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GÉNERO
EL DELATOR
El precio original era: 10,83 €.9,62 €El precio actual es: 9,62 €. *IVA IncluidoCompañías
RKO
Género
Drama | Años 20. Pobreza. IRA. Drama psicológico. Remake
Sinopsis
Irlanda 1922. Traición entre amigos para un conocido filme de Ford. Rodada en apenas 3 semanas. En el agitado Dublín de los años veinte, Gypo Nolan, un tipo sin oficio ni beneficio, expulsado del Ejército de Liberación Irlandés y con tendencia a empinar el codo, sueña con viajar a Estados Unidos en compañía de su novia, Katie, que se gana la vida como prostituta. Animado por la recompensa que ofrecen las autoridades, Gypo delata el paradero del activista Frankie McPhillip, un viejo amigo y compañero…
(John Ford, 1935)
Posición en rankings FA
23 Mejores remakes de la historia
48 Mejores películas de los años 30
Premios
1935: 4 Oscars: Mejor director, actor (Victor McLaglen), guión, música. 6 nomin.
1935: National Board of Review: Mejor película
EL DELITO DE GIOVANNI EPISCOPO
El precio original era: 8,41 €.7,20 €El precio actual es: 7,20 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Años 1900 (circa). Familia. Crimen
Sinopsis
Giovanni Episcopo es un modesto empleado de archivo que vive tranquilo y feliz, dividiendo su vida entre el trabajo y la habitación en una pensión regentada por una modesta familia. Una noche tras salir a dar una vuelta con los compañeros del trabajo, conoce de manera rocambolesca a Giulio Wanzer, un «aventurero» que vive de su ingenio y que lo único que busca es ascender socialmente. Wanzer se hace amigo suyo ya que sabe que Giovanni tiene unos cuantos ahorros, y le convence para mudarse a su pensión, donde Giovanni se enamora de Ginebra, la hija de la dueña.
(Alberto Lattuada, 1942)
CRITICAS
Lattuada la rodó justo antes de “Senza pieta” y “Il mulino del Po”, sin duda sus obras más conocidas y de mayor madurez, estrenada en pleno período neorrealista, al que sin embargo no se puede adscribir completamente, es más bien uno de esos dramas sentimentales que habían caracterizado sus primeras películas.
Tiene un guion firmado por el propio autor y por algunos monstruos sagrados del cine italiano, como Suso Cecchi D’Amico, Federico Fellini (con quien Lattuada colaborará en posteriores ocasiones), Piero Tellini (guionista por ejemplo de “Campo de’ fiore” o “L’onorevole Angelina”), y Aldo Fabrizi, a quien debe una destacada actuación como protagonista principal.
Ambientada en una Roma irreconocible, oscura y brumosa, entre los siglos XIX y XX, la película cuenta con una magnífica ambientación de época que casi traspasa la pantalla y se adhiere a la mirada del espectador, a la que ayudará no poco la excelente fotografía en blanco y negro de Aldo Tonti.
En el apartado interpretativo, junto a un excelente Aldo Fabrizi, encontramos a la exuberante Yvonne Sanson en el papel de Ginevra, a Roldano Lupi en el de Bruno Wanzer y, en un papel secundario, a Alberto Sordi en una de sus primeras apariciones cinematográficas destacadas.
El cineasta milanés vuelve a los dramas sentimentales que caracterizaron sus primeras películas. Lattuada nos presenta como protagonista a un modesto empleado de oficina que desea escapar de su insignificante vida, en este caso su impulso nace de conocer a otro personaje opuesto a él, un mujeriego y vividor que finge ser su amigo para en realidad “sablearlo” todo lo posible, el deseo de ser como él, en especial respecto a las mujeres, alcanzará cotas de humillación patológica.
Aldo Frabrizi nos recuerda en este personaje tan indefenso y humillado al Edward G. Robinson de “Perversidad” (Fritz Lang, 1945), en la que quizás se inspirasen los guionistas aunque el texto original sea una obra de Grabiele D’Annunzio bastante anterior.
Que esté contada en primera persona –incluso con planos subjetivos en el inicio y el final– impresiona más por la tremenda confesión que supone su relato, sin tener piedad para consigo mismo ni querer justificar su delito final.
Rodada con marcados claroscuros en función del momento psicológico del personaje, poco se puede objetar a una dirección modélica que era la habitual en Lattuada durante estos primeros años de carrera, de nuevo el conflicto de clase social está presente, entre el trabajador, que en el fondo muestra aspiraciones burguesas, y el aristócrata que no es más que un parásito de quien el protagonista no puede separarse, convirtiéndolo no tanto en víctima de aquellos que lo roban, sino de un sistema y unas élites corruptas que no le ofrecen la mínima protección y lo condenan a la miseria.
Una estupenda película, una obra poderosa y conmovedora revestida de una irresistible patina de tristeza, uno de los títulos más atractivos del periodo más brillante de la filmografía de su artífice.
EL DEMONIO
El precio original era: 22,93 €.21,72 €El precio actual es: 21,72 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga. Drama | Familia
Sinopsis
La antigua amante de un hombre se presenta un día en casa de éste y de su actual mujer, con sus tres hijos y desaparece, abandonando así a los tres niños. Para ella, es una venganza y una forma de darle una lección a este hombre que considera irresponsable. Esta situación inesperada no le gusta nada a la esposa legítima, que empieza a sentir un odio incontrolable hacia los niños y piensa hacerlos desaparecer del todo..
(Yoshitaro Nomura, 1978)
CRITICAS
Siniestra y brutal. Estos son los primeros calificativos que se me vienen a la cabeza después de ver esta película.
Un humilde trabajador de imprenta recibe en su casa la visita de su amante y sus tres hijos, en medio de la noche la madre se marcha y deja a los niños con su padre. La mujer de este, uno de los personajes más tétricos y pérfidos que he visto nunca en el cine, los repudia desde un principio y termina por convencer al marido de que son una carga y ha de hacerlos desaparecer.
La cinta es descarnada y dolorosa, duele ver como un padre olvida su labor como tal y lleva a cabo una tarea tan aterradora. Desasosiego, tensión y rabia contenida es lo que he sentido durante todo el metraje, que se desarrolla enteramente dentro de una atmósfera oscura y claustrofóbica. Esta película me ha impresionado profundamente, a destacar un par de escenas que ponen los pelos de punta, cuando la veas las reconoceras en seguida.
Técnicamente la cinta posee el espíritu propio de los 70, representado en este caso por un uso del zoom abusivo, que abre y cierra plano sin ningún pudor, pero que le dota de un poderoso encanto.
La actuación de los niños es sobrecogedora, sobre todo la del mayor, que acapara toda la atención del film.
Mención especial para la gran banda sonora, intensa y perfecta para un film de estas características, en ocasiones parece que hubiera inspirado al mismísimo John Williams.
EL DENTISTA
El precio original era: 13,25 €.12,04 €El precio actual es: 12,04 €. *IVA IncluidoGénero
Terror | Slasher. Gore. Crimen. Asesinos en serie
Sinopsis
El Doctor Alan es un excéntrico y rico dentista que vive en una gran mansión con su esposa Brooke, a la que un día encuentra en el jardín practicando sexo oral con el chico encargado de cuidar la piscina. Arrastrado por la locura, se vengará atrozmente de ella y, además, causará terribles estragos en la boca de sus pobres pacientes.
