toda costa la muerte de su padre. Y sí, la historia de venganza y el guion suena a tópico y ya visto, pero todo lo que ello conlleva detrás, el como se desarrolla y se muestra, las capas de profundidad del mismo, es digno de admiración y elevan el conjunto hasta un dignificable sobresaliente. Además la película esta repleta de mitología Nórdica, y hará las delicias de todos los amantes de la cultura Vikinga.

Los actores están todos bastante bien, cabe destacar el trabajo realizado por Skarsgard dando vida al protagonista de la función, un personaje atormentado y cuyos demonios interiores le perseguirán sin descanso alguno. El personaje al que da vida Nicole Kidman también me ha gustado mucho, repleto de matices y secretos ocultos y protagoniza una de las escenas mas perturbadoras del film. Anya Taylor-Joy, Claes Bang, Ethan Hawke, Willem Dafoe y Gustav Lindh entre otros completan el plantel protagonista, y todos ellos cumplen mas que bien.

La dirección de Robert Eggers es magnifica, me gusta como para mostrar los momentos más íntimos y personales se apoya en realizar tomas cercanas y cerradas, y el como mueve la cámara en las escenas mas movidas o de acción. Sus anteriores trabajos contaban con un presupuesto mas ajustado, y es digno de admiración como en esta su primera «gran superproducción» consigue salir airoso e imprimirle su sello característico y personal a la cinta.

A nivel visual la película es una maravilla, hay momentos que resultan visualmente bellos, y otros aterradores por la brutalidad de lo que se muestra. Imágenes que se quedarán grabadas en vuestra retina, como por ejemplo lo impactante del lugar dónde tiene lugar el desenlace de la historia. El trabajo de fotografía realizado por Jarin Blaschke alcanza su máximo exponente cuando la cámara se expande para mostrar esos impresionantes paisajes por dónde los protagonistas se mueven. La música de Robin Carolan y Sebastian Gainsborough consigue introducirnos con esas melodías Nórdicas aún mas si cabe en lo que la película quiere contar.

En cuanto a su ritmo a mi me ha gustado, aunque hay que decir que puede resultar anti comercial, pues estamos ante una historia que se va cociendo a fuego lento, pero de manera solida y consistente, y en dónde sus protagonistas importan y se desarrollan. Y creo que esto es algo que puede dar marcha atrás al público mas ocasional y acostumbrado a la pirotecnia. También es una historia seria, alejada de chistes absurdos o comportamientos irracionales. Sin embargo a mí todo esto es algo que me ha encantado, pues gracias a ello ha logrado introducirme mucho más en ese mundo del siglo X y resulta un alivio muy gratificante para aquellos que disfrutamos del buen cine.

Proximamente...

EL HOMBRE QUE AMO

El precio original era: 22,93 €.El precio actual es: 21,72 €. *IVA Incluido

Género

Drama

Sinopsis

Una cantante de cabaret que regresa a la casa de su familia, descubre y trata de solucionar los problemas de sus hermanos y de un amigo

(Raoul Walsh, 1946)

CRITICAS

Raoul Walsh en la dirección asume este drama romántico familiar con toques de cine negro.

Ahí es dónde se adivina la maestría de un director que, partiendo de un guion bastante caótico, aunque los numerosos personajes están muy bien dibujados, logra aglutinar y proveer de cierta solidez esta amalgama apelando a las emociones que se tiñen de nostalgia y melancolía en un relato que recurre al romanticismo evocador, junto con otras pequeñas historias, no del todo redondas, pero sí ciertamente entretenidas

Ida Lupino. Una mujer clave en la industria, en el cine, en este tipo de arte… Intimista, con toques de cine negro, algo trillada en el argumento de mujer de gran visión de la vida, con experiencia, que aporta su grano de arena para la resolución de algunos problemas familiares.

Canciones muy conocidas, standar del cancionero americano sirven de escusa para la presentación del personaje: Why was i born? y The man i love básicamente. La música es de Max Steiner, un clásico en sí mismo…

Ella esconde un pasado oscuro en Nueva York, pero no se muestra, y, sin embargo, es vidente. Una mujer de mundo, que sabe de las cosas… Es, precisamente, lo que necesita la familia, y probablemente sea capaz de resolver los problemas, otra cosa es que eso sirva para organizar su propia vida, porque es claro que ella ha vuelto a su casa por alguna razón no especialmente confesable…

Algo trágico se masca, se presiente… no tiene un tono optimista, antes al contrario. Tienes un presentimiento de soledad, de abandono, de desastre.

EL HOMBRE QUE NUNCA ESTUVO ALLI

El precio original era: 27,77 €.El precio actual es: 26,56 €. *IVA Incluido

Género

Drama. Cine negro | Comedia negra. Años 40. Crimen. Neo-noir

Sinopsis

Verano de 1949. Ed Crane (Billy Bob Thornton), un introvertido barbero de un pueblecito del norte de California, se siente insatisfecho de su rutinaria vida. Las infidelidades de su mujer (Frances McDormand) le brindan la oportunidad de ejercer un chantaje que podría ayudarle a cambiar su apática existencia

(Joel Coen, 2001)

CRITICAS

Esta es la historia de un perdedor que se sabe perdedor y por ello todo le da absolutamente igual. Una historia de fracaso contada en magistrales fotogramas en blanco y negro (desde Ed Wood que no veía algo de tal factura) , y narrada con una ironía, una ternura y un cinismo sobrecogedor.

Hablamos de una infidelidad que deriva en chantaje, de un crimen que se convierte en espectáculo judicial y de una negrísima posguerra cargada de desengaños e ilusiones. Giros en el guión que parecen calibradas piruetas de baile, por lo inesperadas pero también por lo naturales. Temores que se diluyen en incompetencias y tranquilidad perturbada por equivalentes ineptitudes. Un regalo a la intriga sin estridencias, al suspense sin sobresaltos.

Excelente Billy Bob Thornton en el humeante papel del fracasado que intenta, por una sola vez, sacar la cabeza del hoyo y que acaba de hundirse precisamente por eso. De imprescindible paladeo para cualquiera que guste del cine de verdad. De lo mejorcito de los Cohen

-5% PRECINTADABlu rayColumbia Pictures

EL HOMBRE QUE PUDO REINAR

El precio original era: 25,35 €.El precio actual es: 24,14 €. *IVA Incluido

Género

Aventuras | Siglo XIX. Colonialismo. Amistad

Grupos

Adaptaciones de Rudyard Kipling

Sinopsis

Danny Dravot y Peachy Carnehan, dos aventureros que viajan a la India en 1880, sobreviven gracias al contrabando de armas y otras mercancías. Un día, deciden hacer fortuna en el legendario reino de Kafiristán. Después de un durísimo viaje a través del Himalaya, alcanzan su meta justo a tiempo para hacer uso de su experiencia en el combate y salvar a un pueblo de sus asaltantes. Está inspirada en un relato de Kipling.

