Mostrando 457–480 de 667 resultados
TIPO
- CineCine 620
- SeriesSeries 41
FILTRAR POR GÉNERO
- Acción / aventuras / artes marciales 206
- Animación / Anime 13
- Asiatico 26
- Bélico 32
- Ciencia ficción / SCI FI 72
- Clasico 163
- Comedia 123
- Contemporáneo / moderno 26
- CRITICA SOCIAL 2
- DocumentalDocumental 1
- Drama 346
- Erótico / adultos 5
- Europeo 137
- Infantil 19
- Musical 31
- Religioso 11
- RomanceRomance 76
- Social / político 109
- Super héroes y comics 13
- Terror 82
- Thriller/ Policíaco 243
- Western 27
FORMATO
IDIOMA
PRODUCTORA
- 18hz production 1
- 20th Century Fox 35
- A24 2
- ABC 6
- Agata Film 1
- Akira Committee Company Ltd. 1
- Alive Films 1
- Allied Artists 1
- Allied Filmmakers 1
- Alta Cinematografica 1
- Amblin Entertainment 2
- Amblin Partners 1
- American International Productions 1
- American Zoetrope 1
- Annapurna Pictures 1
- Apollo Films 1
- Aquila Cinematografica 1
- Arandano S.A 1
- Arco Film Roma 1
- Armenfilm Studios 1
- Arnold Pressburger Films 1
- Artistry Limited 2
- AS Films Producciones 1
- Atomic Monster 1
- Aubrey Schenck Productions 1
- AVCO Embassy Pictures 1
- Aver Media 1
- Avon Productions 1
- BBC 2
- Belisarius Productions 1
- Bert Marcus Productions 1
- Big Beach 1
- Bing Crosby Productions 2
- Black Bear Pictures 2
- Blinding Edge Pictures 1
- Bluestone Entertainment 1
- Blumhouse Productions 4
- Bryanston Picture 1
- C.V. Whitney Pictures 2
- C2 Motion Picture Group 1
- Cambridge Productions Inc 1
- Canal+ 2
- Canal+ España 1
- Cannon Films 1
- Cannon Group 1
- Cardinal Pictures 1
- Carolco Pictures 4
- CBS Films 1
- CBS Productions 2
- Ce Qui Me Meut 1
- Cecchi Gori Group Tiger Cinematografica 1
- Celador Films 1
- Ceskoslovenský Státní Film 1
- Charm City Productions 1
- Chloe Productions 1
- Ciné-Alliance 1
- Cinema 7 Film Group 1
- Cinema 77 1
- Cinema Center Films 1
- Columbia Pictures 37
- Contagious Entertainment 1
- Copperheart Entertainment 1
- Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Alemania-Italia 1
- Coproducción Bosnia y Herzegovina-Francia-Eslovenia 1
- Coproducción China-Francia 2
- Coproducción Dinamarca-Noruega-Suecia 1
- Coproducción España-Francia 3
- Coproducción España-Italia-Francia 1
- Coproducción España-Marruecos 1
- Coproducción Estados Unidos-Alemania-Israel 1
- Coproducción Estados Unidos-Canadá 3
- Coproducción Estados Unidos-China-Canadá-Japón 1
- Coproducción Estados Unidos-España 2
- Coproducción Estados Unidos-Francia 1
- Coproducción Estados Unidos-Hungría-España-Serbia 1
- Coproducción Estados Unidos-Irlanda 1
- Coproducción Estados Unidos-Reino Unido 3
- Coproducción Francia-Bélgica 1
- Coproducción Francia-Dinamarca 1
- Coproducción Francia-España-Portugal 1
- Coproducción Francia-Estados Unidos-España-Rumanía 1
- Coproducción Francia-Irán-Alemania del Oeste (RFA) 1
- Coproducción Francia-Italia 8
- Coproducción Francia-Italia-Alemania del Oeste (RFA) 1
- Coproducción Francia-Polonia 2
- Coproducción Hong Kong-China 1
- Coproducción Hungría-Alemania 1
- Coproducción Irlanda-Reino Unido-Canadá-Corea del Sur-Estados Unidos 2
- Coproducción Italia-Alemania-Suiza 1
- Coproducción Italia-España-Alemania 1
- Coproducción Italia-España-Alemania del Oeste (RFA) 2
- Coproducción Italia-Francia 8
- Coproducción Italia-Francia-Alemania 1
- Coproducción Italia-México-España 1
- Coproducción Italia-Reino Unido 1
- Coproducción México-España 1
- Coproducción México-Italia 1
- Coproducción Noruega-Dinamarca-Rumanía-Polonia 1
- Coproducción Reino Unido-Canadá 1
- Coproducción Reino Unido-Dinamarca-Tailandia 1
- Coproducción Reino Unido-Estados Unidos 3
- Coproducción Reino Unido-Francia 1
- Coproducción Reino Unido-Francia-Hungría-Estados Unidos 1
- Coproducción Reino Unido-Irlanda-Estados Unidos 1
- Coproducción Serbia y Montenegro-Italia-Francia 1
- Coproducción Suiza-Alemania del Oeste (RFA)-España 1
- Coproducción Túnez-Francia 1
- Curtis Enterprises 1
- David L. Wolper Productions 1
- DC Entertainment 1
- De Grunwald Productions 1
- De Laurentiis Entertainment Group 1
- Delphi V Productions 1
- Demitri Samaha Productions 1
- Dino de Laurentiis Cinematographica 1
- Documento Film 1
- Dolores Pictures 1
- DreamWorks SKG 2
- Empire Pictures 1
- Encyclopedia Pictura 1
- Enigma Films 1
- Europa Corp 2
- Fair Film 1
- Film Workshop 1
- Film4 Productions 1
- Filmax 1
- Films A2 1
- First National Pictures 1
- Focus Features 1
- Fox 2000 Pictures 2
- Fox Searchlight 1
- France 2 (FR 2) 1
- Frank Capra Productions 1
- Fuji TV 3
- Galatea Film 2
