Mostrando 217–240 de 360 resultados
TIPO
- CineCine 343
- SeriesSeries 14
FILTRAR POR GÉNERO
- Acción / aventuras / artes marciales 106
- Animación / Anime 6
- Asiatico 14
- Bélico 24
- Ciencia ficción / SCI FI 35
- Clasico 103
- Comedia 75
- Contemporáneo / moderno 7
- DocumentalDocumental 1
- Drama 193
- Erótico / adultos 3
- Europeo 80
- Infantil 10
- Musical 17
- Religioso 11
- RomanceRomance 55
- Social / político 62
- Super héroes y comics 9
- Terror 41
- Thriller/ Policíaco 128
- Western 11
FORMATO
IDIOMA
PRODUCTORA
- 18hz production 1
- 20th Century Fox 20
- Agata Film 1
- Alive Films 1
- Allied Artists 1
- Allied Filmmakers 1
- Alta Cinematografica 1
- Amblin Partners 1
- Annapurna Pictures 1
- Apollo Films 2
- Aquila Cinematografica 1
- Arandano S.A 1
- Arco Film Roma 1
- Arnold Pressburger Films 1
- Artistry Limited 2
- AS Films Producciones 1
- Aspen Productions 1
- Aubrey Schenck Productions 1
- Aver Media 1
- Avon Productions 1
- BBC 2
- Belisarius Productions 1
- Bert Marcus Productions 1
- Bing Crosby Productions 1
- Black Bear Pictures 1
- Blinding Edge Pictures 1
- Blumhouse Productions 3
- British Lion Film Corporation 1
- Cambridge Productions Inc 1
- Canal+ 1
- Canal+ España 1
- Cardinal Pictures 1
- Carolco Pictures 2
- CBS Films 1
- CBS Productions 2
- Ce Qui Me Meut 1
- Ciné-Alliance 1
- Cinema 7 Film Group 1
- Cinema Center Films 1
- Columbia Pictures 19
- Contagious Entertainment 1
- Copperheart Entertainment 1
- Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Alemania-Italia 1
- Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Francia-Italia 1
- Coproducción España-Francia 1
- Coproducción España-Italia-Francia 1
- Coproducción Estados Unidos-Canadá 3
- Coproducción Estados Unidos-China-Canadá-Japón 1
- Coproducción Estados Unidos-España 1
- Coproducción Estados Unidos-Francia 1
- Coproducción Estados Unidos-Hungría-España-Serbia 1
- Coproducción Estados Unidos-Reino Unido 2
- Coproducción Francia-Bélgica 1
- Coproducción Francia-Bélgica-Países Bajos (Holanda)-Israel-Rumanía 1
- Coproducción Francia-Dinamarca 1
- Coproducción Francia-España-Portugal 1
- Coproducción Francia-Irán-Alemania del Oeste (RFA) 1
- Coproducción Francia-Italia 3
- Coproducción Hong Kong-China 1
- Coproducción Hungría-Alemania 1
- Coproducción Irlanda-Reino Unido-Canadá-Corea del Sur-Estados Unidos 2
- Coproducción Italia-España-Alemania del Oeste (RFA) 2
- Coproducción Italia-Francia 5
- Coproducción Italia-Francia-Alemania 1
- Coproducción Italia-Reino Unido 1
- Coproducción Noruega-Dinamarca-Rumanía-Polonia 1
- Coproducción Reino Unido-Alemania-Irlanda 1
- Coproducción Reino Unido-Estados Unidos 3
- Coproducción Reino Unido-Francia 1
- Coproducción Reino Unido-Francia-Hungría-Estados Unidos 1
- Coproducción Reino Unido-Israel 1
- Coproducción Serbia y Montenegro-Italia-Francia 1
- Curtis Enterprises 1
- David L. Wolper Productions 1
- DC Entertainment 1
- De Grunwald Productions 1
- De Laurentiis Entertainment Group 1
- Demitri Samaha Productions 1
- Documento Film 1
- Dolores Pictures 1
- DreamWorks SKG 2
- Empire Pictures 1
- Encyclopedia Pictura 1
- Ernst Lubitsch 1
- Film Workshop 1
- Filmax 1
- First National Pictures 1
- Fox 2000 Pictures 2
- Fox Searchlight 1
- France 2 (FR 2) 1
- Frank Capra Productions 1
- Fuji TV 3
- Fulvia Film 1
- Galatea Film 2
- Gaumont 2
- Glen A. Larson Productions 1
- Golan-Globus Productions 1
- Golden Harvest Company 2
- Goskino 1
- Grovas-Oro Films 1
- Hammer Productions 1
- HandMade Films 1
- Harbor Productions 1
- HBO 1
- Hill Valley 1
- Hughes Entertainment 1
- Imagine Entertainment 1
- International Films 1
- ITC 1
- Ízaro Films 1
- Jalem Productions 1
- Jeonwonsa Film 1
- Kennedy Miller Productions 1
- Kopelson Entertainment 1
- Lava Bear Films 1
- Lea Film 1
- Les Films du Carrosse 3
- Lionsgate 3
- London Films 1
- Magnolia Pictures 1
- Marianne Productions 1
- Marvel Studios 2
- Mediacorp Raintree Pictures 1
- Mediaworks 1
- Memorial Enterprises 1
- Mervyn LeRoy 1
- Messidor Films 1
- Meteorito Films 1
- MGMMGM 17
- Michael Todd Company 1
- Mosfilm 1
- Mutual Film Company 1
- New Line Cinema 1
- Nordisk Film 1
- Origen PC 1
- Orion Pictures 1
- Pajemer Productions 1
- ParamountParamount 2
- Paramount Pictures 17
- Pedro Masó Producciones Cinematográficas 1
- Personafilm GmbH Munich 1
- PHI Films 1
- Philip A. Waxman Productions Inc 1
- Polygram Filmed Entertainment 2
- Raimi Productions 1
- Restless Nomad Films 1
- RKO Radio Pictures 3
- RTVE 2
- Sam Spiegel 1
- Samuel Goldwyn Company 2
- Scotti Brothers Pictures 1
- Screen Gems 1
- Selznick International Pictures 1
- Shochiku 2
- Shôchiku 1
- Sixty Six Pictures 1
- Ska Films 2
- Smokewood Entertainment Group 1
- Solaris Film 1
- Sony Pictures 2
- Sony Pictures Classics 2
- Stanley Kramer Productions 1
- Stephen J. Cannell 2
- Studio Chizu 1
- Studio Ghibli 1
- Summit Entertainment 1
- Svensk Filmindustri (SF) 1
- The Cannon Group Inc 1
- The Mirisch Corporation 1
- The Rank Organisation 1
- Titanus 1
- Toei 1
- Toho 1
- Touchstone Pictures 2
- Trastorno Films 1
- Tribeca Productions 1
- Trimark Pictures 1
- TriStar Pictures 2
- UGC Images 1
- Ultramar Films 1
- United Artists 8
- Universal International Pictures 4
- Universal Pictures 19
- Universal Pictures Television 1
- USA Films 1
- Warner Bros 26
- Wiedemann & Berg Filmproduktion 1
- William Castle Productions 1
- Zebra Producciones 1
- Zoetrope Studios 1
AÑO LANZAMIENTO
Director
- Aaron Norris 3
- Adrian Lyne 1
- Alain Corneau 1
- Alan J. Pakula 1
- Albert Serra 1
- Alberto Rodríguez 1
- Alessandro Blasetti 1
- Alfred Hitchcock 5
- Anatole Litvak 1
- Andrew V. McLaglen 1
- Andy Wilson 1
- Annabel Jankel 1
- Anthony Mann 2
- Anthony Scott Burns 1
- Antoine Fuqua 2
- Arthur Lubin 1
- Artie Mitchell 1
- Basil Dean 1
- Bernard McEveety 1
- Billy Wilder 1
- Blake Edwards 1
- Bob Clark 1
- Bob Rafelson 1
- Bradley Cooper 2
- Brian De Palma 1
- Brian Klugman 1
- Bruce Lee 1
- Carlo Lizzani 1
- Carlos Brooks 1
- Carlos Saura 3
- Carol Reed 1
- Cédric Klapisch 1
- Cesc Gay 1
- CHANTAL AKERMAN 1
- Charles Burmeister 1
- Charles Crichton 1
- Chloe Zhao 1
- Christopher Canaan 1
- Christopher Nolan 4
- Chuck Russell 2
- Clint Eastwood 2
- Curtis Harrington 1
- Damien Chazelle 1
- Dan O'Bannon 1
- Dan Trachtenberg 1
- Daniel Petrie 1
- Danny Cannon 1
- David Fincher 2
- David Mackenzie 1
- David R. Losada 1
- David Twohy 1
- David Yates 1
- Denis Villeneuve 3
- Dino Risi 1
- Don Chaffey 1
- Don Siegel 1
- Donald P. Bellisario 1
- Douglas Jackson 1
- Duncan Jones 1
- Edward Buzzell 1
- Edward Dmytryk 2
- Elliot Silverstein 1
- Emerald Fennell 1
- Emilie Blichfeldt 1
- Emir Kusturica 1
- Emma Tammi 3
- Enrique Gabriel 1
- Ermanno Olmi 2
- Ernesto Sevilla 1
- Ernst Lubitsch 1
- Federico Fellini 1
- Fernando Fernán Gómez 2
- Fernando Palacios 1
- Florian Henckel von Donnersmarck 1
- Francesco Rosi 1
- Franco Zeffirelli 1
- François Truffaut 3
- Frank Capra 1
- Frank Darabont 1
- Frank Lloyd 1
- Frank Marshall 1
- Franklin J. Schaffner 1
- Fred M. Wilcox 1
- Fritz Lang 2
- Gary Sherman 1
- George Cukor 2