(John Huston, 1975)

CRITICAS

Durante varios años Huston lucho por sacarla adelante. En principio la iban a protagonizar Humphrey Bogart y Spencer Tracy pero no se llego a un acuerdo y Huston acabo dirigiendo «El tesoro de sierra madre». Luego se penso en Humphrey Bogart y Clark Gable pero murió Bogart. Unos años después en Gable con Burt Lancaster y esta vez murió Gable, después entre Lancaster y Kirk Douglas pero la cosa no acabo bien. Finalmente se penso en Paul Newman (con su pareja Robert Redford). Newman leyo el guión y le gusto pero recomendo a Huston que fuera interpretada por ingleses y él menciono los nombres de Sean Connery y Michael Caine (aunque Connery nació en Escocia, casi es como si fuera británico). Y estos dos aprovecharon el regalo de manera sobresaliente. Huston lucho mucho y tardo mucho tiempo en dirigirla pero al final, acabada la película, los esfuerzos merecieron la pena. Se pasaron de presupuesto, el rodaje se alargo más de lo debido pero el resultado es sobresaliente.

La mejor película de Huston junto con «El tesoro de sierra madre». Una cinta de aventuras disfrutable en todo momento. Un regalo para el espectador en las que el enorme Huston plasmo todo su talento como director de forma inimaginable.

Sean Connery y Michael Caine parten la pana. Interpretaciones deliciosas. Talentosas, sobrias y muy especialmente, carismáticas. Porque a estos dos actores el carisma en pántalla es algo que les sobra y en esta película lo utilizan de manera sobresaliente. Como curiosidad, la mujer en la vida real de Michael Caine interpreta el papel de Roxanne. Christopher Plummer es un personaje muy secundario aunque cumple.

El guión es impresionante y guarda varias escenas ya míticas. A mí me emociona bastante cuando Sean Connery se pone a cantar. Escenas que con cualquier otro actor hubieran sido ridículas y que Connery las convierte en soberbias. El relato de Kipling es muy interesante y Huston lo plasma sobresalientemente en el guión.

En fin una obra maestra y una de las mejores películas de aventuras (o la mejor). Gran año ese 1975 con películas como «Dersu Uzala», «Alguién voló sobre el nido del cuco», «Barry Lyndon», «Tiburón» y evidentemente esta misma. Cinco películas impresionantes de las que ya no se hacen hoy en día. Una verdadera lástima.

-4% 4K UHD + BLU RAYPRECINTADAParamount Pictures

EL HOMBRE QUE SABIA DEMASIADO – EDICION 4K UHD

El precio original era: 31,45 €.El precio actual es: 30,24 €. *IVA Incluido

Género

Intriga | Espionaje. Secuestros / Desapariciones. Remake

Sinopsis

Una familia americana, compuesta por el doctor Ben MacKenna (James Stewart), su mujer (Doris Day) y su hijo Hank, está pasando unas vacaciones en Marruecos. Tras la muerte de un espía en brazos de Ben, mientras visitaban el mercado de Marrakech, el matrimonio descubre que su hijo ha sido secuestrado. Sin saber en quién confiar, los MacKenna se ven envueltos en una angustiosa pesadilla que tiene que ver con una operación de espionaje internacional.

(Alfred Hitchcock, 1934)

CRITICAS

Es éste uno de mis Hitchcock preferidos, seguramente el que más de ese grupo de películas que él mismo denominaba «familiares», donde la faceta de entretenimiento lúdico —como «Alarma en el expreso», «Atrapa a un ladrón» o «Con la muerte en los talones»— se impone finalmente sobre otras consideraciones.

El resultado es así un thriller de suspense donde nunca se rehúyen las notas de humor —pese a que el suceso de partida sea tan dramático como el secuestro de un niño— y que a mi entender es un muestrario ejemplar del cronométrico talento del maestro. Destaca, claro está, la secuencia del Albert Hall, sin discusión una de las más imponentes «grandes escenas» de toda su carrera.

Pero como mucho y muy bien desde hace décadas se ha diseccionado el arte del director inglés, por esta vez prefiero centrarme en la reivindicación del aspecto comúnmente más atacado en este film, la elección de Doris Day, la actriz ofrece una muy solvente interpretación, dominando los nada fáciles registros que se le exigen: la reacción al enterarse del secuestro de su hijo, su expresión ante el dilema moral interno que la invade durante el concierto o la manifestación de la complejidad de sus sensaciones cuando canta el «Qué será, será», son una prueba de eficiencia que dudo mucho hubiese superado Tippi Hedren, por ejemplo.

En cuanto a la tipología del personaje, no puede negarse que es la protagonista más «asexuada» de la filmografía del director, y seguramente en ese contraste con la prototípica rubia hitchcockiana (gélida por fuera, fogosa por dentro, que seduce tanto al protagonista en la ficción como al espectador a través de la pantalla) se explique la decepción que a muchos produce (y su inevitable asociación mental con comedias amilbaradas contribuye a acentuar ese efecto). Sin embargo, bajo ese engañoso disfraz de «matrona», bajo esa sólo aparente representante del más conservador «American Way of Life» (la cantante que ha renunciado por el peso de las convenciones sociales a su próspera carrera para centrarse en su rol de fidelísima esposa y madre) aparece una de las mujeres más sagaces, inteligentes y activamente responsable de la resolución de la trama criminal de todo el cine de Hitchcock.

-4% PRECINTADABlu rayWarner Bros

EL HONOR DEL CAPITAN LEX

El precio original era: 30,19 €.El precio actual es: 28,98 €. *IVA Incluido

Género

Western | Guerra de Secesión. Ejército. Espionaje

Sinopsis

Guerra Civil americana (1861-1865). Las caballos que necesita urgentemente el ejército de la Unión son sistemáticamente robados por cuatreros que los conducen al Sur. Se llega a la conclusión de que dentro del fuerte debe haber necesariamente un traidor. Aunque la manada que conduce el capitán Lex Kearney (Gary Cooper) sigue una ruta que nadie conoce, son de nuevo atacados por los cuatreros y tienen que retirarse. A continuación, Kearney es juzgado por cobardía. Aunque alega que la superioridad numérica del enemigo hubiera supuesto la muerte de sus hombres, la sentencia es inapelable: Lex Kearney es degradado y expulsado del ejército. Pero detrás del proceso hay motivos ocultos

(André De Toth, 1952)

CRITICAS

Western realizado por André de Toth (1912-2002). El guión, de Charles Marquis Warren y Frank Davis, desarrolla un argumento de Sloan Nibley. Se rueda en escenarios naturales de Alabama Hills (Lone Pine, CA) y Warner Ranch (Calabazas, CA). Producido por Louis F. Edelman para la Warner, se estrena el 22-X-1952 (NYC).

La acción dramática tiene lugar durante la Guerra de Secesión Americana (1861-65) en el territorio de Colorado (Fort Hedley, Grey Rock Pass, South Fork, Bear Creek, Taos Wells…), en un invierno posterior al de 1861. El capitán Alexander “Lex” Kearney (Cooper), del 5º Escuadrón de Caballería de la Unión, es acusado de desobediencia y cobardía ante el enemigo y juzgado en consejo de guerra. Es degradado y expulsado del ejército. Decide sumarse a un grupo de cuatreros y desertores de la Confederación, liderado por Austin McCool (Brian), ganar la confianza del grupo y situarse en una posición que le permita averiguar la identidad de las personas que pasan información a McCool sobre los itinerarios de las partidas de caballos adquiridos por el ejército de la Unión.