(Brian Yuzna, 1996)
CRITICAS
Siempre que tengo a algún amigo pocho de las muelas y a punto de entablar íntimo concimiento con el fascinante mundo de la fresa, la novocaína y el composite, le recomiendo esta película y aunque los muy maleducados siempre se olvidan de agradecérmelo después, yo sé que después de haber contemplado los horrores que perpetra Corbin Bernsen (aka El dentista) en las bocas ajenas, se habrán tranquilizado suponiendo, acertadamente, que nada podía ser peor que eso. Dejando aparte estas reflexiones de carácter personal que no interesan a nadie (salvo que quiera aplicar dicha técnica de consuelo amiguetil) aprovecho para recomendar una de las producciones más frescas y divertidas del gran Brian Yuzna, toda una joyita de serie B que hará las delicias de todo aquel que haya padecido alguna vez de dentifobia.
La historia no tiene desperdicio: un dentista algo estresadillo descubre que su señora le pone los cuernos con el piscinero cachas y claro, se le cruzan los cables de mala manera y al principio empieza a hacer cosas rarillas, pero luego se entusiasma y con el torno en mano, demuestra quién es el que manda en lo que a cuidado dental se refiere. Durante su psicótica cruzada, descubrirá cuál es su verdadera misión en la vida: eliminar las caries de todo un «mundo que ignora la higiene bucal». Yuzna no se conforma con facturar una apreciable película de género, sus ambiciones van más allá, mostrándonos el interesante proceso de autodescubrimiento interior del personaje, muy alejado de los clichés que suelen caracterizar a los típicos psicópatas aburridos que todos conocemos de este tipo de producciones. Lástima que algunos secundarios sean tan poco carismáticos, me refiero al personaje de la esposa o el piscinero, que deberían haber tenido más trasfondo. En cuanto al guión, ejemplar salvo en alguna bajada de ritmo hacia la mitad, a partir de ese momento todo va in crescendo de la manera más satisfactoria y por supuesto, sangrienta (aunque no demasiado).
Muy recomendable, tanto si se es seguidor del cine caspa o dentista resentido o futuro cliente: nunca a una caries se le hizo tanta justicia.
EL DENTISTA 2
El precio original era: 7,20 €.5,99 €El precio actual es: 5,99 €. *IVA IncluidoGénero
Terror | Slasher. Gore. Crimen. Asesinos en serie. Secuela
Sinopsis
¿Quién se había creído que el demente doctor Feinstone estaría encerrado mucho tiempo? El hospital mental de alta seguridad en el que está recluido no es suficiente para retenerle y, tras la fuga, se instala en un pequeño pueblo donde nadie conoce su horrible pasado de dentista asesino. Aquí está dispuesto a comenzar una nueva vida. Si embargo, sus sádicos instintos homicidas se apoderan nuevamente de él…
(Brian Yuzna, 1998)
CRITICAS
Otra de esas maravillas que adornaban hace años las estanterías de los videoclubs en forma de VHS. Pues bueno realmente no tengo mucho que añadir respecto a esta secuela que no haya dicho en mi crítica hacia la primera.
Sin más voy a decir que me gustó tanto como la primera y es que es difícil que si te llamó la atención la original, ésta te pase inadvertida. Cuenta con nuevas escenas grotescas, correctos efectos de maquillaje artesanales, mala leche y bastante diversión. Obviamente no es buena, pero como frikada perversa y joya de la serie B es única, idem que su primera parte.
A destacar la interpretación de Corbin Bernsen que repite como el psicótico dentista protagonista, que aquí está todavía más perturbado si cabe. A los que os gustó la primera, NO OS LA PERDÁIS, lo pasaréis pipa y por supuesto los que sintáis pavor por los dentistas, ni os acerquéis a ella…
EL DESAFIO
El precio original era: 5,45 €.4,24 €El precio actual es: 4,24 €. *IVA IncluidoGénero
Aventuras. Thriller | Supervivencia. Naturaleza. Zonas frías/polares
Sinopsis
Tras un accidente de avión en las boscosas, frías y hostiles tierras de Alaska, el multimillonario e intelectual Charles Morse (Anthony Hopkins), acompañado de su escultural y joven esposa Mickey (Elle Macpherson), y el cotizado fotógrafo de moda Bob Green (Alec Baldwin), se ven envueltos en una desesperada lucha por la supervivencia en medio de las montañas. Pronto descubrirán que el mayor peligro no proviene de la naturaleza, sino del miedo y de la traición de los hombres.
(Lee Tamahori, 1997)
CRITICAS
«El desafío» es una interesante película sobre la supervivencia humana en un medio hostil y salvaje, del neozelandés Lee Tamahori, director de cine de no demasiada trascendencia, si exceptuamos quizás sus inicios con «Once Were Warriors» de 1994 y «Mulholland Falls» de 1996. En ésta su tercera obra cinematográfica le encontramos rodeado de excelentes colaboradores: David Mamet, autor del guion, gran escritor y dramaturgo, premiado con un Pulitzer y nominado varias veces a los Tony por «Glengary Glen Ross» y otros.
Jerry Goldsmith excelente compositor del que podemos destacar «la Profecía» «Alien, el octavo pasajero»… Donalld M Mcalpine enorme profesional de la fotografía entre sus trabajos más notables «Moulin Rouge» «Depredator».
No sería justo dejar de mencionar las magníficas apariciones del gigantesco Oso “Kodiak” excelentemente entrenado por Doug Seus
A todos los citados añadimos dos magníficos actores como Anthony Hopkins y Alec Baldwin, y unos majestuosos parajes naturales de Alberta, Canada.
La película está resuelta con gran sentido audiovisual, la filmación de las grandísimas localizaciones es espectacular, hay escenas excelentes (la caída al lago está muy bien conseguida), el guion es muy correcto.
Brillante trabajo de todos los actores, sobresaliendo Anthony Hopkins, magistral.
EL DESERTOR DEL ALAMO
El precio original era: 9,62 €.8,41 €El precio actual es: 8,41 €. *IVA IncluidoGénero
Western
Sinopsis
Al fuerte de El Álamo, sitiado por las tropas del general Santa Anna, llega el teniente Lamar con un mensaje del general Huston, en el que se ordena a la guarnición resistir a toda costa. El comandante hace saber a los soldados que el que no esté dispuesto a resistir hasta el fin podrá marcharse con toda libertad. John Stroud aprovecha la ocasión para salir de la plaza sitiada.
(Budd Boetticher, 1953)
CRITICAS
Boetticher nos ofrece una entretenida y sobria (80 minutos) historia sobre el deber: patria-familia, en el marco histórico de la batalla de El Álamo. Relato ágil y trepidante de un hombre noble acusado injustamente de cobarde en un film modesto, pues la serie B no hace alusión a su calidad sino a su presupuesto, que no desmerece de muchas grandes producciones y en las que este gran director trabajó asiduamente (en los años siguientes dirigió un puñado de interesantes westerns con Randolph Scott). Glenn Ford está magnífico y Julie Adams está preciosa.