- George Marshall 1
- George Roy Hill 1
- George Seaton 1
- George T. Miller 1
- Gérard Kikoïne 1
- Gerry Anderson 1
- Geza Beremenyi 1
- Gillo Pontecorvo 1
- Glen A. Larson 1
- Gordon Douglas 1
- Gregory Hoblit 1
- Guy Ritchie 3
- Hayao Miyazaki 1
- Henry Hathaway 1
- Henry King 1
- Herbert Ross 1
- Herbert Wilcox 1
- Hermanas Wachowski 1
- Hong Sang-soo 1
- Howard Deutch 1
- HOWARD HAWKS 1
- Ingmar Bergman 2
- Ira Parker 1
- Isaiah Saxon 1
- Isao Takahata 2
- Ivan Reitman 1
- J. Lee Thompson 1
- Jack Arnold 2
- Jack Conway 1
- James Fargo 2
- James L. Brooks 1
- James Mangold 1
- James McTeigue 1
- James V. Kern 1
- Jan de Bont 1
- Jason Reitman 1
- Javier Aguirre 1
- Javier Elorrieta 3
- Jean Delannoy 1
- Jean-Jacques Annaud 1
- Jeannot Szwarc 2
- Jerry Lewis 1
- Jim Sharman 1
- Joaquín Reyes 1
- Joel Coen 1
- Johannes Roberts 1
- John Carpenter 1
- John Cornell 1
- John Cromwell 2
- John Farrow 1
- John Ford 1
- John G. Avildsen 1
- John H. Auer 1
- John Huston 1
- John Irvin 1
- John McTiernan 2
- John Milius 1
- John Sturges 1
- John Woo 1
- Jon Turteltaub 1
- José María Forqué 1
- Joseph L. Mankiewicz 3
- Joseph Losey 1
- Juan Bustillo Oro 1
- Julia Ducournau 1
- Kathryn Bigelow 1
- Katsuhiro Ōtomo 1
- Keisuke Kinoshita 1
- Kenneth Branagh 1
- King Vidor 2
- Kon Ichikawa 1
- Lee Daniels 1
- Lewis Allen 1
- Lilja Ingolfsdottir 1
- Lindsay Anderson 1
- Luc Besson 2
- Luchino Visconti 1
- Lucio Fulci 1
- Luis Buñuel 2
- Luna 1
- M. Night Shyamalan 1
- Mamoru Hosoda 1
- Manny Coto 1
- Manuel Gutiérrez Aragón 1
- Marcel Carné 1
- Mario Bava 2
- Mario Monicelli 1
- Mark L. Lester 1
- Mark Sandrich 1
- Mark Steven Johnson 1
- Martin Scorsese 1
- Marvin J. Chomsky 1
- Masahiko Nagasawa 1
- Matt Shakman 1
- Maurice Cloche 1
- Max Makowski 1
- Melville Shavelson 1
- Mervyn LeRoy 1
- Michael Anderson 1
- Michael Corrente 1
- Michael Crichton 1
- Michael Curtiz 3
- Michael Gordon 1
- Michelangelo Antonioni 2
- Mike Leigh 1
- Mike Newell 1
- Milos Forman 1
- Mitchell Leisen 3
- Neil Burger 1
- Nicolas Winding Refn 2
- NORMAN JEWISON 1
- Norman Taurog 1
- Orson Welles 1
- Paul McGuigan 1
- Peter Collinson 1
- Peter Farrelly, Bobby Farrelly 1
- Peter S. Fischer 1
- Peter Yates 2
- Peyton Reed 1
- Phil Karlson 1
- Phillip Noyce 1
- Pier Paolo Pasolini 1
- Pierre Perifel 1
- Pietro Germi 1
- Radu Mihaileanu 1
- Rainer Werner Fassbinder 1
- Ralph Nelson 2
- Ranald MacDougall 1
- Randall Miller 1
- Raoul Walsh 1
- Ray Nazarro 1
- René Clair 1
- Renny Harlin 1
- Richard Brooks 2
- Richard Fleischer 1
- Richard Tuggle 1
- Ridley Scott 2
- Robert Altman 1
- Robert Bresson 1
- Robert De Niro 1
- Robert Stevens 1
- Robert Wise 1
- Robert Zemeckis 2
- Roger Michell 1
- Roland Emmerich 2
- Ron Howard 4
- Ron Shelton 1
- Ronald Neame 1
- Ryan Coogler 1
- Sam Mendes 2
- Sam Raimi 1
- Sam Taylor-Johnson 1
- Sam Wood 1
- Sammo Hung 1
- Scott Cooper 2
- Scott Derrickson 1
- Scott Wheeler 1
- Sergei Bondarchuk 1
- Sergei M. Eisenstein 1
- Sergio Corbucci 1
- Sergio Leone 1
- Sergio Martino 1
- Shuji Terayama 1
- Spike Lee 1
- STANLEY KUBRICK 1
- Stephen Chbosky 1
- Stephen J. Cannell 2
- Steven SpielbergSteven Spielberg 8
- Stuart Gordon 1
- Terrence Malick 1
- Terry Jones, Terry Gilliam 1
- Tim Hunter 1
- Tod Browning 1
- Tom Gormican 2
- Tom Gries 1
- Tom Holland 1
- Tony Scot 1
- Uli Edel 1
- Ulu Grosbard 1
- VARIOS 1
- Victor Fleming 3
- Vincent Sherman 1
- Vincente Minnelli 1
- Walter Bernstein 1
- Walter Hill 1
- Walter Lang 1
- Waris Hussein 1
- Wes Craven 1
- William A. Wellman 1
- William Castle 1
- William Oldroyd 1
- William Tannen 1
- William Wyler 1
- Wim Wenders 1
- Wolfgang Petersen 1
- Wong Jing 1
- Woody Allen 1
- Xavi Giménez 1
- Yasujirō Ozu 1
- Yorgos Lanthimos 2
Price
CATEGORÍAS
- Accessories 3
- GÉNERO 3470
- Acción / aventuras / artes marciales 1092
- Animación / Anime 128
- Asiatico 115
- Bélico 209
- Ciencia ficción / SCI FI 351
- Clasico 932
- Comedia 727
- Contemporáneo / moderno 127
- Documental 27
- Drama 1814
- Erótico / adultos 29
- Europeo 811
- Infantil 184
- Musical 158
- Religioso 78
- Romance 477
- Social / político 641
- Super héroes y comics 81
- Terror 513
- Thriller/ Policíaco 1175
- Western 168
- IMPORTACIÓN 76
- NOVEDADES 983
- PREVENTA 139
Novedades España
LA TERCERA VICTIMA
Género
Thriller. Drama
Sinopsis
Un profesor de secundaria, recientemente divorciado y separado de su hijo, planea su venganza contra su ex-mujer
(Daniel Petrie, 1974)
CRITICAS
Sorprendente y negrísimo, este pequeño (solo en extensión) thriller, donde Kirk Douglas muestra un registro interpretativo que hasta la fecha no había exhibido, sin duda más atractivo por sus matices que el usual de las majors de Hollywood. El interés del film reside en la ambigüedad de los roles dentro del guión.
El titulo original en ingles «Mousey» (ratoncito, así le llamaba todo el mundo en el colegio donde daba clases de biología) o «Cat and mouse» sugiere un juego de posiciones donde el apocado y débil Anderson despierta al mundo real al perder su familia, pues su mujer (que nunca le ha querido y que implícitamente reconoce que lo ha utilizado) enamorada de otro se marcha a otra ciudad ( el arribismo social de ella está sutilmente sugerido también), con un hijo que no es del ratoncito Anderson pero al que este quiere como suyo, inicándose una espiral de autoafirmación que incluye el asesinato como modo de demostrar a todos (aunque a él solo le interese una persona), que existe, siente y actúa conforme a su propio criterio y no como esperan los demás de una persona como él.
En ese camino obsesivo y patológico hacia el reconocimiento de su personalidad/venganza nos encontramos, lo que constituye el quid de la cuestión, ¿Puede un ratón convertirse en gato o solo puede imaginar por un tiempo que lo es? y ¿Quien es el gato y quien el raton real de esta historia?.
En puridad, el sorprendente (por poco usual en 1974) y triste final ayuda al replanteamiento de lo visto y la imagen final de Anderson/Douglas permanece en el recuerdo como la espera del sonido de una roca en un abismo sin fondo.
LA TRAMA – EDICION 4K UHD
Género
Intriga
Sinopsis
La señora Julia Rainbird (Cathleen Nesbit) guarda fuertes sentimientos de culpa porque, hace 40 años, hizo que una hermana -que quedó embarazada estando soltera- abandonara a su hijo al momento de nacer, y fallecida ella, ahora quiere encontrarlo para convertirlo en heredero. Por tal motivo, ha buscado la ayuda de la «psíquica», Blanche Tyler (Barbara Harris), quien al oír que le ofrecen ¡diez mil dólares! por encontrar al dichoso heredero, se aliará con su amigo George Lumley (Bruce Dern), para procurar hacer el milagro
(Alfred Hitchcock, 1976)
CRITICAS
Film nº 53 de Hitchcock. Escrito por Ernest Lehman («Con la muerte en los talones», 1959), se basa en la novela «The Rainbird Pattern» (1972), de Victor Canning. Se rueda en exteriores de California (San Francisco, Angeles National Forest, Sierra Vista Park, LA) y en los platós de Universal Studios. Es nominado a un Globo de oro (actriz, B. Harris). Producido por Hitchcock, se estrena el 9-IV-1976 (EEUU).