El film suma western y guerra. Es el segundo western del segundo ciclo de westerns del realizador, que componen 5 films (“La mujer de fuego”, “El honor del capitán Lex”, “El último comanche”, “Pacto de honor” y “El día de los forajidos”), estrenados entre 1947 y 1959. Acusan la inspiración de autor del realizador y la impronta singular de su personalidad. El conjunto es mejor que el del primer ciclo, protagonizado por Randolf Scott y realizado entre 1951 y 1954.

Los personajes del film, como ocurre con frecuencia en las obras de De Toth, se ven enfrentados a situaciones extremas en las que lo único que les interesa es sobrevivir. En estas circunstancias son capaces de dar lo mejor y lo peor de ellos mismo. Su visión de la naturaleza del ser humano es pesimista y descorazonadora. Salvo la excepción del héroe, los personajes se comportan movidos por la codicia, la crueldad, el cinismo, el engaño y la barbarie. El film denuncia la inmoralidad de la guerra, a la que califica de infernal, terrorífica y fuente de desesperación y muerte. Critica al ejército por sus rituales inhumanos (arranca galones en público, pinta la espalda de amarillo…). Condena la violencia y apuesta por la paz.

No tiene una visión ingenua y simplista de la guerra. Nos dice que en ella son importantes las estrategias, la iniciativa, la capacidad de anticipación y, sobre todo, la información y el nivel tecnológico de las armas. Al igual que en otros films del autor, el fuego se emplea como instrumento eficaz de lucha. De Toth vivió como informador gráfico la invasión de Polonia por Alemania entre el 1 y el 6 de septiembre de 1939 (comienzo de la IIGM), de la que extrajo una experiencia inolvidable.

-5% PRECINTADABlu rayBritish Lion Film Corporation

EL HONRADO GREMIO DEL ROBO

El precio original era: 22,39 €.El precio actual es: 21,18 €. *IVA Incluido

Género

Comedia | Robos & Atracos

Sinopsis

Pearly Gates (Peter Sellers), jefe de una banda de ladrones de guante blanco de Londres, decide organizar un espectacular robo usando como tapadera una tienda de alta costura, pero un trío de inoportunos policías les arrebatan el botín. Lo mismo le ocurre a la banda del Nervios. Lo que las dos bandas ignoran es que el trío en cuestión lo forman unos gángsters australianos que se disfrazan de policías para robar a los ladrones

(Cliff Owen, 1963)

CRITICAS

Clásico humor inglés en una cinta más que aconsejable. Sin duda en su tiempo tuvo que ser un muestrario de golpes hilarantes. Los clásicos personajes de ladrones y policías de este honrado gremio de ladrones tienen la marca de auténticos por lo que no hay cuidado de toparse con escenas aburridas o demasiado vistas.

El honrado gremio es una cinta a descubrir con un humor abandonado hoy día por los ingleses por culpa de la espectacularidad y el gag fácil, bastante ordinario.

Peter Sellers es Perlita, ladrón profesional y presidente de una sociedad de amables ladrones y el inspector Parker es el torpón policía encargado de darle caza. Pero el inspector Parker, el Narizotas, tendrá que atrapar primero a la banda de la TDP (Técnica del Disfraz de Policía). El protagonismo se reparte entre estos dos personajes pero es de justicia señalar que el inspector de Scotland Yard termina adquiriendo el peso de los acontecimientos.

-2% PRECINTADAEDICION COLECCIONISTA 4K UHD+BLURAYHammer Productions

El horror de Frankenstein – EDICION COLECCIONISTA

El precio original era: 66,54 €.El precio actual es: 65,33 €. *IVA Incluido

Género

Terror | Monstruos. Secuela

Grupos

Frankenstein

Sinopsis

Victor Frankenstein, descendiente del Baron Von Frankenstein, un infame científico, trabaja en los experimentos de su antepasado. Después de conseguir resucitar a una tortuga, emprende proyectos más ambiciosos, que incluyen la creación de un hombre.

(Jimmy Sangster, 1970)

CRITICAS

Jimmy Sangster toma el relevo de Terence Fisher y escribe y dirige la penúltima entrega de la saga Frankenstein producida por la Hammer.

Contra todo pronóstico, dado que había oído que era la más floja de todas, me ha gustado. Es básicamente lo de siempre pero con un barón Frankenstein de lo más cínico y petulante, quien haciendo gala de su intelecto superior, trata de llevar a cabo sus macabros experimentos con los muertos eliminando a cualquiera que se interponga en su camino o le de problemas. Se añade además el matiz erótico, con la rivalidad sexual entre las dos protagonistas, a cada cual más escotada, y la imponente presencia del culturista David Prowse encarnando a la criatura asesina.

Aunque Ralph Bates no esté al nivel de Peter Cushing, el tipo no lo hace del todo.

-4% PRECINTADABlu rayCoproducción Reino Unido-Estados Unidos-Canadá

EL HOTEL NEW HAMPSHIRE

El precio original era: 27,77 €.El precio actual es: 26,56 €. *IVA Incluido

Género

Comedia. Drama | Familia. Años 50. Homosexualidad

Grupos

Adaptaciones de John Irving

Sinopsis

Durante el verano de 1939, Win Berry, un estudiante de Harvard, trabaja en un hotel de Arbuthnot-by-the-Sea. Se enamora de Mary, una chica del pueblo, y se casa con ella. Tras la Segunda Guerra Mundial, la pareja regresa a Arbuthnot, pero el pequeño pueblo ya no es lo que era: ha sido destruido durante la guerra. Como Win no quiere renunciar a sus sueños, compra una escuela y la convierte en el hotel de sus recuerdos. Así nace el primer Hotel New Hampshire.

(Tony Richardson, 1984)

CRITICAS

Comedia y película de culto basada en la novela homónima de John Irving, escrita en 1981, sobre los éxitos y los fracasos de una familia estadounidense que hace frente a todo tipo de desastres, y aun así, continúa adelante a pesar de todo; al tiempo que presenta un historia del “paso de la adolescencia a la adultez” centrándose en los hijos de la familia.

Este fue el último largometraje dirigido por Tony Richardson, una historia que cubre varias décadas, incluyendo ciertos elementos surrealistas, paroxísticos, y ciertamente atrevidos, como el incesto, el terrorismo, la homosexualidad y la mezcla interracial; de esa manera, sigues a toda la familia desde que son jóvenes hasta que son mayores, y empiezas a entender, cómo se han convertido en la forma en que son, y por qué actúan de la manera en que lo hacen.