EL DESIERTO ROJO
El precio original era: 39,87 €.38,66 €El precio actual es: 38,66 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Drama psicológico
Sinopsis
Después de sufrir un grave accidente de coche, una mujer comienza a percibir la ciudad en que vive, Rávena, como un desierto tanto en el plano físico como en el de las relaciones personales. Las secuelas psicológicas le impiden llevar una vida normal y relacionarse con la gente que la rodea.
(Michelangelo Antonioni, 1964)
CRITICAS
En esta película Antonioni utiliza a una mujer como símbolo de la vida “natural” en un mundo de hombres, que se desarrollan y articulan a través del trabajo como creencia sustitutiva de lo religioso o incluso de lo político.
Todo lo que la rodea es obra exclusiva del hombre, lo racional y en su aspecto más deshumanizado, lo fabril. Los escasos restos de naturaleza se envenenan hasta su total desaparición. El mar y la tierra son unos elementos mas del proceso productivo, al servicio de unos objetivos económicos ambiguos, ni siquiera decididamente malos (recordemos la escena del grupo en la cabaña), sino mas bien “desnaturalizados”.
En este ambiente, bajo una mirada más atenta, la protagonista a la que se hace pasar por una enferma mental, representa el resto de salud intuitiva, materna y natural que está perdiendo esta sociedad. Unas casas descompuestas, podridas, los cielos constantemente grises, las calles completamente despobladas, el aire y el agua muertos, extremadamente contaminados, un vendedor ambulante sin clientes, un ruido de fondo que imposibilita la comunicación…. el mundo cotidiano está enfermo y la mujer reacciona con un instinto reflejo de salud ante un panorama que todos diariamente aceptamos como “normal”.
Los colores cálidos o más vivos están reservados exclusivamente a los tubos y conducciones de la industria, nuevas arterias del mundo moderno, que extiende su estética hasta el interior del hogar familiar. El niño, posible esperanza de la madre, demuestra desde un principio comprender mucho mejor el universo del padre, no comparte el bocadillo del obrero y es incapaz de decirle a su madre que es lo que le pasa. El ingeniero que viene y se va con sus máquinas a poblar de industria tierras vírgenes lejanas no hace más que extender la epidemia de la que es victima la protagonista. En ningún momento parece representar una verdadera esperanza.
Es muy destacable el extraordinario trabajo con la cámara, la meticulosidad de todos los detalles, colores, vestuario (la mujer es la única que viste de colores vivos) el encuadre atípico y los sonidos (la mayoría pertenecen a nuestra vida cotidiana aunque ya no les oigamos) que sacrifican la estética creando una atmósfera desagradable al servicio de un fin comprometido.
Aunque la película resulta incómoda de ver el tono surrealista y psicodélico no es banal sino que se soporta bien gracias a la honestidad del director en la denuncia de una situación que hoy ya casi no se considera digna de mención por estar asumida como “única” forma de vida.
El desprecio
El precio original era: 25,35 €.24,14 €El precio actual es: 24,14 €. *IVA Incluido- Género
Drama | Cine dentro del cine. Nouvelle vague. Celos. Literatura
Sinopsis
Paul Javal (Michel Piccoli), un dramaturgo francés, acepta reescribir algunas escenas para «La Odisea», una película que se va a rodar en Capri bajo la dirección del renombrado director alemán Fritz Lang (Fritz Lang). En un primer encuentro con el productor norteamericano, el arrogante Prokosch (Jack Palance), el escritor deja que su mujer, la bella Camille (Brigitte Bardot), se vaya en el coche con el productor a la finca de éste. Este hecho dará lugar a un grave mal entendido entre el Javal y su esposa, quien cree que la ha ofrecido como moneda de cambio para obtener un mejor pago. Como consecuencia de esta situación, el escritor se verá inmerso en una dolorosa crisis matrimonial.
(Jean-Luc Godard, 1963)
CRITICAS
Habitación. La cámara se desliza suavemente por el cuerpo de Camille, recorriendo con tacto su belleza, como un escultor de la Grecia clásica moldeando delicadamente con sus manos. La enumeración de sus partes es intrascendente, lo importante es el conjunto; la perfección en el arte viene por su análisis global, no por su fragmentación.
Cinecittá. Fritz Lang se aleja en solitario de la escena, en la pared posters de películas de Hawks y Hitchcock, de fondo la música de George Delerue, un homenaje sentido, único, reivindicativo del amor de Godard por una serie de autores antaño menospreciados y ahora elevados al puesto que se merecen. Ligero travelling y una pequeña anécdota, casi imperceptible en los gestos, se convierte en el motor dramático de la trama. Un estallido de emociones que se desencadena sin más ruido que el del motor de un coche que aleja para siempre el amor entre los protagonistas. Paul se pierde entre las ruinas de los estudios, una panorámica que refleja un mundo cinematográfico del pasado y a la vez el interior del protagonista. La confusión de la pérdida, la sordidez de la soledad y sin embargo, sus ojos muestran su vano intento de racionalizar estos sentimientos, de intelectualizar el fracaso.
Interludio (casa de campo). La cámara muestra una gran extensión de terreno, sin embargo los personajes se agolpan en un espacio reducido, la composición nos indica que está pasando, no se miran se dan la espalda y divagan en su propia lengua. Se hace patente la incomunicación. Progresivamente todo se focaliza en Paul y Camilla y aunque el plano se acerca la distancia entre ellos aumenta. Finalmente Camilla abandona, sólo su espalda se acerca a nosotros, su gesto no es revelado pero un montaje de insertos dinámico lo aclara; sus dudas sus recuerdos, el proceso mental del pensamiento conectado con el arte cinematográfico
El desprecio
El precio original era: 15,67 €.14,46 €El precio actual es: 14,46 €. *IVA Incluido- Género
Drama | Cine dentro del cine. Nouvelle vague. Celos. Literatura
Sinopsis
Paul Javal (Michel Piccoli), un dramaturgo francés, acepta reescribir algunas escenas para «La Odisea», una película que se va a rodar en Capri bajo la dirección del renombrado director alemán Fritz Lang (Fritz Lang). En un primer encuentro con el productor norteamericano, el arrogante Prokosch (Jack Palance), el escritor deja que su mujer, la bella Camille (Brigitte Bardot), se vaya en el coche con el productor a la finca de éste. Este hecho dará lugar a un grave mal entendido entre el Javal y su esposa, quien cree que la ha ofrecido como moneda de cambio para obtener un mejor pago. Como consecuencia de esta situación, el escritor se verá inmerso en una dolorosa crisis matrimonial.
(Jean-Luc Godard, 1963)
CRITICAS
Habitación. La cámara se desliza suavemente por el cuerpo de Camille, recorriendo con tacto su belleza, como un escultor de la Grecia clásica moldeando delicadamente con sus manos. La enumeración de sus partes es intrascendente, lo importante es el conjunto; la perfección en el arte viene por su análisis global, no por su fragmentación.
