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NOVEDADES
EL ACORAZADO POTEMKIN
El precio original era: 36,29 €.35,08 €El precio actual es: 35,08 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Bélico | Cine mudo. Basado en hechos reales. Revolución Rusa. Propaganda. Histórico. Película de culto
Sinopsis
Basada en hechos reales ocurridos en 1905. El acorazado Potemkin acaba de regresar de la guerra con Japón y su tripulación está a punto de amotinarse debido al trato brutal y a las malas raciones. Cuando una mañana les sirven carne infestada de gusanos, los marineros acaban rebelándose. se cansan del tratamiento vejatorio e injusto de los oficiales. Con este motín comienza el reguero revolucionario por Odesa y toda Rusia en contra de las tropas del Zar.
(Sergei M. Eisenstein, 1925)
CRITICAS
La película no es sólo un film de propaganda (como Raza por ejemplo). Busca construir un drama universal a partir de un hecho puntual, de tal manera que su mensaje va más allá del público ruso del 25 y la exaltación del fervor revolucionario y comunista (aunque fuera su objetivo). Y va más allá porque sienta las bases del lenguaje cinematográfico y del montaje.
Virtudes (técnicas por supuesto): contraste entre imágenes para provocar espanto, empleo por primera vez en la cinematografía soviética del travelling (las cámaras de la época eran enormes y muy difíciles de mover), la crispación de los puños de los marineros cerrándose, el aprovechamiento del espacio dentro del plano con una composición que queda muy natural pero “llenando” el plano de forma artificial (los maestros del cine clásico americano como Howard Hawks eran expertos y hoy parece que nadie es capaz de hacerlo igual), el carrito en la escalera, las caras, la discordancia entre el ritmo interno de la escena y el ritmo del montaje, la imagen como símbolo, intercambio de lentes en lugar cambiar de lugar la cámara, el uso del foco diferencial, la fotografía de Tissé, angulaciones para generar sensaciones, hacernos creer que el barco está en alta mar, un extraordinario manejo del ritmo con momentos de pausa y otros de crispación, expresivos primeros planos, el plano picado, el recurso de la repetición de imágenes para evocar ideas y para generar tensión en las acciones (no, no lo inventó John Woo) etc. Todo ello, es cierto, pasando olímpicamente del raccord (gente corriendo hacia lados contrarios, cubos quietos que luego se balancean…).
Defectos (para mí sin importancia, la perspectiva histórica tiene que prevalecer en estos casos): La concepción del cine como herramienta tendenciosa para manejar al público, ofrecer una selección de sucesos conmovedores pero falsos. La veracidad de la película es escasa y el argumento es propaganda de exagerado patetismo para exaltar ánimos. En bloque mantiene una estructura lógica pero introduce imágenes que buscan algo más que narrar una peripecia.
Montaje de atracciones: considera el montaje más importante que la puesta en escena o la colocación de la cámara. Trata de “asociar” los hechos de los planos mediante el montaje, esos planos cobrarán sentido todos unidos por el montaje y no por separado. Todo esto está hoy día superado (la publicidad y el cine sobre todo de acción no se entienden de otra forma), pero no olvidemos que está superado gracias a que tipos como Eisenstein lo plantearon. No se trata, por tanto, de que el montaje esté condicionado por las necesidades del relato (uniendo tomas individuales), sino de que cobre protagonismo como elemento de cohesión de partes sueltas que al unirlas consiguen un objetivo concreto. La yuxtaposición de imágenes no sirve exclusivamente para unir secuencias que tengan valor por sí mismas, sino para confrontar imágenes y provocar así sensaciones, tensión…
Montaje violento, montaje de choque, montaje expresivo…esto artísticamente es distinto a lo que estamos acostumbrados a ver en Hollywood pero por desgracia ese montaje ruso nos aleja de la película y dificulta que nos veamos inmersos en la trama, la sentimos desde fuera. Por eso digo que si una persona ve la película sin mirada crítica enfocada a la técnica narrativa dirá, y con razón, que esto es aburrido y no vale un pimiento
EL ALTAR DE LA MODA
El precio original era: 13,25 €.12,04 €El precio actual es: 12,04 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia. Drama | Moda
Sinopsis
La historia es la de un simpático trío de ladrones de diseños de famosos modistos comandados por el seductor Sherwood Nash (William Powell). Una vez explotado el mercado en los Estados Unidos, no tienen más remedio que buscar nuevas formas de engaño en París. En la capital francesa Sherwood tiene un afortunado encuentro con una antigua novia, que le consigue un pase especial para el desfile de modas más importante del año. Una ocasión ideal para robar los vestidos del diseñador.
(William Dieterle, 1934)
CRITICAS
La película clásica El altar de la moda (Fashions of 1934), dirigida por William Dieterle y protagonizada por William Powell y Bette Davis, las opiniones de la crítica y del público la consideran una joya entretenida de la época pre-code.
Opiniones sobre la película
- Estética visual: Alaba los innovadores y grandiosos números musicales coreografiados por Busby Berkeley, llenos de geometría y opulencia visual.
- Interpretaciones: Destaca la química entre William Powell y una joven Bette Davis antes de convertirse en la gran estrella dramática de los estudios.
- Tono y ritmo: Se valora como una comedia ligera, sofisticada y ágil, aunque algunos espectadores modernos señalan que su duración es breve y su trama es un pretexto para lucir el vestuario de alta costura
EL AMANTE DEL AMOR
El precio original era: 21,72 €.20,51 €El precio actual es: 20,51 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia. Romance. Drama | Comedia dramática
Sinopsis
Durante el funeral del protagonista, se hace una reflexión sobre las razones que podrían explicar la pasión de este soltero de mediana edad por las mujeres, su necesidad de amarlas y por qué también ellas le correspondían.
CRITICAS
Decimosexto largometraje de François Truffaut. Se rueda en Montpellier y Paris en 1976. Fue nominado a 3 César. Producida por Truffaut, se estrena el 27-IV-1977 (Paris).
La acción tiene lugar en Montpellier y Paris. Se inicia el 26-XII-1976, se desarrolla en un flashback que abarca desde la infancia del protagonista y concluye en el lugar inicial. La obra suma comedia, drama y romance. Explica las aventuras de un personaje singular, de unos 40 años, ingeniero del Instituto de Mecánica de los Fluidos (Montpellier), soltero, sin familia y sin amigos. Profesa una abrumadora admiración por las mujeres, de las que le interesan las historias, experienicas, amistad, y de las que admira los ademanes, gestualidad, andares y las piernas, sobre todo las piernas en movimiento, captadas en planos que evocan a Buñuel.
Contempla a la mujer como un esteta: investiga la belleza, el atractivo, el encanto, la simpatía, gracia y esplendidez. Busca la conversación con ellas y su compañía, como medio de aproximación a sus cualidades, opiniones, conocimientos y puntos de vista. El contacto físico también es importante, pero no es el único fin. Los intereses múltiples que impulsan a Morand cerca de la mujer y la posición no cental de la conquista como eje de su pasión lo diferencia de don Juan.
La satisfacción sensual, emocional y espiritual que Morand obtiene es más rica, prolongada y completa que la de aquél, con quien comparte el gusto por la cantidad, la aceptación de la provisionalidad y la necesidad de cambio, aunque sin el abandono y ruptura donjuanista. Morand no es vanidoso, no fanfarronea, no presume de conquistador y no es machista.
El film no elogia al protagonista ni lo censura. Expone su recorrido con ternura, cariño y humor. Muestra cómo sus relaciones se stablecen en pie de igualdad, de acuerdo con el signo de los tiempos. Se explica con sencillez y en un tono ligero, optimista y natural. Ofrece una amplia tipología femenina: la exreclusa, la cuarentona, la que se siente incómoda con su nariz, la bisexual, la que sólo experimenta placer con varones jóvenes, la editora, la madre, la prostituta que anda deprisa, la que quiere hacer el amor en lugares comprometidos (vestidor, cama de unos almacenes), la que lleva un vestido de cierre frontal con 137 botones de porcelana, la liosa, etc.
