Mostrando 25–48 de 194 resultados
TIPO
- CineCine 193
- SeriesSeries 1
FILTRAR POR GÉNERO
- Acción / aventuras / artes marciales 52
- Animación / Anime 5
- Asiatico 3
- Bélico 6
- Ciencia ficción / SCI FI 20
- Clasico 15
- Comedia 27
- Contemporáneo / moderno 4
- DocumentalDocumental 2
- Drama 91
- Erótico / adultos 7
- Europeo 56
- Infantil 4
- Musical 5
- Religioso 1
- RomanceRomance 13
- Social / político 37
- Terror 32
- Thriller/ Policíaco 70
- Western 12
FORMATO
IDIOMA
PRODUCTORA
- 20th Century Fox 9
- Agata Film 1
- Allied Artists 1
- Alta Cinematografica 1
- American International Productions 4
- American Zoetrope 2
- Amicus Productions 1
- Aquila Cinematografica 1
- Artists Entertainment Complex 1
- AVCO Embassy Pictures 1
- Bing Crosby Productions 1
- Blood Relations Co 1
- Bryanston Picture 3
- Cinema 7 Film Group 1
- Cinema Center Films 1
- Columbia Pictures 20
- Commonwealth United Entertainment 1
- Compass International Pictures 2
- Coproducción Canadá-Reino Unido 1
- Coproducción Estados Unidos-Reino Unido 2
- Coproducción Francia-Irán-Alemania del Oeste (RFA) 2
- Coproducción Francia-Italia 8
- Coproducción Francia-Italia-Alemania 1
- Coproducción Italia-Alemania 1
- Coproducción Italia-Alemania del Oeste (RFA)-Francia 1
- Coproducción Italia-Bélgica-Francia 1
- Coproducción Italia-Francia 3
- Coproducción Italia-Francia-Alemania del Oeste (RFA) 2
- Coproducción Italia-México-España 1
- Coproducción Reino Unido-Canadá 2
- Coproducción Reino Unido-Estados Unidos 1
- Coproducción Reino Unido-Francia 1
- Coproducción Reino Unido-Italia 1
- Daniel Melnick 2
- David Lynch 1
- Deva Cinematografica 1
- Dino de Laurentiis Cinematographica 1
- Elías Querejeta 2
- Film Polski 1
- Filmové Studio Barrandov 1
- Filmways Australasian 1
- France 2 (FR 2) 1
- Fulvia Film 1
- Georges-Alain Vuille Production 1
- Golden Harvest Company 1
- Hammer Productions 1
- Home Free 1
- Impact Films 1
- ITC 1
- Jack Rollins & Charles H. Joffe Production 1
- José Luis Tafur P.C 2
- Joseph E. Levine Productions 1
- Jupiter Generale Cinematografica 1
- Kettledrum Films 1
- Lea Film 1
- Leguan Film Berlin 1
- Les Films du Losange 1
- Lion International 1
- Major Productions 1
- Malpaso Productions 2
- MGMMGM 2
- Morgana Films 1
- Orion Pictures 2
- ParamountParamount 8
- Pedro Masó 1
- Penthouse Films International 1
- Personafilm GmbH Munich 2
- Rastar 1
- Russ-Arts 1
- Samuel Z. Arkoff 2
- Sandy Howard/Richard St. Johns Productions 1
- Solofilm 1
- The American Film Theatre 1
- The Australian Film Commission 1
- The Mirisch Corporation 2
- The Rank Organisation 2
- Toei 1
- Toei Animation 1
- Toho 1
- United Artists 11
- Universal Pictures 12
- Verenigde Nederlandsche Filmcompagnie (VNF) 1
- Walt Disney Productions 4
- Warner Bros 17
- Werner Herzog Filmproduktion 2
- West Film 1
Director
- Akira Kurosawa 1
- Alan Bridges 1
- Alan Parker 1
- Andrew V. McLaglen 1
- Andrzej Wajda 1
- Antonio Isasi-Isasmendi 1
- Arthur Hiller 1
- Arthur Marks 1
- ARTHUR PENN 1
- Artie Mitchell 1
- Bernard L. Kowalski 1
- Bernardo Bertolucci 2
- Blake Edwards 3
- Bob Clark 2
- Bob Fosse 1
- Brian De Palma 4
- Carlo Lizzani 1
- CHICHO IBAÑEZ SERRADOR 1
- Claude Lelouch 1
- Clint Eastwood 5
- Damiano Damiani 1
- David Greene 1
- David Hemmings 1
- David Lynch 1
- Dennis Hopper 1
- Don Taylor 1
- Douglas Hickox 1
- Eddie Romero 1
- Edouard Molinaro 1
- Edwin Sherin 1
- Elia Kazan 1
- Elliot Silverstein 1
- Enzo Barboni 1
- Enzo G. Castellari 1
- Federico Fellini 1
- Francis Ford Coppola 1
- Franklin J. Schaffner 1
- Fred Zinnemann 1
- George Lucas 2
- George Roy Hill 2
- Guy Hamilton 1
- Henri Verneuil 1
- Herbert Ross 2
- Ingmar Bergman 2
- Irwin Allen 1
- J. Lee Thompson 2
- Jack Gold 1
- Jack Smight 1
- Jacques Deray 2
- James Bridges 2
- James Fargo 1
- James William Guercio 1
- Javier Aguirre 1
- Jean Eustache 1
- Jean-Pierre Melville 1
- Jerry Schatzberg 2
- Jerzy Skolimowski 1
- Jim Sharman 1
- Jimmy Sangster 1
- Joe D'Amato 1
- John Carpenter 2
- John Cassavetes 1
- John Frankenheimer 1
- John G. Avildsen 1
- John Huston 3
- John Krish 1
- John Milius 1
- John Schlesinger 1
- Jonathan Demme 1
- Jose Luis Garci 2
- Joseph Losey 1
- Ken Hughes 1
- Ken Russell 1
- Leopoldo Savona 1
- Lewis John Carlino 1
- Lo Wei 1
- Luchino Visconti 1
- Luis Buñuel 1
- Marco Bellocchio 1
- Marco Ferreri 1
- Mark Rydell 3
- Martin Scorsese 1
- Mel Brooks 1
- Melvin Frank 1
- Michael Anderson 1
- Michael Ritchie 1
- Michael Winner 1
- Michele Lupo 1
- Mike Newell 1
- Mike Nichols 1
- Milos Forman 1
- Nicolas Roeg 1
- Orson Welles 2
- Otakar Vávra 1
- Ovidio G. Assonitis 2
- Paul Verhoeven 1
- Peter Bogdanovich 1
- Peter Hyams 1
- Peter Weir 1
- Peter Yates 2
- Philip D'Antoni 1
- Philip Kaufman 2
- Richard Brooks 1
- Richard Donner 1