Cinecittá. Fritz Lang se aleja en solitario de la escena, en la pared posters de películas de Hawks y Hitchcock, de fondo la música de George Delerue, un homenaje sentido, único, reivindicativo del amor de Godard por una serie de autores antaño menospreciados y ahora elevados al puesto que se merecen. Ligero travelling y una pequeña anécdota, casi imperceptible en los gestos, se convierte en el motor dramático de la trama. Un estallido de emociones que se desencadena sin más ruido que el del motor de un coche que aleja para siempre el amor entre los protagonistas. Paul se pierde entre las ruinas de los estudios, una panorámica que refleja un mundo cinematográfico del pasado y a la vez el interior del protagonista. La confusión de la pérdida, la sordidez de la soledad y sin embargo, sus ojos muestran su vano intento de racionalizar estos sentimientos, de intelectualizar el fracaso.
Interludio (casa de campo). La cámara muestra una gran extensión de terreno, sin embargo los personajes se agolpan en un espacio reducido, la composición nos indica que está pasando, no se miran se dan la espalda y divagan en su propia lengua. Se hace patente la incomunicación. Progresivamente todo se focaliza en Paul y Camilla y aunque el plano se acerca la distancia entre ellos aumenta. Finalmente Camilla abandona, sólo su espalda se acerca a nosotros, su gesto no es revelado pero un montaje de insertos dinámico lo aclara; sus dudas sus recuerdos, el proceso mental del pensamiento conectado con el arte cinematográfico
EL DESTRIPADOR DE NUEVA YORK
El precio original era: 18,14 €.16,93 €El precio actual es: 16,93 €. *IVA IncluidoGénero
Terror. Intriga. Thriller | Giallo. Gore. Policíaco. Asesinos en serie. Slasher. Erótico
Sinopsis
Un asesino que habla como un pato, ronda por Nueva York asesinando mujeres en forma grotesca. El detective Jack Headly se empleará a fondo para intentar cazarlo.
(Lucio Fulci, 1982)
CRITICAS
¿Quiso Lucio Fulci hacer una parodia del cine giallo con esta película? No lo sé, pero está claro que lo consiguió, aunque fuera de forma involuntaria.
Los giallos siempre se caracterizaron por lo endeble de sus guiones: giros de argumento inverosímiles, diálogos anodinos, asesinos con traumas ridículos, finales tramposos… Pero “El Descuartizador de Nueva York” eleva estos defectos hasta tan altos niveles, que provoca la continua carcajada en el espectador.
Para ocultar la identidad y género del asesino, en estas películas se solía usar un recurso bastante cuestionable. Tanto en las escenas de asesinatos como en las conversaciones telefónicas que mantenía con los protagonistas o con la policía, el asesino hablaba con la voz distorsionada, poniendo voz de pito o hablando entre susurros casi incomprensibles.* Pero en la delirante “El Descuartizador de Nueva York”, el asesino tiene la voz de… ¡el pato Donald! Cuando pillándonos desprevenidos, asistimos al primer asesinato, el nivel de descojone que se puede alcanzar es mayúsculo.
Las conversaciones telefónicas que el psicópata asesino mantiene con el descerebrado policía Williams, también provocan la carcajada. Lean el título de esta crítica para hacerse una idea.
El elenco de personajes no tiene desperdicio: un viejo policía atolondrado y putero, un petulante científico que psicoanaliza al asesino mientras ayuda a darle caza, una madurita ninfómana que frecuenta espectáculos porno, un musculoso violador feo y lisiado, un físico que dice investigar sobre física nuclear “porque es la moda”, y la bellísima novia de éste, única superviviente de las victimas del asesino.
Con este cúmulo de excentricidades, los diálogos bochornosos y los giros inverosímiles de la trama, no desentonan en absoluto. Y cuando nos meten la solución final con calzador, dando unas explicaciones psicológicas tan sumamente absurdas, uno no puede evitar pensar si se están burlando de films como “El Pájaro de las Plumas de Cristal”, o si se están autoparodiando.
Pero lo curioso, es que a pesar de sus indudables momentos cómicos, “El Descuartizador de Nueva York” también contiene algunas secuencias bastante terroríficas, una vez nos conseguimos sobreponer al hecho de que los crímenes son perpetrados por un imitador del pato Donald.
Esta vez Fulci, en lugar de mostrar un gore exagerado, filma asesinatos más realistas no exentos de crueldad e intensidad. Especialmente destacaría el último, con diferencia el más visceral y despiadado de todos.
Si a esto añadimos una dirección mucho más ágil de lo que este director nos tenía acostumbrados, una suculenta carga erótica y una banda sonora ochentera bastante resultona (aunque a años luz de las magníficas piezas musicales de Fabio Frizzi), terminamos encontrándonos con uno de los films más entretenidos, divertidos y disfrutables de la filmografía de Lucio Fulci.
El desván
El precio original era: 18,76 €.17,55 €El precio actual es: 17,55 €. *IVA IncluidoGénero
Terror. Thriller. Drama
Sinopsis
Un tiránico padre postrado en una silla de ruedas tiene dominada y aterrorizada a su sumisa hija. El único modo de escapar de la cruda realidad es encerrarse en su habitación, donde comparte con su mono fantasias sobre cómo podria ser su vida en libertad. Vive sometida a tal presión que su mente enferma idea un plan para asesinar a su padre
El desván es un relato de terror clásico, sin grandes artificios ni parafernalia, sin la gomaespuma de los 80 ni canciones estridentes -aunque hay extraños interludios musicales-, ni notas de color, ni sesiones de palomitas. George Edwards va por un terreno distinto, que sorprenderá al espectador despistado que esperaba otra cosa.
EL DIA DE LA REVELACION – EDICION METALICA
El precio original era: 110,10 €.108,89 €El precio actual es: 108,89 €. *IVA IncluidoGénero
Ciencia ficción. Intriga. Thriller. Drama | Extraterrestres
Sinopsis
Si descubrieras secretos que han permanecido deliberadamente ocultos durante décadas, y alguien te abriera los ojos y te lo demostrase, ¿qué harías?, ¿y te asustarías? Este verano, la verdad será revelada a más de ocho mil millones de personas. Llega… el día de la revelación
(Steven Spielberg, 2026)
CRITICAS
Todo el mundo sabe quién es Steven Spielberg, su obsesión por la ciencia ficción y los alienígenas desde «Encuentros en la Tercera Fase», «E.T». y el remake «fiel» de la obra de H.G. Wells de «La Guerra de los Mundos», los que supuestamente han visto la película antes de su estreno, me había recomendado no verla, diciendo que era mala, de lo peor que ha filmado desde los títulos ya mencionados, pero afortunadamente no les he hecho caso.
A lo largo de mi vida, he visto sus películas desde que era niño, y la película que les comento, sinceramente he disfrutado con ella.
Como en un principio se había dicho por parte de la crítica que era la mejor película filmada en 20 años, yo me lo creo, y debo añadir que Spielberg es un director todo terreno, que ha sabido llevar este proyecto cinematográfico a buen ritmo y que otros envidiosos, lo han comparado con muy mala leche, con un episodio de Expediente X.
«El Día de la Revelación» no es una película que te vende humo como dicen unos, ni es pretenciosa como dicen otros, en su sólido desarrollo narrativo y visual, yo afirmaría que es como una especie de 11S hecho desde el punto de vista de su director.
Hoy 12 de Junio, es el Día de la Revelación en todo el mundo, y 8000 millones de habitantes verán en los días sucesivos este gran acontecimiento.