El realizador cree en el amor verdadero, por el que apuesta y al que se abre el protagonista en los últimos planos. No cree en el amor que dura toda la vida. Muestra su pasión por los libros.
EL AMANTE DEL AMOR
El precio original era: 18,09 €.16,88 €El precio actual es: 16,88 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia. Romance. Drama | Comedia dramática
Sinopsis
Durante el funeral del protagonista, se hace una reflexión sobre las razones que podrían explicar la pasión de este soltero de mediana edad por las mujeres, su necesidad de amarlas y por qué también ellas le correspondían.
CRITICAS
Decimosexto largometraje de François Truffaut. Se rueda en Montpellier y Paris en 1976. Fue nominado a 3 César. Producida por Truffaut, se estrena el 27-IV-1977 (Paris).
La acción tiene lugar en Montpellier y Paris. Se inicia el 26-XII-1976, se desarrolla en un flashback que abarca desde la infancia del protagonista y concluye en el lugar inicial. La obra suma comedia, drama y romance. Explica las aventuras de un personaje singular, de unos 40 años, ingeniero del Instituto de Mecánica de los Fluidos (Montpellier), soltero, sin familia y sin amigos. Profesa una abrumadora admiración por las mujeres, de las que le interesan las historias, experienicas, amistad, y de las que admira los ademanes, gestualidad, andares y las piernas, sobre todo las piernas en movimiento, captadas en planos que evocan a Buñuel.
Contempla a la mujer como un esteta: investiga la belleza, el atractivo, el encanto, la simpatía, gracia y esplendidez. Busca la conversación con ellas y su compañía, como medio de aproximación a sus cualidades, opiniones, conocimientos y puntos de vista. El contacto físico también es importante, pero no es el único fin. Los intereses múltiples que impulsan a Morand cerca de la mujer y la posición no cental de la conquista como eje de su pasión lo diferencia de don Juan.
La satisfacción sensual, emocional y espiritual que Morand obtiene es más rica, prolongada y completa que la de aquél, con quien comparte el gusto por la cantidad, la aceptación de la provisionalidad y la necesidad de cambio, aunque sin el abandono y ruptura donjuanista. Morand no es vanidoso, no fanfarronea, no presume de conquistador y no es machista.
El film no elogia al protagonista ni lo censura. Expone su recorrido con ternura, cariño y humor. Muestra cómo sus relaciones se stablecen en pie de igualdad, de acuerdo con el signo de los tiempos. Se explica con sencillez y en un tono ligero, optimista y natural. Ofrece una amplia tipología femenina: la exreclusa, la cuarentona, la que se siente incómoda con su nariz, la bisexual, la que sólo experimenta placer con varones jóvenes, la editora, la madre, la prostituta que anda deprisa, la que quiere hacer el amor en lugares comprometidos (vestidor, cama de unos almacenes), la que lleva un vestido de cierre frontal con 137 botones de porcelana, la liosa, etc.
El realizador cree en el amor verdadero, por el que apuesta y al que se abre el protagonista en los últimos planos. No cree en el amor que dura toda la vida. Muestra su pasión por los libros.
EL AMOR Y LA MUERTE. Historia de Enrique Granados
El precio original era: 32,61 €.31,40 €El precio actual es: 31,40 €. *IVA IncluidoGénero
Documental | Documental sobre música
Sinopsis
Documental que recrea la historia apasionante y tormentosa del compositor Enrique Granados en la Barcelona de finales del siglo XIX y principios del XX, sus viajes a Madrid, París y Nueva York, la lucha por la vida y los primeros triunfos… El relato se entremezcla con nuevas versiones de sus obras maestras a cargo de intérpretes de la talla de Rosa Torres-Pardo, Evgeny Kissin, Cañizares, Arcángel, Rocío Márquez, Carlos Álvarez o Nancy Fabiola Herrera, entre otros.
(Arantxa Aguirre, 2018)
CRITICAS
La directora madrileña Arantxa Aguirre vuelve a demostrar su talento en el género documental, y que logró las nominaciones a los premios Goya en 2007 y 2018 con » Hécuba, un sueño de pasión » y » Dancing Beethoven «.
El proyecto formó parte de la prestigiosa sección Tiempo de Historia de la pasada edición de la Seminci
En esta ocasión la directora vuelve a colaborar con José Luis López-Linares, que es parte fundamental en la producción y es el director de fotografía de esta película, y con el que había codirigido varios proyectos de calidad en el documental. Los dos cineastas se encuentran entre los mayores talentos nacionales en el género, y en esta ocasión el resultado es un notable largometraje de carácter biográfico sobre la figura de Enrique Granados, uno de los compositores españoles más importantes de finales del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX, junto a Falla y Albéniz, y que además de ser instructiva dando a conocer la vida personal y profesional del músico español, narrada en orden cronológico y al mismo tiempo tiene una calidad técnica muy elevada, lo que tiene más mérito teniendo en cuenta que es un proyecto de bajo presupuesto.
Lo que vemos se presenta mezclando imágenes en blanco y negro, una parte mediante animación de gran belleza plástica, y con unas voces en off conocidas, destacando las de Jordi Mollá como Granados y la de Emma Suárez en el caso de su mujer Amparo Gal.
La propuesta tiene momento alegres, otros más trágicos, y se recrean muy bien las ciudades de Barcelona y Nueva York de la época, con un recorrido lento por las Ramblas que es de lo más destacado de este largometraje.
El empleo de la animación en algunos momentos puede recordar a » Un día más con vida
( 2018 ) «, aunque en esta ocasión hay más de documental que de cine de animación.
Si a todas estas virtudes añadimos la música de fondo del compositor catalán, y el recorrido histórico por sus principales composiciones, el proyecto reúne todas las cualidades para que los aficionados al género no pierdan la oportunidad de disfrutar con una de los mejores documentales del año.
EL ARPA BIRMANA
El precio original era: 14,46 €.13,25 €El precio actual es: 13,25 €. *IVA IncluidoGénero
Bélico. Drama | II Guerra Mundial. Música. Ejército
Sinopsis
Año 1945; los japoneses están a punto de firmar la paz en Birmania. Un soldado, admirado por sus compañeros porque toca el arpa, es nombrado mediador japonés
(Kon Ichikawa, 1956)
CRITICAS
La costumbre religiosa de enterrar, quemar, en resumen no dejar abandonados cadáveres humanos en plena intemperie, es característica de las religiones monoteístas y también de muchas otras, ya el hinduismo o la mayoría de las ramas del budismo como el asentado en Birmania. Y en esta labor religiosa va a desembocar un sargento japonés de la II Guerra Mundial, integrante del ejército nipón que invadió Birmania, cuando sufre una conversión producto del hastío de la guerra, el shock de la muerte multiplicada por muchos seres humanos y máxime cuando son muertes que él ha tratado de evitar pero que por pura cabezonería o fundamentalismo patriótico de otra gente no ha sido posible evitarlas.
Indudablemente este soldado no era cualquier soldado, sino un hombre sensible, un artista, un músico, inmerso en una guerra como suele ocurrir en todas las guerras donde siempre hay personas cordiales y pacíficas que se ven arrastradas por el sistema y los poderes a la confrontación sin ser ellos prototipos de personas violentas ni inclinadas a dañar a nadie.
El guión ciertamente no se ocupa de las barbaridades que los japoneses hicieron en ese país del sudeste asiático, sino anecdóticamente pone su punto de mira en un pelotón de soldados y un oficial (músico profesional) que avanzan por las tierras rojas de Birmania practicando cantos para mantenerse animados en ausencia de confrontaciones directas. Y sobre todo focalizando la historia en el citado sargento, con talento musical innato aunque sin estudios musicales, que toca el arpa birmana como los ángeles.