- Richard Fleischer 3
- Richard Franklin 1
- Richard Lester 1
- Richard Loncraine 1
- Richard Moore 1
- Ridley Scott 1
- Robert Altman 1
- Robert Wise 2
- Roman Polanski 1
- Ronald Neame 1
- Sam Peckinpah 4
- Saul Bass 1
- Sergio Leone 1
- Sergio Martino 1
- Sergio Sollima 2
- Shuji Terayama 1
- Sidney Lumet 1
- Stanley Donen 1
- Steven SpielbergSteven Spielberg 4
- Stuart Burge 1
- Stuart Cooper 1
- Sydney Pollack 4
- Terence Young 1
- Terrence Malick 1
- Tinto Brass 1
- Tobe Hooper 3
- Tom Gries 1
- Tomoharu Katsumata 1
- Umberto Lenzi 1
- VARIOS 1
- Vicente Aranda 1
- Víctor Erice 2
- Vittorio De Sica 1
- Werner Herzog 2
- Wes Craven 1
- William Friedkin 1
- William Hale 1
- Wolfgang Reitherman 4
- Woody Allen 2
Price
CATEGORÍAS
- Accessories 3
- GÉNERO 3096
- Acción / aventuras / artes marciales 1016
- Animación / Anime 123
- Asiatico 109
- Bélico 189
- Ciencia ficción / SCI FI 332
- Clasico 796
- Comedia 632
- Contemporáneo / moderno 126
- Documental 24
- Drama 1599
- Erótico / adultos 23
- Europeo 695
- Infantil 174
- Musical 142
- Religioso 69
- Romance 417
- Social / político 550
- Super héroes y comics 74
- Terror 473
- Thriller/ Policíaco 1057
- Western 147
- IMPORTACIÓN 71
- NOVEDADES 645
- PREVENTA 105
Blu ray
Cabaret -Edición con EXTRAS y B.S.O.
Género
Drama. Musical | Años 30. Nazismo. Baile
Grupos
Adaptaciones de Christopher Isherwood
Sinopsis
Berlín, años 30. El partido nazi domina una ciudad donde el amor, el baile y la música se mezclan en la animada vida nocturna del Kit Kat Club. Un refugio mágico donde la joven Sally Bowles y un divertido maestro de ceremonias hacen olvidar las tristezas de la vida.
Posición en rankings FA
4 Mejores películas musicales
32 Mejores películas de los años 70
Premios
1972: 8 Oscars, incluyendo mejor director, actriz (Minelli) y actor sec. (Grey). 10 nom.
1972: 3 Globos de Oro, incluyendo Mejor película Comedia o Musical. 9 nominaciones
1972: 7 Premios BAFTA: incluyendo mejor película y mejor director. 11 nominaciones
Críticas
Uno de los mejores musicales de la historia, que extrae su fuerza de una dirección vibrante, unos diálogos con chispa, un mensaje previsible pero bien enmarcado en la historia, y unos estupendos intérpretes. Además, claro, de unos números musicales sencillamente soberbios, a los acordes de una banda sonora inolvidable. El magnífico Joel Grey les invita a pasar con el mítico “Willkommen, Bienvenue, Welcome…».
Tiene el curioso récord de ser la película que ha ganado más Oscars (8 de sus 10 nominaciones) sin haber obtenido el de Oscar a la mejor película, que fue a parar nada menos que a «The Godfather».
CALIFORNIA SUITE
Género
Comedia. Drama | Comedia dramática. Comedia romántica. Historias cruzadas
Sinopsis
Cinco parejas que han ido a Los Ángeles por diversos motivos se alojan en un famoso hotel, en el que vivirán curiosas experiencias.
(Herbert Ross, 1978)
CRITICAS
Es una comedia muy dramática. Tiene dos historias: la de Maggie Smith/Michael Caine y la de Alan Alda/Jane Fonda que son más dramáticas que cómicas. En una se muestra un amor que fue y que ya no es y en la otra una especie de matrimonio de conveniencia.
Luego para mi gusto una de las historias más graciosa es la llevada a cabo por el magnífico Walter Matthau, donde trata a toda costa de ocultarle “el problema” a su mujer.
Y por último está la historia más cómica y quizás de humor más sencillo en la que los dos matrimonios de color lo pasan francamente mal por una serie de infortunios de lo más hilarante.
Paradojas de la vida, el personaje de Maggie Smith en la película está nominada a un oscar, mientras que en la vida real lo ganó realmente por esta interpretación en el año 1978.
Caligula: The Ultimate Cut (VOSE) – Ed. Especial (incluye libreto 32 Pag)
Drama | Erótico. Antigua Roma
Descripción del producto
Calígula de Ultimate Cut: uno de los mayores escandalos de la historia del cine.
Incluye un libreto de 32 páginas con textos de Xavi Sánchez Pons sobre el director y la producción.
SINOPSIS
Tras asesinar a su abuelo adoptivo, el emperador Tiberio, Calígula se hace con el poder y comienza a desmantelar el Imperio Romano desde dentro. En este tratado sobre la influencia corruptora del poder, Calígula emprende un angustioso viaje a través de la depravación, la locura y la destrucción.
40 años después de su estreno original, Penthouse Films International presenta una versión del clásico de culto Calígula, con gran cantidad de metraje nunca antes visto. Esta película, uno de los mayores escándalos de la historia del cine, notoriamente decadente, se presenta ahora de la forma en la que siempre fue condebida.
Extras: tráiler y galería. Imagen: 2,00:1. Duración: 172 minutos. Región del disco: B
Audio: inglés 5.1 y 2.0 estéreo. Subtitulos: castellano.