- Gasteizko Zinema 2
- Gaumont 2
- Glen A. Larson Productions 1
- Golan-Globus Productions 1
- Golden Harvest Company 2
- Goodmark Productions Inc. 1
- Goskino 1
- Government of West Bengal 1
- Grovas-Oro Films 1
- Hammer Productions 3
- HandMade Films 1
- HanWay Films 1
- Harbor Productions 1
- HBO 3
- Hill Valley 1
- Hollywood Pictures 1
- Hughes Entertainment 1
- Image Organization 1
- Imagine Entertainment 1
- Individual Pictures 1
- International Films 1
- ITC 1
- ITC Entertainment 1
- Ízaro Films 2
- Jeonwonsa Film 1
- Jesuit Communications Foundation 1
- Jim Henson Company 1
- Kennedy Miller Productions 1
- Kettledrum Films 1
- Kings Road Entertainment 1
- Kopelson Entertainment 1
- Lava Bear Films 1
- Lea Film 1
- Les Films du Carrosse 3
- Les Films du Siecle 1
- Les Productions Fox Europa 1
- Lionsgate 3
- Lira Films 1
- Lolafilms 1
- London Films 1
- Lord Grade 1
- Magnolia Pictures 1
- Maljack Productions 1
- Malpaso Productions 1
- Marvel Studios 1
- Media Films 1
- Mediacorp Raintree Pictures 1
- Mediaworks 1
- Memorial Enterprises 1
- Mervyn LeRoy 2
- Messidor Films 1
- Meteorito Films 1
- MGMMGM 31
- Michael Todd Company 1
- Milestone Pictures 1
- Miracle Mile Productions 1
- Mirage Entertainment 1
- Miramar Films 2
- Miramax 4
- Mosfilm 1
- MTM Enterprises 1
- Mutual Film Company 1
- Nasser Group 1
- NBC 2
- Nero Film 1
- Netflix 1
- New Line Cinema 4
- Nickelodeon Animation Studios 2
- Nikkatsu 1
- Nordic Screen Production 1
- Nordisk Film 1
- Ofelia Films 1
- Origen PC 1
- Original Film 1
- Orion Pictures 5
- Pajemer Productions 1
- Palo Alto Productions 1
- ParamountParamount 9
- Paramount Pictures 24
- Paramount Television 4
- Patagonik 1
- Pathé Image Production 1
- Pedro Masó Producciones Cinematográficas 1
- Penthouse Films International 1
- Personafilm GmbH Munich 1
- PHI Films 2
- Philip A. Waxman Productions Inc 1
- Pixar Animation Studios 1
- Polygram Filmed Entertainment 4
- Raimi Productions 1
- Renaissance Pictures 2
- RKO Radio Pictures 5
- Rob Houwer Productions 1
- RTVE 2
- Sam Spiegel 1
- Samuel Goldwyn Company 3
- Scotti Brothers Pictures 1
- Screen Gems 1
- Selznick International Pictures 2
- Shôchiku 1
- Shochiku 4
- Sixty Six Pictures 1
- Ska Films 1
- SLM Production 1
- Smokewood Entertainment Group 1
- Sony Pictures 2
- Sony Pictures Classics 1
- Stanley Kramer Productions 3
- Stephen J. Cannell 2
- Studio Chizu 1
- Studio Ghibli 1
- Studiocanal 1
- Summit Entertainment 2
- Svensk Filmindustri (SF) 3
- Sweetland Films 1
- TANGO FILM 1
- Thames Television 5
- The Cannon Group Inc 4
- The Mirisch Corporation 1
- The Rank Organisation 1
- Theodora Productions 1
- Three Little Birds Pictures 1
- Titanus 2
- Toei 1
- Toei Animation 2
- Toho 3
- Touchstone Pictures 3
- Trastorno Films 1
- Trésor Films 1
- Tribeca Productions 1
- Trimark Pictures 2
- TriStar Pictures 2
- UGC Images 1
- United Artists 14
- Universal International Pictures 4
- Universal Pictures 49
- Universal Pictures Television 1
- USA Films 1
- Vertigo Productions 1
- Walt Disney Pictures 1
- Warner Bros 53
- Warner Bros., Syncopy Production, Paramount Pictures, Legendary Pictures, Lynda Obst Productions 5
- Wiedemann & Berg Filmproduktion 1
- William Castle Productions 1
- Wolfkill 1
- Xi 'an Motion-Picture 1
- Zanuck/Brown 2
- Zebra Producciones 1
- Zeta Cinema 1
- Zoetrope Studios 1
AÑO LANZAMIENTO
Director
- Aaron Norris 3
- Abraham Polonsky 1
- Adam Wingard 1
- Adil El Arbi 1
- Adrian Lyne 1
- Akira Kurosawa 3
- Akira Toriyama 2
- Alain Corneau 1
- Alain Resnais 1
- Alan J. Pakula 1
- Alan Parker 2
- Albert Magnoli 1
- Albert Serra 1
- Alberto Rodríguez 2
- Alejandro Jodorowsky 1
- Alessandro Blasetti 1
- Alex Garland 2
- Alex Proyas 2
- Alexandre Aja 2
- Alfred Hitchcock 9
- Anatole Litvak 1
- Andrew V. McLaglen 1
- Andrzej Wajda 1
- Andy Wilson 1
- Annabel Jankel 1
- Anthony Mann 3
- Anthony Scott Burns 1
- Antoine Fuqua 2
- Antonio Betancor 1
- Arthur Lubin 1
- ARTHUR PENN 1
- Artie Mitchell 1
- Basil Dean 1
- Baz Luhrmann 1
- Bernard McEveety 1
- Bernard Rose 1
- Bernardo Bertolucci 1
- Bertrand Tavernier 1
- Bi Gan 2
- Billy Wilder 2
- Bob Clark 1
- Bob Rafelson 1
- Bradley Cooper 2
- Brian De Palma 6
- Brian Klugman 1
- Brian Yuzna 1
- Bruce Beresford 1
- Bruce Lee 1
- Bryan Fuller 2
- Carl Erik Rinsch 1
- Carlo Lizzani 1
- Carlos Brooks 1
- Carlos Saura 3
- Cédric Klapisch 1
- Cesc Gay 1
- CHANTAL AKERMAN 2
- Charles Burmeister 1
- Charles Crichton 1
- Charles Laughton 1
- Chloe Zhao 1
- Chris Columbus 2