Es un película curiosa, noble, que apuesta por los valores humanos (compañerismo, piedad, misericordia, la música en el viejo sentido de método para calmar la «mala leche o mala sangre», dar sepultura a los muertos, etc.), valores humanos que son presentados como algo más fuerte y principal que las luchas y maldades también entre humanos.
Y esto, independientemente de que sea poco realista históricamente hablando, es una manera de encausar una película, pues en cine como en literatura o en pintura, escultura, arquitectura o simple decoración, no todos los intentos de llevar a cabo una obra de arte han de ser en su vertiente realista-copia de la realidad exacta, sino que también hay toda una gran variedad de conseguir mostrar la realidad suavizando, poetizando, limando, exagerando, fantaseando, imaginando otras caras ocultas de lo real, incluso mitologizándola (por algo existe el mito y tiene casi la misma antiguedad de uso que la razón).
EL ASESINO DEL CEMENTERIO ETRUSCO
El precio original era: 9,62 €.8,41 €El precio actual es: 8,41 €. *IVA IncluidoGénero
Terror
Sinopsis
Una mujer capaz de conocer el futuro (Elvire Audray) sueña que su marido (John Saxon), un arqueólogo, es asesinado en un cementerio etrusco. Cuando su premonición se cumple, viaja a Italia para desentrañar el misterio. Allí se encuentra con una secta de adoradores de antiguos dioses etruscos, descubre que su padre (Van Johnson) dirige una organización dedicada al tráfico ilegal de drogas (Van Johnson) y que se han cometido varios asesinatos de inspiración demoníaca. En su investigación contará con la ayuda de un inspector de policía (Claudio Cassinelli).
(Sergio Martino, 1982)
CRITICAS
Un arqueólogo (John Saxon) viaja a uno de estos Cementerios Etruscos y su mujer va teniendo premoniciones donde ve cómo asesinan a su marido así que decide viajar al país (Italia) dónde este está investigando. Al llegar se da cuenta que su padre anda metido en temas de drogas y se entrelazan algunas historias de sectas y tráfico de drogas que hace que la película pierda el interés principal y se convierta en dos historias paralelas.
La historia más que de terror se podría decir que es un thriller detectivesco que en ocasiones se hace un poco aburrido por mezclar tantas tramas en la película, pero si estás curtido en locuras italianas donde no se le da tanto valor al guión pues no será un problema.
La película desprende hedor a Fulci por todos lados, el estilo de las muertes, la historia (recuerda a Manhattan Baby) y la música: Fabio Frizzi.
Que el gran Sergio Martino haya copiado a Fulci no es mala señal para nada sino todo lo contrario, es muy entretenida, con momentos disfrutables al máximo (ese final psicotrópico como sólo los italianos sabían hacer) y con unas muertes acompañadas de una excelente música.
John Saxon también es un plus, este hombre es una institución en las películas italianas de terror/giallos (La muchacha que sabía demasiado,Tenebre…), y las que no son italianas, claro está.
Sergio Martino es un director que me encanta y que tiene muchas joyas en su filmografía, aunque esta película no llega, para mí, a ser una de las mejores.
EL ATAQUE DE LOS DONUTS ASESINOS
El precio original era: 27,77 €.26,56 €El precio actual es: 26,56 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia. Terror | Comedia de terror. Serie B
Sinopsis
Un accidente químico convierte a rosquillas ordinarias en asesinas sedientas de sangre. Ahora le toca a Johnny, Michelle y Howard para salvar a su pueblo soñoliento de… Donuts Asesinos.
(Scott Wheeler, 2016)
EL AURA
El precio original era: 15,67 €.14,46 €El precio actual es: 14,46 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga. Thriller. Drama | Robos & Atracos. Caza. Neo-noir
Sinopsis
Esteban Espinosa (Ricardo Darín) es un hombre honrado, aunque taciturno y hosco. Es un taxidermista que, aislado en su taller, dedica el tiempo a dar apariencia de vida a la materia muerta. Pero, detrás de sus ojos fríos, arde un deseo oculto, una extraña obsesión en un hombre honrado: durante los últimos años, una y otra vez, ha imaginado y planeado los golpes más perfectos y brillantes, fruto de una inteligencia que, según él, lo diferencia de los demás. Lo que ocurre fuera de su taller: la lucha de “tontos contra tontos”, policías y ladrones no tiene nada que ver con él
(Fabián Bielinsky, 2005)
CRITICAS
Sin duda una película para cinéfilos. Para el que no busque ni acción ni sustos, y que si disfrute de tramas inteligentes. Después de la original y primera película “Nueve Reinas”, este director y guionista nos trae una historia mucho más relajada, más oscura y con un ritmo bastante más lento, además de mucho más profunda e inteligente; una trama que va creciendo en intensidad y suspense conforme van pasando los minutos; te mete dentro de la mente del personaje principal (superior interpretación de Ricardo Darín) y no te deja tranquilo en ningún momento. Todo ocurre alrededor de él, un tipo raro donde los haya, con un pasado extraño y triste, y con un presente lleno de dudas sobre si mismo, aunque cargado también de sorpresas, que aportan a la trama los giros y toques inesperados que aceleran el pulso y mantienen el interés.
Es una película bastante triste, y que nadie se espere situaciones vistas en otras películas de este tipo. Va de menos a más, hasta llegar a un final alejado también de lo normal y sorprendente.
Un guión excelente, y una música y fotografía de alto nivel. Muy recomendable para los que le gusten las historias y personajes llenos de detalles.
EL BONAERENSE
El precio original era: 7,20 €.5,99 €El precio actual es: 5,99 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Policíaco. Drama social
Sinopsis
EL Zapa es cerrajero en un pueblo pequeño de la Provincia de Buenos Aires. El pueblo es tranquilo, trabajo de cerrajería hay muy poco y las horas de trabajo pasan lentamente. El Polaco, el dueño del local lo envía a abrir una caja fuerte en una oficina. Al día siguiente cae preso como responsable del robo al lugar. Su tío Ismael, policía Bonaerense retirado, lo saca de la comisaría y lo envía al Gran Buenos Aires con una carta de recomendación. Zapa se convierte en un joven aspirante a agente de la Policía Bonaerense. Zapa llega a su nueva ciudad. Toma el curso de preparación, trabaja en la comisaría, etc. Su vida se convierte en una extraña ficción con la que deberá convivir en el futuro
(Pablo Trapero, 2002)
CRITICAS
El Zapa es un pobre cerrajero que se ve implicado en un robo. En el pueblo todos le conocen y saben que no es mal chico, por lo que todo se arregla para que viaje a Buenos Aires con una recomendación para incorporarse al cuerpo de la Bonaerense.
El Zapa se va dando cuenta, poco a poco, de que la policía se mueve corruptamente por los bajos fondos. Sus habilidades como cerrajero pronto le hacen destacar por encima de los incompetentes compañeros y se gana la confianza del inminente comisario. Pero da igual, se ha introducido en una selva donde rige la ley del más fuerte.
Como se puede observar, el argumento se aleja mucho de las americanadas habituales (compañeros policías que se llevan mal, policías rudos y eficientes, etc.) Trapero ofrece una nueva visión del cine policíaco, esta vez desde una perspectiva crítica. Ha conseguido una película muy rica, con muchos matices, y especialmente preocupante por lo real del tema.
EL BRUTO
El precio original era: 43,50 €.42,29 €El precio actual es: 42,29 €. *IVA IncluidoGénero
Drama
Sinopsis
El dueño de un edificio de viviendas decide poner en la calle a sus inquilinos para vender el solar. La negativa de los afectados a desalojar sus casas hace que el casero, asesorado por su amante, contrate a un matón: el Bruto.
(Luis Buñuel, 1953)
CRITICAS
En sus memorias Buñuel se refiere sólo de pasada a esta película. La productora impuso cambios en el argumento de Alcoriza y el director se despegó del resultado, que encontraba empobrecido y poco suyo. ¡Pues cómo habría sido, viendo el atractivo de lo que se llegó a realizar!