Tiempo de ejecución : 2 horas y 52 minutos
Fecha de lanzamiento : 25 enero 2024
Actores: Peter O’Toole, Malcolm McDowell, Helen Mirren, John Gielgud, John Steiner, Paolo Bonacelli
CRITICAS:
Calígula proviene de la producción italiana de Rosellini, cuenta con un guión de Gore Vidal, la puesta en escena y decoración majestuosa (tan currada como las obras de Fellini) de Danilo Donati…son elementos que ya de por sí, son vanguardistas y atrevidos, porque sus autores (Rosellini, Vidal, Donati,) y la tendencia cinematográfica italiana (Calígula es mucho más italiana que británica) son vanguardistas, atrevidas, liberales, decadentes…como se prefiera llamar.
Partiendo de éste punto de vista, Calígula cuenta con una producción magnífica, y sus efectos visuales son tan sugerentes que las escenas afectan directamente a todos nuestros sentidos. Calígula tiene el poder de mostrarnos lo bello y lo grotesco entremezclado, las pasiones humanas en su estado más puro (tan puro, que afecta a nuestra mente) y la realidad histórica de un Imperio decadente y corrompido por dentro. Es un film muy atrevido que no se anda con tapujos, como tampoco se andaba Pasolini ni Fellini, ni el español Buñuel.
Muestra la historia del emperador más sanguinario de Roma, interpretado por un grandioso Mcdowell al que la historia no ha sabido juzgar.
CAPRICORNIO UNO
«Un thriller absurdo y disfrutable»
Sinopsis
El mundo entero está presenciando el primer viaje tripulado a Marte sin saber que se trata, en realidad, de un simulacro. Los tres astronautas designados para la misión se ven obligados a participar en la farsa, porque sus familias están amenazadas. El fraude parece funcionar hasta que un técnico de la NASA se da cuenta de que está sucediendo algo extraño y, con la ayuda de un periodista amigo suyo, decide investigar…
(Peter Hyams, 1978)
CARRIE – ED. LIMITADA ARROW
Sinopsis
Carrie White, una tímida adolescente que vive con su madre, una fanática religiosa, es objeto de las burlas constantes de sus compañeros de instituto. Cuando, en las duchas del gimnasio, la chica sufre un ataque de histeria al tener su primera menstruación, a una de sus compañeras se le ocurre gastarle una broma macabra durante la fiesta de graduación.
Lo que todos ignoran es que Carrie posee poderes telequinésicos.
Adaptación de la novela homónima de Stephen King.
Premios
1976: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actriz (Spacek), actriz de reparto (Laurie)
1976: Globos de Oro: Nominada a mejor actriz secundaria (Piper Laurie)
1976: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor actriz (Sissy Spacek)
CRITICAS
En este sentido, no se trata de la típica película de terror de sobresaltos, gritos, muertes y mucha sangre. El terror del film es mucho más psicológico. Carrie es una persona inadaptada, diferente, que es marginada por sus propios compañeros de clase, viviendo a la sombra de su madre.
Las interpretaciones del film resultan notables, destacando la de Pipper Laurie por encima de todos, ofreciéndonos un registro un tanto excesivo e histriónico pero que realmente era el tratamiento que necesitaba el personaje. La joven Sissy Spaceck también realiza una interpretación meritoria, siendo su elección muy acertada por parte del director (o del que fuera responsable), al ofrecernos una intepretación realmente sensacional haciendo muy creibles su personaje.
La planificación que realiza De Palma en esta película es ejemplar. Manteniendo un tono de «película normal», sin ninguna concesión a mostrarnos algo más distendido. Desde el principio somos testigos del montaje, de cómo juegan con los sentimientos de Carrie sus propios compañeros (entre los que podemos reconocer a un jovencísimo John Travolta o a Nancy Allen), al mismo tiempo que sabemos que la joven es una bomba de relojeria que puede explotar en cualquier momento. Sin duda, De Palma le debe mucho a Hitchcock a la hora de construir este tramo de apariencia «normal», pero que prepara los acontecimientos posteriores.
Es al final del film donde De Palma condensa la «acción» del film, el desenlace, y donde realmente es él mismo: un director eminentemente visual, muy efectista y con un gusto estético muy personal y colorista. La secuencia del baile de graduación rompe bruscamente el devenir aparentemente normal del film, pero no sólo temáticamente sino también de forma estética, con un claro dominio del color rojo.
El gran mérito de De Palma es como pasamos de la escenificación de una broma de colegío a algo completamente diferente (en la línea de películas de Hitchcock como «Psicosis» o «Los Pájaros»), y como esa ruptura queda perfectamente integrada dentro de lo que nos están contando.
CAZA HUMANA
Género
Thriller
Sinopsis
Dos convictos evadidos (Shaw y McDowell) son perseguidos en un inconcreto país latinoamericano. Allá donde van, siempre les intenta dar caza un amenazante helicóptero negro.
(Joseph Losey, 1970)
Premios
1970: Premios BAFTA: Nominada a Mejor música
CRITICAS
Un trabajo de Losey no muy conocido con dos presos evadidos (Robert Shaw y Malcolm McDowell) huyendo de un helicóptero que intenta darles caza.
La estructura es perfecta, con unas tomas aéreas y panorámicas sensacionales, sacando todo el potencial de la gran pantalla, la cuidada fotografía, el poderoso vigor narrativo o el uso de la música cuando surge el helicóptero, que da un aire siniestro a sus apariciones asemejándose a un depredador que persigue su presa y juega con ella antes de devorarla.
CHACAL (1973)
- Sinopsis
- Año 1963. Chacal, un prestigioso asesino a sueldo cuya verdadera identidad nadie conoce, ha sido contratado por la OAS para llevar a cabo una arriesgada misión: asesinar al Presidente de la República Francesa, el general Charles De Gaulle. La novia de un paracaidista ejecutado por su pertenencia a la OAS es la encargada de proporcionar información sobre los movimientos del Presidente gracias a su relación con un miembro del servicio de seguridad de De Gaulle.