La acción tiene lugar en San Francisco y alrededores, en 1975, a lo largo de varias semanas. La anciana Julia Rainbird, tras la muerte de su única hermana, decide buscar al hijo que ésta tuvo unos 40 años antes y dio en adopción. Desea encontralo porque quiere hacerle heredero de su fortuna. Visita a una vidente, la espiritista Blanche Tyler (Harris), amante del taxista George Lumley (Dern). Las pesquisas de Blanche se cruzan con las actividades delictivas de un grupo criminal.
El film suma los géneros de thriller y comedia. Es la última película de Hitchcock, que la realiza tras 4 años de inactividad, a la edad de 77 años. En ella combina humor, misterio y suspense, en un conjunto estimable. Los personajes se presentan bien definidos. La trama se divide en varias subtramas que se cruzan y confieren a la obra una complejidad bastante atractiva. Se superponen elementos de diversa naturaleza (timadores, criminales, cómplices), que en su interacción crean situaciones variadas. La narración es fluida e intensa, con escenas inquietantes (coche sin frenos).
LA ULTIMA TENTACION DE CRISTO
Género
Drama | Religión. Biblia
Sinopsis
Jesús, un carpintero de Nazaret, decide atender la constante llamada de Dios. Pero cuando está a punto de completar su misión, debe hacer frente a la mayor de las tentaciones y realizar un sacrificio para salvar a todos los hombres
(Martin Scorsese, 1988)
CRITICAS
En 1988, Martin Scorsese llevaría a la gran pantalla con la colaboración de su guionista habitual Paul Schrader la OBRA MAESTRA ABSOLUTA de la literatura universal que el novelista, filósofo y poeta griego Nikos Kazantzakis publicó en el año 1955.
La obra está inspirada por la corriente religiosa herética del adopcionismo, corriente que surgió en el siglo II D.C como brazo articulado que sostenía las dos doctrinas de la unidad o monarchia de la naturaleza divina; a saber, los monarchianos modalistas que sostenían que las palabras Padre e Hijo eran aplicadas a un mismo ser y los monarchianos dinamistas o adopcionistas (corriente de la que bebe esencialmente esta obra) que al igual que los ebionistas y apoyándose en los evangelios sinópticos, sostiene que Jesús era simplemente un hombre común que se convirtió en el hijo de Dios al ser poseído de modo excepcional por el Espíritu Divino.
La película en sí es todo un deleite sensorial, un absoluto dominio de las técnicas cinemagráficas del cineasta probablemente más académicamente ortodoxo de la cinematografía universal, con un equilibrio en todas las facetas; puesta en escena, narración, ángulos, movimientos y giros de cámara, y una espléndida y apabullante fotografía a cargo de otro viejo colaborador del cineasta italo-americano, Michael Ballhaus y una no menos espectacular banda sonora a cargo del genial Peter Gabriel.
En su estreno mundial levantó ampollas irreparables para la frágil sensibilidad de los extremistas cristianos, quienes en un acto de intolerancia atacaron y boicotearon la cinta… Los besos en la boca entre Juan Bautista y Jesús, o entre Judas y Jesús, la última tentación soñada de Cristo, deconstruyendo partes de la filosofía de Nietzche y Zaratustra y observando al mesías de los cristianos como un hombre común, pecando con una prostituta (Magdalena)y procreando, y la alteración de los evangelios cristianos y la ley judía fueron el detonante de esta sonrojante polémica.
La obra literaria es infinitamente superior a la cinematográfica, con un sinfín de matices intangibles en esta cinta. Sin embargo hay algo en esta última que nos lleva a atormentarnos con las mismas congojas de su protagonista, que en definitiva no eran sino las congojas y tormentos que acuciaron la conciencia del propio autor durante su juventud y parte de la madurez, como así lo indica en su obra autobiográfica «Informe al Greco (Report to Greco)»: «… esta obra fue escrita porque quería ofrecer un modelo supremo del hombre que lucha; quería mostrar que él no debe temer el sufrimiento, la tentación o la muerte porque los tres pueden ser conquistados, de hecho acaban de ser conquistados…».
En la tumba del glorioso autor griego (1885-1957), entre las murallas venecianas del sepulto griego de Iraclion (Creta) hay un epitafio que reza así: «No espero nada, no temo nada. Soy Libre».
LA VENTANA INDISCRETA – EDICION 4K UHD
Género
Intriga | Espionaje. Fotografía. Escenario único. Película de culto
Grupos
Adaptaciones de Cornell Woolrich
Sinopsis
Un reportero fotográfico (Stewart) se ve obligado a permanecer en reposo con una pierna escayolada. A pesar de la compañía de su novia (Kelly) y de su enfermera (Ritter), procura escapar al tedio observando desde la ventana de su apartamento con unos prismáticos lo que ocurre en las viviendas de enfrente. Debido a una serie de extrañas circunstancias empieza a sospechar de un vecino cuya mujer ha desaparecido
(Alfred Hitchcock, 1954)
CRITICAS
Una de las muestras más sorprendentes de la que quizá sea la etapa más creativa de A. Hitchcock (en toda esa década dirigiría, entre otras, “Extraños en un tren”, “El hombre que sabía demasiado”, la magistral “Vertigo” para terminar con ese tótem que es “Con la muerte en los talones”).
El maestro hace un ejercicio arriesgado y nos ofrece una película más compleja de lo que a primera vista parece por su factura de comedia y suspense. J. Stewart se halla convaleciente (maravilloso plano secuencia que nos presenta al personaje) tras un accidente, para matar el tiempo termina por observar a sus vecinos, deparándole este “vicio” una desagradable sospecha.
El hallazgo de A. Hitchcock es el punto de vista escogido. El maestro nos sitúa en la posición del mirón (sólo salimos en una ocasión del apartamento, “aireando” innecesariamente la película) y logra extraer, de elementos en apariencia mínimos, la dosis de suspense a la que nos tiene acostumbrados. La infeliz “corazón solitario”, la fogosa pareja de “recién casados”, el músico sin éxito, el viajante…
Todas serán historias a las que entraremos de un modo impúdico a base del uso de planos generales que, según F. Truffaut, acercaban esta película a la vida y al cine (nosotros en la vida siempre miramos en “p.general” y el cine siempre nos hace fisgones). Pero a la vez, y es ahí donde se ve la grandeza de este director, las mismas historias son ese “McGuffin” pues toda esta película está recorrida por la tensión que hay entre J. Stewart y su novia G. Kelly, entre esa mirada del fotógrafo que quiere una relación libre de ataduras (de hecho, su mirada hacia fuera es causa de que no desea contemplar el temor que supone un compromiso por lo que evade ese problema buscando los problemas en su vecindario) y la mirada de la rubia por excelencia de Hitchcock, aquí una mujer de clase alta (elegantísima, con esos vestidos maravillosos de la omnipresente Edith Heath) que contempla ese noviazgo como meta hacia el matrimonio (maravilloso el plano detalle en el que G.Kelly luce la alianza como signo de que pronto tendrá la suya).
El trabajo del reparto es excepcional. Esos primeros planos tan expresivos de J. Stewart (Hitchcock utiliza el mismo plano para mostrar distintas reacciones del personaje ante lo que ve), la contención de su actuación, limitada en gestualidad y movilidad. A su lado, G. Kelly brilla como nunca en su primer trabajo con el maestro.
Por supuesto, citar a la siempre espléndida Thelma Ritter y Raymond Burr, este con una actuación soberbia (siempre es visto en p.g, sin sonido alguno y, en cambio, “entendemos” perfectamente lo que dice y hace).
En Resumen, “La ventana indiscreta” es uno de los mejores trabajos de este inigualable e inalcanzable autor. ¡Para mirar!
LA VIDA DE BRIAN – Edición limitada metalica
Género
Comedia | Sátira. Parodia. Comedia absurda. Comedia negra. Religión. Película de culto
Grupos
Monty Python
Sinopsis
Brian nace en un pesebre de Belén el mismo día que Jesucristo. Un cúmulo de desgraciados y tronchantes equívocos le harán llevar una vida paralela a la del verdadero Hijo de Dios. Sus pocas luces y el ambiente de decadencia y caos absoluto en que se haya sumergida la Galilea de aquellos días, le harán vivir en manos de su madre, de una feminista revolucionaria y del mismísimo Poncio Pilatos, su propia versión del calvario.
(Terry Jones, 1979)
CRITICAS
La vida de Brian levantó más ampollas entre el Vaticano que la posterior Última tentación de Cristo de Scorsese, a pesar de que Jesús tiene una breve pero digna aparición de masas en el monte de los olivos. La trama aunque está confeccionada con multitud de gags se sostiene linealmente, hecho este de agradecer a los Monty Python que han convertido con el paso del tiempo a La vida de Brian en la mejor sátira de la Historia del Cine y, por descontado, en una de las diez mejores comedias de todos los tiempos.