El punto de partida es sencillo: con fuerza descomunal y muy pocas luces, el matarife Pedro, “Bruto” (P. Armendáriz), es requerido para un trabajo por su patrón, el rico don Andrés (A. Soler), que quiere desalojar a los modestos inquilinos de una finca para venderla bien. Don Andrés necesita escarmentar a los cabecillas vecinales, pero es algo viejo, menudo y casi enclenque, así que lo encomienda al dócil y elemental Bruto, la fuerza de cuyos puños lo mismo rompe una pared que un cráneo. Para el operativo lo lleva a vivir a su casa. Desde el primer día la amante (Katy Jurado) se fija en su musculatura.
Sin dejar de resaltar la ignorante y destructiva brutalidad del matón, la responsabilidad patronal en los homicidios e injusticias queda también crudamente de manifiesto, y tal vez por esto las restricciones de la productora, más que por los calientes líos amorosos.
La mujer aparece según la clásica dualidad buñueliana: una es demoníaca, y quiere dominar sexualmente al bruto, y otra es angelical, encarnando para él la evolución moral, la toma de conciencia. Mientras la unión carnal con la primera se representa mediante carne achicharrada, para la segunda se usa una vela que se funde despacio.
La transición de una a otra representa para Pedro una empresa hercúlea, en violento choque con lo circundante. Es un traidor a su clase y trata confusamente de superar su alienación mientras vislumbra la verdadera raíz de la injusticia.
El surrealismo ha sido aparcado. Los toques personales con morboso sello Buñuel son escasísimos: la mujer que juega con un anciano y le da a chupar su dedo mojado en licor, y pocos más. Se recurre a fórmulas estándar: melodrama sentimental, al gusto popular, con turbulencias, pasiones tórridas y amores redentores, y neorrealismo denunciador para lo social, con aires de cine negro.
Y cuando se empieza a dibujar la figura del hijo ilegítimo, aparece también un componente trágico. Todo a ello le da a la historia recorrido y profundidad, aunque las suavizaciones impuestas la desvirtúen a ratos con soluciones convencionales y un final que imparte justicia directa, al estilo “western”, con peleas, golpizas y balaceras.
Al buen nivel técnico y profesional contribuyen los actores, con un destacado Pedro Armendáriz. El guión es fluido, los diálogos son de una eficacia absoluta. Los mínimos recursos se aprovechan con destreza, con una característica maestría para volver sólido y recio el material narrativo.
Contando con todo esto, ¡cómo habría sido la película con libertad para el argumento!
EL BUEN PASTOR
El precio original era: 30,19 €.28,98 €El precio actual es: 28,98 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Thriller. Intriga | Espionaje. Guerra Fría. Años 40. Años 60
Sinopsis
Biografía de James Wilson, que abarca desde 1930 hasta 1960. Graduado en la Universidad de Yale, acabó siendo uno de los fundadores de la CIA. Se supone que el personaje se basa en el legendario y astuto jefe de inteligencia James Jesús Angleton
(Robert De Niro, 2006)
CRITICAS
Seguramente hastiado de las naderías en las que aparecía como actor en los últimos años De Niro se decidió a realizar su segundo y ansiado film tras las cámaras. De entrada es un tema tan puramente norteamericano que desde el prisma europeo puede echar un tanto para atrás pero pronto se desvanecen las dudas ante la constancia de que «The good shepherd» es un film notable, realizado con sobriedad y sabiduría, no facil de seguir (no hay que despistarse) y bien intepretado.
Es en sí un relato histórico, de 1939 al 1961, periodo crucial para Estados Unidos y para el mundo con la segunda guerra mundial de por medio y las tensiones posteriores con la Unión Soviética y Cuba. Pero donde alcanza mayor nivel el film es en el retrato de su protagonista, uno de los fundadores de la CIA que anda tan metido en la seguridad nacional que pierde el contacto con su familia y con casi todo vínculo emocional.
Por momentos y aunque en la base no sean parecidos uno tiene la sensación de contemplar una película épica como «El Padrino» con decenas de personajes cruciales y en los que no hay ni un tema central ni dos sino que es todo un periplo vital en el que se suceden las tramas.
Es un film de suspense, político, con ritmo por lo general lento con un final estremecedor. Es en esencia de lo mejor que nos ha llegado de Estados Unidos en los últimos tiempos, un film para volver a ver unas cuantas otras veces porque hay miga, hay sabiduría y aunque tal vez también frialdad por momentos, las formas de «The good shepherd» son las correctas. Grande De Niro una vez más.
EL CABALLERO DE LOS SIETE REINOS – Edicion Metalica 4K UHD
El precio original era: 71,38 €.70,17 €El precio actual es: 70,17 €. *IVA IncluidoGénero
Serie de TV. Fantástico. Aventuras | Precuela. Fantasía medieval. Espada y brujería. Capa y espada
Grupos
Juego de Tronos | Adaptaciones de George R.R. Martin
Sinopsis
Serie de TV (2026-). 1 temporada, 6 episodios. Un siglo antes de los acontecimientos de «Juego de Tronos», dos héroes improbables vagaban por Poniente: un joven e ingenuo, pero valiente caballero, Ser Duncan el Alto, y su pequeño escudero, Egg. Ambientada en una época en la que el linaje Targaryen aún ostenta el Trono de Hierro y el recuerdo del último dragón aún no ha desaparecido de la memoria viva, grandes destinos, poderosos enemigos y peligrosas hazañas aguardan a estos improbables e incomparables amigos.
(Ira Parker (Creador), George R.R. Martin (Creador), 2026)
CRITICAS
Las historias de Ser Duncan el Alto y su escudero Egg aportaron frescura al universo de George R. R. Martin al presentar un caballero errante guiado por un sentido del honor casi desaparecido en Poniente. Frente a un mundo dominado por la ambición y la traición, Duncan destaca como un marginado cuyas decisiones, pese a su aparente humildad, terminan influyendo de manera decisiva en el destino de los reinos. Esa singularidad convierte su relato en una propuesta muy distinta dentro de la saga.
La adaptación televisiva de El caballero de los siete reinos se aleja deliberadamente del espectáculo grandilocuente de dragones y grandes batallas para ofrecer una historia más íntima, ligera y sincera. Aunque se trate de una producción menor en escala, mantiene una alta calidad, con un tono relajado que da cabida a la comedia sin romper con la esencia de la franquicia. La serie apuesta por la cercanía y por una épica más terrenal, donde las justas y los combates buscan sentirse reales, como si pertenecieran a otra época.
Visualmente, la serie destaca por una fotografía cuidada, con planos generales que subrayan la fuerza de la naturaleza y encuadres interiores de aire pictórico, además de un uso del color algo más vivo que en otras producciones del universo. El reparto resulta especialmente acertado, con Peter Claffey encarnando con calidez y honestidad a Ser Duncan, y Dexter Sol Ansell aportando emoción y presencia al personaje de Egg. Los secundarios también sobresalen, aunque la brevedad de la serie provoca que algunas decisiones y personajes se perciban algo forzados.
La acción no queda relegada, ya que el torneo de justas estructura la temporada y ofrece secuencias violentas y bien coreografiadas, apoyadas por un sonido efectivo y una música que potencia la épica. El humor, áspero y puntual, refuerza el carácter humilde del protagonista y sirve como contrapunto sin convertir la serie en comedia. En conjunto, El caballero de los siete reinos se presenta como un regreso a Poniente más cercano y humano, fiel al espíritu del texto original y demostrando que el mundo de Canción de Hielo y Fuego aún tiene historias valiosas que contar.