- Posición en rankings FA
46 Mejores películas británicas
66 Mejores películas de los años 70
91 Mejores películas de intriga
104 Mejores películas sobre el mundo criminal - Premios
1973: Oscar: Nominada a Mejor montaje
1973: Globos de Oro: 3 nominaciones, incluyendo mejor película – Drama
1973: Premios BAFTA: Mejor montaje. 7 nominaciones - Críticas
«Uno de los filmes más interesantes del cine europeo (…) espectacular cinta que Fred Zinneman adaptó, con sobriedad y fidelidad, del famoso best seller»
(Fred Zinnemann, 1973)
«Uno de los filmes más interesantes del cine europeo (…) espectacular cinta que Fred Zinneman adaptó, con sobriedad y fidelidad, del famoso best seller
CHICHO IBAÑEZ SERRADOR 2 PELICULAS: LA RESIDENCIA Y QUIEN PUEDE MATAR A UN NIÑO
- LA RESIDENCIA (1969)
Compañías
Anabel Films
Género
Terror. Intriga | Siglo XIX. Internados. Asesinos en serie
Sinopsis
La señora Fourneur es la directora de una residencia para señoritas. Sus estrictos métodos no son del agrado de las alumnas; de hecho, tres se han fugado recientemente, sin que se haya vuelto a saber de ellas. Cuando Teresa llega al internado, pronto se entera de cuáles son las normas y del control que sobre las chicas ejerce Irene, una despiadada jovencita que se ha convertido en la predilecta de la directora. En el edificio también vive Luis, el hijo de la directora, quien se ve en secreto con una de las chicas, huyendo de la sobreprotección de su madre. Además, Luis suele espiar a las alumnas, pese a las reprimendas de su madre.
- QUIEN PUEDE MATAR A UN NIÑO (1976)
Compañías
Penta Films
Género
Terror. Intriga. Thriller | Infancia. Película de culto
Sinopsis
Tom y Evelyn son una pareja de turistas ingleses que viaja a una población costera española para disfrutar al fin de una tardía luna de miel. Sin embargo, cuando llegan, se quedan decepcionados: el lugar es demasiado bullicioso para pasar las tranquilas vacaciones que ellos habían planeado. Deciden entonces alquilar una barca para visitar una pequeña isla en la que Tom había estado cuando era más joven. Su sorpresa será mayúscula cuando descubran que los únicos habitantes de la isla son niños, unos niños que, animados por una misteriosa fuerza, se rebelan contra los adultos
CIRCULO DE LA MUERTE
Género
Drama. Terror. Intriga | Fantasmas
Sinopsis
Tras la muerte de su hija, Julia Lofting (Mia Farrow) deja a su marido y se muda a una nueva casa para rehacer su vida.
(Richard Loncraine, 1977)
Premios
1978: Festival de cine fantástico de Avoriaz: Grand Prix (Mejor película).
Críticas
«Con una atmosfera llena de tensión y una sólida interpretación de Farrow, esta es la clase de joya de terror poco vista que los fans del género deberían estar deseando ver
Una de las mejores películas de fantasmas de los años 70 que juega todo el tiempo con la ambigüedad y la sugerencia, para contarnos una dramática historia muy bien elaborada (magnífica la adaptación de Davenport y Humphries de la novela «Julia» de Peter Straub) e interpretada (soberbia Mia Farrow)
CIUDAD VIOLENTA
Género
Acción. Thriller | Mafia. Venganza. Poliziesco
Sinopsis
Tras ser engañado y dado por muerto, Jeff decide ir a Nueva Orleans para buscar el hombre que intentó asesinarlo. Comienza así un largo recorrido para cumplir su venganza. Un gran capo de la mafia lo chantajeará para que ingrese en su banda y participe en sus negocios; pero, como Jeff rechaza la propuesta, es implacablemente perseguido por la ciudad
(Sergio Sollima, 1970)
CRITICAS
Clásico del poliziesco europeo, cine pese a ello muy desconocido o minusvalorado, y que en este caso se merece justamente el término “clásico”, porque es una auténtica maravilla.
La cinta reproduce completamente una historia y arquetipos del noir americano clásico, con un revestimiento, claro, de su época: un (estupendo) Charles Bronson atrapado (así como el resto de reparto masculino, incluyendo a Telly Savalas, haciendo de característico jefe capo) en las redes de una demiurga femme fatale (Jill Ireland).
Sollima, artesano mejor director que otros de sus coetáneos, filma y planifica con estilo visual, nervio narrativo y rabia, intensidad emocional en los momentos justos; la película discurre, aparte del riego clásico de pasiones (ojo al arrebato sexual en el muelle) y traiciones que la vertebran y de algún curiosísimo, simpático momento (arácnido en la cárcel, el abuelete cruzando la calle), con varias escenas de alta categoría y voltaje: la típica secuencia de persecución automovilística (por callejuelas, más emocionante y mejor resulta de lo acostumbrado: sorprendente primera escena, presentación, aún sin diálogos); la metódica –vagamente divertida: humor negro- espera de Bronson para atentar contra un coche en un rally; la serie secuencia en un pantano (ruinosos barcos fantasma, cruzando espesa arboleda) adonde Bronson lleva a Ireland para su exigida ejecución; y, por supuesto, los tensos, muy negros y pluscuamperfectos últimos diez minutos (magistral escena muda del ascensor).
La película italiana de género favorita de Nicolas Winding Refn. Magnífica.
CONOCIMIENTO CARNAL / Carnal Knowledge
Género
Drama. Romance | Amistad. Cine independiente USA. Colegios & Universidad
Sinopsis
Jonathan y Sandy son amigos desde la universidad, donde comparten habitación y obsesión por las mujeres. En una fiesta, el timorato Sandy, alentado por Jonathan, conoce a Susan, una chica guapa e inteligente, y empieza a salir con ella. Lo malo es que también Jonathan se enamora de Susan. Este será el comienzo de un recorrido de más de dos décadas por las complicadas relaciones sentimentales y sexuales de ambos.