Hay multitud de escenas desternillantes: la nave espacial que recoge a Brian, el «Romani item domum», ¿qué han hecho los romanos por nosotros?, la escena de gladiadores, los reyes magos, una cruz por persona o el final… pero con la que de verdad no puedo parar de reír una y otra vez es con la cara de los dos centuriones romanos que delante de Pilatos intentan contener la risa por la pronunciación de la erre de éste y por el nombre de su amigo Pijus Magnificus. Simplemente acojonante.
En cuanto a la película me parece como he dicho anteriormente una de las mejores películas de humor de la historia del cine, y de las más inteligentes, lo demás ya está todo dicho en las críticas de los usuarios.
OBRA MAESTRA
LA VIDA DE LOS OTROS
Género
Drama. Thriller | Espionaje. Guerra Fría. Años 80
Sinopsis
República Democrática Alemana, año 1984. El capitán Gerd Wiesler (Ulrich Mühe), un hombre solitario, es un competente oficial del servicio de inteligencia y espionaje de la Stasi, la todopoderosa policía secreta del régimen comunista de la RDA. Sin embargo, cuando le encomiendan que espíe a la pareja formada por un prestigioso escritor (Sebastian Koch) y una popular actriz (Martina Gedenk), no puede ni siquiera imaginar hasta qué punto esa misión va a influir en su concepción de la vida y del mundo.
(Florian Henckel von Donnersmarck, 2006)
CRITICAS
Poco antes del derrumbe soviético, unos intelectuales disidentes son espiados sin restricciones por la Stasi, en el Berlín oriental.
Las autoridades culturales, cuya corrupción aparece con rasgos de especial indecencia, se ensañan con un círculo de escritores y artistas, a quienes impiden crear con libertad, pero también emigrar a Occidente.
El Poder actúa con acentuado rencor contra esas mentes irreductibles, a quienes atribuyen conspiraciones y planes de fuga que a veces, por mera coincidencia, existen de verdad.
La ideología oficial es ya simple paripé, fachada de cartón piedra que apenas camufla la depredación sexual, el derecho de pernada.
En tan crepuscular escenario histórico (eficaz gama de grises en ropas, edificios, calles; muy matizada, como toda la gran labor de dirección) brota el relato dolorido de un rapto de honradez anónimo, secreto.
Desde lo espiado, la belleza de unas notas musicales llega al alma del vigilante policial escondido y despierta su conciencia moral, empujándole a una inhibición decisiva. Por algo este luminoso momento es el escogido para el cartel de la película.
Tan sólo ese sentimiento de terror ya da para llenar una película, pero ¿por qué quedarse ahí si además se pueden seguir las pautas del buen trhiller? Eso es lo que propone este cineasta. Su argumento mezcla a partes iguales la crítica política, el espionaje y el drama (de pareja, de amistad…), resultando una obra de proporciones estratosféricas, delicada a la vez que cruda, pausada pero cautivante, poética, aunque realista, que no sermonea y, sin embargo, hace reflexionar.
Mención especial merece el actor Ulrich Mühe, un veterano de la televisión alemana que gozaba ya de gran reconocimiento en su país. Su protagonista es el más importante, el que sostiene el peso de todo el desarrollo. Había que hacer creíble su extraña reacción, y desde el guión se ayuda mucho y bien, pero es el actor el que finalmente nos hace llegar a un hombre introvertido, perfeccionista (y por ello temible), tan dedicado a su trabajo que no tiene vida social; es su poderosa presencia, es la intensidad de su mirada, es el tono de su voz…; y, al final, da igual que apenas pueda gesticular por exigencias del personaje porque nos transmite perfectamente todo su mundo interior. ¡Chapó para él!
El actor Ulrich Mühe, a quien quedaba poco tiempo de vida (no se nota), legó en esta cinta un monumento del arte interpretativo: sin el menor aspaviento, logra que un proceso íntimo, vivido en silencio por alguien obligado a permanecer oculto, se constituya en sólido núcleo de la obra. ¡Una hazaña!
LA VIDA ES UN MILAGRO
Género
Comedia. Romance | Guerra de Bosnia. Años 90
Sinopsis
Bosnia, 1992. Luka, un ingeniero serbio de Belgrado, se ha instalado en una casa aislada con su mujer Jadranka, cantante de ópera, y su hijo Milos. Luka está preparándose para construir una vía ferroviaria que hará de la región un paraíso turístico. Pero, cegado por su trabajo y por su natural optimismo, Luka no presta atención a los persistentes rumores de una guerra civil inminente
(Emir Kusturica, 2004)
CRITICAS
Si la vida es la guerra y la guerra es un drama, entonces,la vida es una comedia. Aunque sea una deducción disparatada para un filósofo, ésta, parece ser la conclusión voluntarista de la inusual lógica de Emir Kusturica. El director ¿bosnio? ¿serbio? ha firmado una ¿comedia? ¿drama? No hay forma de confirmar estas precisiones recorriendo los territorios de internet. Cierto es que nació en Sarajevo, en la actual Bosnia-Herzegovina, y la valoración de si el filme es una comedia ,drama o qué, dependerá, al final, de la mirada de cada espectador.
Parecido desconcierto o desacuerdo ha merecido para la crítica la llegada de la película a las pantallas. Algunos opinan que Kusturica se repite, que no aporta nada nuevo .Otros, a quienes me adhiero, reivindican este trabajo como una obra con fuerza y valor notables.
Es verdad que hay elementos muy reconocibles que se asocian con la anterior filmografía del director, pero, ¿es eso un defecto? Cierta locura de los personajes, que albergan una entrañable comicidad; situar la acción en un escenario popular, con gente sencilla; la presencia importante de la música, son características que dibujan su firma inconfundible. La excentricidad que otorga este Fellini balcánico a sus criaturas – humanas y animales- en la película, podrá exasperar a algún espectador carente de sentido del humor, que creerá que Kusturica frivoliza al abordar así, el dramático conflicto de la antigua Yugoslavia.
Pero alguien que, como él, ha nacido y vivido allí, está moralmente autorizado a tratar esos acontecimientos desde el tono anímico que quiera. Ya, hace algunos años, fue malinterpretado por unas declaraciones por las que se le adjudicó la etiqueta de proserbio, que en este contexto viene a ser sinónimo de fascista o nazi. Y no iban por ahí las cosas. Descifrando, por ejemplo, el discurso de la película de hoy, habrá que pensar que sus declaraciones irían más en el sentido de la canción de Jorge Drexler, cuya letra empieza así: “Yo no se de donde soy, mi casa está en la frontera y las fronteras se mueven como las banderas….” .
Además , quienes hayan visto otras películas de Kusturica como El tiempo de los gitanos, Underground, o Gato negro, gato blanco, tendrán la seguridad de que no es un nacionalista proserbio sino alguien que ama al ser humano por encima de las banderas, y que es un optimista incurable,. como Luka, uno de los protagonistas de La vida es un milagro.
De todas formas, claro que choca ver una película así, si la comparamos con otras, tan sólidas y necesarias como Las flores de Harrison, que también penetraba en esa guerra todavía caliente. Pero de todo tiene que haber en la viña cinematográfica; la diversidad siempre enriquece.
Por otra parte, La vida es un milagro cuenta, sobre todo, una gran historia de amor.
LA VIDA INTIMA DE JULIA NORRIS
Género
Drama | Años 1910-1919. Adopción
Sinopsis
Durante la I Guerra Mundial (1914-1918), una joven pasa una noche con un piloto y se queda embarazada. El hombre muere antes de que puedan casarse, y la joven, para evitar el escándalo, entrega su hijo a otra persona, aunque permanece siempre cerca de él.
(Mitchell Leisen, 1946)
CRITICAS
Uno de los grandes films de Mitchell Leisen (1898-1972). El guión, de Charles Brackett, Jacques Théry y Dodie Smith (no acreditado), desarrolla un argumento de Brackett. Se rueda en los Paramount Studios (Hollywood, L.A.). Nominado a 2 Oscar, gana uno (actriz, Havilland). Producido por Charles Brackett para Paramount, se estrena el 12-III-1946 (EEUU).
La acción tiene lugar en Piersen Falls, NYC y Londres, a lo largo de unos 25 años, entre 1918 y 1943. Josephine “Jody” Norris (Havilland) es hija única del propietario del drugstore de la pequeña localidad de Piersen Falls. Es seducida por el apuesto piloto militar Bart Cosgrove (Lund), de paso por el pueblo para la venta de bonos de guerra (IGM). Unos meses más tarde muere en acto de servicio. Jody se convierte en madre soltera tras el nacimiento (II/1918) en NYC de su hijo Griggsy, diminutivo de Gregory, que es tomado en adopción por sus amigos Alex (Terry) y Corinne Piersen (Anderson). El relato explica una historia de los sufrimientos y sinsabores de una madre soltera, separada de su hijo a causa de los prejuicios sociales.
El film suma drama y romance. Leisen presenta una narración rica en sugerencias, sutilezas, indicaciones disimuladas, elipsis y sobreentendidos, que complementa y refuerza mediante encuadres, juegos de luz, gestos naturales, elementos del escenario y otros medios visuales. Para captar debidamente la intensa riqueza de detalles significativos que contiene el film, el espectador es invitado a seguirlo con atención y picardía. Pocas cosas suceden y se ven en la obra que no aporten información relevante y sugestiva. Un segundo pase puede ser muy útil para completar la visión en profundidad de la cinta.
Una de las propuestas que el realizador expone es la lucha entre las ideas viejas y nuevas, entre el presente caduco y los cambios que anuncian una época nueva, entre lo abocado a la desaparición y lo emergente para imponerse más allá de la voluntad de las personas. Tiene interés contemplar el contraste entre la luz débil del interior del drugstore y la brillante luminosidad del exterior, el contraste entre las formas modernas (en 1922) del flamante coche aparcado frente al drugstore y la fachada envejecida y deteriorada del mismo.