EL CABALLERO OSCURO – EDICION 4K UHD + BLU RAY
El precio original era: 31,45 €.30,19 €El precio actual es: 30,19 €. *IVA IncluidoGénero
Thriller. Acción. Drama | Superhéroes. Cómic. DC Comics. Secuela. Crimen. Película de culto
Grupos
Batman | Trilogía El Caballero Oscuro
Sinopsis
Batman/Bruce Wayne (Christian Bale) regresa para continuar su guerra contra el crimen. Con la ayuda del teniente Jim Gordon (Gary Oldman) y del Fiscal del Distrito Harvey Dent (Aaron Eckhart), Batman se propone destruir el crimen organizado en la ciudad de Gotham. El triunvirato demuestra su eficacia, pero la aparición de un nuevo criminal, el Joker (Heath Ledger), desencadena el caos y aterroriza a los ciudadanos.
(Christopher Nolan, 2008)
CRITICAS
Estamos ante una magnífica película, más allá del héroe y del mito. Una historia estupenda (que Nolan convierte en apasionante), el mejor Batman de la Historia (Bale lo borda), secundarios de lujo (Dios salve por muchos años a Michael Caine, soberbio con su «ya se lo dije» y a Morgan Freeman) y Ledger… luego está Ledger…
“El caballero oscuro” trasciende de su propio origen y se convierte en un thriller de los que salen uno cada muchos años. Una nueva “Seven”, una nueva y reflexiva aportación al género, mezclando sabiamente lo viejo con lo nuevo, cogiendo elementos del cómic y trasportándolos al mundo real, haciendo “arder el mundo”. Como decían por ahí, ‘lo más gracioso es que si pones el telediario te encontrarás lo mismo que muestra la película”.
El guión es sublime. Condensar tantos cómics y armar un puzzle de forma lógica y coherente es complicado, pero más aún es presentar tantos personajes y hacerlo dándole profundidad y humanidad a todos y cada uno de ellos. Los tres protagonistas de la función son Joker, Harvey Dent y Batman, pero no se quedan atras los secundarios. Interpretados con convicción por dos de los mejores actores jóvenes vivos (Bale y Eckhart), y por uno fallecido, Ledger, que destapa aquí una interpretación antológica. Nicholson estaba disfrazado de Joker en la película de Burton, pero Ledger es Joker, sin más.
Más allá de alabar las labores de dirección de Nolan, que son muchas, habiendo arreglado el principal problema de Batman Begins –las escenas de acción-, o las interpretaciones, sigo pensando que el guión es lo más destacable del conjunto.
Nolan ha creado un film redondo, una película que no tiene ninguna laguna, que dura 150 minutos y parece hora y media, que enlaza perfectamente, sin agujeros por ninguna parte. No es la mejor película de la historia, ni lo pretende. Pero como secuela, como película comercial masiva, como film de acción, como película en general, no sólo está bastantes décimas por encima de la media, sino que marca un punto de inflexión que, al igual que ya hizo Batman Begins, será difícil superar. Fastidia, ¿eh? Pues nada, qué le vamos a hacer. Lo mismo pasó con James Wan y su Saw, o con Fincher y su Seven, o con Singer y su Sospechosos Habituales.
Algún día Nolan será reconocido, y Batman El Caballero Oscuro, será considerada la Obra Maestra que verdaderamente es, una joya en su concepción, realización, y resolución. Pero bueno, siempre habrá quien piense que Spider-Man 3 es mejor, alegando que prefiere las películas “profundas”. Ironías de la vida.
EL CABALLERO OSCURO RENACE – EDICION 4K UHD + BLU RAY
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Thriller. Acción. Drama | Superhéroes. Cómic. DC Comics. Secuela
Grupos
Batman | Trilogía El Caballero Oscuro
Sinopsis
Hace ocho años que Batman desapareció, dejando de ser un héroe para convertirse en un fugitivo. Al asumir la culpa por la muerte del fiscal del distrito Harvey Dent, el Caballero Oscuro decidió sacrificarlo todo por lo que consideraba, al igual que el Comisario Gordon, un bien mayor. La mentira funciona durante un tiempo, ya que la actividad criminal de la ciudad de Gotham se ve aplacada gracias a la dura Ley Dent. Pero todo cambia con la llegada de una astuta gata ladrona que pretende llevar a cabo un misterioso plan. Sin embargo, mucho más peligrosa es la aparición en escena de Bane, un terrorista enmascarado cuyos despiadados planes obligan a Bruce a regresar de su voluntario exilio.
(Christopher Nolan, 2012)
CRITICAS
Sobrecogedora. Sorprendente. Alucinante. Electrizante. Épica. Magistral. Estos son sólo algunos de los adjetivos que planearon por mi mente como el Batpod -para los profanos, el helicóptero de Batman…- sobre Gotham City. Realmente no me esperaba que Nolan fuera capaz de superar «El Caballero Oscuro»… pero lo ha hecho con creces. Lo ha hecho hasta el punto de dejarme literalmente sin aliento durante más de dos horas con una auténtica sinfonía de emociones, de buen cine, de imágenes que posiblemente perdurarán durante años en mi memoria. Quizás por mi frikismo galopante -especialmente, sobre el personaje de Batman- pero con toda seguridad por el excelente guión, que es capaz de contener todas las claves del universo del cómic sobre el personaje, destilarlas, y adaptarlas con total perfección al séptimo arte.
Y digo séptimo arte, y no cine, porque lo que Nolan ha hecho con la trilogía de Batman extralimita el cine. Quiero decir, el cine que estamos habitualmente acostumbrados a ver en este género, llamémosle de «acción» o de «superhéroes». Porque ninguna de estas tres películas, y en especial de la tercera, es una película así. Es una Película con P mayúscula. O como decíamos de toda la vida, un peliculón. De los de gran historia, grandes personajes, grandes conflictos dramáticos y grandes desenlaces. Cada minutos es un crescendo bien estudiado con una capacidad para conmover al espectador como pocas películas. Y no son los puñetazos, patadas, artilugios y efectos especiales -que los hay a manta…- sino las historias, las relaciones, los personajes. O sea, el séptimo arte, de principio a fin. Como se hacen -o deberían- hacer las cosas.
El cabo del terror
El precio original era: 14,46 €.13,25 €El precio actual es: 13,25 €. *IVA IncluidoGénero
Thriller. Drama | Crimen. Venganza. Drama sureño. Neo-noir. Thriller psicológico
Sinopsis
Sam Bowden, un respetable abogado de una pequeña ciudad, ve cómo su tranquila vida se convierte en una pesadilla cuando Max Cady, un criminal que pasó ocho años en la cárcel por su culpa, no deja de acechar a su mujer y a su hija adolescente. La ayuda que le ofrece el jefe de la policía local resulta inútil, y él, legalmente, no puede hacer nada para alejar a Cady de su familia
(J. Lee Thompson, 1962)
CRITICAS
Película altamente recomendable para todos aquellos que no se conforman con las versiones modernas y los remakes de clásicos que hoy parecen semiolvidaos y sin embargo son mejor, como casi siempre, que la mera fotocopia. Y eso que hay que reconocer que la película se desinfla en la parte final, y lo que podía haber sido una de esas joyas del thriller con mayúsculas se queda en una muy buena película pero con un poco de sabor agridulce.
Y esto es curioso porque es precisamente J. Lee Thompson un director especialista en el cine de acción y sin embargo es donde más flojea esta cinta. La tensión y el buen cine se consigue en esta película mucho más en los diálogos y primera parte más psicológica que en el último tercio cuando llegan al cabo donde la cosa no termina de funcionar del todo, aunque tiene escenas magníficas como Mitchum hablando con Polly Bergen de gran carga sexual.
La versión de Scorsese es muy buena, claro que sí, incluso en muchos instantes mejor que esta, de eso no cabe duda pero es y será un remake y eso es ya partir con un punto en contra.