El filme está muy centrado en el sexo y el amor, y de la manera más extraña posible; al tiempo que la película pierde algo de interés en el segundo tramo, cuando se trasladan a Austria con todo el enredo político/terrorismo

En una adaptación muy fiel a la novela -el mismo, Irving, expresó haberse sentido bastante complacido, no obstante que algunos hechos pasan demasiado sucintos-, el director Tony Richardson, consigue una deliciosa comedia plena de significados que, con puro afán de provocar, hace espacio para lo prohibido (el incesto), para lo “imperdonable” (el matrimonio de una chica blanca con un chico ¡negro!)… y hasta para lo grotesco (¡besar a una muchacha luego de que se ha quitado las prótesis dentales!).

EL HUMANOIDE

El precio original era: 27,77 €.El precio actual es: 26,56 €. *IVA Incluido

Género

Ciencia ficción. Aventuras | Aventura espacial

Sinopsis

En el planeta Metrópolis se viven momentos de incertidumbre. Un malvado científico ha inventado un producto químico gracias al cual podrá convertir a los hombres en humanoides superdotados para la guerra. Sólo unos pocos valientes se atreverán a enfrentarse con él y con sus secuaces para evitar una tragedia galáctica.

(Aldo Lado, 1979)

CRITICAS

En los años 70 y 80 el cine italiano se dedicó a clonar de manera humilde todos los géneros que los estadounidenses estaban relanzando con gran éxito. No es extraño, puesto que el cine peplum fue una italianización del cine de romanos. Así, tras el éxito de Star Wars una avalancha de películas japonesas e italianas invadieron las salas de cine españolas, generalmente con carteles confusos y cuyo reparto y equipo técnico era transformado, de la noche a la mañana, en apellidos anglosajones. Generalmente solian contratar algún rostro conocido del cine mundial, pero baratito, o alguna vieja gloria de Hollywood. Y lo mismo hicieron con las de Mad Max o las de tipo Conan.

El humanoide fue estrenada como estadounidense, con dos actores provenientes de los filmes de James Bond: Richard Kiel conocido por Tiburón, el asesino de los dientes metálicos, y Barbara Bach, coprotagonista de «La espia que me amó» y señora de Ringo Starr. Y como vieja gloria hollywoodiense introdujeron a un achacoso Arthur Kennedy.

El guion, más que beber, toma prestado de “La guerra de las galaxias” y su estética es una imitación de la misma, mezclada en exteriores con la de “La fuga de Logan”. El llamar al planeta Metrópolis o el tener un robot mascota, parecido a un perro pero que recuerda a R2D2, da una idea del desparpajo empleado.

La banda sonora de Ennio Morricone es de las menos creativas que compuso, con un tema en concreto que parece que lo que va a sonar es el himno de la alegría, pero con las suficientes variaciones para no ser acusado de plagio.

Los actores hacen lo que pueden. Esta es la tercera vez en la que coinciden Richard Kiel y Barbara Bach, que dieron el pelotazo en una de las más célebres entregas de James Bond (“La espía que me amó”). Ella da la impresión de habérselo pasado mejor que Kiel, haciendo de mala, con un diseño de escote alucinante.

Es serie B a rabiar, pero lo lleva con mucha dignidad

-4% Nuevo PRECINTADABlu ray20th Century Fox

EL HUNDIMIENTO DEL TITANIC

El precio original era: 30,19 €.El precio actual es: 28,98 €. *IVA Incluido

Género

Aventuras. Drama | Basado en hechos reales. Catástrofes. Titanic

Sinopsis

El Titanic era el trasatlántico más grande de su tiempo, una maravilla de la ingeniería. Sus constructores estaban convencidos de que era insumergible. En 1912 partió del puerto de Southampton con destino a Nueva York. Sus pasajeros eran la flor y nata de la sociedad de aquel tiempo.

(Jean Negulesco, 1953)

CRITICAS

Escrita y dirigida por Charles Brackett, la película fue dirigida por Jean Negulesco («Cómo casarse con un millonario», 1953). Se basa en el hundimiento del mayor trasatlántico de la época, el Titanic, que naufragó en su viaje inaugural. Se rodó, en b/n, en los Fox Studios, con ayuda de maquetas, miniaturas, tanques de agua y efectos especiales ingeniosos. Nominada a 2 Oscar, obtuvo uno (guión). Se estrenó el 16-IV-1953.

La acción tiene lugar a bordo del Titanic entre el 10 y el 15 de abril de 1912. Narra la historia de Richard Ward Sturges (Clifton Webb), que ante la huida de su esposa Julia (Barbara Stanwyck), con sus hijos Anetta (Audrey Dalton), de 17 años, y Norman, de 10, decide embarcarse en el mismo buque que ellos. Quiere obtener la custodia de los hijos, frente a la negativa de la madre. Para poder subir a la nave en el último momento, adquiere el billete del emigrante vasco, Juan Pablo Uzcudum. La última parte del film relata el hundimiento del buque.

La película combina la historia melodramática de un matrimonio con dos hijos, en fase de separación y ruptura, y la catástrofe del Titanic, en la que murieron más de 1.500 personas y se salvaron poco más de 700. Se enmarca en el género de cine de catástrofes, como «San Francisco» (1936), «Chicago» (1938) y otras. La tragedia del Titanic se había llevado al cine con anterioridad en 2 ocasiones: «Of Night And Ice» (1912) y «Titanic» (1915). Siguieron otras, como «A Night To Remember» (1958) y «Titanic» (1997) y varias producciones para la TV. La descripción que hace Negulesco del estupor, desconcierto, caos y pánico, que se apoderan gradualmente de pasajeros y tripulación, es sobria y realista. La obra critica el exceso de confianza de los armadores, la presunción de conseguir un récord de tiempo en un viaje inaugural y la fascinación por los prodigios de la técnica, siempre frágiles y arriesgados. Exalta el heroismo de tripulación y viajeros. Muestra que ricos y pobres son iguales ante el desastre.

La música, de Sol Kaplan («Niágara», 1953), aporta una partitura original de profundo sentido trágico y aires solemnes, que evoca fatalidad y desgracia. Añade el himno popular «Nearer My God, To Thee», que interpreta la orquesta del barco en los momentos culminantes. La fotografia, de Joseph MacDonald («Cielo amarillo», 1948), ofrece composicciones muy cuidadas, que captan la magnitud de la tragedia y la emoción de las víctimas. El guión construye un relato singular, que suma melodrama familiar y tragedia colectiva. La interpretación de Clifton Webb es magnífica. La dirección crea una obra conmovedora y fascinante.

La película, de excelente guión, música adecuada, buena fotografía y acertados efectos especiales de la época, ilustra, cautiva y emociona.

Proximamente...