(Mike Nichols, 1971)
CRITICAS
Comedia dramática dirigida por Mike Nichols («El graduado» (1966), «¿Quién le teme a Virginia Woolf?» (1967)) y escrita por Jules Feiffer en que dos jóvenes universitarios y luego hombres de mediana edad de la clase media neoyorquina: Jonathan (Jack Nicholson) y Sandy (Art Garfunkel) tienen sus aventuras sexuales y hablan extensamente sobre ellas tomando a las mujeres como objetos en la época de la «liberación sexual» o del «amor libre». Una película innovadora en su tiempo.
Los hombres son muy distintos y Jonathan, en particular y sobre todo, no tiene valores que den sentido a sus relaciones, más bien teme a las mujeres. Una sociedad sin valores y obsesionada por el placer sexual parecen ser las bases de la «liberación» en estas dos historias, lo cual conduce a dramas más bien pesimistas donde el amor no abunda. Podríamos llamarlo, con algo de escepticismo, «falta de ilusiones» o «desilusión».
Hay largas escenas a cámara fija de algún personaje mientras otros hablan o evolucionan fuera de campo, el método cansa un poco y hace parecer la película más larga de lo que es. Pero las actuaciones son muy buenas, las mujeres bellas y la historia, en su conjunto, muy interesante. En el cierre, Rita Moreno, en el papel de una prostituta, ejerce su oficio ante Jonathan y pone el moño a la descripción de sus características psicológicas.
CRONICA NEGRA
Género
Thriller. Acción. Cine negro | Crimen. Robos & Atracos. Neo-noir. Polar francés. Mafia
Sinopsis
Un grupo de ladrones roba los fondos que una rica heredera tiene depositados en un banco. Pero, durante el atraco, uno de ellos resulta herido. El cabecilla de la banda debe enfrentarse al comisario Colemane, que es uno de sus mejores amigos.
(Jean-Pierre Melville, 1972)
CRITICAS
«Crónica negra» («Un flic») es la última palabra de J.P. Melville, antes de fallecer, sobre el género negro y sus arquetipos, y supone su absoluta voluntad de abstracción porque, ante todo, representa la simplificación a su esencia de los tradicionales procedimientos estilísticos y retóricos.
En este film crepuscular a Melville ya ni siquiera le interesa la intriga, que soluciona mediante elipsis y sobreentendidos, sino, únicamente, la peripecia y la ambigüedad en estado puro. Todo se da ya por supuesto: la acción transita por los vacíos del relato, y la psicología y las relaciones de los personajes tampoco le preocupan al director, ya que son casi inexistentes.
Los gángsteres que aquí aparecen delatan, a través de las constantes elipsis, la maniática minuciosidad con que organizan todas sus acciones; un método obsesivo para eludir el vacío y la desesperación y, en última instancia, para evitar la inactividad que conduciría a la nada. De nuevo, aparece la obsesión de Melville por la muerte; pero el círculo fatal, que reúne alrededor de esta tragedia a todos sus personajes, como siempre, se cierra una vez más y ya nadie puede escapar de él.
Si queremos comprender totalmente su estructura cinematográfica es recomendable revisar otros dos extraordinarios filmes, anteriores a éste, del mismo director («El silencio de un hombre» y «El círculo rojo»). Todos juntos forman la gran trilogía policíaca de Jean-Pierre Melville en la recta final de su vida. Así, ahondando en su esencia, podemos observar el ritual de samurai que caracteriza a sus personajes.
Los cambios de vestuario de Richard Crenna es un buen ejemplo de cómo cada uno de los gestos, que el actor realiza al vestirse para llevar a cabo el planeado golpe, se erige en el centro de atención del director, y todo el conjunto acaba formando un ballet gestual que, finalmente, por énfasis adquiere más importancia dramática, incluso, que el propio desarrollo de la secuencia posterior del atraco al banco bajo la lluvia.
En referencia a la forma de vestir de sus protagonistas, J.P. Melville dijo en una ocasión: «Un hombre armado es casi un soldado, y por eso debe llevar uniforme, y le aseguro que tiene tendencia a llevar sombrero…»
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Género
Terror
Sinopsis
Una mujer desea fervientemente que su hijo que falleció en Vietnam, regrese a la vida. Al regresar al hogar, su conducta es rara, se lo ve muy compungido, distante y abstraído. Andy no come, no quiere que los demás sepan de su regreso y se pasa todo el día meciéndose en la butaca de su habitación o en el patio… lo malo es que necesita sangre para sobrevivir. Cruel y demoledora metáfora sobre la guerra del Vietnam y las consecuencias en los soldados que estuvieron allí: Andy se ha convertido en un ser antisocial y agresivo que necesita sangre para seguir «viviendo».
(Bob Clark, 1972)
Premios
1975 Festival de Cine Fantástico de Sitges: Mejor guión
1975: Festival de Sitges: Mejor guion. 2 nominaciones
DELICIAS TURCAS
Sinopsis
Un escultor holandés (Rutger Hauer) mantiene un tormentoso y erótico romance con una hermosa muchacha. En otro tiempo, el artista era un libertino que coleccionaba en un álbum sus conquistas amorosas como si fueran trofeos.
Premios
1973: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa
Película que lanzó internacionalmente el mercado cinematográfico holandés. Fué la primera e única película de Verhoeven que fue nominada a la categoría de mejor película de habla no inglesa en la ceremonia de los oscars de ese año.
Es la película más extraña que ha podido realizar Verhoeven en toda su carrera.
DIAGNOSTICO ASESINATO
Género
Intriga
Grupos
Adaptaciones de Michael Crichton
Sinopsis
En un hospital de Boston se comete un asesinato del que se acusa a un médico. Entonces Peter, un médico recién llegado al centro, que no cree en la culpabilidad de su colega, decide iniciar una investigación, arriesgando su propia vida, para descubrir al verdadero culpable.
(Blake Edwards, 1972)
Buenas interpretaciones, preciosa fotografía en Panavisión, y bonitos paisajes, hacen de este film un agradable ejercicio de estilo, con momentos recordables
DIAMANTES PARA LA ETERNIDAD
Género
Aventuras. Acción | James Bond. Espionaje
Grupos
James Bond
Sinopsis
Tras pasar unas merecidas vacaciones en Francia, el agente secreto James Bond recibe una llamada del Jefe M para realizar una peligrosa misión relacionada con unos diamantes en bruto desaparecidos
(Guy Hamilton, 1971)
CRITICAS
Es una película genial, está rodada e interpretada a la perfección, si bien, al ser tan rebuscada pierde un poco de encanto, pero es entretenida, la intriga es maravillosa y las situaciones son si caben un poco más cómicas y picantonas que en las anteriores entregas.