Otra de las ideas que en opinión del que escribe subraya Leisen es la contraposición de la pobreza y el estancamiento de la pequeña localidad y las oportunidades de prosperidad de la ciudad-emporio de NY. Lo pone de manifiesto a través de diversos y variados recursos, entre los que cabe citar a modo de ejemplo el vestido y el modo de comportarse de Mac (Goodwin), antiguo pretendiente de Jody, residente en NY, en comparación con los de los jóvenes residentes en Piersen Falls.
Sobre todo interesa a Leisen defender y exaltar la dignidad de la mujer, su capacidad para los negocios no inferior a la del varón, la corrección y validez de la igualdad de conductas de relación de la mujer y el hombre, etc.
LA VUELTA AL MUNDO EN 80 DIAS
Género
Aventuras. Comedia | Cine familiar
Grupos
Adaptaciones de Julio Verne
Sinopsis
Adaptación de la novela homónima de Julio Verne. Un ladrón ha robado 55.000 libras del banco de Inglaterra. Todos creen que ha sido Phileas Fogg, un auténtico caballero inglés, que ha hecho una apuesta con sus compañeros de club, asegurando que es capaz de dar la vuelta al mundo en 80 días.
(Michael Anderson, 1956)
Criticas
Para muchos Julio Verne nos huele a lecturas infantiles, a novelas de la famosa colección Historias, a lamparitas de mesa de noche, a 80 días y a 5 semanas y a otras muchas cosas que el viento sin duda se llevó. Por ello, al ver esta película, uno se reencuentra con sueños que fueron arrastrados hacia las cunetas devoradoras de la vida y, tal vez, con alguna que otra realidad gratificante. Dicha esta primera y petulante reflexión, la película deja buenas vibraciones, no se si tantas como para recibir el máximo galardón académico, pero las suficientes para reconocer que es un meritorio trabajo de Michael Anderson como director, de Lionel Lindon. como responsable de una excelente fotografía que hermosea aún mas un mundo que, a pesar de nuestras iniquidades era y sigue siendo hermoso, y de la batuta directora de Victor Young dando ritmo y compás a una partitura mas que notable.
Probablemente, y en la medida que el mundo ha empequeñecido, a lo cual no es ajeno el auge de los transportes, el boom de Internet y la supremacía sobre los demás, del llamado cuarto poder (el de las comunicaciones) la vuelta al mundo puede darse, virtualmente, en 80 nanosegundos y hasta en menos, que uno no anda muy puesto en milimétricas temporales y además aquellas fotografías en sepia de Verne se han quedado desenfocadas a velocidades vertiginosas. Ello no implica que la película haya desmerecido sino simplemente que hay que cambiar nuestra mentalidad y verla, si es posible, con aquellos ojos a los que vencía el sueño fijos en una viñeta que mostraba a Philleas Fogg y a Picaporte surcando el cielo con un majestuoso globo sobre los castillos del Loire
Quiero detenerme en el gran plantel de actores. David Niven tiene una apariencia tan británica que sería difícil encontrar otro actor tan ajustado al papel. Mario Moreno “Cantinflas”, pone la nota de un humor muy distinto al inglés. Mucho más meridional e hispano, o mexicano si lo prefieren, pero con el equilibrio justo entre el humor inteligente y la comedia bufa, sin astracanadas fueras de lugar ni secuencias fáciles de risa floja. El baile que se marca Cantinflas en la taberna española quiero calificarlo de genial, lo mismo que su actuación en el ruedo al lado de un diestro de la talla de Luis Miguel Dominguín. Al lado de ellos, una larga lista de auténticos divos/divas de las tablas. Shirley MacLane, Charles Boyer, Peter Lorre, John Carradine, George Raft, Fernandel, Frank Sinatra en cameo y, entre otros muchos, Marlene Dietrich, reconocible al instante por sus piernas enfundadas en medias de seda negra al más puro estilo Lola, Lola (El ángel azul).
Esto es un retorno al pasado, no el de Tourneur sino el nuestro. Ya sabemos que el cine hoy es de otra manera y que hay otras historias que rompen y rasgan mucho más que las de Verne. Al menos yo lo se pero ¿Qué le hago? si todavía me sorprendo al descubrir que viajando en la misma dirección que el sol se gana un día…
LADY MACBETH
Género
Drama | Siglo XIX
Sinopsis
La Inglaterra rural de 1865. Katherine (Florence Pugh) vive angustiada por culpa de su matrimonio con un hombre amargado al que no quiere y que le dobla la edad, y de su fría y despiadada familia. Cuando se embarca en un apasionado idilio con un joven trabajador de la finca de su marido, en su interior se desata una fuerza tan poderosa que nada le impedirá intentar conseguir lo que desea
(William Oldroyd, 2016)
CRITICAS
Lady Macbeth es un plúmbeo melodrama que poco o nada tiene que ver con la obra de Shakespeare. Está basado en un relato del escritor ruso Nikolai Leskov, trasplantando la trama de la Rusia zarista a la Inglaterra victoriana. Una joven de carnes generosas es vendida en matrimonio a un rico hacendado que prefiere cascársela mientras la mira desnuda que hacerle el amor. Cuando se ausenta durante una temporada, ella tomará un amante y se entregará con entusiasmo a los placeres del sexo. Para conservar a su amante, no dudará en recurrir al asesinato…
Todo ello contado con una penosa lentitud, mediante una fotografía tan oscura como el alma de los personajes, y una ausencia casi total de banda sonora, salvo unos brevísimos arpegios electrónicos en dos secuencias. Gracias a la brillante interpretación de la casi debutante Florence Pugh, que se apodera literalmente del personaje, aportando todo tipo de matices para enriquecer sus diálogos, se sostiene esta ópera prima de William Oldroyd, que hace hincapié en una doble opresión.
Por un lado, la de la mujer, un cero a la izquierda, «el negro del mundo», en acertada definición de John Lennon, un pedazo de carne al que todos los hombres se creen con derecho a escarnecer y humillar, hasta que el poder del deseo la convierte en un ser libre y decidido a salir adelante caiga quien caiga. Por otra parte, la opresión de la clase proletaria, simples animales de carga condenados a obedecer todas las órdenes que reciben, si no quieren experimentar en sus propias carnes la furia de los amos.
En su loca pasión por el empleado de los establos, la joven Katherine no duda en sacrificar a sus sirvientes para salir indemne de sus crímenes, en un final que la devuelve a la misma postura de la primera escena, con el objeto de subrayar la imposibilidad de huir de su destino.
LAS DOS CARAS DE LA VERDAD
Género
Intriga. Drama | Drama judicial / Abogados/as
Sinopsis
Martin Vail (Richard Gere), un ambicioso abogado de Chicago, es capaz de aceptar cualquier caso con tal de salir en la prensa. Un día decide ocuparse de uno que parece imposible de ganar: la defensa de Aaron (Edward Norton), un joven que es acusado del asesinato del arzobispo de Chicago, tras ser detenido mientras huía del escenario del crimen.
(Gregory Hoblit, 1996)
CRITICAS
Después de muy buenos trabajos en televisión, Gregory Hoblit inició su carrera en la gran pantalla, adaptando una novela de William Dielh, de contenido morboso por la supuesta implicación de un miembro de la Iglesia Católica en una trama de abusos sexuales. Con una rapidez inusual se encuentra a un posible culpable: el monaguillo Aaron que asistía al Arzobispo, y aunque todos los hechos vienen a decir que puede ser el culpable, no falta el ambicioso, y oportunista abogado Martin Vail, bastante bien relacionado con las altas esferas, y con tales ansias de notoriedad que ofrece su defensa al presunto culpable sin escuchar a sus colaboradores. Evidentemente por el hecho tan relevante, las autoridades ponen una fiscal Janet Venable, de renombre bien conocido para poder contrarrestar la defensa de Martin Vail.
Lo cierto es que la película no destacaría de la media de no ser por la soberbia actuación de Edward Norton (en el papel de Aaron) sus registros interpretativos son excelentes, muy superiores a todos los demás actores del resto del casting, en particular a Richard Gere (como el chulo abogado Martin Vail), la fiscal Laura Linney, cumple en su papel. Edward Norton en su primera aparición en la pantalla demuestra las dotes interpretativas que posee, ya que la película decae cuando el no está en escena.
Muy buena fotografía de Michael Chapman, y muy buen trabajo de la Jeannine Oppenwall en la Dirección Artística.
A destacar el sorprendente final, totalmente inesperado.
La lección es muy evidente: Cuando más rápido quieras conseguir el éxito, sin reparar en todos los términos, más evidente será el fracaso, aunque solo tú lo sepas.