- Christian-Jaque 1
- Christophe Gans 1
- Christopher Canaan 1
- Christopher Leitch 1
- Christopher Nolan 13
- Chuck Russell 2
- Claude Autant-Lara 1
- Claude Lelouch 1
- Claude Sautet 1
- Clint Eastwood 6
- Clive Donner 1
- Curtis Harrington 1
- Damiano Damiani 1
- Damien Chazelle 1
- Dan O'Bannon 1
- Dan Trachtenberg 1
- Daniel Chong 1
- Daniel Petrie 1
- Danis Tanovic 1
- Danny Cannon 1
- David Cronenberg 1
- David Fincher 2
- David Greene 1
- David Hogan 1
- David Mackenzie 1
- David R. Losada 1
- David Twohy 3
- David Yates 1
- Dean DeBlois, Chris Sanders 1
- Denis Villeneuve 5
- Derek Drymon 2
- Dick Richards 1
- Dino Risi 1
- Don Chaffey 1
- Don Siegel 2
- Donald P. Bellisario 1
- Doug Liman 1
- Douglas Jackson 1
- Douglas Sirk 2
- Duncan Jones 1
- Ed Spielman 1
- Edward Buzzell 1
- Edward Dmytryk 3
- Elia Kazan 1
- Elichi Kudo 1
- Elliot Silverstein 1
- Emerald Fennell 1
- Emilie Blichfeldt 1
- Emir Kusturica 1
- Emma Tammi 3
- Emmett Alston 1
- Enrique Gabriel 1
- Enzo G. Castellari 1
- Éric Rohmer 1
- Erik Skjoldbjaerg 1
- Ermanno Olmi 2
- Ernesto Sevilla 1
- Ernst Lubitsch 1
- Fabián Bielinsky 1
- Federico Fellini 1
- Fernando Fernán Gómez 2
- Fernando Palacios 1
- Florian Henckel von Donnersmarck 1
- Francesco Rosi 1
- Francis Ford Coppola 1
- Franco Zeffirelli 1
- François Truffaut 3
- Frank Capra 1
- Frank Darabont 3
- Frank Lloyd 1
- Frank Marshall 1
- Frank Whaley 1
- Franklin J. Schaffner 1
- Fred M. Wilcox 1
- Fred Niblo 1
- Fritz Lang 2
- Gabriel Le Bomin 1
- Gary David Goldberg 1
- Gary Goddard 1
- Gene Saks 1
- Georg Wilhelm Pabst 1
- George Cukor 2
- George Fitzmaurice 1
- George Marshall 1
- George Miller 4
- George Pan Cosmatos 1
- George Roy Hill 2
- George Seaton 1
- George Stevens 1
- George T. Miller 1
- Gérard Kikoïne 1
- Gerry Anderson 1
- Geza Beremenyi 1
- Gillo Pontecorvo 1
- Giuseppe Tornatore 1
- Glen A. Larson 1
- Gordon Douglas 1
- Gregg Champion 1
- Gregory Hoblit 1
- Gregory Ratoff 1
- Guillaume Canet 1
- Gus Van Sant 1
- Guy Ritchie 2
- Hayao Miyazaki 1
- Henri Verneuil 1
- Henry Hathaway 1
- Henry King 1
- Herbert Ross 2
- Herbert Wilcox 1
- Hermanas Wachowski 1
- Hong Sang-soo 1
- Howard Deutch 1
- HOWARD HAWKS 3
- Howard J. Ford 1
- Hugh Hudson 1
- Ingmar Bergman 4
- Ira Parker 1
- Irene Cardona 1
- Isaiah Saxon 1
- Isao Takahata 2
- Ivan Reitman 1
- J. Lee Thompson 3
- J.T. Mollner 1
- Jack Arnold 2
- Jack Conway 1
- Jacques Audiard 1
- James Bridges 1
- James Burrows 3
- James Cameron 3
- James Clavell 1
- James Fargo 2
- James Gunn 1
- James L. Brooks 1
- James Mangold 2
- James McTeigue 1
- James V. Kern 1
- James Vandervilt 1
- Jan de Bont 1
- Jason Reitman 1
- Javier Aguirre 1
- Javier Elorrieta 2
- Jean Negulesco 2
- Jean-Luc Godard 1
- Jeannot Szwarc 3
- Jeff Nichols 1
- Jeff Wadlow 1
- Jerry Lewis 1
- Jerry Schatzberg 1
- Jim Henson 1
- Jim Sharman 1
- Joaquín Reyes 1
- Joel Coen 2
- Johannes Roberts 1
- John Carpenter 3
- John Cassavetes 1
- John Cornell 1
- John Cromwell 2
- John Farrow 1
- John Ford 4
- John H. Auer 1
- John Huston 3
- John Ireland 1
- John Irvin 1
- John Krish 1
- John McNaughton 1
- John McTiernan 2
- John Milius 2
- John Sturges 2
- John Waters 1
- John Woo 3
- Jon M. Chu 2
- Jon Turteltaub 1
- Jordan Peele 1
- José Luis García Sánchez 1
- José María Forqué 1
- Joseph H. Lewis 1
- Joseph L. Mankiewicz 3
- Joseph Losey 1
- Joseph M. Newman 1
- Joseph Zito 2
- Joshua Logan 1
- Juan Bustillo Oro 1
- Juanma Bajo Ulloa 2
- Julia Ducournau 1
- Kaouther Ben Hania 1
- Karel Zeman 1
- Kathryn Bigelow 1
- Katsuhiro Otomo 1
- Katsuhiro Ōtomo 1
- Katt Shea 1
- Keisuke Kinoshita 1
- Ken Russell 1
- Kenneth Branagh 1
- Kevin Costner 1
- Kevin Lima 1
- King Vidor 1
- Kon Ichikawa 2
- Krzysztof Kieślowski 1
- Ladislao Vajda 1
- Lee Cronin 1
- Lee Daniels 1
- Lee Isaac Chung 1
- Leo McCarey 2
- Leon Ichaso 1
- Lewis Allen 1
- Lewis John Carlino 1
- Lilja Ingolfsdottir 1
- Lindsay Anderson 1
- Luc Besson 3
- Luchino Visconti 2
- Lucio Fulci 1
- Luis Buñuel 1
- Luna 1
- M. Night Shyamalan 2
- Mamoru Hosoda 1
- Manuel Gómez Pereira 1
- Manuel Gutiérrez Aragón 1
- Marcel Carné 1
- Mario Bava 2
- Mario Monicelli 1
- Mark DiSalle 1
- Mark L. Lester 1
- Mark Rydell 1
- Mark Sandrich 1
- Mark Steven Johnson 1
- Mark Waters 1
- Martin Ritt 1
- Martin Scorsese 7
- Marvin J. Chomsky 1
- Mary Harron 1
- Masahiko Nagasawa 1
- Matt Shakman 1
- Matthew Chapman 1
- Maurice Cloche 1
- Max Makowski 1
- McG 1
- Mel Brooks 1
- Menahem Golan 1
- Mervyn LeRoy 1
- Michael Anderson 1
- Michael B. Jordan 1