Se hace toda una delicia, y en verdad estamos hablando del último regalo de Connery a un personaje que le valdría para alcanzar un caché muy bueno en el mundo del cine. Digo que es la última de la serie oficial porque la United Artist que es la productora que ha llevado a cabo todas las películas de Bond, se encontraría en 1983 con el handicap de ver que Orión les robará el personaje para una entrega que nada tiene que ver con las que vienen de la mano de Ian Fleming, y es que los co-guionistas de Operación Trueno, que poseían la mitad de los derechos del guión los cederían a Orión para rodar un remake, con algún retoque sorpresivo.
Pero la que nos toca es una genialidad, brillante, con escenas muy bien pulidas, escenarios buenísimos, en especial destacar los de Bond haciendo escalada en el rascacielos «La Casa Blanca» y en la base petrolífera, y quizá también citar la persecución en el módulo lunar, que es divertida y a la par original. Se podrían destacar muchos más puntos, tales como la escena en las alcantarillas en construcción, la persecución con la policía pisándole los talones, la escena del principio, pasando la frontera con Moneypenny de aduanera, etc. Es que hay tanto que lo mejor es que si no la han visto que lo hagan, porque por mucho que yo les cuente, lo cierto es que merece la pena verla.
Vestuario fantástico, personajes a la altura, exteriores muy buenos, en fin, no es una Obra Maestra, ni le pisa los talones a otras de la saga con el mismo personaje tales como Dr. No o Goldfinger, pero en comparación con el resto está genial.
DILLINGER
Sinopsis
En 1933, cinco agentes del FBI son acribillados a balazos. Melvin Purvis, un importante miembro de la agencia, jura vengarlos y se dedica a perseguir, con saña, al gángster John Dillinger y a su banda..
CRITICAS
La película nos narra parte de las “hazañas” del peor atracador de todos los años 30, porque aunque son infinitamente más conocidos la pareja Bonnie and Clyde, esencialmente por la película de Arthur Penn, fue la banda de John Dillinger la que verdaderamente causó terror en los años de la Gran Depresión atracando multitud de bancos y convirtiendo sus atracos en verdaderos regueros de sangre, utilizando el arsenal armamentístico más impresionante de la época. Pero para que nos entendamos, mientras la banda Burrow eran unos simples amateurs, Dillinger y los suyos eran unos profesionales.
Influenciado enormemente por el cine de Sam Peckinpah –eso sí, sin cámara lenta -aunque también por la mítica “Bonnie and Clyde” del año 1967, “Dillinger” es una película que consigue sobradamente el objetivo que se propone, que no es otro que pasarlo en grande con persecuciones de coches, disparos de ametralladoras, violencia extrema…que hará las delicias de los aficionados a este tipo de cine de los setenta que bebió tanto del western crepuscular y de Sergio Leone.
Dodes’ka-den
Género
Drama | Pobreza. Alcoholismo. Drama social
Sinopsis
Primer film en color de Kurosawa. Retrato de un grupo de vecinos de los barrios bajos de Tokio, que usan la imaginación para enfrentarse al desolador panorama de miseria y alcoholismo en el que viven
(Akira Kurosawa, 1970)
CRITICAS
Solo por los diez primeros minutos, por la sencillez de ese rito tribal y sobrecogedor del rezo, por la dolorosa sonrisa que se nos dibuja ante el feliz viaje de ese tranvía imaginario, la película ya es una obra maestra.
Después, acepto que Dodes Ka-Den tiene fallos, incluso muchos. Coincido con críticas anteriores en la sobreactuación típicamente japonesa de los borrachos. Aunque el intercambio de parejas de estos dos matrimonios, incluso el juego de colores, también trasmite esa sensación confusa entre dolor y simpatía. Probablemente el chico del tranvía y estas parejas sean las únicas historias de esta película que aportan alegría, siendo el resto esencialmente tristes o, en el mejor de los casos, moralizantes.
Coincido también en la elegancia que pierde la película mostrando unas imágenes de la casa soñada que tan fácilmente podía haberse ahorrado. Por cierto sorpresa e incredulidad ante el error de encuadre, a media película, mostrando el escenario por encima del decorado del cielo en un director que ha demostrado su perfeccionismo repetidas veces. Si este fallo fue deliberado, no he entendido su significado.
Por lo demás, Kurosawa demuestra en su primera incursión en el color que es capaz de sacarle provecho, no solo para lo obvio, es decir, para recrearse mostrando imágenes de gran belleza, que lo hace. Va más allá, jugando con las luces y el maquillaje de forma magistral, especialmente a la hora de trasmitir las sensaciones e historia de cada personaje a través de su rostro.
DOS HOMBRES CONTRA EL OESTE
Género
Western. Comedia
Sinopsis
Tras la muerte accidental y absurda de un compañero durante el trabajo, dos excelentes vaqueros, uno joven y otro maduro, tras considerar que el trabajo es muy duro y el sueldo miserable, deciden atracar un banco. Huyendo por una parte de la justicia y, por otra, de una cuadrilla dirigida por el hijo mayor de su antiguo jefe, acaban dándose cuenta de que han cometido un error.
(Blake Edwards, 1971)
CRITICAS
Western sobre la amistad de dos vaqueros, uno viejo (William Holden) y otro joven (Ryan O’Neal). Es una historia de ribetes duros que contiene un corazón delicado, servicial, amistoso.
Lo mejor del filme es la parte primera, cuando los dos protagonistas antedichos están trabajando para el gran latifundista de la zona (Karl Malden) y se ve la vida de este rico ranchero, de su mujer, de sus hijos, de los vaqueros en su pugna con los ovejeros, etc. A partir del robo del dinero del banco por parte de estos dos vaqueros que deciden mejorar su vida de esta forma fácil y antisocial, pero sin violencias, la película se convierte en una típica filmación de huida con perseguidores detrás, perdiendo la narración el sello de originalidad interesante que había demostrado en la primera etapa.