LAS HUELLAS BORRADAS
Género
Drama | Melodrama. Familia. Vida rural
Sinopsis
Higueras, un pequeño pueblo enclavado en las duras y montañosas tierras de León, vive días de angustia porque va a ser anegado por un pantano. Tras muchos años de exilio voluntario en Argentina, llega al pueblo Manuel Perea, un escéptico escritor que vuelve para compartir la tragedia con sus paisanos, aunque el auténtico motivo de su regreso es recuperar el amor de Virginia, su antigua novia, e iniciar con ella una nueva vida
(Enrique Gabriel, 1999)
CRITICAS
Tomando como base histórica y real lo sucedido en el cercano pueblo leonés de Riaño, por el cual éste desapareció tras ser sepultado por las aguas de un moderno pantano, teniéndose que ir la gente a un novísimo pueblo (también llamado Riaño) o bien emigrar a otras zonas (a mi pueblo, entre otras), el cineasta argentino Enrique Gabriel ha rodado, precisamente en tierras leonesas y palentinas, sobre todo, esta película. Y nos cuenta los últimos días de un pueblo que va a ser enterrado por la construcción de un pantano. Hasta allí llega un hombre (Luppi), oriundo del mismo pero emigrado hace largo tiempo a la Argentina, y allí encuentra a los viejos amigos, los viejos amores, las viejas sensaciones, el retorno a las raíces.
Es «Las huellas borradas» una película sólida y sobria, desnuda de pesados equipajes, diáfana y concisa. Trata de la imperdurabilidad del alma humana, del arraigamiento del individuo, de la inmortalidad de la emociones y los afectos de cada uno, de los pasos indelebles que uno ha recorrido desde su alumbramiento que dejan unas huellas borradas y aquí sepultadas por el líquido elemento, pero eternamente memorables, pues la memoria propia no se vende a materialismos. En «Las huellas borradas» se habla, en fin, de la expropiación de esa alma, de lo más grande que posee cada individuo.
Es una obra imprescindible en estos antisociales, irreconocibles y puteantes tiempos que corren y de los que apenas podemos, porque no nos dejan, disfrutar.
Magníficas interpretaciones, con momentos estupendos entre Luppi y su viejo amor Sampietro, entre Luppi y un gran Alterio, y sobre todo, de una Asunción Balaguer emocionante y emocionada.
LAS JOYAS DE FAMILIA
Género
Comedia
Sinopsis
Cuando una pobre niña rica (Donna Butterworth) se queda repentinamente huérfana, se plantea el problema de elegirle un tutor entre sus seis chiflados tíos (todos interpretados por Jerry Lewis). La heredera, de nueve años, visita a cada uno de ellos para decidir cuál es el más idóneo. Pero el proceso de selección no será sencillo, pues sólo uno de ellos es realmente sincero mientras que a los demás lo único que les importa es la suculenta herencia de la niña.
(Jerry Lewis, 1965)
CRITICAS
A lo largo de la historia del cine los directores de comedia como Preston Sturges o el propio Jerry Lewis han sido infravalorados por no hacer dramas, thriller, etc.
Jerry Lewis demuestra su enorme talento como cineasta y como actor con esta entrañable comedia.
Basada en sketches la película relata el periplo de una huérfana que tiene que elegir quien cuidara de ella entre sus excéntricos tíos, todos interpretados por el genial Jerry Lewis. Cada tío es mas disparatado que el anterior, las situaciones disparatadas típicas de Lewis se van sucediendo y cada vez son mas disparatadas.
Con una coherencia brutal dentro de la incoherencia de la comedia, Lewis compone situaciones extravagantes y de una inventiva arrolladora, con la que demuestra lo gran cineasta que es.
Muchos han sido los que han intentado copiar a Lewis desdoblándose en varios personajes y su resultado no ha sido tan interesante.
Las montañas de la luna
Género
Aventuras | Siglo XIX. África. Amistad. Basado en hechos reales
Sinopsis
En 1850 dos intrépidos aventureros, el Capitán Richard Francis Burton (Patrick Bergin) y el teniente John Hanning Speke (Iain Glen) emprenden juntos un peligroso viaje por el interior de África para intentar descubrir el nacimiento del río Nilo. La expedición se realiza en nombre del Imperio Británico y de la Reina Victoria, y los dos saben que tendrán de enfrentarse a grandes peligros pero, contra todo pronóstico, se adentran en medio del desconocido continente hasta lugares que los de su raza jamás habían soñado. A medida que las penalidades del viaje hacen mella en los aventureros, una fuerte amistad comienza a fraguarse entre ambos.
(Bob Rafelson, 1990)
CRITICAS
Intentar comprender el mundo a través de la historia del cine es un error. Por una sencilla razón se trata de una historia absolutamente descompensada. En el cine vemos una y otra vez como los grandes grupos de poder aparecen chupando pantalla una y otra vez. Parece como si abogados, periodistas, policías, cantantes, deportistas, médicos…hubieran construido la civilización ellos solos.
Hoy podemos ver como se hacen películas donde se nos cuenta la historia del hombre del carrito de los helados. Y todo porque pertenece a uno de esos lobbies.
Y sin embargo hay algunas profesiones que nunca han tenido ni una triste película, como por ejemplo los geógrafos.
Nadie tiene ni puñetera idea quienes son Mackinder, Ratzel, Ritter, Reclus, Haushofer, Maull, Richtofen, Blache…y sin embargo son los que hicieron que tú vivas
Así por lo menos que uno de los más grandes hombres del siglo XIX, donde se conjugo lo vital con lo intelectual como pocas veces ha existido. No hace falta que diga que es uno de los personajes que más admiro. En cualquier caso debo señalar que mientras unos desearían morir como el protagonista de “Las invasiones bárbaras” a mí me gustaría vivir como Richard Burton.
En cuanto a la película propiamente dicha es francamente buena y sería mejor si no hubiera esa insistencia en convertir en gay a John Hanning Speke cuando este era un hombre bastante rudo y belicoso como señala el periodista David Broggi en una revista de historia de gran tirada. Su único problema es que no iba con mujeres por lo que automáticamente algunos se inventan su relación con Burton. Lo cuál no tenemos ninguna prueba ni documento histórico que así lo insinúe.
En cualquier caso perdonamos a William Harrison, novelista y coautor del guión junto a Rafelson ya que después de escribir una obra maestra como “Rollerball” dirigida por Norman Jewison ya se ganó mi total confianza y admiración.
Sin lugar a dudas que gran parte de la película esté rodada en África ayuda mucho para la verosimilitud de la cinta y mucho más al tener en la dirección de fotografía al británico Roger Deakins que ha sido llamado por casi todos los grandes directores que pretendían buscar una fotografía en lugares remotos y paisajes especiales, ya lo hizo antes en “Pasiones en Kenia”, y luego en el desierto por Mendes para su “Jarhead”, Scorsese y el Himalaya para su “Kundun”, Joel Cohen para su O Brothe y sus prados americanosr y para Caton-Jones en su “Rob Roy” y sus paisajes escoceses. Un genio.
Tenemos una buena banda sonora de ritmos africanos de la mano de otro conocido de Rafelson como Michael Small
Los actores están bastante bien sobre todo el irlandés Patrick Bergin que le queda de maravilla el papel de Richard Burton, mientras que Iain Glen excesivamente presentado como un niño guapo gay no da la talla, además cualquiera que vea una foto de Speke lo comprenderá.
LAZOS DE MUERTE
Género
Thriller
Sinopsis
Josh vive con su familia adoptiva. Sus padres auténticos murieron en un accidente de coche cuando tenía 2 años. Junto con sus amigos, Josh se ve envuelto en pequeños delitos. El día en que cumple los 18 años, aparece su hermano Walter, de quien no ha sabido nada en la última década. Walter es un estafador que conducirá a su hermano pequeño a una peligrosa escalada criminal. Además, le desvelará la auténtica verdad sobre la muerte de sus padres..
(Tim Hunter, 1997)
CRITICAS
Tim Hunter dirigió una de mis películas favoritas: River’s Edge, así que tenía muchas ganas de ver cualquier otra obra suya. Y no me decepcionó. The Maker no es tan impactante como River’s Edge, pero comparte su estética y atmósfera. Además, The Maker también se desarrolla entre los mismos personajes, más o menos. Si no viste River’s Edge, imagina una película de crimen al estilo de Victor Nunez y te harás una idea de esta.
Atención, joya oculta! Una película directamente para vídeo que, al examinarla con detenimiento, resulta ser un estudio de personajes muy interesante. Ignora la portada genérica y el omnipresente sello de Madsen: fíjate en el talentoso reparto (Modine, Parker, Balk) y el director (Hunter, «River’s Edge») y dale una oportunidad a esta película. Un adolescente problemático pero talentoso celebra su 18 cumpleaños con sus amigos problemáticos y perdidos, cuando un extraño (¿o no?…) entra en su vida. Discreta, bien interpretada, con algunas escenas genéricas de tiroteos en almacenes, probablemente necesarias para conseguir financiación… Los cineastas se esfuerzan de verdad con un presupuesto escaso, y a pesar de sus defectos, cualquier logro, por pequeño que sea, no debe pasarse por alto en esta época de cine repetitivo. ¡No te la pierdas!
LEJOS DE LA NIEBLA
Género
Cine negro. Drama. Thriller. Intriga | Crimen. Pesca
Sinopsis
Jonah Goodwin (Thomas Mitchell) y Olaf Johnson (John Qualen) son dos pescadores a los que el gángster Harold Goff (John Garfield) extorsiona, exigiéndoles dinero a cambio de la protección de su barco. Temerosos de ir a la policía, deciden encargarse personalmente del asunto, tras descubrir que Goff se ha enamorado de la hermosa hija de Jonah (Ida Lupino).
(Anatole Litvak, 1941)
CRITICAS
Una preciosidad ambientada en las brumas de un puerto de Brooklyn. La bondad y la maldad enfrentadas en un eterno ritornello, revestido de connotaciones económicas y políticas. Nunca un crimen, a medias por imposición de la censura, fue tan necesario como en este film negro y sensible.