EL IDIOTA

El precio original era: 20,56 €.El precio actual es: 19,35 €. *IVA Incluido

Género: Drama

Grupos: Adaptaciones de Fiódor Dostoievski

Sinopsis

Adaptación de la novela homónima de Dostoievski. Kameda, condenado a muerte por crímenes de guerra, en el último momento se salva de ser fusilado. La conmoción le provoca durante cierto tiempo fuertes ataques epilépticos; pero, al mismo tiempo, se produce en él una profunda transformación que algunos consideran «idiotez», pero que no es más que sencillez, bondad y una gran capacidad de amar. En un viaje a Hokkaido conoce a la joven Taeko. Cuando Akama, su enamorado, descubre que ella quiere en realidad a Kameda, no podrá dominar sus instintos asesinos

(Akira Kurosawa, 1951)

CRITICAS

En “El Idiota”, Dostoievski quiso dibujar un ideal de hombre positivo, excelso, de alma pura e inocente, abierta y compasiva, sin cerrazón egoísta.
Con el príncipe Mishkin cuajó un arquetipo como el Quijote, Don Juan, Hamlet o Edipo. En la tradición rusa de los ‘iurodivi’, los locos santos, Dostoievski le situó al final de un linaje aristocrático cuyo refinamiento contrastaba con la corrupción de una nobleza entregada al afán de lucro. Enfermo de epilepsia, el antiguo ‘mal sagrado’, antes de regresar a una vida normal había pasado varios años en un sanatorio suizo. Ya en el tren coincide con un joven temperamental y violento, el primero de los personajes apasionados que lo buscarán como testigo de sus inflamados actos; que lo reverenciarán, detestarán, amarán y odiarán por celos, en un constante vaivén de turbulencias muy apropiadamente comparable a una montaña rusa.
Dostoievski conocía en primera persona la epilepsia y supo transferir a su personaje el momento singular de la enfermedad, los culminantes instantes de lucidez previos al ataque, semejantes a un éxtasis o iluminación, y también la terrible fragilidad por la vecina locura.

Aun siendo larga la película (hay dos versiones, y la breve dura casi tres horas), Kurosawa sintetizó mucho el argumento, repleto de incidencias, y reflejó con acierto lo esencial, si bien el perfil del protagonista sufre radicales modificaciones: no es un exquisito príncipe ruso sino un soldado japonés, Kameda, que tras la IIGM es devuelto a casa desde un hospital americano. El trauma de un simulacro de fusilamiento le provocó epilepsia y lo volvió aparentemente idiota, en el sentido de inocente y falto de malicia más que en el de deficiente.
(Este detalle del fusilamiento fingido lo tomó Kurosawa de la vida de Dostoievski quien, como prisionero político, padeció la experiencia y sufrió por ello la enfermedad epiléptica de por vida.)
Ya en el tren, Kameda va encontrando a los equivalentes japoneses del reparto novelesco: el ya mencionado joven temperamental, la cortesana que esclaviza corazones, los parientes influyentes, el secretario bobo de solemnidad, el burócrata servil, la joven de espíritu ardiente… personajes todos que abren el alma en llamaradas emocionales.

Kurosawa, el más occidental de los directores orientales, busca un terreno común a ambos mundos. Rusifica el paisaje, un insólito Japón bajo nieve continua por el que se circula en trineo, y añade corales eslavas y pasajes de Mussorgsky. La devoción por John Ford es patente al describir la vida familiar. La madre parece estar prestando colaboración desde cualquier película fordiana.
Lo oriental es perceptible en el ritmo parsimonioso. En consonancia con las tormentas pasionales, hay circulación e intercambio de miradas que se prolongan durante minutos, con carga eléctrica.

El ahondamiento del director consigue mostrar palpitante ese corazón puro que despierta en los demás la conciencia de que la bondad no es una quimera.

-4% PRECINTADABlu rayContagious Entertainment

EL ILUSIONISTA

El precio original era: 33,82 €.El precio actual es: 32,61 €. *IVA Incluido

Género

Intriga. Drama | Drama de época. Magia. Años 1900 (circa)

Sinopsis

En la Viena de 1900, el misterioso Eisenheim (Edward Norton) cautiva al público con sus espectáculos de magia e ilusionismo. Sus poderes sobrenaturales llegan a oídos del príncipe heredero Leopold (Rufus Sewell), un hombre escéptico que acude al espectáculo acompañado de su prometida, la bella y sofisticada Sophie (Jessica Biel). Sospechando un fraude por parte de Eisenheim, el príncipe encarga al perspicaz inspector de policía Uhl (Paul Giamatti) que lo vigile de cerca.

(Neil Burger, 2006)

CRITICAS

Sin ser una obra maestra su fuerza contribuye a elevar esta película a los altares de la calidad cinematográfica, gracias a la buena combinación de su cautivadora fotografía, música y trabajo del reparto. Tiene sus defectos, como escenas vacías en las que su lentitud no ayuda a digerir con entusiasmo la película o lo presumible de algunas de sus secuencias, que no dan cabida a momentos de sorpresa.

Pero más allá de su impecable ambientación, el conjunto de la película constituye una obra de gran calidad e interés en el que destacan los papeles de sus actores principales, Edward Norton y Paul Giamatti, siendo a mi parecer más sobresaliente el trabajo de Giamatti sobre todo el reparto.

La historia nos habla del enigmático Eisenheim (Norton), que se dedica a hacer disfrutar al público más exquisito con sus espectáculos de magia e ilusionismo. Unos actos que no tienen buena acogida por parte del príncipe heredero Leopold (Rufus Sewell) que considera que Eisenheim no tiene poderes sobrenaturales como hace parecer ver en sus espectáculos, y que lo que en sus números se ve es una farsa compuesta de múltiples trucos que deben tener una explicación lógica.

Por esto pone la situación en manos del inspector jefe de policía Uhl (Giamatti) que, a pesar de su admiración por el mago, deberá investigarle para desmontar su espectáculo y evidenciar lo que su desagradable jefe pretende demostrar: que todo es una patraña.

Y mientras Eisenheim continúa superando como puede los obstáculos que la incredulidad de la realeza le brinda, el amor llama a su puerta de la mano de la prometida de Leopold, Shopie (Jessica Biel) que deberá elegir entre hacer caso a lo que dicta su corazón o cumplir sus planes nupciales y convertirse en princesa.

Bonita es la palabra más idónea para describir esta película, narrada como un cuento (que de hecho, está basado en la historia corta de Steven Millhauser) y contando con preciosos detalles llenos de elegancia, sostenidos por la mágica música que Philip Glass (El show de Truman, 1998) creó para la ocasión.

El infierno del odio

El precio original era: 19,35 €.El precio actual es: 18,14 €. *IVA Incluido

Género

Cine negro. Thriller. Intriga. Drama | Crimen. Policíaco. Secuestros / Desapariciones. Película de culto

Grupos

Adaptaciones de Evan Hunter

Sinopsis

En un momento crucial de su vida financiera, Gondo (Toshirô Mifune), un directivo de una importante empresa de zapatos, recibe la noticia de que su hijo ha sido secuestrado. El rescate exigido es una gran cantidad de dinero, pero Gondo la necesita para cerrar una negociación que le dará el control de la empresa.

(Akira Kurosawa, 1963)

CRITICAS

Kurosawa filmó quizás, una de las mejores tramas en la historia del cine. No es habitual, en el cine oriental de entonces, el ritmo que Kurosawa imprime a la primera parte de la historia. Esto, junto que un nudo argumentativo que exprime al máximo las emociones del espectador, hace de la primera hora y pico, uno de los mayores espectáculos audiovisuales de la historia.