Efectivamente se trata de una historia sobre perdedores, sobre trabajadores hartos de una vida dura y demasiado trabajosa que deciden jugársela a todo o nada.
DURO DE PELAR
Género
Comedia. Acción | Simios. Road Movie
Sinopsis
Phil es un camionero de aspecto bonachón a quien le entusiasman la cerveza fría, la música country y hacerse respetar por medio de sus puños. Phil, que se hace acompañar por un orangután que ganó en una apuesta, está enamorado de una cantante llamada Lynn, pero ella no quiere compromisos serios
(James Fargo, 1978)
CRITICAS
Sabemos que Eastwood a finales de los 70 principios de los 80, llevado por la afición a los botellines, al Country, a los animales, e influenciado por el turbulento amor de Sondra, su nueva amante, entró en una obsesiva producción cómica que aunque no duró mucho, marca cambios importantes en su trayectoria.
Al igual que en la Época Rosa de Picasso, Clint abandona la etapa de Azul cobalto del revólver Magnum 44 para entrar de lleno en lo pasteloso y, en concreto, en el mundo del Circo y sus animales. Ahora utiliza sus manos desnudas como forma de expresar su arte, en solidaridad con el sacrificado trabajo de las figuras circenses, a quien (con algo de esfuerzo es verdad) logra equipararse.
Incluye en esta nueva etapa, aparte de su admiración por el Circo, su pasión por el cine cómico que homenajea sin pudor alguno. Haciéndose así inevitable la comparación del simio (simio como animal, no confundir con alguno del reparto) con la excepcional película muda: El hermanito (1927), de Harold Lloyd, donde otro mono es protagonista destacado también de la cinta.
Utiliza al cabecilla de una banda de moteros (y a todos ellos) para recordar a esos policías perseguidores de Chaplin o, a Buster Keaton en Cops (1922) y se sirve de un Geoffrey Lewis para ser perseguido. Mismamente sus combates se basan en la admiración que le ha dado por Chaplin subido a un ring. Aparte de su amante Sondra, en Duro de pelar, Eastwood se hará acompañar de una actriz quien es obligada a poner las mismas caras, los mismos gestos y a llevar el mismo peinado que llevaban las mujeres en las películas mudas, en especial queda idéntica a Marion Byron (El héroe del río, 1928).
Eastwood, perdido en su euforia interpretativa, no duda él mismo hacer el mono y subido a los árboles termina emulando al grandioso Johnny Weissmuller, lanzando el grito de Tarzán que resuena por los lagos más profundos de los Estados Unidos, llegando a oírse incluso en el Estado de Alberta, Canadá. Proeza que le costó guardar cama y silencio durante una temporada, eso sí, bajo los cariñosos cuidados de Sondra y el mono.
El astronauta
Género
Comedia. Ciencia ficción
Sinopsis
Mientras el hombre llega a la Luna en 1969, un grupo de amigos observa en un bar la retransmisión del evento. Pepe Fernández (Tony Leblanc), uno de los clientes del bar, afirma que con algo de dinero y mucha dedicación ellos pueden hacer lo mismo que los americanos. Tras discutir el tema, deciden ponerse manos a la obra. Toman prestados los terrenos del acaudalado Don Gregorio Minglanillas (Antonio Ferrandis), al que convencen rápidamente, e instalan en ellos la base de la SANA. Raptan a Don Anselmo (José Luis López Vázquez), un viejo científico que sostiene haber sido él mismo quien enseñó a Von Braun, y con su ayuda comienzan a fabricar los planos del cohete. Tras la construcción de la nave y el duro entrenamiento del futuro astronauta, finalmente se presentan en la base espacial de la NASA en Fresnedillas, para ver si pueden hacer un puente de comunicación con su propia base en Minglanillas. Increíblemente, logran su propósito, y todo está ya preparado. Sólo falta el lanzamiento…
(Javier Aguirre, 1970)
EL CANALLA
Género
Thriller | Policíaco. Polar francés
Sinopsis
Simon, un abogado condenado por un crimen, se escapa de la cárcel y se refugia provisionalmente en casa de una desconocida. Poco después, se pone en contacto con su ex mujer y con su amigo Charles, sus cómplices en el secuestro del hijo de un empleado de un banco, por el que recibieron un rescate de un millón de dólares. Simon escondió el dinero de ser detenido y ahora se propone recuperarlo.
(Claude Lelouch, 1970)
CRITICAS
Una entretenida y eficaz cinta a cargo de Lelouch, quien ya había trabajado con Trintignant en la más célebre y exitosa Un hombre y una mujer. El título en castellano resulta poco apropiado, pues el protagonista es más bien un granuja o sinvergüenza, y en modo alguno posee los rasgos característicos de los personajes del cine negro, mucho más inclinados a la violencia y la fatalidad. Por eso mismo, cabe señalar que el filme es una afortunada mezcla de cine policíaco o thriller con claros toques de sátira y comedia, propuesta ya ensayada con éxito anteriormente en el cine francés (ahí están ejemplos como Gángsters a la fuerza, de Lautner o El embrollón, de Molinaro, ambos genialmente protagonizados por Lino Ventura).
La película huye de la narración lineal de acontecimientos, presentando numerosos saltos temporales entre el presente (las acciones de Simón tras huir de la cárcel) y el pasado (se explica el golpe que acaba con él en prisión y con una gran suma de dinero “esperándole” fuera). Las diversas peripecias abordadas en el filme, aunque propias del género negro (secuestros, rescates, amenazas, persecuciones…), son objeto de un tratamiento suave, “blanco”, en el que la violencia es más aparente que real, del mismo modo que los personajes son mostrados desde un punto de vista amable. De ahí que, aunque sustentándose en las apariencias del Polar, la película sea en realidad un entretenimiento para todos los públicos, y basta atender al tratamiento del secuestro para percatarse de ello, pues en ningún momento teme el espectador por la vida del niño, algo que en un Polar clásico no ocurriría. Igualmente, el protagonista, aunque con rasgos propios del género negro (es calculador, desconfiado, etc.), incorpora otros poco habituales (es también afectuoso y leal), y para colmo es abogado. La trama se desarrolla pues, de forma discontinua, y juega a la confusión con el espectador, si bien lo hace de manera agradable, sin que ello moleste en exceso.