- Michael Cimino 1
- Michael Corrente 1
- Michael Crichton 1
- Michael Curtiz 3
- Michael Gordon 2
- Michael Mann 1
- Michael Ritchie 1
- Michelangelo Antonioni 2
- Mike Hodges 1
- Mike Leigh 1
- Mike Newell 1
- Milos Forman 3
- Mitchell Leisen 4
- Morten Tyldum 1
- Neil Burger 1
- Neil Marshall 1
- Nia DaCosta 1
- Nicolas Winding Refn 2
- NORMAN JEWISON 1
- Norman Taurog 2
- Norman Z. McLeod 1
- Orson Welles 1
- Osgood Perkins 1
- Parker Finn 1
- Pascal Laugier 1
- Paul Greengrass 1
- Paul Schrader 1
- Paul Thomas Anderson 1
- Paul Verhoeven 1
- Peter Collinson 1
- Peter Farrelly, Bobby Farrelly 1
- Peter Frazer-Jones 5
- Peter S. Fischer 1
- Peter Yates 3
- Phil Karlson 2
- Philip Barantini 1
- Phillip Noyce 1
- Pier Paolo Pasolini 1
- Pierre Granier-Deferre 1
- Pietro Germi 1
- Quentin Tarantino 3
- Rafael Cobos 1
- Rainer Werner Fassbinder 2
- Ralph Nelson 3
- Ranald MacDougall 1
- Randall Miller 1
- Raoul Walsh 1
- Ray Nazarro 1
- René Cardona 1
- René Clair 2
- René Clément 1
- Richard Brooks 2
- Richard Donner 1
- Richard Fleischer 3
- Richard Levinson 6
- Ridley Scott 3
- Rob Reiner 1
- Robert Altman 1
- Robert De Niro 1
- Robert Stevens 1
- Robert Wise 1
- Robert Zemeckis 2
- Roberto Rossellini 1
- Rod Danie 1
- Rodman Flender 1
- Roger Kumble 1
- Roger Michell 1
- Roland Emmerich 3
- Roman Polanski 1
- Ron Howard 4
- Ron Shelton 1
- Ronald Neame 1
- Ronan Day-Lewis 1
- Roy Rowland 1
- Russell Mulcahy 1
- Ryan Coogler 1
- Sam Mendes 2
- Sam Raimi 3
- Sam Taylor-Johnson 1
- Sam Wood 1
- Sammo Hung 1
- Santiago A. Zannou 1
- Satyajit Ray 1
- Scott Cooper 2
- Scott Derrickson 1
- Sergei Bondarchuk 1
- Sergei M. Eisenstein 1
- Sergei Parajanov 1
- Sergio Corbucci 1
- Sergio Leone 3
- Sergio Martino 1
- Shawn Levy 1
- Shuji Terayama 1
- Sidney Gilliat 1
- Søren Sveistrup 1
- Spike Lee 1
- STANLEY KUBRICK 1
- Stephen Chbosky 1
- Stephen J. Cannell 2
- Stephen Sommers 3
- Steve De Jarnatt 1
- Steven SpielbergSteven Spielberg 12
- Stuart Cooper 1
- Stuart Gordon 1
- Stuart Rosenberg 2
- Sydney Pollack 3
- Terence Fisher 1
- Terrence Malick 1
- Terry Jones, Terry Gilliam 1
- The Duffer Brothers 1
- Tim Burton 2
- Tim Hunter 1
- Tinto Brass 1
- Tobe Hooper 1
- Tod Browning 2
- Tom Gormican 2
- Tom Gries 1
- Tomoharu Katsumata 1
- Tony Scot 1
- Uli Edel 1
- Ulu Grosbard 1
- Val Guest 1
- VARIOS 4
- Víctor Erice 1
- Victor Fleming 4
- Victor Heerman 1
- Vincent Sherman 1
- Vincente Minnelli 2
- Vittorio De Seta 1
- Walter Bernstein 1
- Walter Hill 3
- Walter Lang 1
- Wang Quan'an 1
- Waris Hussein 1
- Wes Ball 1
- Wes Craven 3
- William A. Wellman 1
- William Castle 1
- William Friedkin 2
- William Oldroyd 1
- William Peter Blatty 1
- William Tannen 1
- Wim Wenders 1
- Wolfgang Petersen 1
- Wong Jing 1
- Woody Allen 1
- Xavi Giménez 1
- Yasujirō Ozu 2
- Yorgos Lanthimos 2
Price
CATEGORÍAS
- Accessories 3
- GÉNERO 3118
- Acción / aventuras / artes marciales 1028
- Animación / Anime 123
- Asiatico 109
- Bélico 190
- Ciencia ficción / SCI FI 333
- Clasico 809
- Comedia 640
- Contemporáneo / moderno 127
- Documental 24
- Drama 1610
- Erótico / adultos 23
- Europeo 701
- Infantil 174
- Musical 144
- Religioso 69
- Romance 418
- Social / político 552
- Super héroes y comics 74
- Terror 474
- Thriller/ Policíaco 1069
- Western 149
- IMPORTACIÓN 71
- NOVEDADES 667
- PREVENTA 106
NOVEDADES
LOU GRANT – SERIE MITICA – temporada 1
Género
Serie de TV. Drama | Periodismo
Sinopsis
Serie de TV (1977-1982). 5 temporadas. 114 episodios. Aprovechando un personaje de una serie que se cancelaba ese año («The Mary Tyler Moore Show»), la cadena CBS presentó una nueva sobre el mundo del periodismo. En el último episodio de «The Mary Tyler Moore Show», Lou Grant y el resto del equipo eran despedidos de la cadena de Televisión WJM-TV en Minneapolis. En el primer episodio de «Lou Grant», Grant acude a una entrevista con un viejo amigo para conseguir un empleo en Los Angeles Tribune. El escenario es la redacción del periódico y trata sobre diversos asuntos personales, profesionales y sociales. Obtuvo un gran éxito y fomentó el interés de muchos jóvenes por el periodismo
CRITICAS
Tuve la suerte de pillar al menos dos reposiciones de la serie décadas después y sencillamente no había envejecido nada. El look sí. EL cambio de las maquinas a los monitores sí…pero los temas que trataba no….prostitución, violencia de genero, corrupción política, acoso sexual, vertidos químicos, incendios provocados, malversación de fondos, leyes que no protegen, la soledad, etc.