Francamente es una película muy recomendable, de un veterano del cine como es Steven Spielberg, y merece la pena verla.
EL DIA DESPUES
El precio original era: 21,77 €.20,56 €El precio actual es: 20,56 €. *IVA IncluidoGénero
Acción. Drama | Catástrofes. Holocausto nuclear. Telefilm. Película de culto
Sinopsis
Ambientada a mediados de la década de los ochenta, en plena guerra fría, narra los devastadores efectos de un holocausto nuclear en la vida de los habitantes del pequeño pueblo norteamericano de Lawrence, Kansas. Sus habitantes hacían vida normal, muchos de ellos ajenos a la creciente tensión entre la Unión Soviética y los Estados Unidos -junto al resto de los países de la OTAN- por un conflicto en Berlín. Pero cuando la guerra estalla, la cercanía de Lawrence a una base de misiles nucleares estadounidenses firmará la sentencia de muerte a la mayoría de sus habitantes.
(Nicholas Meyer, 1983)
CRITICAS
Es difícil encontrar una película que haya sido más pertinente y que, sin saberlo, pudiera haber tenido un impacto mayor en nuestras vidas que «El día después».
En 1983, cada una de las dos «superpotencias» de la guerra fría (EEUU y URSS) apuntaba a la otra con más de 10 000 cabezas nucleares. La potencia destructora total que amenazaba con erradicar la vida de la faz de la Tierra era millones de veces la de la bomba de Hiroshima. Cuando fue emitido, en noviembre de ese año, 100 millones de telespectadores pudieron hacerse una idea de hasta qué punto el futuro podía ser horroroso si no se ponía fin a la carrera nuclear.
El entonces presidente de EEUU, Ronald Reagan, no fue uno de esos telespectadores; pero la vio en privado en su residencia de Camp David y quedó profundamente impactado por la crudeza de la película. Lo sabemos porque ese día el «halcón» que al llegar a la Casa Blanca había calificado a la URSS como «el Imperio del Mal» anotó en su diario su determinación a «no ver jamás una guerra nuclear». Aunque es difícil saber hasta qué punto influyó esto, es muy posible que ayudara a acelerar las negociaciones iniciadas meses antes y que conducirían a la firma en 1991 del tratado START para la reducción de los arsenales nucleares.
Con las limitaciones de su formato televisivo, «El día después» es un film sólido: aparte del realismo con que logra describir el holocausto nuclear y sus consecuencias, Nicholaas Meyer cuenta con actores excelentes entre los que destacan Jason Robards (un todoterreno que actuó en más de cien películas a lo largo de su carrera) y John Cullum (muy conocido después por su inolvidable papel de Holling Vincoeur, el dueño del bar de «Dr. en Alaska»). Mención especial merece el guión de Edward Hume, tan bien escrito que logra mantener la tensión narrativa a pesar de que las escenas más espectaculares ocurren cuando aún queda una hora para el final de la película.
Un aviso obligado para navegantes: si prefiere dormir a pierna suelta sin pararse a pensar en que aún quedan miles de cabezas nucleares en activo (o si es muy sensible a imágenes desagradables como las que salen en las películas de zombis), mejor no la vea.
Para cualquier otra persona que no se encuentre en las categorías anteriores, una película imprescindible.
Como bien dice la canción de Fito y los Fitipaldis «Distintas guerras, distintas ciudades y el mismo fuego que quemó Gernica». Por muy lejana que nos resulte la guerra fría esta película no nos resultará tan lejana, viendo como los sin sentidos de la ambición política de las grandes naciones afecta a gente de a pie que solo trata de vivir su día a día ignorantes de como el mundo se muere a sus pies por causas que ellos mismos no son capaces de comprender.
EL DIABLO METIO LA MANO
El precio original era: 20,56 €.19,35 €El precio actual es: 19,35 €. *IVA IncluidoGénero
Terror. Comedia. Fantástico | Adolescencia. Zombis. Comedia de terror. Comedia negra. Comedia juvenil. Posesiones / Exorcismos. Body Horror
Sinopsis
Anton es un joven que la mañana siguiente a Halloween descubre los cadáveres decapitados de sus padres. Los crímenes se suman a una serie de muertes violentas que han ocurrido en el vecindario y de las que el muchacho no se había enterado. Ahora, atando cabos, empieza a ser consciente de que en realidad tiene mucho que ver con dichas muertes, y es que su mano derecha parece ser que actúa por su propia cuenta.
(Rodman Flender, 1999)
CRITICAS
Divertida comedia adolescente con historia de terror que tiene un cierto regustillo al estilo ochentero, tomando como clara inspiradora la saga «Evil Dead» (de la que está a años luz, por supuesto) y realizando numerosas referencias tanto verbales como visuales a clásicos del género del terror. Probablemente la idea primera del filme sea hacer una especie de parodia-homenaje a este cine que acaba convirtiéndose en una retahila de gags cómicos.
Durante toda la película nos deleita con un interesante humor macabro a la vez que introduce algunos sustos típicos de películas de terror adolescente, todo ello aderezado con algo de gore. El guión, aparte de las situaciones de humor negro, no cuenta con un elaborado guión ni con unas actuaciones estelares, pero consigue sobradamente el objetivo de entretener de principio a fin a la vez que sacarnos más de una sonrisa con alguna de las delirantes escenas.
EL DIABLO SE LLEVA A LOS MUERTOS
El precio original era: 16,88 €.15,67 €El precio actual es: 15,67 €. *IVA IncluidoGénero
Terror | Sobrenatural. Drama psicológico
Sinopsis
Lisa, una turista alemana de vacaciones en Toledo, se pierde en la ciudad. Por suerte, la recoge un matrimonio aristocrático que viaja en coche por el lugar y, accidentalmente, llegan a una misteriosa mansión de los alrededores. La propietaria es una anciana enloquecida, que vive en la única compañía de un irónico mayordomo y de un hijo que confunde a Lisa con su amante muerta.
(Mario Bava, 1973)
CRITICAS
Film de una fuerza desmesurada en su barroquismo y romanticismo, parece un cuento de Poe con agregado de la Hammer, con algo onírico y extraño que lo llena todo desde el comienzo. Si bien no hay un guión pulido, para los que se deleiten con el fantástico y la estética, representa una muestra excelente de los que debe ser una atmósfera lograda.
A mi me ha mantenido enganchado en todo el film, con momentos de terror que recuerdan a ese de los bolsilibros de Bruguera, con encanto pero con poco sentido, pero que particularmente perdono gracias a que la película en ningún momento se toma como algo a descifrar, sino como una pesadilla con momentos casi surrealistas.
Elke Sommer está espléndida, con una mirada que refleja ese estado de incertidumbre, donde nada tiene sentido, pero la acción avanza y sigue un curso «lógico» de una pesadilla. Telly Savalas está muy bien, sin embargo ese toque cómico que le han dado, empaña un poco a mi modo de ver el resultado.
Hay algunos planos y fotografía de un mérito enorme, planos en picado cuando hacen falta, y estética sublime y prodigiosa para el aficionado al fantástico, atmósfera onírica, bella y fantasmagórica. Con un guión más elaborado, podría haber tenido unas posibilidades enormes este film. Tampoco estoy de acuerdo con la nota media que tiene esta obra, a mi parecer es de un grandísimo interés dentro de su género.