EL CALLEJON DE LAS ALMAS PERDIDAS
El precio original era: 8,41 €.7,20 €El precio actual es: 7,20 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro. Intriga. Drama | Drama psicológico. Película de culto. Circo. Alcoholismo
Sinopsis
Stanton Carlisle (Tyrone Power) es un aventurero que llega a una feria deseoso de abrirse camino y progresar. Tras sentirse impactado con el «monstruo» que allí exhiben, conocerá a Zeena (Joan Blondell), la pitonisa, y también a Molly (Colleen Gray), una joven que enseguida se siente atraída por él.
(Edmund Goulding, 1947)
CRITICAS
Film dirigido por Edmond Goulding. Se basa en la novela «Nightmare Alley», de William Lindsay Gresham. Rodada en los estudios de la Fox, la feria ocupó 40.000 m2. La produjo George Jessell («La mujer pirata», 1951) y se estrenó el 28-X-1947.
La acción tiene lugar en una feria ambulante y Chicago, en 1946/47, a lo largo de más de un año. Narra la historia de Stanton Carlisle (Tyrone Power), joven ambicioso, embaucador y cínico, que comienza como aprendiz de charlatán de feria y asciende a protagonista de un espectáculo de adivinación en una lujosa sala de fiestas. Los trucos del número se los revela Zeena Krumbain (Jean Blondell), tras la muerte de su compañero, a quien Stanton sustituye como «partenaire». Casado con Molly (Coleen Gray), inocente, sincera y fiel, la abandona para convenir con Lilith Ritter (Helen Walker), psicóloga no titulada, un plan siniestro para explotar la buena fe de personas adineradas y crédulas. Las quejas de algunas de éstas y la inmoralidad de Lilith ponen a Stan en peligro.
Zeema simboliza la honestidad, Molly la inocencia, Lilith la deshonestidad y Stan la ambición sin límites. La obra está presidida por la presencia intangible del mal, el determinismo de la degradación moral, la fuerza del destino que rige, misteriosamente e inexorablemente, la vida de las personas, imponiendo el mal y marginando la bondad de Molly y la sinceridad de Zeema. Las cartas desvelan, infaliblemente, el futuro y anticipan la tragedia.
La vida colectiva y la vida individual son movidas desde un ámbito superior desconocido y poderoso, que inunda la vida de incertidumbre y ansiedad. Los seres humanos no son los rectores de su destino, sino sus marionetas de trapo y sus víctimas.
La conspiración maléfica de Stan y Lilith transforma el acuerdo en duelo y la confianza mutua en triunfo del mal superior sobre el mal limitado por la capacidad de engaño y la credibilidad de las víctimas. Son escenas destacadas la sesión en que Stan ve por primera vez a Lilith, la lectura del destino de Stan por Zeena y la soberbia escena final.
Pocas veces el cine de Hollywood de los 40 y 50 creó una obra en la que la pulsación del mal fuera tan intensa y profunda.
Film singular y atípico como pocos, digno merecedor de su condición de obra de culto.
EL CAMINO MAS CORTO
El precio original era: 9,62 €.8,41 €El precio actual es: 8,41 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia | Road Movie
Sinopsis
Ya se sabe que el amor no cae del cielo, sino que uno se lo encuentra en el regazo. Sobre todo cuando no se lo espera en absoluto. Y si antes alguien le hubiera dicho al repartidor de cerveza de Dormund, Hannes, que lo encontraría precisamente en la exótica soledad de Finlandia mientras un comisario de policía le pisaba los talones, lo más probable es que se hubiera limitado a sacudir la cabeza. Hannes, tímido experto en aprenderse horarios de trenes en sus ratos libres quiere ir a la nórdica localidad de Inari para participar en el Primer Concurso Internacional para expertos en guías ferroviarias. Para cumplir este sueño, ha pasado meses maquinando rutas de viaje y estudiándose horarios de memoria. Lo que Hannes no sabe cuando va al tren hacia el norte es que el Comisario Stefan y su ayudante Harry le creen el sospechoso número uno de un nuevo caso de asesinato.
(Peter Lichtefeld, 1997)
CRITICAS
Una interesante cinta alemana, un pequeño pastel delicioso en forma de película, que sin muchas pretensiones nos hace reflexionar sobre la libertad, sobre realizar nuestros sueños, sobre la búsqueda de la felicidad, sobre disfrutar de los buenos momentos, de disfrutar de lo que la vida nos ofrece, pues muchas veces la meta no es la felicidad sino el camino.
La historia es una train-movie donde un muniqués, un taciturno tipo Hannes Weber (excelente Joachim Król) decide ir a Inari, en el norte de Finlandia, para asistir a un campeonato mundial de especialistas en combinaciones de trenes para llagar lo más rápido posible a cualquier lugar desde cualquier sitio, por ir su jefe le ha despedido, pero lo que él no sabe es que le persigue la policía por asesinato. Por el camino se va encontrando con una serie de personajes, desde un revisor que esconde algo, una pareja de enamorados, o la que podría ser su media naranja, la historia es la clásica en la que uno hace un viaje y por el recorrido se encuentra consigo mismo. La historia resulta muy amena, con un ritmo narrativo ágil y donde siempre está ocurriendo algo, consiguiendo el relato que empaticemos con su solitario protagonista, recordándonos el argumento vagamente a ‘La vuelta al mundo en 80 días’.
La cinta conforme se va adentrando en Finlandia nos regala bellas estampas de este lindo País, en el que Hannes encuentra que ir rápido no siempre es lo mejor, a veces hay que disfrutar de la ruta.
Recomendable a los que gusten de ver un buen trabajo con mensaje de los que se te queda
EL CANALLA
El precio original era: 27,82 €.26,61 €El precio actual es: 26,61 €. *IVA IncluidoGénero
Thriller | Policíaco. Polar francés
Sinopsis
Simon, un abogado condenado por un crimen, se escapa de la cárcel y se refugia provisionalmente en casa de una desconocida. Poco después, se pone en contacto con su ex mujer y con su amigo Charles, sus cómplices en el secuestro del hijo de un empleado de un banco, por el que recibieron un rescate de un millón de dólares. Simon escondió el dinero de ser detenido y ahora se propone recuperarlo.
(Claude Lelouch, 1970)
CRITICAS
Una entretenida y eficaz cinta a cargo de Lelouch, quien ya había trabajado con Trintignant en la más célebre y exitosa Un hombre y una mujer. El título en castellano resulta poco apropiado, pues el protagonista es más bien un granuja o sinvergüenza, y en modo alguno posee los rasgos característicos de los personajes del cine negro, mucho más inclinados a la violencia y la fatalidad. Por eso mismo, cabe señalar que el filme es una afortunada mezcla de cine policíaco o thriller con claros toques de sátira y comedia, propuesta ya ensayada con éxito anteriormente en el cine francés (ahí están ejemplos como Gángsters a la fuerza, de Lautner o El embrollón, de Molinaro, ambos genialmente protagonizados por Lino Ventura).
La película huye de la narración lineal de acontecimientos, presentando numerosos saltos temporales entre el presente (las acciones de Simón tras huir de la cárcel) y el pasado (se explica el golpe que acaba con él en prisión y con una gran suma de dinero “esperándole” fuera). Las diversas peripecias abordadas en el filme, aunque propias del género negro (secuestros, rescates, amenazas, persecuciones…), son objeto de un tratamiento suave, “blanco”, en el que la violencia es más aparente que real, del mismo modo que los personajes son mostrados desde un punto de vista amable. De ahí que, aunque sustentándose en las apariencias del Polar, la película sea en realidad un entretenimiento para todos los públicos, y basta atender al tratamiento del secuestro para percatarse de ello, pues en ningún momento teme el espectador por la vida del niño, algo que en un Polar clásico no ocurriría. Igualmente, el protagonista, aunque con rasgos propios del género negro (es calculador, desconfiado, etc.), incorpora otros poco habituales (es también afectuoso y leal), y para colmo es abogado. La trama se desarrolla pues, de forma discontinua, y juega a la confusión con el espectador, si bien lo hace de manera agradable, sin que ello moleste en exceso.