La pandilla de Los Angeles Tribune no solo trataba de temas actuales sino que también hablaba de ellos. Era lo bueno de la serie…sus relaciones personales. Es difícil conseguir crear eso en una serie coral pero Lou Grant lo logró con creces.
LOVING
Género
Drama. Romance | Melodrama. Años 50. Años 60. Racismo. Basado en hechos reales. Cine independiente USA
Sinopsis
La historia real de Mildred y Richard Loving, una pareja que se casó en Virginia en 1958. Debido a la naturaleza interracial de su matrimonio, fueron arrestados, encarcelados y exiliados. Durante una década la pareja luchó por su derecho a regresar a casa
(Jeff Nichols, 2016)
CRITICAS
Maravillosa película. Estoy segura de que muchos (o algunos) de los que vean «Loving» serán homófobos que rechacen el matrimonio gay pero se extrañen o se escandalicen de que hasta 1967 (¡1967, casi los años setenta, casi antesdeayer!) el interracial estuviera prohibido en Estados Unidos.
Dentro de cincuenta años harán otra película sobre ellos donde igualmente quedarán retratadas sus ignorantes y siniestras ideas y espero que también, dentro de cincuenta años, todo el mundo se extrañe y se escandalice de que hubo épocas en que seres humanos prohibían a otros seres humanos amarse y casarse libremente.
La última obra de Jeff Nichols confirma su posición descollante en el horizonte del nuevo cine norteamericano (Shotgun Stories, Take Shelter, Mud, Midnight Special y ahora Loving).
El drama de una pareja interracial enfrentada a la intolerancia segregacionista del estado de Virginia en pleno siglo XX nos recuerda que la barbarie xenófoba no está lejos -y menos ahora con el sátrapa Donald Trump como soberano Wasp del imperio-.
El argumento se presta a clichés sensibleros y maximalismos panfletarios, peligros que Nichols sortea con la sutileza y sensibilidad medida que atesoran solo los grandes. El guión contenido, sin excesos, y la actuación impresionante de Joel Edgerton Y Ruth Negga (¿es su apellido?) cimentan una obra mayor desbordante de humanidad y serena emoción. Imprescindible.
LUCKY LUCIANO
Género
Acción | Crimen. Mafia. Basado en hechos reales
Sinopsis
Nueva York, 11 de febrero de 1946. El gángster Lucky Luciano, principal responsable, en los años 30, de los sangrientos enfrentamientos entre distintas bandas mafiosas, es expulsado de los Estados Unidos. Condenado en principio a 35 años de prisión, la pena quedó reducida a sólo nueve por los servicios prestados al ejército norteamericano. De regreso a Italia, transforma rápidamente Sicilia en el centro mundial del tráfico de heroína. Pero el Departamento de Narcóticos, dirigido por Charles Siragusa, intentará desmantelar sus operaciones criminales.
(Francesco Rosi, 1973)
CRITICAS
He visto esta película por el mismo motivo por el que veo casi todas: por curiosidad. Esto me juega a veces malas pasadas, pero no ha sido el caso. Sabía ligeramente de la existencia de Francesco Rosi, pero, a pesar de mi cinefagia incurable, no le había prestado atención alguna. Cuando se editó en DVD, me picó el gusanillo y decidí probar suerte. Y, la verdad, no me ha decepcionado para nada la experiencia.
Quizás sea esta la película más extraña, pero también la más documentada, sobre la Mafia. Digo extraña porque no se parece en nada al cine de gángsters más popular entre el público. Quien se acerque a esta película con la intención de ver una versión italiana de Uno de los Nuestros o Erase una vez en América se va a llevar una gran decepción. Las intenciones del film no son en ningún modo la creación de un relato épico sobre las andanzas de unos personajes malvados pero fascinantes. La estructura de la película adopta el tono seco de un reportaje dramatizado, presentando a sus personajes (cuya personalidad no es precisamente atrayente) de manera poco enfática, mediante una voz en off o un personaje ajeno a la acción, que nos ponen en antecedentes sobre su pasado y sus futuras andanzas. En segundo lugar, la tensión o las secuencias espectaculares brillan por su ausencia.
Rosi prefiere centrarse en el lado más burocrático y mercantil del hampa, en su lucha contra las investigaciones del departamento de narcóticos o su colaboración con los principales poderes de la sociedad (político, militar o eclesial), de ahí su desapego por cualquier viso de dramatismo que desvíe al film de su intención principal: la denuncia. Y es que este director, el más popular autor de cine político durante los 60 y gran parte de los 70, pretende hacer una crítica, de raíces marxistas, de los flujos de poder en la sociedad contemporánea con el pretexto del crimen organizado. Este es su gran acierto, pero también el factor que hace que gran parte del público actual rechace el film.
La película es irreprochable en su mensaje, y su realización es casi impecable, si exceptuamos algunos tics propios de la época que a mí me ponen especialmente nervioso, como los zooms o las tomas «sucias» con teleobjetivos. La ambientación es extraordinaria, y las interpretaciones son muy correctas. Todo ello es producto de un exhaustivo trabajo de documentación, otro de los puntos fuertes de la película. En resumen, una obra casi desconocida pero que merece redescubrirse.
Para terminar, lo que más me llamó la atención fue que otros amigos, tan cinéfilos como yo, ignorasen completamente la existencia de este director, considerado uno de los grandes del séptimo arte. La moda del cine político pasó, y las obras de Rosi han caído en el olvido, lo cual es muy injusto. Su obra debería ser recuperada más allá de su faceta política. Su brillantez formal y su mensaje contestatario no han envejecido (casi, si queremos matizar), y deberían servir de ejemplo a muchos cineastas actuales.