La maravillosa Ida Lupino recrea las vanas ilusiones de la existencia: la expresión de su rostro cuando se entrega en el único beso que retrata la película, abandonando a su suerte la muñeca de trapo, resulta un momento de antología.
El siempre espléndido John Garfield da vida a un malvado sin fisuras, pero que irradia la atracción de lo siniestro, en un registro poco habitual en él.
LITTLE TOKYO ATAQUE FRONTAL
Género
Acción | Yakuza & Triada. Crimen
Sinopsis
La Yakuza, una poderosa organización ancestral japonesa, trata de implantarse en Los Angeles extorsionando a los comerciantes de Little Tokyo, así como hacerse con el mercado norteamericano introduciendo una droga sofisticada envasada en botellas de cerveza. Dos jóvenes policías, en misión secreta, tendrán que desarticular el brazo armado de la Yakuza, la «Garra de Hierro», cuyo jefe es conocido de uno de ellos.
(Mark L. Lester, 1991)
CRITICAS
Entretenida película que se deja ver pero que está por debajo del nivel de otros productos de Dolph Lundgred y Brandon Lee, en la que también participa Tia Carrere haciendo de tía buena (que es de lo único que sabe hacer) aunque en las escenas en las que sale desnuda fue doblada por otra actriz con el doble de pecho…
Dos polis. Un barrio conflictivo. Clichés asiáticos a punta pala y droga camuflada en botellines de cerveza. Las manos del guaperas y prematuramente arrebatado Brandon Lee y las del guaper… (bueno.. fue modelo, ¿no?) armario escandinavo Dolph Lundgren unen fuerzas combatiendo a las hordas de gangsters tatuadísimos -yakuzas, vamos- de un maloso icónico con la mirada encabronada de Cary Hiroyuki Tagawa.
Con respecto a las aptitudes de Brandon Lee en lo meramente interpretativo, ejerciendo como alivio cómico, digamos que andaba a la par que su padre y bastante por debajo de las de Mark Dacascos: ser gracioso no era su mayor especialidad ante la cámara. No importa, para dar colorido cómico al percal ya está, sin importar cómo ni a santo de qué, el demencial y «espectacular» vestuario de guerra con el que Lundgren afronta el sprint final.
‘Little Tokyo: Ataque Frontal’ (1991, Mark L. Lester) es justo la guinda de suciedad que precisaba Tia Carrere tras jubilar a Stewart Granger en esa primera y última soap opera en inglés que dirigiese Jose Antonio de la Loma (aka Anthony Loma) unos dos años atrás…. lo siento, ¡tenía que mencionar lo de ‘Oro Blanco’!
Polvo en birras, un jefe yakuza presto a clavarle el arma a las doncellas después de hacerles creer que va a clavarles otra cosa, miembros amputados, strippers, rateros y toda la ristra imaginable de tópicos policiacos urbanos abarcable en un alma mater del género coronando los créditos iniciales con el logo azul y dorado sobre un cielo despejado.
La dirigió Mark L. Lester, el mismo que hizo COMANDO con Swarzenneger, así que un buen rato si que pasareis.
Los años 90 en Warner Bros eran campo abonado para adictos al plomo y la acción chusca. Y éste es uno de los clásicos que lo confirman.
LLAMARADAS – EDICION 4K UHD
Género
Intriga. Acción. Drama | Asesinos en serie. Catástrofes. Incendios. Bomberos
Sinopsis
Brian era un niño cuando vio morir a su padre en acto de servicio durante un incendio. Veinte años después, tiene que someterse a un duro periodo de pruebas en la compañía que manda su exigente hermano Stephen, para ser bombero en Chicago. Superado el escollo, su trabajo consistirá en investigar incendios para descubrir si han sido provocados. Mientras un pirómano se dedica a provocar incendios, los dos hermanos intentan superar las rencillas del pasado.
(Ron Howard, 1991)
CRITICAS
Esta es una de esas películas que suele ver por lo menos una vez cada año y me sorprende enormemente la baja nota que tiene. Me parece un estupendo thriller disfrazado en la acción del cuerpo de bomberos de la ciudad de Chicago.
Con un comienzo espectacular en todos los sentidos, nos introduce en la historia sin rodeos, dos hermanos, hijos de un teniente de bomberos, el cual muere en acto de servicio. Muchos años después… comienza la historia que nos narra Ron Howard. Estos hermanos han crecido en la distancia y el odio, el uno porque ama la profesión y el otro porque se ve en la encrucijada de seguir la tradición familiar o no. Sus enfrentamientos son archiconocidos y veremos bastante durante la proyección. Las escenas de acción merecen un comentario aparte, son realmente impresionantes, de las mejores que se hayan filmado jamás en la historia del cine. Ya por esta razón, la nota debería ser mucho más alta. Me imagino lo difícil que tuvo que ser para el director y los actores rodar bajo esas circunstancias, el fuego siempre tan cerca de ellos. Esto la hace más real para el espectador, el cual se involucra en el film, para averiguar al individuo que está provocando una serie de incendios continuos en el distrito de estos bomberos.
Entre bromas, experiencias y acción a raudales, conoceremos un poco más a fondo, la magnitud de esta profesión tan sacrificada y tan poco valorada económicamente en muchos lugares del mundo, donde a diario salen a jugarse la vida por apagar un simple local con cartones dentro. Esa realidad la podremos ver en el film de Howard, el cual se ha esforzado en mostrar hasta el más mínimo detalle. ( ver spoiler 1 )
Entre las interpretaciones, destacan los dos protagonistas principales Kurt Russell ejerciendo un doble papel ( padre fallecido y el hermano mayor ) y William Baldwin como el pequeño de los hermanos. Ambos muy correctos. Robert de Niro ejerciendo como un bombero retirado y que ahora es especialista en averiguar los motivos de los incendios, como siempre espectacular. Una pena la solo decorativa presencia de Donald Sutherland y lo poco que se ha aprovechado a Rebecca de Mornay en esta historia de desamores y sufrimientos.
Y por último me gustaría destacar el apartado musical con un gran Hanz Zimmer, el cual buscaba un éxito y consiguió tres en el mismo año, pero no de cualquier manera, sino a lo grande, componiendo tres Obras Maestras sin paliativos: THELMA & LOUISE, A PROPÓSITO DE HENRY, y LLAMARADAS.
LLANTO POR UN BANDIDO
Género
Drama | Histórico. Biográfico. Siglo XIX
Sinopsis
José María “El Tempranillo”, huyendo de la justicia, se refugia en Sierra Morena. Tras un período de duro aprendizaje, se convierte en el cabecilla de un grupo de bandoleros. Su mujer, María Jerónima, intenta inútilmente apartarlo de esa forma de vida. Algún tiempo después, Pedro Sánchez, un político liberal, se escapa de una cuerda de presos y recorre la sierra en busca de José María. Cuando lo encuentra, intenta atraerlo a la causa liberal.
(Carlos Saura, 1964)
CRITICAS
Gran y entretenida película sobre la vida romantizada de la figura del bandolero, en concreto del más icónico, como fue José María Hinojosa “el Tempranillo “. Se romantiza a éste bandolero como una especie de Robin Hood, ayudando siempre al campesino y siendo un caballero aún en sus muchos robos a diligencias y correos de la época.
La película en sí me parece un ejemplo de una magnífica película de aventuras, entretenida, pero una película al fin que representa a nuestra patria España, donde el pueblo se moría de hambre y el maldito borbón, Fernando VII, el peor rey español, que ya es decir, imponía con sangre el absolutismo hasta a aquellos que defendieron España de los franceses, los liberales que defendían la constitución de Cádiz de 1812…
La música de flamenco que acompaña la película es sublime, así como la ambientación, que se desarrolla en plena Sierra Morena, en esas montañas salvajes donde los bandoleros vivían escondidos de los soldados del rey…y que decir de Paco Rabal, Manuel Sarzo, Fernando Sanchez Polak, etc, sin palabras…
Que se quiten los western y películas del oeste americano, yo me quedo con el cine patrio, con sus bandoleros, con las montañas de nuestra Sierra Morena jienense, cordobesa, sevillana y malagueña, con nuestros héroes que lucharon contra el absolutismo del rey traidor a su pueblo, Juan Martín Díaz El Empecinado, o el mismo José María Hinojosa “ el Tempranillo”…
LO QUE EL VIENTO SE LLEVO
Género
Drama. Romance. Aventuras | Guerra de Secesión. Siglo XIX. Drama romántico. Drama sureño. Cine épico
Sinopsis
Georgia, 1861. En la elegante mansión sureña de Tara, vive Scarlett O’Hara (Vivien Leigh), la joven más bella, caprichosa y egoísta de la región. Ella suspira por el amor de Ashley (Leslie Howard), pero él está prometido con su prima, la dulce y bondadosa Melanie (Olivia de Havilland). En la última fiesta antes del estallido de la Guerra de Secesión (1861-1865), Scarlett conoce al cínico y apuesto Rhett Butler (Clark Gable), un vividor arrogante y aventurero, que sólo piensa en sí mismo y que no tiene ninguna intención de participar en la contienda. Lo único que él desea es hacerse rico y conquistar el corazón de la hermosa Scarlett
Posición en rankings FA
22 Mejores películas de los años 30
29 Mejores películas de aventuras
34 Mejores películas románticas de la historia del cine
Premios
1939: 10 Oscars (8 competitivos +2 honorarios), inc. mejor película y actriz (Leigh). 13 nom.