Bien protagonizada por Trintignant, actor siempre eficaz y ya probado en este tipo de papeles (y en otros), encuentra buen acompañamiento en el resto del reparto, siendo destacadas las interpretaciones de Charles Gérard (Charlot) y de Aldo Maccione (con su breve pero cómica interpretación del preso italiano). Un guión correcto y eficaz, con buenas frases para caracterizar a los personajes, y algunas secuencias francamente ingeniosas (especialmente todo el tinglado del secuestro y la muy peculiar boda en prisión) redondean un filme que sin ser novedoso ni tener pretensiones, supone un producto excelente de seguro entretenimiento.
EL CANARIO AMARILLO
El precio original era: 9,62 €.8,41 €El precio actual es: 8,41 €. *IVA IncluidoGénero
Thriller. Cine negro | Nazismo
Sinopsis
En 1940, Sally Maitland se ve obligada a abandonar Inglaterra, al ser considerada por todo el mundo, incluida su familia, simpatizante de la causa nazi. En el barco que la conduce a Halifax conoce a un aristócrata polaco y a un desmañado agente de inteligencia naval británico, que se disputan sus favores. Cuando se decide por el polaco y acepta conocer a su madre en Halifax, empieza a quedar claro que nadie es quien dice ser.
(Herbert Wilcox, 1943)
CRITICAS
Lógicamente, al estar realizada en plena guerra, la ambientación es lo mejor de esta película y su gran valor. Nos da una idea exacta del método de actuación de los agentes encargados de la lucha contra los espías y sus medidas de protección.
Respecto al comportamiento de la población no es lo mismo, ya que se trata de enaltecer el espíritu triunfador para mantener la moral alta pero esto no es lo importante en el drama que se desata aquí. El tema se inicia con una carga intrigante considerable: un bombardeo nocturno alemán sobre Londres, y alguien que hace señales desde una ventana a los aviones para facilitar el objetivo, al mismo tiempo hay un muerto en el suelo y una mujer se esconde. No se puede pedir más.
Así, sigue la trama sin que tengamos claro la dirección que tomará hasta que llegamos al punto álgido y realmente fascinante: los personajes que se desmarcan de los ocasionales. Aquellos que aparentan bondad y honradez al máximo cara a la sociedad y, en cambio, en la oscuridad, en las citas ocultas, destapan sus intenciones y sus verdaderas caras. Nos los representan con sus saludos nazis, sus símbolos, sus miradas sesgadas y sus sonrisas malévolas, y ahí considero que la realización está plenamente conseguida porque te absorbe ese auténtico ambiente de la confabulación; como si habláramos de seres de un planeta tirano dispuestos a conquistar el mundo.
EL CAPITAN BLOOD
El precio original era: 25,35 €.24,14 €El precio actual es: 24,14 €. *IVA IncluidoGénero
Aventuras | Aventuras marinas. Siglo XVII. Piratas. Capa y espada
Sinopsis
Inglaterra, siglo XVII. Bajo el reinado de Jacobo I, primer monarca de la dinastía de los Estuardo, son constantes los enfrentamientos entre la Corona y el Parlamento. El doctor Peter Blood, un hombre entregado por entero a sus pacientes, vive al margen de los problemas políticos, pero su actitud cambia cuando, injustamente acusado de traición, es enviado como esclavo a las Indias Occidentales. Dotado de una gran habilidad y astucia, consigue escapar y se convierte en el temible pirata Capitán Blood.
(Michael Curtiz, 1935)
CRITICAS
Para Errol Flynn ésta fue la primera intervención en una película norteamericana y el comienzo de una carrera fulgurante. La pareja Flynn y Havilland protagonizó más de seis películas en los años siguientes.
La historia se basa en la obra homónima de Rafel Sabatini, autor de numerosas novelas de aventuras, muchas de ellas llevadas al cine, como «Scaramouche», «El halcón de mar» y «El cisne negro». La película es una deliciosa fábula que narra las aventuras y desventuras del médico Peter Blood, injustamente arrestado, juzgado sin defensa, condenado a muerte y, finalmente, enviado como esclavo a Port Royal. Logra huir con los suyos, se apodera de un velero español y emprende una vida de piratería en aguas del Caribe. El film constituye una epopeya que exalta la triple lucha colectiva contra la esclavitud, por la libertad y por la justicia. Además, Blood encarna la figura señera del líder justo con los suyos, generoso con muchos y caballeroso con todos.
El tandem Flyn/Havilland con Basil Rathbone de malo, realizó varias películas entretenidas y divertidas que te hacía cogerles un cariño especial, a destacar Rathbone, por que ¿quién interpreta a malos malísimos y al mismo tiempo dar vida a Sherlock Holmes y salir más que airoso de la empresa?.
Me irrita ver la ignorancia histórica de el mundo anglosajón con España, cuando no la tergiversación sucia y vil. en 1685 reinaba Felipe IV?. Pues debía ser un zombi porque había muerto 20 años antes y reinaba su hijo Carlos II el Hechizado. Otra perla, es ver un barco Español atacando Port Royal con la bandera roja y gualda, debía ser un barco premonitorio por que hasta 100 años después con Carlos III, en la década de los 80 sí pero del siglo siguiente se institucionalizó nuestra actual bandera, antes era la cruz de Borgoña. ( Cruz roja en fondo blanco. ) Y dejando aparte que los Españoles siempre estan borrachos y su jefe más bien parece Yafar de Aladín que otra cosa.
EL CASO ESTA CERRADO OLVIDELO
El precio original era: 36,29 €.35,08 €El precio actual es: 35,08 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Thriller | Crimen. Drama carcelario. Mafia
Sinopsis
A la espera de un juicio que determine si es inocente o culpable, el arquitecto Vanzi (Franco Nero) acaba en prisión acusado de homicidio involuntario y de no prestar asistencia tras un accidente de tráfico. Encarcelado junto a asesinos, ladrones y violadores, será testigo de la cruda realidad de las prisiones italianas: funcionarios corruptos, presos vinculados al crimen organizado, un sistema judicial inhumano y el poder omnipresente de la Mafia. Contra su voluntad, Vanzi acabará envuelto en una espiral de violencia que lo llevará a enfrentarse con el jefe de los guardias, un nostálgico del fascismo al que todos llaman ‘el Duce’ (Turi Ferro), y con el capo de la mafia en la prisión, Salvatore Rosa (Claudio Nicastro)
(Damiano Damiani, 1971)
CRITICAS
Drama carcelario con toques de intriga y mensaje político a cargo del especialista en cine denuncia Damiano Damiani, con Franco Nero bastante creíble en el papel de un tipo de buena posición social que es encarcelado por un accidente de tráfico del que es inocente (¿o no?) que las pasará bastante estrechas para adaptarse al maco.
Con esta premisa se desarrolla una trama de chanchullos y ajustes de cuentas que deja pingando no solo al sistema penitenciario, sino también la corrupción generalizada, la presencia de ideas fascistoides muy arraigadas en la sociedad y la costumbre casi universal de mirar hacia otro lado, de desentenderse de aquello que nos puede complicar la vida. La película, y supongo que la novela en la que se basa también, viene a transmitir el mensaje, como ya dijo alguien en otra crítica de este film, de que la sociedad es corrupta porque las personas que la forman, por unos motivos u otros, se corrompen.
Buena ambientación, buena música, interpretaciones correctas, diálogos ácidos…algún altibajo de ritmo, pero en general muy buena película que plantea temas que siguen candentes hoy en día.
Y el final, como siempre en este tipo de películas…es uno de los puntos fuertes.