MAD MAX EL GUERRERO DE LA CARRETERA – EDICION 4K UHD
Género
Acción. Ciencia ficción | Western futurista. Road Movie. Futuro postapocalíptico. Secuela. Película de culto
Grupos
Mad Max
Sinopsis
Tras el holocausto nuclear, la gasolina se ha convertido en un bien escaso y muy codiciado. Mad Max, héroe solitario, inicia una lucha sin cuartel para ayudar a una colonia de supervivientes constantemente atacada por un grupo de violentos guerreros que intenta arrebatarle un tanque de gasolina. Max decide ayudar a los defensores del tanque..
(George Miller, 1981)
CRITICAS
Película innovadora, una serie de ciencia ficción de nuevo trazo que dio lugar a muchas secuelas sobre argumentos futuristas. Ambientes desérticos, grupos tribales, salvajes, donde el vandalismo por fin se impone en la sociedad, es el principio de la Historia; el más fuerte será el Rey y luego vendrán las fronteras de los territorios, las materias primas, su comercio y de nuevo la civilización se irá imponiendo y vuelta a empezar.
Solamente Mad Max no caerá en el engaño. Entrará en el círculo de defensa, pero por propio interés. Esta vez las leyes no cuentan para él. Sobrevivir. Punto.
Mad Max: su perro, su indiferencia ante la destrucción, hierros para tullidos en una pierna, su coche, su recortada…
Es una película tan audaz, tan soberbia, tan completa, que hasta tiene su historia de amor, escueta y valiente, de tragedia griega, porque las miradas que se echan, Max, el guerrero, y la rubia, Diana cazadora, son primitivas, antecesoras.
Y el guión no se queda corto: donde parece haber únicamente un grupo de personajes luchando por la supervivencia, hay mucho más: referencias al Western (el asalto al fuerte/refinería), al cine medieval (esa escena nocturna con antorchas, digna del un filme de vikingos), al monomito de Joseph Campbell (se sabe que Miller es un fan de este autor) e incluso a la travesía del desierto de Moisés (que, al igual que Max, ha de ayudar a llegar a una comunidad a la tierra prometida mientras se les persigue por el desierto… para quedar solo entre las dunas, vagando).
Así es el amor para Mad Max, efímero, no hay hueco en su vida para un amor duradero.
Darle un cartucho y una lata de gasolina y moverá el mundo.
Lo dicho. UN CLÁSICO.
MADO
Compañías
Coproducción Francia-Italia-Alemania del Oeste (RFA); Italgema Roma, Terra Film, Les Films de la Boétie
Género
Drama
Sinopsis
Un empresario de mediana edad, Simon Leotard (Michel Piccoli), ve cómo peligra su futuro cuando su colaborador Julien (Bernard Fresson) se suicida por las deudas de la empresa. Su enemigo en los negocios, Lépidon (Julien Guiomar), le ofrece comprarle la empresa por una irrisoria cantidad. Simon decide no caer en la trampa y salir de la crisis a su manera, aunque para ello tenga que contratar a una prostituta llamada Mado (Ottavia Piccolo)
(Claude Sautet, 1976)
CRITICAS
Sautet no decepciona. Es un director elegante y preciso que nos guía por las historias sin dejar ningún detalle al azar: color, ambientación, música, todo está pensado para que lleve al tema; en este caso, la inmoralidad en los negocios.
Y, por eso, Piccoli es, en la primera imagen el amante de una mujer mucho más joven que él, el hombre de negocios rodeado de buen vino, en un apartamento burgués, de amplios ventanales, mullida tapicería clásica, elegante traje y camisa con gemelos de oro y después lo vemos vendiendo sus objetos de arte, sudando, enlodado y perdiendo a su amante eventual.
Porque la bajeza moral va deteriorando al personaje hasta cubrirlo físicamente de barro, en una muy buena metáfora de lo que un personaje dice en el bar: «nos parecía que las formas de Lépidon eran sucias pero nosotros hemos usado sus mismas tácticas para salvar el negocio». Así es. Ellos persiguen un buen fin sin preocuparse de los principios.
Al final Mado, que se prostituye en sus horas libres, da una lección de moralidad al hombre «limpio».
MARIDOS
Género
Drama | Comedia dramática. Amistad. Cine independiente USA
Sinopsis
El dentista Gus, el publicista Harry y el periodista Archie son tres amigos casados y vecinos de Long Island que se reúnen para asistir al entierro de un amigo, muerto de un ataque cardíaco. Tras el entierro, deciden ir a un club de Manhattan a jugar al baloncesto y a nadar. La ocasión es propicia para que reflexionen sobre sus vidas, sus amores y sus relaciones, cuestiones que no se habían detenido a examinar hasta ese momento; y, de pronto, les asalta la sensación de que la juventud se les ha ido inconscientemente de las manos.
(John Cassavetes, 1970)
CRITICAS
Quinto largometraje del neoyorquino John Cassavetes, una obra que me ha maravillado, con un mensaje único, con un mensaje con el que le he encontrado una similitud con «Los inútiles» de Federico Fellini. La película parece un drama «Coming of age» en plena crisis de los 40, una tragicomedia sobre la vida con una dirección única y unas actuaciones increíbles. John Cassavetes está demasiado bien, Peter Falk en su línea, saliéndose (Este señor no solo es «Colombo») y para destacar entre los tres, la soberbia actuación de Ben Gazzara, que se come la escena en cuanto se le ve por el encuadre.
No quiero adentrarme en aspectos técnicos, quiero hablar de ella más como la obra artística que es.
John Cassavetes decía que lo que le intereseba en sus películas era que los personajes experimentasen realmente lo que es el amor aunque para ello fuese necesario que se odiasen o se machacasen enre ellos.
En «Shadows», su primer film, comienza a trabajar sobre ello con un resultado notable y en «Faces» consigue transmitir esa sensación de multidimensionalidad del amor a través de la relación tortuosa de la pareja protagonista, hasta el punto de la humillación y de la vejación delante de la cámara.
En «Husbands» el director norteamericano de carácter más europeo se centra en el tema de la amistad aunque también toca tangencialmente el del amor.