1939: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz (Vivien Leigh). 3 nominaciones
Casi 4 horas de cine de leyenda. El enorme y multi-generacional éxito de esta excelsa obra tiene una simple explicación: pocas películas cautivan igual con una historia tan arrebatadoramente repleta de amor, odio, amistad, aventuras, guerra, familia… una fábrica de provocar sentimientos, lágrimas y sonrisas. Un clásico irrepetible.
LOBOS DEL NORTE
Género
Aventuras. Acción. Romance. Drama | Amistad. Piratas
Sinopsis
Tyler (George Raft) y Jim (Henry Fonda), dos amigos de la infancia que viven en Alaska, tienen dos visiones contrapuestas de la vida: Tyler es ambicioso y está dispuesto a conseguir dinero por cualquier medio; en cambio, Jim es un tipo honesto que se conforma con ser pescador de atunes. Tyler llega incluso a aliarse con unos piratas rusos para robarle a Jim la mercancía pescada. Costosa producción de la Paramount que se vio recompensada con un Oscar Especial a la fotografía.
(Henry Hathaway, 1938)
CRITICAS
Film de acción y romance realizado por Henry Hathaway (1898-1985) (“Niágara”, 1953), según guión escrito por Jules Furthman, Talbot Jennings y Dale Van Every, que desarrolla un argumento de la novelista Barrett Willoughby. Se rueda en escenarios naturales de Alaska, la costa de California, San Bernardo National Forest, Lago Tahore (CA) y en los Paramount Studios (Hollywood, L.A, CA), entre el 21 de marzo y el 18 de junio de 1938. Producido por Albert Lewin, se estrena el 26 de agosto de 1938 (EEUU). La acción dramática tiene lugar en Alaska en unos días situados entre 1900 y 1910.
Uno de los protagonistas, el periodista Windy Turlon (Barrymore), tiene la costumbre de expresarse de palabra y por escrito de manera ampulosa y exuberante. El corrector de estilo y tipógrafo del periódico con frecuencia se ve obligado a traducir a un lenguaje sencillo lo que dice su patrón a petición de los que escuchan, por iniciativa propia o por indicación del propio Windy. De ese modo se crean situaciones cómicas que pretenden más allá del sentido directo criticar el estilo excesivamente presuntuoso que prolifera en aquellos años en muchos guiones de Hollywood y que afecta incluso a producciones consideradas de primer o primerísimo nivel.
Los guionistas del film y el realizador proponen adoptar un estilo narrativo sobrio, conciso y directo. La cinta que crean constituye un ejemplo bastante elocuente e que con palabras precisas, claras y justas, se pueden decir muchas cosas de manera más explícita y comprensible. Pese al tono jocoso con el que se formula el envite contra el lenguaje enfático, la propuesta de Hathaway oculta una apuesta decidida a favor del lenguaje mesurado y sencillo, que propone predicando con el ejemplo.
LOCK & STOCK
Género
Thriller | Crimen. Mafia. Comedia negra. Neo-noir. Robos & Atracos. Película de culto. Póker
Sinopsis
Eddie convence a tres amigos para jugarse sus ahorros en una partida de cartas contra Harry el Hacha, un mafioso del barrio. La partida está amañada, y Eddie no sólo pierde todo el dinero sino que contrae una deuda de medio millón de libras, que debe pagar en el plazo de una semana. El mafioso pretende quedarse con el local de su padre para resarcirse de la deuda, pero los cuatro amigos planean saldarla de una forma mucho más arriesgada.
(Guy Ritchie, 1998)
CRITICAS
Ésta es sin duda la mejor película de Guy Ritchie (más modesta y rodada con muchos menos medios, pero más fresca que «Snatch», y muchísimo mejor que aquella que realizó con Madonna).
«Lock and Stock» pasó por las taquillas de España sin pena ni gloria -apenas estuvo una semana en cartel- pero en el Reino Unido fue un auténtico fenómeno de masas.
El tema central no es demasiado innovador (un grupo de amigos ha de devolverle una importante suma de dinero a un pez gordo que les ha timado), pero la historia está contada de una manera fresca y con un montaje muy dinámico. La trama argumental está muy bien hilada, y todos los personajes tienen alguna relevancia dramática en el transcurso de la historia.
Muchos de los gags están basados en coletillas, frases hechas o bromas típicamente inglesas, así que en el doblaje al castellano (muy bueno, por cierto), muchos diálogos cambian bastante.
Todos los actores defienden su interpretación con oficio, y yo destaco especialmente la actuación de los «no profesionales»: Sting (en una aparición breve pero que da empaque a la película) y el ex-futbolista Vinnie Jones, que explota su natural vena agresiva para el beneficio de la película.
LOS 4 FANTASTICOS PRIMEROS PASOS – EDICION METALICA
Género
Fantástico. Acción. Ciencia ficción | Familia. Superhéroes. Cómic. MCU. Marvel Comics
Grupos
Marvel Cinematic Universe (MCU) | Los Cuatro Fantásticos | Marvel: Fase 6 (Películas y Series) | The Multiverse Saga (Películas)
Sinopsis
Ambientada en el vibrante telón de fondo de un mundo retro-futurista inspirado en los años 60, presenta a la Primera Familia de Marvel mientras se enfrentan a su desafío más terrorífico hasta la fecha. Obligados a equilibrar sus roles como héroes con la fortaleza de su vínculo familiar, deben defender la Tierra de un dios espacial voraz llamado Galactus y su enigmático Heraldo, Silver Surfer. Y si el plan de Galactus de devorar todo el planeta y a todos en él no fuera lo suficientemente malo, de repente se vuelve muy personal. Estreno de «Los 4 Fantásticos» en el MCU.
(Matt Shakman, 2025)
CRITICAS
Por fin ha llegado. Los 4 Fantásticos no es solo la adaptación que los fans llevamos décadas esperando, es un milagro emocional con forma de blockbuster. Y sí: es tan buena como esperas. O mejor.
Desde los primeros minutos, queda claro que esta película respira el espíritu de los cómics de Lee y Kirby, pero también bebe de las etapas más modernas con una sensibilidad especial. No se trata solo de traer a la pantalla las mallas azules, el edificio Baxter o las dinámicas de equipo. Lo que han conseguido aquí es capturar la esencia de lo que hace grande a la Primera Familia de Marvel: el corazón, la humanidad y la sensación de que, pase lo que pase, nadie se queda atrás.
Pero si algo hay que destacar es el tratamiento que se ha hecho de Galactus y Silver Surfer. Por fin. GALACTUS. No es una nube, no es una metáfora, no es una sombra abstracta: es EL DEVORADOR DE MUNDOS. Majestuoso, imponente, casi mitológico. Y a la vez, profundamente trágico. La película logra que lo comprendas y hasta lo sientas. Y el Surfista Plateado… qué decir. Pura poesía visual. Cada plano en el que aparece es una pintura viviente, cada palabra, una daga directa al alma. Su viaje te rompe en dos y, al mismo tiempo, te eleva.
Y aquí es donde entra lo que hace grande a esta película: la emoción. Porque no es solo una cinta de superhéroes. Es una historia sobre la familia, sobre cuidar a los tuyos, sobre el sacrificio, la esperanza, la pérdida… y sobre seguir luchando incluso cuando el universo entero parece venirse abajo. Hay momentos que directamente te hacen llorar. Y si eres madre o padre… prepárate. Hay secuencias que te atraviesan con una honestidad que pocas veces vemos en este tipo de cine.
LOS BUFALOS DE DURHAM
Género
Romance. Drama | Comedia romántica. Deporte. Béisbol
Sinopsis
Crash Davis es un veterano jugador de béisbol contratado por un equipo de segunda fila, «Los Búfalos» de Durham, para que controle a su estrella emergente, el novato Nuke LaLoosh, un buen jugador con poca cabeza que se desmadra en su tiempo libre. La presencia de ambos hombres provocará que Annie Savoy, una fogosa periodista deportiva que cada temporada elige a un jugador para hacerlo su amante, dude sobre hacia cuál de los dos debe decantarse: el veterano o el novato. Ambos tienen cualidades diferentes. Como suele suceder, ellas siempre deciden, y el amor es como el juego: no se trata de ganar o perder, sino de cómo jugar el partido.
(Ron Shelton, 1988)
CRITICAS
Ron Shelton rechaza el estadio como templo de glorias épicas y convierte las ligas menores en purgatorio funcional de la mediocridad aspiracional. Bajo su lente, el béisbol es un mero telón de fondo para una disección de la finitud profesional y la redención que se halla en la derrota asumida.
Kevin Costner navega este universo con una lucidez crepuscular, construyendo un arquetipo consciente de su propia obsolescencia, mientras que Susan Sarandon opera como una deidad narrativa; una intelectual omnisciente cuya posición de poder roza, por momentos, lo artificioso. Tim Robbins completa el triángulo encarnando la energía caótica del talento desperdiciado, aunque con una efectividad intermitente.
La película comete la audacia de subordinar la acción física a la verbosidad de sus protagonistas, apostando por un diálogo denso que prefiere la reflexión oral a la narrativa visual. Es una obra híbrida, cuyo tono oscila pendularmente entre las convenciones de la comedia romántica y la gravedad del drama existencial sin jamás anclar en ninguno. Sin embargo, es la alquimia incandescente del reparto lo que sostiene el andamiaje de una propuesta que, en última instancia, trata menos sobre ganar el partido y más sobre la compleja erótica de la madurez y el adiós.