Sabemos que en el giallo y en muchas obras terror/oníricas que pueblan estos años en Italia, no son los guiones lo más fuerte, ni la coherencia, y mientras que en otras películas se aplaude el simbolismo que puede resultar, aquí se condena. Para mí muy entretenida, pues absorbe esa pesadilla, y subyuga. Lejos de ser perfecta, y con un final un tanto fuera de lugar (en todos los sentidos), es, como digo, un film lleno de belleza e imaginación, onirismo y locura y belleza que me ha resultado una grata sorpresa.
EL DIABLO SOBRE RUEDAS
El precio original era: 10,88 €.9,67 €El precio actual es: 9,67 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga. Thriller. Terror | Road Movie. Telefilm. Coches / Automovilismo. Película de culto
Grupos
Adaptaciones de Richard Matheson
Sinopsis
Cuando David intenta adelantar a un camión cisterna no se imagina que el conductor se lo tomará como una ofensa personal. A partir de ese momento, el diabólico camionero someterá a David a una persecución mortal.
(Steven Spielberg, 1971)
CRITICAS
El diablo sobre ruedas es una de las mejores óperas primas que ha dado el cine. Aquí no aparecen nazis ni palestinos a los que atacar con saña como excusa para mostrarnos las virtudes de mundo judaico. Es un Steven Spielberg imberbe y aficionado a los thrillers y a la ciencia ficción de los 50 que pasaban sin parar por la televisión. Además el guión no es suyo y apenas interviene en él (lo que es de agradecer). La utilización de hasta siete cámaras en los distintos planos y de cinco montadores, no es que le reste mérito, pero le ayuda bastante a conseguir este peliculón como presentación ante la industria cinematográfica europea, que no yanquie.
Película para televisión, a Spielberg le dieron diez días para terminarla. La acabó en trece, todo un logro para cualquiera. Para que no se rodase en estudio y poder conseguir filmar todo el rodaje en exteriores, debía cumplir con los plazos de los tres primeros días de rodaje, y el tipo lo consiguió. Este hecho determinó que el film tuviera los bellos exteriores que podemos observar hoy en día. El cineasta se ayudó de un coche bajo de carreras para poder realizar los contrapicados y los adelantamientos del coche al camión y viceversa. Rodó las escenas para ganar tiempo, con cuatro, cinco y hasta siete cámaras (la secuecia final) para poder terminar el encargo con tiempo. Sabía que tenía una oportunidad dorada para asomar la cabeza en el mundo del cine, así que había muchas ganas. Se ensambló en tres semanas y media con cinco montadores currando a destajo. La música minimalista y extraña aparece en los momentos más dramáticos y con mucho acierto.
DESTACO la secuencia del bar por el descanso que supone y la utilización del zoom y de algunos encuadres porque me parecen una maravilla. También la impagable actuación de Dennis Weaver.
EL DIABLO SOBRE RUEDAS – EDICION 4K UHD
El precio original era: 37,50 €.36,29 €El precio actual es: 36,29 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga. Thriller. Terror | Road Movie. Telefilm. Coches / Automovilismo. Película de culto
Grupos
Adaptaciones de Richard Matheson
Sinopsis
Cuando David intenta adelantar a un camión cisterna no se imagina que el conductor se lo tomará como una ofensa personal. A partir de ese momento, el diabólico camionero someterá a David a una persecución mortal.
(Steven Spielberg, 1971)
CRITICAS
El diablo sobre ruedas es una de las mejores óperas primas que ha dado el cine. Aquí no aparecen nazis ni palestinos a los que atacar con saña como excusa para mostrarnos las virtudes de mundo judaico. Es un Steven Spielberg imberbe y aficionado a los thrillers y a la ciencia ficción de los 50 que pasaban sin parar por la televisión. Además el guión no es suyo y apenas interviene en él (lo que es de agradecer). La utilización de hasta siete cámaras en los distintos planos y de cinco montadores, no es que le reste mérito, pero le ayuda bastante a conseguir este peliculón como presentación ante la industria cinematográfica europea, que no yanquie.
Película para televisión, a Spielberg le dieron diez días para terminarla. La acabó en trece, todo un logro para cualquiera. Para que no se rodase en estudio y poder conseguir filmar todo el rodaje en exteriores, debía cumplir con los plazos de los tres primeros días de rodaje, y el tipo lo consiguió. Este hecho determinó que el film tuviera los bellos exteriores que podemos observar hoy en día. El cineasta se ayudó de un coche bajo de carreras para poder realizar los contrapicados y los adelantamientos del coche al camión y viceversa. Rodó las escenas para ganar tiempo, con cuatro, cinco y hasta siete cámaras (la secuecia final) para poder terminar el encargo con tiempo. Sabía que tenía una oportunidad dorada para asomar la cabeza en el mundo del cine, así que había muchas ganas. Se ensambló en tres semanas y media con cinco montadores currando a destajo. La música minimalista y extraña aparece en los momentos más dramáticos y con mucho acierto.
DESTACO la secuencia del bar por el descanso que supone y la utilización del zoom y de algunos encuadres porque me parecen una maravilla. También la impagable actuación de Dennis Weaver.
El diablo tambien llora
El precio original era: 22,69 €.21,48 €El precio actual es: 21,48 €. *IVA IncluidoCompañías
Coproducción España-Italia; Apo Film, Arturo González P.C, Produzioni Europee Associati (PEA)
Género
Cine negro. Intriga
Sinopsis
El marido de Ana tiene una amante y un hijo, ella no es ajena al drama que se convertirá en asesinato.
(José Antonio Nieves Conde, 1965)
CRITICAS
José Antonio Nieves Conde gozó de un gran prestigio durante los años 50 del pasado siglo como uno de los regeneradores del cine español, con obras como Balarrasa y Surcos, lo más parecido al neorrealismo italiano, y la capital Los peces rojos, una de las cumbres del género policial en nuestro cine. Aún destacaría con títulos como Todos somos necesarios y El inquilino, pero los años 60 le sentaron fatal, y poco a poco fue adocenándose y cayendo en la trampa de las coproducciones con destape.
El diablo también llora es, posiblemente, su última película interesante. Narra la historia de una mujer (enigmática Eleonora Rossi Drago, que tuvo gran predicamento durante esa década) que mata a su marido (Fernando Rey) cuando éste la encuentra en situación equívoca con Tomás (Francisco Rabal, eficaz como siempre). Es detenida y juzgada, y declarada inocente. Pero algo no deja de atormentarla…
Filmada en suntuoso B&N por Antonio Macasoli, que mueve la cámara con agilidad y soltura como en los films noir estadounidenses, la cinta se beneficia de unas interpretaciones excelentes por parte de todo el reparto (descubrir a Lola Gaos y Antonio Ferrandis), en una trama «atrevida» para la época en nuestro gazmoño país: adulterios, hijos ilegítimos, mujeres que desobedecen a sus maridos, crímenes pasionales…
El diablo viste de Prada
El precio original era: 24,19 €.22,98 €El precio actual es: 22,98 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia. Drama | Comedia dramática. Moda. Trabajo/empleo
Sinopsis
En el vertiginoso mundo de la moda de Nueva York, la cumbre del éxito la representa la revista Runway, dirigida con mano de hierro por Miranda Priestly (Meryl Streep). Trabajar como ayudante de Miranda podría abrirle cualquier puerta a Andy Sachs (Anne Hathaway), si no fuera porque es una chica que destaca por su desaliño estilo dentro del grupo de guapísimas periodistas de la revista. Andy comprende muy pronto que para triunfar en ese negocio va a necesitar algo más que iniciativa y preparación. Y la prueba está delante de ella, vestida de pies a cabeza de Prada. El personaje de Meryl Streep se inspira en Anna Wintour, directora de Vogue en los Estados Unidos.