Toshiro Mifune interpreta aquí su mejor papel. Y es algo muy complicado de decir de un hombre que ha interpretado con maestría al mejor mercenario de la historia en “Yojimbo” (1961) o en “Sanjuro” (1962), ambas de Akira Kurosawa. Pero el chofer no llega a ser convincente y sus lamentos llegarán a producir antipatía.
Gran fotografía de uno de los directores que mejor supo trabajar el blanco y negro, y que en esta cinta, penúltima en blanco y negro de Kurosawa, coquetea con un humo rosa preludio del color que llegaba.
Es una pena que Kurosawa no pudiera mantener el ritmo en toda la cinta. La búsqueda criminal no llega a la altura emocional del principio y la tensión baja. De todas formas, incluso en esta parte, Kurosawa sabe sacarse de la manga, alguna escena que te clavan en pantalla (como en la que el chofer acompaña a su hijo en el coche mientras intenta recordar) ayudado por unos efectos sonoros que Hitchcock patento para la historia del celuloide.
Akira Kurosawa no sólo filmó la historia de un secuestro. Filmó un cambio histórico que Japón estaba experimentando cuando fueron recuperándose de la guerra.

Kurosawa observó como iban acercándose los males de una sociedad de consumo y supo plasmarlos en esta cinta de una forma magistral. “Esa casa nos mira” y su poder, crea un infierno de odio y envidia que nos envuelve hasta inundarnos en la desesperación

-1% PRECINTADA4K UHD + BLU RAYToho

El infierno del odio / HIGH AND LOW

El precio original era: 90,45 €.El precio actual es: 89,24 €. *IVA Incluido

Género

Cine negro. Thriller. Intriga. Drama | Crimen. Policíaco. Secuestros / Desapariciones. Película de culto

Grupos

Adaptaciones de Evan Hunter

Sinopsis

En un momento crucial de su vida financiera, Gondo (Toshirô Mifune), un directivo de una importante empresa de zapatos, recibe la noticia de que su hijo ha sido secuestrado. El rescate exigido es una gran cantidad de dinero, pero Gondo la necesita para cerrar una negociación que le dará el control de la empresa.

(Akira Kurosawa, 1963)

CRITICAS

Kurosawa filmó quizás, una de las mejores tramas en la historia del cine. No es habitual, en el cine oriental de entonces, el ritmo que Kurosawa imprime a la primera parte de la historia. Esto, junto que un nudo argumentativo que exprime al máximo las emociones del espectador, hace de la primera hora y pico, uno de los mayores espectáculos audiovisuales de la historia.

Toshiro Mifune interpreta aquí su mejor papel. Y es algo muy complicado de decir de un hombre que ha interpretado con maestría al mejor mercenario de la historia en “Yojimbo” (1961) o en “Sanjuro” (1962), ambas de Akira Kurosawa. Pero el chofer no llega a ser convincente y sus lamentos llegarán a producir antipatía.
Gran fotografía de uno de los directores que mejor supo trabajar el blanco y negro, y que en esta cinta, penúltima en blanco y negro de Kurosawa, coquetea con un humo rosa preludio del color que llegaba.
Es una pena que Kurosawa no pudiera mantener el ritmo en toda la cinta. La búsqueda criminal no llega a la altura emocional del principio y la tensión baja. De todas formas, incluso en esta parte, Kurosawa sabe sacarse de la manga, alguna escena que te clavan en pantalla (como en la que el chofer acompaña a su hijo en el coche mientras intenta recordar) ayudado por unos efectos sonoros que Hitchcock patento para la historia del celuloide.
Akira Kurosawa no sólo filmó la historia de un secuestro. Filmó un cambio histórico que Japón estaba experimentando cuando fueron recuperándose de la guerra.

Kurosawa observó como iban acercándose los males de una sociedad de consumo y supo plasmarlos en esta cinta de una forma magistral. “Esa casa nos mira” y su poder, crea un infierno de odio y envidia que nos envuelve hasta inundarnos en la desesperación

Proximamente...

EL INGLES QUE SUBIO UNA COLINA PERO BAJO UNA MONTAÑA

El precio original era: 19,30 €.El precio actual es: 18,09 €. *IVA Incluido

Género

Comedia | Basado en hechos reales. Vida rural

Sinopsis

Año 1917. Al pequeño pueblo de Fynnon Garw llegan Reginald Anson (Hugh Grant) y George Garrard (Ian McNeice), dos militares retirados, cartógrafos de profesion, a quienes el gobierno ha encargado elaborar un nuevo mapa del País de Gales. Los vecinos, gente sencilla pero muy testaruda, están muy orgullosos de una colina cercana a la que llaman «la primera montaña de Gales». Cuando, después de hacer las oportunas mediciones, Anson les informa de que no es una montaña, sino una colina, todo el pueblo colaborará para corregir ese error de la naturaleza.

(Christopher Monge, 1995)

CRITICAS

Amable comedia, cargada de buenas intenciones, en la que destaca la interpretación de Colm Meaney, uno de los mejores secundarios del cine inglés de los últimos años.

El hecho de que salga el memo de Hugh Grant, con su eterna expresión de soy idiota y lo sé, no resta interés ni chirría en el conjunto, como suele pasar cada vez que este tío asoma su jeta ante una cámara.

Interesante que el cura y el barman sean los que manejan todo en el pueblo: ambos tienen en común que trabajan con los dos productos alucinógenos más empleados en la historia de la humanidad, o sea, la fe divina y el alcohol.

Recomendable para pasar un buen rato, a veces divertido y siempre entretenido.

-3% PRECINTADADVDHollywood Pictures

EL INOLVIDABLE SIMON BIRCH

El precio original era: 36,24 €.El precio actual es: 35,03 €. *IVA Incluido

Género

Drama | Discapacidad. Adopción. Amistad

Grupos

Adaptaciones de John Irving

Sinopsis

Aunque Simon Birch es un niño de pequeñísima estatura, en lo profundo de su corazón sabe que ha nacido para hacer algo grande. Su vida es una constante búsqueda para descubrir su destino; sin embargo, parece que sólo sabe meterse en líos. Mientras tanto, Joe, su mejor amigo, trata de averiguar quién es su padre, pues su madre siempre lo ha mantenido en secreto

(Steven Johnson, 1998)

CRITICAS

Esta película, sencilla, pero no por ello menos deliciosa, es un claro ejemplo del valor que tienen esos héroes cotidianos, olvidados en algunas ocasiones y marginados en otras, como nuestro pequeño amigo Simon Birch.

Una historia, hasta cierto punto impredecible, que no compleja, aderezada con ciertos toques de humor, inesperada, sorprendente, y, sobre todo, emocionante, muy emocionante. La forma tan ligera y respetuosa de tratar la religión y el retrato que hace del Maine de principios de los 60 son de lo más agradable de la película.

En definitiva, una historia contada por niños, pero no destinada a niños, pues somos los mayores los que solemos olvidar el valor de las cosas pequeñas.