La premisa argumental es bien sencilla: tres amigos, los tres casados, con empleo y con hijos, ante la muerte de un amigo común de toda la vida, deciden irse de jarana, escapar de la realidad que les oprime y emprender un loco viaje a Londres en donde se encontraran a sí mismos.
Mientras que cualquier otro director hubiese fracasado estrepitosamente ante semejante argumento, Cassavetes, con la cámara como un bisturí, disecciona el alma de estos tres amigos durante las dos horas de metraje.
Cassavetes coloca a Peter Falk y a Ben Gazzara en el abismo. Su viaje les haces replantearse su existencia hasta el punto que uno de ellos decide romper con todo y quedarse en Londres.
Al igual que sucede con «Faces», logramos identificarnos tanto con los personajes que al acabar el film uno se pregunta: «¿Y Ben Gazzara se quedará realmente en Londres o volverá cuando se le pase el venazo?». ¿Con que película actual salimos del cine padeciendo por el futuro de un personaje?
«Husbands» es una reflexión muy seria sobre el agobio que debe producir el tener una vida ordenada, llevar muchos años casado y haber formado una familia. La expresión «echar una canita al aire» se analiza desde una perspectiva seria y el espectador llega a la trágica conclusión de que sí, en ocasiones hay que mandarlo todo a la mierda y pegarte una escapada con tus colegas. Sino la opresión y las obligaciones de la vida conyugal y familar pueden acabar por volverte loco.
Aparte de buen director, Cassavetes era un estupendo actor. El documental «Intimo Cassavetes» nos acerca su manera de trabajar. Sus películas pueden parecernos improvisadas o rodadas de cualquier manera, nada más lejos de la realidad. Lo único que Cassavetes dejaba «en el aire» era lo que cada actor/actriz podía aportar a la secuencia; tenía la cámara y el sonido instalado de tal forma que el encuadre siempre recogiese ese movimiento, esa expresión o esa frase que el actor, siempre metido en su papel, aportaba a la peli. Y eso siempre las enriquecía mucho.
Una obra sobre la vida, la falta de ella y para que te marque para toda ella.
MARTYRS
Género
Terror | Gore. Secuestros / Desapariciones. Años 70. Body Horror. Película de culto
Grupos
New French Extremity
Sinopsis
En Francia, a comienzos de 1970, Lucie, una niña desaparecida un año antes, es vista mientras camina por una carretera. Se encuentra en estado catatónico y es incapaz de contar nada de lo que le ha sucedido.
(Pascal Laugier, 2008)
CRITICAS
Algo totalmente inesperado y original es lo que me he encontrado, el que vaya a verla pensando que se encontrará una película Gore al uso no la va a encontrar; cierto es que la violencia a priori es gratuita y sin ningún tipo de fundamento, pero la manera tan realista y humana con la que es tratado el tema la aparta enseguida de cualquier película de violencia gratuita antes vista. Además de tener un guión impresionante y unas actuaciones fuera de lo común últimamente en el cine.
Las personajes como alguien ha dicho en otra crítica no son para nada esquizofrénicas ni mucho menos, como han dicho en otra crítica son unas muchachas que no han tenido una infancia como la del resto de los mortales. Anna una de las protagonistas (con la que acaba moviéndose el final de la trama) es una chica coraje, no sé, era envidiable su carácter y su insaciable bondad.
La película por momentos me hacía sufrir, incluso estoy a punto de llorar y no quiero y por eso sufro más aun, dios mío…, pero como puede alguien ver esta película solo como algo sangriento y cruel.
Una sociedad secreta que se dedica a torturar sin límites a sus víctimas (todas niñas y jovencitas). Una niña que consigue escapar del martirio y 15 años más tarde vuelve decidida a consumar su venganza con una escopeta bajo el brazo. Una experiencia tan infernal (la de la niña) que la asfixia y le quita las ganas de vivir. Una buena amiga que cae en poder de la misma organización. Palizas sin guión. Centenares de cortes alrededor del cuerpo. Bandas metálicas clavadas en la cabeza con clavos de 10 cm. Aislamiento. Oscuridad. Silencio. Aturdimiento.
Toda la película es una gran obra, le pongo un 9 porque creo que hay gente que la está valorando solo como una película macabra y sin sentimientos y no es así.
Siento si la crítica es pobre, no suelo hacerlas, porque creo que no se me da muy bien, pero después de leer las otras críticas tenía que poner algo positivo e intentar dar argumentos.
Masters del universo
Género
Fantástico. Acción. Ciencia ficción. Aventuras. Infantil | Espada y brujería. Basada en una serie
Grupos
Masters del Universo (He-Man)
Sinopsis
Basada en la famosa serie animada. He-man y sus amigos deben viajar a la Tierra del siglo XX para rescatar una llave cósmica que les permita derrotar a Skeletor, que se ha apoderado del castillo de Grayskull y que mantiene prisionera a Sorceress. Los inconvenientes son que Skeletor posee otra llave y que la original está en manos de unos jóvenes terrícolas, que creen que es un instrumento musical.
(Gary Goddard, 1987)
CRITICAS
Dolph Lundgren no es mi actor favorito, pero encarnó en su día a mis dos iconos de acción de niño: El Castigador (mi «héroe» de cómic favorito) y este He-man (mi muñeco de Matel favorito). En «The Punisher» como no pagaron los derechos de autor pues ni llevaba la calavera blanca en la camiseta pero (para hacer justicia) el espíritu de esa obra era más fiel al original que la nueva adaptación interpretada por Thomas Jane.
Y aquí en He-man, pues se le oxigenó el pelo para parecer rubio y no es que sea Robert de Niro, pero hay actores que, por físico, son perfectos para ciertos papeles: Schwarzenegger en Conan, Angelina Jolie en Lara Croft o Benito Pocino para hacer de Mortadelo, por poner un ejemplo cañí.
Pero donde de verdad esta peli gana enteros es cuando sale ese gran (desconocido para el gran público) actor llamado Frank Langella que aquí lleva el peso de la película haciendo de Skeletor (Dios, si hasta el nombre suena bien). Cada vez que sale en pantalla, la cosa cobra sentido y, cuando deja de salir, ha dejado tal mal rollo en la secuencia que ese peligro latente se siente durante todo el metraje.