EL CASTILLO EN EL CIELO
El precio original era: 45,92 €.44,71 €El precio actual es: 44,71 €. *IVA IncluidoGénero
Animación. Fantástico. Aventuras | Steampunk. Piratas. Amistad. Cine familiar. Película de culto
Grupos
Studio Ghibli (y obras relacionadas)
Sinopsis
Una aeronave se desliza sobre un mar de nubes, en una noche de luna llena. Muska, un agente secreto del gobierno, acompaña a una chica llamada Sheeta a la fortaleza de Tedis. Repentinamente la nave es atacada por los piratas que, al igual que el gobierno, buscan el secreto de la piedra mágica de levitación que Sheeta lleva alrededor del cuello. La piedra es la llave que abrirá las puertas de La Fortaleza celeste, una isla flotante en medio del cielo creada por una misteriosa raza que hace mucho tiempo desapareció del planeta. Pazu, un joven muchacho, se hace amigo de Sheeta, le ayuda a escapar de sus seguidores y juntos se disponen a resolver el misterio de la Fortaleza Celeste. Cuando Sheeta y Pazu inician su viaje hacia la Fortaleza Celeste, ponen en marcha una cadena de acontecimientos irreversibles. En este misteriosos lugar encontrarán un tesoro mucho más grande que el poder de gobernar el mundo.
(Hayao Miyazaki, 1986)
CRITICAS
Aunque mi película favorita de Miyazaki siga siendo la sobresaliente «La Princesa Mononoke», hay que reconocer que este director ha convertido en oro todo lo que ha tocado. «El Castillo en el Cielo» es un ejemplo de ésto: Tenemos una historia simple que nos presenta a Shita, una preciosa joven, y a Pazu, un muchacho trabajador que se cruza con la fémina por casualidad. Resulta que Shita tiene una piedra con poderes especiales que podría estar relacionados con Laputa, un castillo volador, cuna de una civilización milenaria mucho más avanzada que los hombres. Esto ha llevado a Shita a ser perseguida, por lo que con la ayuda de Pazu tendrá que escapar…
La trama es simple, muy simple, tanto que en manos de otro estudio que no fuese Ghibli habría acabado en absolutamente nada. Pero los chicos de Miyazaki consiguieron imprimir al relato un nuevo enfoque, tirando por lo artístico para regalarnos una auténtica maravilla a nivel visual. Aunque técnicamente sea calcada a Heidi/Marco, lo cierto es que las secuencias de acción y vuelo son impresionantes, sencillamente. Las explosiones, la caída de las rocas… pese a ser animación de hace casi 20 años, es impresionante incluso hoy en día.
La calidad de la animación va acompañada con una BSO impresionante, que en momentos concretos -el descubrimiento de Laputa con el robot de piedra en la entrada- llegan a emocionar.
¿Y los personajes? Adorables. Shita es tierna e inocente, Pazu nos contagia con su valor, los piratas nos arrancan una sonrisa, y Muska llega a producir empatía con muchas de sus apariciones, algo meritorio teniendo en cuenta que es el «malo» de la historia. La fauna de Miyazaki y la factura técnica vueven a ser seña de identidad.
Aunque lo que más sorprende, son las solventes escenas en el aire, gran pasión de Miyazaki -o eso se da entender en todas sus películas-. Los enfrenamientos entre las naves o el torbellino de humo cubriendo la Isla Flotante son un buen ejemplo.
Lo mejor es que El Castillo en el Cielo es una película para todos los públicos que gustará a cualquiera que la vea, con seis, veinte o setenta años. Preciosísima historia «made in Ghibli». Sin duda, de lo mejor del estudio. De lujo, aunque personalmente por debajo de «Mononoke».
EL CAZADOR DE GATOS
El precio original era: 7,20 €.5,99 €El precio actual es: 5,99 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga | Policíaco. Crimen
Grupos
Adaptaciones de Elmore Leonard
Sinopsis
George Moran, un veterano de la intervención militar norteamericana, antiguo combatiente en la República Dominicana y en la actualidad propietario de un hotel de Miami, regresa a Santo Domingo con el fin de localizar a la mujer que le puso el mote de «Cazador de gatos». En su lugar encuentra a Mary, una mujer casada con el ex director de la policía secreta del país, e inicia un apasionado romance con ella…
(Abel Ferrara, 1988)
CRITICAS
¿Cuáles serían las consecuencias de juntar a un veterano del cuerpo de marines, un antiguo policía reciclado en gangster, un poderoso ex-general dominicano, la mujer de éste y amante del primero y un botín de dos millones (y pico) de dólares?
Pues que, como bien hemos pensado, todos estarían intentando trincar su tajada; así se conforma esta intriga llena de ambición, adulterio, violencia, traición y mucho dinero.
A estas alturas no son pocos los que conocen o han oído hablar de Elmore J. Leonard Jr., uno de los mejores escritores de novela negra que hubo y habrá, cuyas obras se han trasladado al cine y la televisión en innumerables ocasiones (sobresaliendo títulos como «El Tren de las 3:10», «Cómo Conquistar Hollywood», «Hombre», «El Infierno del Whiskey» y, cómo no, la tergiversadora adaptación de «Jackie Brown» de Tarantino). «Cat Chaser», «thriller» clásico bien recibido por crítica y público, fue uno de los primeros libros que escribió en los ’80, etapa en la que, según él, el humor estaba empezando a tomar gran partido en sus textos.
De su propia mano, con la colaboración de James Borelli, se llevaría a cabo un guión seis años después respaldado por el dúo de productores Peter S. Davis/William N. Panzer y contando con el siempre interesante y controvertido Abel Ferrara tras la cámara, después de haber realizado «The Gladiator», «thriller» de acción de bajo presupuesto para televisión (este señor nunca se librará de su condición de cineasta de serie «B»), y el drama de suspense y romance «China Girl», considerado por muchos, incluso por él mismo, una de sus mejores películas.
George Moran rememora sus días como soldado en la República Dominicana cuando las fuerzas militares americanas la ocuparon en 1.965 para restaurar el orden en mitad de la caótica guerra civil; ahora, este ex-marine trabaja y vive apaciblemente en un bonito hotel frente a la costa de Miami, aunque sus recuerdos siempre le asaltan. Decidido a encontrar a una joven soldado de un comando comunista que le salvó la vida, se dirige de nuevo a la República…pero en lugar de dar con ella se reencontrará con Mary, la mujer del general exiliado Andrés DeBoya, de la que al parecer siempre estuvo enamorado, iniciando así una aventura a sus espaldas.
George se verá implicado en el robo de dos millones de dólares que pertenecen al general junto un compañero ex-militar que ronda por su hotel vigilándole y un antiguo policía que realiza los encargos más sucios para DeBoya. «El Cazador de Gatos» comienza así su historia en las calles de una conflictiva República Dominicana, entre edificios en ruinas, sangre, balas y cadáveres, demostrando Ferrara lo bien que se le da la crítica sociopolítica, pero todo esto no parece ser más que un telón de fondo, un pretexto para la trama principal, ya que Moran no parece ser uno de esos soldados traumatizados cuyos recuerdos le atormentan día tras día.
No, en lugar de eso el ex-soldado se ve envuelto en una intriga con unos gangsters de poca monta en su bien apañado hotel de la costa, y aunque su viaje a la República conecte con su trágico pasado, eso tampoco conducirá a un drama antibelicista de consecuencias de guerra a lo «Corazones de Hierro», sino a un apasionante romance donde el protagonista se citará a escondidas con la esposa de un hombre poderoso, emparentándose más con las clásicas aventuras de amor clandestino en la línea de «Fuego en el Cuerpo» o la posterior «Revenge».
Sujeto a un guión en el que no participó directamente, Ferrara logra amoldarse al universo sucio, violento y romántico de Leonard a la perfección, universo clásico de novela negra con todos sus tics, giros narrativos y personajes estereotipados, pero con la capacidad de enganchar desde el principio hasta el final, con el director yendo desde hoteles dominicanos situados en barrios marginales (escenario muy característico de sus films) a grandes y lujosas mansiones.
Peter Weller ofrece una muy decente intepretación junto a la guapa Kelly McGillis, con la que se llevó fatal durante el difícil rodaje, Frederic Forrest, Tomás Milian y un genial a la par que repulsivo Charles Durning.