-2% Blu rayPRECINTADADaiei Studios

El intendente Sansho

El precio original era: 61,65 €.El precio actual es: 60,44 €. *IVA Incluido

Género

Drama | Japón feudal. Siglo XII. Esclavitud

Sinopsis

A finales de la Época Heian en el siglo XII, el gobernador de un pueblo es enviado al exilio. A pesar de que su familia quiere ir con él, ninguno podrá acompañarle, pues, engañados por una vieja que se hace pasar por sacerdotisa, son vendidos como esclavos por separado: la madre por un lado y los hijos por otro.

(Kenji Mizoguchi, 1954)

CRITICAS

Mizoguchi tocó el cielo. Fue dotado con un don del que muy pocos mortales disfrutan. El genio, una gracia concedida por alguna deidad parca en repartir la excelencia.

Excelente melodrama sobre la esclavitud, de guión recio e imagen bellísima –¡menudos exteriores, parecen sacados de las ilustraciones de un cuento!–

Al que haya tenido, como yo (hace ya un tiempo), la suerte de haberla visto por primera vez sin saber nada del argumento, le resultará imposible olvidar el inesperado giro que dan los acontecimientos en la escena de las barcas. La presentación es un pelín lenta, pero a partir de ahí ya no habrá descanso en una narración casi perfecta que se mantiene así hasta el emotivo final.

Actores que no actúan, sino que viven. Una cámara que no es cámara, sino universo. Una historia que no se conforma con tenernos de espectadores, sino que nos agarra del corazón y nos arrastra dentro.
No sé que tenía este director japonés, que hacía de la imagen un prodigio de sencillez visual y narrativa tan potente que deja sin aliento sin necesidad del menor delirio ni exceso. Una lección inigualable de sutileza. De saber desgarrar con la belleza del plano de una madre que reclama a sus hijos bajo sus alas protectoras, y que confía al viento una canción de búsqueda.

Mizoguchi parte el alma sin tregua a golpe de sobriedad formal que contiene un fondo de insondable sentimiento. Como esas maneras suaves y delicadas, esos rostros sonrientes y esos modales exquisitos con los que muchas personas de culturas muy ajenas a la mía manifiestan sus emociones más profundas.
Porque en muchos sitios está socialmente mal visto descomponerse, perder los estribos y expresar el sentir personal con estridencia. De esa pasta está fabricada una película de Mizoguchi. Con modales impecables, elegancia que no se descompone, y una habilidad sin parangón para atrapar al espectador hechizado y removerle las entrañas sin hacer un solo aspaviento técnico, sin mover la cámara más de lo estrictamente necesario, con una música suave con vibraciones añejas y melancólicas, como de cuento cuyos orígenes se pierden en la memoria de los tiempos.
Una ligera sombra de irrealidad, de presagio fantasmagórico que sobrevuela rozando la dureza de abajo. De una tierra poblada de muchas personas crueles, de pocas personas bondadosas, de unos cuantos y escasísimos privilegiados, de espíritu de piedra unos, de calidez otros. Y de montones de desgraciados dejados a su suerte y esclavizados. A la pobreza, a la tiranía. A otros seres humanos.
 Y un rayo de esperanza. Una ilusión prometida en forma de enseñanzas que hablan de caridad y libertad, palabras remotas y dulces que se prolongan subrepticiamente en paladares demasiado acostumbrados a la hiel.
La esencia del Japón feudal en dos horas. La esencia de la maldad, del dolor, del amor, de la esclavitud, de la bondad, del coraje y de la persecución de los sueños. La esencia del mundo.
Y la esencia de lo mejor del cine universal que se pueda filmar jamás.

Sin duda alguna, una de las mejores películas japonesas de todos los tiempos.

-3% PRECINTADABlu rayUniversal Pictures

EL INVISIBLE HARVEY

El precio original era: 47,13 €.El precio actual es: 45,92 €. *IVA Incluido

Género

Comedia

Sinopsis

Elwood P. Dowd (James Stewart) es un hombre afable, cariñoso y siempre dispuesto a ayudar a los demás. Su único problema es que va a todas partes acompañado por un imaginario conejo gigante al que llama Harvey. La familia de Elwood no sabe qué hacer y opta por llevarlo a un psiquiátrico.

(Henry Koster, 1950)

 CRITICAS

Esta comedia, de aspecto ligero, contiene carga de profundidad. Como no formula abiertamente crítica social o política, no parece que plantee objeciones al ‘establishment’. No obstante, la noción de salud mental no puede quedar más vapuleada, aunque no a la manera dramática de películas psiquiátricas sobre la locura, como “Alguien voló sobre el nido del cuco” o “Corredor sin retorno”. Propone como paradigma de la lucidez al chiflado Elwood (James Stewart), en constante coloquio con su amigo Harvey, sólo para él visible. Su respetable hermana, amiga de jueces y autoridades, organizadora de recitales benéficos y reuniones de damas, no ve al amigo invisible, por supuesto, aunque duda por instantes, fugazmente. Los amigos del bar tampoco lo ven siempre pero, en cambio, admiten con normalidad su existencia y se interesan por él, llenos de consideración.

El mundo se divide entre quienes aceptan a Harvey y quienes se horrorizan ante la mera insinuación de su nombre. Los primeros asumen la riqueza de la vida, abiertos a sus posibilidades; los segundos, gente de orden, ven lo que la Ley establece que se ha de ver.

A estas alturas es claro que se trata de un anarquizante símbolo de la efectiva libertad personal y la autonomía de la conciencia… además de un conejo blanco de más de dos metros, a quien no vemos con la mirada ‘óptica’ pero captamos gracias al continuo énfasis que Stewart hace sobre su presencia, llegando a crearlo asombrosamente “en negativo” con la gesticulación; un conejo, por cierto, de aire bastante más amable que el de “Donnie Darko”.

Antes que mezclarse en mezquinos forcejeos con quienes, como fieras, sólo viven para ser controlados o controlar a los demás en la cadena jerárquica de la sociedad, Elwood prefiere invocar a un ‘pooka’ (especie de juguetón duende personal, en la tradición celta) con quien ejercitar la cortesía, la jovialidad, el ingenio y la diversión… La condición humana, en suma. Eso sí, de manera más bien dionisíaca, o báquica.

De factura un poco tosca en lo formal, plagada de pequeñas torpezas, conquista sin embargo por su vigoroso humorismo y por la bulliciosa fuerza con que se eleva sobre la tontería.

EL JARDIN SECRETO

El precio original era: 29,95 €.El precio actual es: 28,74 €. *IVA Incluido

Género

Drama

Grupos

Adaptaciones de Frances Hodgson Burnett

Sinopsis

Adaptación de la novela de Frances Hodgson Burnett. Una plaga de cólera en la India colonial mata a los padres de Mary, una niña británica, por lo que es enviada a Inglaterra a vivir con un tío suyo, viudo y con un hijo enfermo, en una gran mansión en Yorkshire.