(David Frankel, 2006)
La película es fascinante, sin duda. Tiene un buen guión, una buena sinopsis y un reparto bastante aceptable. Aunque (las cosas como son), Anne Hathaway ha tenido mucha suerte al tener como compañera de reparto a una actriz de la talla de Meryl Streep. Meryl Streep es la que da la chispa que hace triunfar a la película. Sin una actriz de su talla en este film, no habría llegado nunca a tanto éxito. Además lo demostró tanto en el escenario como fuera de él, ya que ganó el Oscar a la mejor actriz.El Diablo Viste de Prada pretende, más allá de su aparente factura de comedia hollywoodiense clásica, hacer un análisis y un recorrido por uno de los mundos más influyentes y denostados del circo actual: la moda. Algo que en tantas ocasiones se tacha de frívolo e innecesario, es, sin embargo, el eje de muchas vidas y de infinitos puestos de trabajo, de influencia incuestionable en cada rincón de la tierra y de trascendencia por encima de su fama. Todo esto lo explica Meryl Streep en un momento de la cinta, y aquello que comenta en defensa de una profesión y un estilo de vida, es lo mismo que podría decirse de esta película.
Por eso El Diablo Viste de Prada es mucho más de lo que aparenta, pues es capaz de retratar a la perfección la jungla urbana de las pasarelas, las revistas, los representantes, las dobles morales laborales y la dedicación absoluta a un campo que genera millones de dólares diarios.
Es una comedia mucho más profunda de lo que parece, rodada como si una superproducción se tratase, que hace un uso exquisito de sus localizaciones (Nueva York y París) y de sus infinitos vestuarios. El guión, aunque se equivoque queriendo convertirse en un alegato moralista sobre la libertad y los principios laborales, es entretenido y derrocha conocimiento en cada escena.
Y si hay algo de verdad memorable en este filme es su reparto. Hathaway cumple sabiendo que su papel es tan solo un peón de la historia y los demás personajes. Tucci y Blunt están soberbios en sus roles, haciendo orgánica y veraz la comedia. Meryl Streep realizó en esta película una transformación física que hace que desaparezca la actriz y emerja el personaje, el arte. Además, cada texto que sale de su boca se convierte en un momento de tensión y de sabiduría muy por encima de los errores de la cinta.
Su creación aquí es un estudio casi antropológico de la mujer moderna y de la ambición, un retrato en profundidad de la dragona encarada en un mundo de hombres, y de la verdadera mujer escondida detrás de caras firmas, temida reputación y personalidad de hierro.
EL DIABLO Y YO
El precio original era: 8,41 €.7,20 €El precio actual es: 7,20 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia. Fantástico
Grupos
Adaptaciones de Harry Segall
Sinopsis
El gánster Eddie Kagle muere asesinado por uno de sus cómplices. Ya en el infierno, Mefistófeles repara en él por su parecido con un viejo enemigo, el juez Parker. Consigue que Eddie regrese al mundo de los vivos y adopte la personalidad del juez. Eddie acepta obsesionado por la venganza, pero en su nueva existencia encontrará un ángel que luche por su rendición, Bárbara, la bella prometida del juez Parker
(Archie Mayo, 1946)
CRITICAS
Película realmente bien realizada, como una mezcla de varios géneros se entrelazan y el resultado es muy bueno. Como las circunstancias de la vida pueden moldear a un hombre y todo lo que lo rodea, no solamente somos genes dispuestos en determinado orden, el entorno quizás decida sobre la bondad o maldad de un hombre. Una película al rescate de los valores y la unidad familiar como una forma de hacer integra la vida.
Con grandes actuaciones de los protagonistas, especialmente de Paul Muni y Claude Rains, en blanco y negro. Claude Rains que hace de Mefistófeles y Paul Muni como Fausto. Es una divertida comedia haciéndonos recordar el valor de la bondad, que las personas podemos cambiar si hubiéramos tenido una vida distinta y otro entorno social en el que nos hayamos criado. Mefistófeles no nos parece tan malo como nos hubiera parecido el demonio, y que las personas podemos luchar contra la vida que nos ha tocado vivir.
Muy buenas actuaciones y realización en general. Escenas muy entrañables que siempre quedaran en nuestra mente. Subvalorada película que creo se merece un lugar mas alto. No se la pierdan.
Asimismo el amor es un sentimiento que nos cambia a las personas y nos impulsa a altas metas en la vida.
EL DIARIO DE BRIDGET JONES
El precio original era: 11,50 €.10,29 €El precio actual es: 10,29 €. *IVA IncluidoGénero
Romance. Comedia | Comedia romántica. Nochevieja / Año nuevo
Grupos
Bridget Jones
Sinopsis
Bridget Jones es una treintañera soltera y llena de complejos, cuya vida sentimental es un desastre. Tiene sólo dos ambiciones: adelgazar y encontrar el amor verdadero. El día de Año Nuevo toma dos decisiones: perder peso y escribir un diario. Pero muy pronto su vida amorosa se vuelve a complicar, pues se encuentra dividida entre dos hombres. Por un lado, Daniel Cleaver, su jefe, un tipo encantador y sexy, pero peligroso; por otro, Mark Darcy, un viejo amigo de la familia, que al principio le parece demasiado reservado y aburrido
(Sharon Maguire, 2001)
CRITICAS
¿Qué tiene Bridget Jones que la hace tan especial? Pues que ella solita reune todos los vicios y complejos que existen en este mundo. Todas en algún momento nos hemos sentido Bridget y es que… ¿Quién no ha contado alguna vez los kilos que ha engordado, las copas que ha bebido o los cigarrillos del día? ¿Quién no se ha planteado en algún momento su anormal soltería o la última vez que tuvo sexo?
¿Quién no ha tenido que elegir entre un tanga sexy o una faja esconde-tripa para ir a una cita? (bueno esto espero que no muchas…) Pues esa mujer patosa, solterona, que bebe demasiado y fuma más de la cuenta, metepatas y deslenguada es Bridget Jones.
La Bridget que nos muestran aquí somos nosotras, chicas normales, con nuestros defectos (que son algunos), con nuestras virtudes (que también tendremos alguna), con nuestras metidas de pata, en fín, que no nos presenta a la típica mujer perfecta, que éso no existe, y ahí mismo pienso que radica su gracia.
Pero ella no esta sola, a su lado está su jefe Daniel Cleaver, excéntrico, divertido y quizá demasiado «sociable» y Mark Darcy, tímido, reservado y muy seductor que te enamora con sólo hacerte una tortilla.