Bien protagonizada por Trintignant, actor siempre eficaz y ya probado en este tipo de papeles (y en otros), encuentra buen acompañamiento en el resto del reparto, siendo destacadas las interpretaciones de Charles Gérard (Charlot) y de Aldo Maccione (con su breve pero cómica interpretación del preso italiano). Un guión correcto y eficaz, con buenas frases para caracterizar a los personajes, y algunas secuencias francamente ingeniosas (especialmente todo el tinglado del secuestro y la muy peculiar boda en prisión) redondean un filme que sin ser novedoso ni tener pretensiones, supone un producto excelente de seguro entretenimiento.
EL CANDIDATO
Género
Drama | Política
Sinopsis
Cuando, en 1972, Richard Nixon está a punto de ser reelegido, otro candidato está empezando a aprender que lo único que cuenta en el mundo de la política es alcanzar el poder. Es un joven abogado idealista que se permite decir lo que piensa, ya que sabe que no tiene ninguna posibilidad de ser elegido.
(Michael Ritchie, 1972)
CRITICAS
Muchas películas envejecen, pero, aunque parezca mentira, hay algunas que rejuvenecen. Suele tratarse de aquellas que denuncian algún fenómeno social que, con el paso de los años, no sólo no desaparece o se atenúa, sino que se incrementa, con lo que dicha denuncia cada vez es más actual. Es el caso, por ejemplo, de «El gran carnaval», una farsa trágica sobre el periodismo sensacionalista que, en nuestros tiempos de «realitys» y programas cardíacos, se revela todavía más feroz —y más necesaria— que cuando se estrenó en los cincuenta. Y también de «El candidato», un film de los setenta que nos muestra cómo una campaña electoral no es más que un catálogo de golpes de efecto y eslóganes vacíos de contenido, y cómo este sistema corrompe desde dentro las iniciales buenas intenciones del novato en política; algo que, como decíamos, no es patrimonio exclusivo de otros tiempos ni de un solo país.
Si temáticamente la película es muy moderna, en cuanto a la forma muestra una inconfundible estética de su década —tanto en la caracterización de los actores, como en el tipo de luz y de montaje—, aunque en este caso, esto no constituye ninguna rémora, ya que el estilo, muy fragmentado y parecido al del reportaje, se adecúa perfectamente a la historia. Repasando la filmografía del director, es difícil encontrar otro título de interés; más bien parece que esta película pertenece por completo al imaginario de Robert Redford —ahí está «Leones por corderos» para insistir en la temática— y no me parece improcedente pensar que, de haberse filmado unos pocos años después, el propio actor hubiese asumido la dirección.
Uno de los aspectos más destacados —incluso los miembros de la Academia se dieron cuenta— es el guión, velocísimo y elíptico que, con muy breves y certeros trazos, nos informa de las estrategias de campaña, de la relación del protagonista con su mujer, su padre, sus colaboradores, sus antiguos colegas… Redford realiza aquí una de sus mejores interpretaciones, y el hecho de que se encuentre en el zénit de su belleza física beneficia a la película, en cuanto también nos habla del poder de la imagen en la política. Le acompaña el siempre perfecto Peter Boyle —inolvidable monstruo de «El jovencito Frankenstein»— que, en su papel caricaturesco de jefe de campaña es, como Bela Lugosi en «Glen o Glenda», el gran demiurgo que mueve todos los hilos. Los títulos de créditos nos informan de muchos personajes conocidos en su país, básicamente periodistas, interpretándose a sí mismos; a quién sí puede identificar el público europeo en este rol es a Natalie Wood.
Estamos, pues, ante una estupenda película sobre los entresijos de la política, lo que la lleva a emparentarse con títulos como «Ciudadano Bob Roberts», «La cortina de humo» o «Silver City», demostrando todas ellas que el cine americano, cuando quiere o cuando le dejan, también tiene un gran capacidad crítica respecto a su sistema político.
EL CARNAVAL DE LAS AGUILAS
Género
Acción | Años 20. Aviones
Sinopsis
Año 1926. La Primera Guerra Mundial (1914-1918) ha popularizado la aviación, y algunos pilotos, una vez licenciados, intentan ganarse la vida con espectáculos aéreos cada vez más peligrosos debido a la competencia. Waldo Pepper es uno de ellos y sus acrobacias son cada vez más arriesgadas. Esto le crea problemas, porque las autoridades necesitan convencer al público de que el avión es un medio de transporte seguro a fin de impulsar el desarrollo de la aviación comercial. En estas circunstancias, el cine es la mejor salida para Waldo.
(George Roy Hill, 1975)
CRITICAS
Cuando a finales de los años sesenta se produjo un importante salto cualitativo en los medios técnicos cinematográficos, se abordaron materias hasta entonces restringidas o poco tratadas, una de ellas eran las películas sobre temática aérea.
George Roy Hill que venía de arrasar en los Oscar en su última película, eligió una película para su regreso muy personal, producida por él mismo y evidentemente arriesgada. Hacer un film sobre la aviación, y más de sus albores no es muy popular y el resultado no funcionó en taquilla, lo que le marcaría seriamente en el futuro.
Además la historia es peculiar, versa sobre un grupo de perdedores a los que la sociedad no corresponde como debiera, está en la línea de la estupenda “Los temerarios del aire” de John Frankenheimer, rodada años antes y que tampoco fue obviamente un éxito.
Sin ser una de las mejores películas de Roy Hill, “El carnaval de las águilas” (precioso título en español por cierto) tiene suficientes elementos de interés para cualquier cinéfilo que se precie que no debería caer en el olvido.
La factura de cine clásico que tiene toda ella, las estupendas interpretaciones de los actores, con un Robert Redford convincente, un guión ácido, trágico, desesperado y sin concesiones del gran William Goldman y unas escenas aéreas- es cierto que quizás son excesivas- rodadas maravillosamente bien hacen de esta película una opción diferente dentro del cine comercial norteamericano.
Lo mejor es recordar que los sueños se pueden terminar por cumplirse aunque no sean exactamente como los imaginaste.