(Fred M. Wilcox, 1949)

CRITICAS

El Cólera es el preludio de este filme, no es una historia infantil, sino adulta, para padres que trasmitirnos tanto nuestras virtudes como nuestros defectos, un filme tipo Jane Eyre, oscuro, sombrío, triste, sin emociones, cuervos, llantos, secretos, deformidades físicas y psicológicas, donde pocos se agarran de esa rayo de luz que te ofrece la vida.

Una historia diferente con niños en los parajes de Londres y la India, un filme de una actriz que se la encuentra en vida, Margaret O’Brien, cuyo compañero de reparto falleció el año pasado, el recordado hombre cuántico Dean Stockwell, la antiquísima Gladys Cooper bruja, Elsa Lanchester traviesa y los grandes actores en drama y suspenso, Herbert Marshall como el tío, George Zucco como Doctore, uno de los mejores mix RGB y BN.

El cólera, era una epidemia arrasadora en la antigüedad con más del 50% terminaba en muerte para los infestados, con una deshidratación rápida, su origen fue Indio, la primera pandemia entre 1817-1824, pero para el caso del filme se trataría de 4ta pandemia, durante los primeros años del colonialismo inglés, 1845 en la India, se extendió a los países desarrollados de Europa, John Snow fue el médico que estableció su relación con aguas contaminadas en 1854, se concluyeron las primeras infraestructuras de aguas residuales en 1920 y su vacuna casi a la par por Jaime Ferrán y Clúa.

-6% PRECINTADABlu rayCoproducción Reino Unido-Estados UnidosWarner Bros

El jardin secreto

El precio original era: 21,77 €.El precio actual es: 20,56 €. *IVA Incluido

Género

Aventuras. Drama | Infancia. Amistad. Cine familiar

Grupos

Adaptaciones de Frances Hodgson Burnett

Sinopsis

Tras la muerte de sus padres, Mary, una niña británica nacida en la India, es enviada a Inglaterra a vivir con un tío suyo. Se trata de un personaje huraño y distante que vive en una gran mansión gótica, gobernada por una estricta ama de llaves, la señora Medlock. Mary descubre un gran jardín, cerrado y abandonado durante años, que se convertirá en un mágico refugio para ella y sus dos nuevos amigos: Colin, un inválido caprichoso, y Dickon, ingenuo y lleno de bondad. Mientras disfrutan del jardín, se establece entre ellos una sólida y especial relación que cambiará su destino para siempre.

(Agnieszka Holland, 2023)

 CRITICAS

Notable adaptación del libro de Frances Hogdson Burnett. Es muy fiel al libro, aunque como es lógico para poder adaptarla a un metraje no demasiado largo, algunas cosas han sido alteradas. Pero puedo asegurar que el 90% de la novela sale en la película.

Las interpretaciones de los niños son muy destacables, sobretodo la niña protagonista, Kate Maberly, que realiza un gran trabajo llevando casi todo el peso de la película ella sola. Hace una interpretación muy contenida. Sabe transmitir bien a través de miradas y silencios. El resto de secundarios están a la altura, como por ejemplo Maggie Smith en su papel de gobernanta cascarrabias, atribulada por la misantropía y extrañas costumbres de su amo.

La ambientación en el enorme caserón, con innumerables habitaciones vacías y la soledad de sus pasillos están muy logrados. Los exteriores, llenos de bruma en invierno y exhuberantes en primavera también son muy destacables.

En general la película es un cuento amable y positivo, como lo es la novela. Hogdson Burnett que militaba en la Iglesia de la Ciencia Cristiana . Esta Iglesia predica, así a grandes rasgos lo explico, que los pensamientos positivos nos llevan a la felicidad y la paz de espíritu. En cambio los negativos nos hunden en la tristeza, la depresión y no nos dejan ver la belleza de la vida. Esta idea básica de su creencia religiosa, la plasmó Hogdson Burnett en este libro. Todos los personajes están sumidos en la tristeza, excepto uno de ellos que es sencillo, alegre y por lo tanto, feliz. Unos no saben reír o andar, otros no saben llorar. El Jardín Secreto será el lugar donde todos los personajes tristes despertarán a la vida.

Muy recomendable.

-4% PRECINTADABlu rayUniversal Pictures

EL JOROBADO DE NUESTRA SEÑORA DE PARIS

El precio original era: 33,82 €.El precio actual es: 32,61 €. *IVA Incluido

Género

Drama | Cine mudo. Siglo XV. Discapacidad

Grupos

Adaptaciones de Victor Hugo | El jorobado de Notre Dame

Sinopsis

Mientras baila en una plaza, la gitana Esmeralda es descubierta por Jehan. Obsesionado por su belleza, el hombre ordenará a Quasimodo, el campanero jorobado de Notre Dame, secuestrarla. Pero cuando Quasimodo es capturado y azotado, Esmeralda será la única que le demuestre su bondad

(Wallace Worsley, 1923)

CRITICAS

El excepcional escritor Víctor Hugo ha sido en múltiples ocasiones llevado al cine, esto ha ocurrido desde los comienzos del séptimo arte y este es el mejor ejemplo. En 1923 se adaptó por primera vez «El jorobado de Notre Dame», el encargado de hacer el papel de protagonista fue ni más ni menos que Lon Chaney, una de las grandes estrellas del cine de terror de los años 20. Con esta conseguiría hacerse famoso y más tarde se consagraría con su obra maestra «El fantasma de la Ópera». Amigo íntimo de Tod Browning, el director de ”La parada de los monstruos”, fue el elegido para hacer de Drácula pero un cáncer acabó con su vida siendo sustituido por Bela Lugosi.
Sin embargo en esta película el director es Wallace Worsley y eso se nota para mal. Worsley fue un productor y director de los inicios del cine norteamericano que hizo obras apreciables pero muy lejano de sus contemporáneos Chaplin, Vidor, Keaton, Browning, Stroheim, Milestone, Walsh, Flaherty o Borzage. Y aunque aquí hace su mejor obra no podemos considerarla una obra maestra, y sobre todo a la altura de la versión de 1939 de William Diterlee con Charles Laughton en el papel de Quasimodo, y ya digo que no es Chaney el problema sino el director, también Esmeralda no está a la altura evidentemente Patsy Ruth Miller, poco sensual, que la maravillosa Maureen OHara.

También al abad de la catedral le falta la fuerza malévola y lujuriosa que transmite en la versión del 39.
Aún así la película es muy interesante, más fiel al libro que otras versiones (de ahí sus problemas al querer abarcar demasiado y contar demasiadas historias periféricas) y sobre todo con un magnífico Lon Chaney. La película va ganado en intensidad y es curioso que cuanta más acción existe al final de la cinta es cuando alcanza momentos realmente brillantes, mientras que en los íntimos, las historias de amor se muestra muy fría y poco creíble. Además el director, como pasaba en el cine mudo a los que no sabían expresar con imágenes abusa en exceso de los rótulos para contar cosas que debería hacerlo sin ellos como hacían otros grandes de la época.
De todas formas la película merece la pena, con fotografías espléndidas y una estupenda catedral parisina, muy bien rodada, sobre todo en exteriores, y unos efectos especiales más que apreciables para la época.