Está claro que la película no es una obra de arte, tampoco pretende serlo, y la gente tiene que saber de una vez qué es lo que va a ver al cine.
Encantadora, tierna y sobre todo divertida así es Bridget Jones y así es esta película. Imposible perdérsela.
Para mí la peli cuenta también con otro gran punto a favor, Colin Firth. A mí este hombre me encanta, me parece un buenísimo actor, muy discreto, parece que no hace nada, pero es maravilloso, creo que encontraron al Mark Darcy perfecto.
Junto a estos tres protagonistas, una pareja encantadora, el actor Jim Broadbent, que me encanta y que siempre es un placer para mí ver sus trabajos, aquí está entrañable como el padre de Bridget, y la actriz Gemma Jones, genial, maravillosa, divertida, como la madre de la protagonista. La banda sonora está formada por muy buenas canciones
EL DIARIO DE NOA
El precio original era: 12,04 €.10,83 €El precio actual es: 10,83 €. *IVA IncluidoGénero
Romance. Drama | Drama romántico. Adolescencia. Alzheimer. Años 40. Años 90
Grupos
Adaptaciones de Nicholas Sparks
Sinopsis
En una residencia de ancianos, un hombre (James Garner) lee a una mujer (Gena Rowlands) una historia de amor escrita en su viejo cuaderno de notas. Es la historia de Noah Calhoun (Ryan Gosling) y Allie Hamilton (Rachel McAdams), dos jóvenes adolescentes de Carolina del Norte que, a pesar de vivir en dos ambientes sociales muy diferentes, se enamoraron profundamente y pasaron juntos un verano inolvidable, antes de ser separados, primero por sus padres, y más tarde por la guerra
(Nick Cassavetes, 2004)
CRITICAS
La cámara nos introduce en un paisaje arrebatador. Un lago de aguas casi tan lisas como un espejo se tiñe de un matiz de rojo encendido que parece estar en íntima comunión con la quietud circundante, mientras el sol moribundo desciende serenamente, como para corroborar esa paz sobrenatural. Y, mientras nuestras retinas se empapan de ese regalo, suenan unos acordes de piano tan suaves e íntimos como una caricia. Unos gansos remontan el vuelo y, en una casa próxima, una mujer contempla la grandiosa puesta de sol.
Así da comienzo «El diario de Noa».
En un regreso a un pasado lejano, se nos introduce en la historia de dos jóvenes que se enamoran locamente. El tiempo se detiene en aquel verano de 1940. El primer gran amor, el primero (y a veces el último) en dejar una huella marcada a fuego que no se borra.
En definitiva, un sensible, sencillo y eterno homenaje a la alegría de vivir, a la juventud repleta de sueños en la que se despierta a muchas de las más impactantes emociones de toda la vida. Pero hay un dicho según el cual toda gran felicidad es efímera, que todo lo bello y sublime tiene siempre fecha de caducidad; a menudo las circunstancias se confabulan para tratar de deshacer tanta dicha, para interponerse en esos grandes amores construidos sobre una base de fuegos artificiales y de total entrega. El verano siempre llega a su fin, y supone mucho más que la conclusión de una estación. Las aves que se preparan para su inminente vuelo migratorio en busca de climas cálidos, que viajan hacia su verano perpetuo, marcan el comienzo del fin. Todas las ilusiones gestadas, tantos propósitos, tantos sueños a los que se ha dejado en plena libertad… ¿podrán seguir existiendo? Cuánta fragilidad posee la materia de los sueños… Cualquier movimiento brusco puede hacer que se rompa el hechizo.
Pero, ¿qué ocurre cuando no se trata simplemente de un amorío de verano? ¿Qué destino espera a esos seres que siempre se quedarán anclados en esa época en la que tocaron el cielo a manos llenas?
Porque, ante todo y para siempre, esta es una historia de amor verdadero. Amor que se palpa en cada brizna de hierba, en cada soplo de viento, en la belleza majestuosa de un lago repleto de aves blancas, en una casa de paredes blancas y ventanas azules que posee un alma que habla por sí sola. Se palpa en las miradas, en las risas, en las bromas, en las discusiones, en los poemas de Walt Whitman desgranados en la noche, en la voz, en los gestos… Todo es un despliegue de amor absoluto ante el que sólo puedo rendirme.
Despertar junto a declive, orto junto a ocaso, y entre uno y otro una historia tan soberbiamente tierna y genuina, tan divertida y tan triste, tan excitante y en suma tan conmovedora que esta servidora se rinde al placer de las lágrimas derramadas sin que una pueda ni quiera hacer nada para evitarlo.
Allie y Noah. Su historia, que puede ser la Gran Historia de Cualquiera, se ha grabado en mis fibras internas con letras de oro y sangre.
EL DIFUNTO PROTESTA
El precio original era: 10,83 €.9,62 €El precio actual es: 9,62 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia. Romance. Fantástico | Comedia romántica
Grupos
Adaptaciones de Harry Segall
Sinopsis
Joe Pendleton (Robert Montgomery) es un boxeador que iba a luchar por el campeonato mundial pero antes muere en un accidente de avión. Por desgracia para Joe, él no estaba destinado a morir, pero sube al cielo antes de tiempo por culpa de un ángel demasiado eficiente (Edward Everett Horton). Ahora es cosa del jefe del ángel, Mr. Jordan (Claude Rains), encontrar un nuevo cuerpo para Joe y darle otra oportunidad de luchar por el título. Mientras le buscan un nuevo hogar, Joe conoce a una joven idealista (Evelyn Keyes) de la que se enamora locamente, y lo que le da una razón para vivir, aparte de para poder pelear por el título… Adaptación de la obra teatral «El cielo puede esperar», que en 1978 también fue adaptada por Warren Beatty.
(Alexander Hall, 1941)
CRITICAS
“El difunto protesta” es una película magistral en todos los sentidos.
Partiendo de una historia sólida (“El cielo puede esperar” de Harry Segall), que también sería nuevamente llevada al cine con Warren Beatty, Buchman y Miller construyen un guión perfecto. Solidez y perfección que serían galardonadas con sendos Oscar en 1941. Y estos premios se revalorizan si tenemos en consideración que compitió con guionistas de la categoría de Philip Dunne con “¡Que verde era mi valle!”, Lillian Hellman con “La loba” y hasta con el propio Billy Wilder colaborando en el guión de “Si no amaneciera”.
Por si todo esto no fuera ya bastante, tuvo 7 nominaciones, incluidas mejor película y mejor director, claro que, por allí andaba un tal John Ford con ¡Que verde era mi valle!.
Mención especial para dos secundarios de auténtico lujo: Edward Everett Horton y James Gleason. Éste último también fue nominado a Mejor actor de reparto pero acabó “arrasado” por la onda expansiva de la gran película de Ford (el ganador fue Donald Crisp, padre de la familia minera). Pero el hecho de no conseguir el premio magno de la Academia no obsta para que reconozcamos el papelazo de James Gleason.
Y por si no tuviesen bastante con todo esto, súmenle a Claude Rains, a Robert Montgomery (también nominado a mejor actor principal), a Donald MacBride (en su papel de policía)… Vamos, un fenomenal reparto a las ordenes de un excelente director como Alexander Hall