En un momento dado, Skeletor, con aire Shakespeariano, se mira la palma de la mano lánguidamente una vez que ha capturado a He-man tras años de persecución y dice: «Todo le llega al que sabe esperar». Eso en manos de otro actor y otra película se diría con alegría y entusiasmo. El malo va ganando, pero este es Frank Langella, y él sabe inyectarles sangre a personajes de cartón-piedra (o látex en este caso). En lugar de alegría por la victoria, su voz ronca cae taciturnamente por la garganta sintiendo que su lucha ha perdido sentido, porque si caza a He-man, su existencia deja de tener sentido. Y lo sabe. Y dice lo que tiene que decir, pero en el fondo está deseando que He-man se escape y volver a empezar la batalla.
MATADERO 5
Género
Ciencia ficción. Drama. Bélico | II Guerra Mundial
Sinopsis
En Dresde vive Billy Pilgrim (Michael Sacks), un joven tranquilo, sin pasiones ni curiosidad por el mundo que lo rodea, a pesar de que le ha tocado vivir la Segunda Guerra Mundial. Vive tan absorto, tan fuera de la realidad, que ni siquiera se percata del terrible bombardeo de su ciudad… Adaptación de la novela de 1969 de Kurt Vonnegut.
(George Roy Hill, 1972)
CRITICAS
Se cumplen ya 60 años del bombardeo de la bonita ciudad de Dresde, que por cierto fue la mayor masacre de civiles de todo el siglo XX (sí, el ranking estuvo disputado, pero parece que en número de muertos superó incluso a lo de Hyroshima!).
Matadero Cinco no es tan sólo la dramática biografía de un autor como Kurt Vonnegut, que fué en vida uno de los prisioneros norteamericanos que sobrevivió al bombardeo de la cuidad alemana de Dresde a finales de la segunda guerra mundial.
La novela fué un modo de poder narrar de un modo liberador para la conciencia de su autor aquel terrible suceso aportando una visión con elementos de comedia y ciencia-ficción, una critica feroz no sólo a la inutilidad de la guerra en si, sino también contra la estupidez del hombre como bien han sido los políticos y los dictadores genocidas que han hecho uso de ella como excusa para resolver sus diferencias ideológicas y políticas.
Pero no sólo es una critica a la guerra y a todas las gueras que se muestran en si misma a lo largo de la película, también es una visión de la America de aquel entonces y del futuro de su protagonista encerrado en un lejano planeta, las tres partes que forman en su conjunto la estructura de esta maravillosa película.
La novela fué publicada en 1969 cuando Estados Unidos estaba en guerra con Vietnam y dado que su contenido era puramente anti-militar, no tardó en convertirse en uno de los libos más leídos por la juventud de aquella época revidicativa que entre otras cosas, pedía a gritos el fin y la retirada de las tropas enviadas al país asiático y que posteriormente y gracias al guión de Stephen Heller, esta se convertiría en película en 1972 por parte de un convencido George Roy Hill que con la suficiente experiencia para llevarla a la gran pantalla, y con un gran equipo consiguió con ello esta fascinante y sorprendente producción que debe verse.
Matadero Nº 5 nos muestra la absurdidad de tal carnicería y lo hace con cierta gracia.
Su principal virtud es no convertir la cosa en un previsible y aburrido dramón antibélico con música de violines sinó en un lisérgico viaje protagonizado por un buen hombre que, tras ser exhibido en un zoo extraterrestre del Planeta Tralfamadore, se ve arrastrado al abismo de un infundíbulum cronosinclástico que le desajusta la flecha del tiempo y hace que su vida deje de ser lineal para convertirse en una montaña rusa con saltos hacia el pasado y el futuro.
Los retazos históricos se mezclan con la ciencia ficción y con un humor negrísimo, pero en el fondo yo diría que sí que es un drama… y algún que otro violín sí que se oye en alguna escena… y claro que la moraleja es antibelicista (mira tú por dónde, aunque la mayoría de civiles muertos en el bombardeo fuesen alemanes!), pero las palabras «previsible» y «aburrido» no son las que más definen esta pequeña joya.
MAX’S BAR
Género
Drama
Sinopsis
Rory (Savage) regenta el Max, un bar de Oakland. Uno de sus mejores amigos es Jerry, el camarero del local, que pudo haber llegado a ser un gran jugador de baloncesto, pero se lo impidió una lesión de tobillo
(Richard Donner, 1980)
CRITICAS
Un bar en Estados Unidos es el leit – motiv, el medio a traves del cual se desarrolla la trama de este film.
Film medianamente coral ( no hay un exceso de personajes ), en el cual interaccionan una serie de personas, que son básicamente perdedores, gente anónima, sin gran lustre, pero con ilusiones, anhelos, y ante todo muchas ganas de vivir.
La trama se desarrolla de una manera sencilla, eficaz, así la muestran tanto el guión, como la sobria dirección de Donner, que sin florituras estilísticas, ni grandes giros argumentales, hacen de dicha película un modesto fresco sobre la vida de una serie de personajes que pasan desapercibidos, pero que merecen tener su consideración.
Es una de esas rarezas que ves por casualidad, me encantaba John Savage por «El cazador» «Hair» y «El campo de cebollas» y viendo Max’s Bar descubrí a David Moses. Esta película creo que a todo el mundo le puede decir algo ya que en algún momento hemos querido desaparecer y nos hemos sentido pisoteados. Era una historia cruda de los 80 que a lo mejor por desgracia no es entendida ahora, pero para mi es un clásico.
Las interpretaciones, naturales y sencillas nos acercan más a estos seres humanos.
No es » Fat city » de John Huston ó » Tallo de hierro » de Hector Babenco ó por ejemplo, » Chevrolet » de Javier Maqua, pero tiene su encanto, es sencilla, ciertamente conmovedora y hasta un punto entrañable.
Buena música de John Barry y colaboración en el guion del también director de cine responsable de películas como «Rain Man», Barry Levinson.
MAZINGER Z – SERIE COMPLETA DE CULTO
Sinopsis:
Serie de TV (1972-1974). 92 episodios.
Dos arqueólogos encuentran los restos de una civilización antigua que era capaz de construir robots gigantes. Uno de ellos, el doctor Hell (doctor Infierno), cree que si consigue construir unos robots semejantes, entonces podría gobernar al mundo. El otro arqueólogo, el doctor Kabuto, se niega a secundar sus malvados planes y, a partir de ese momento, se convierten en enemigos.
Hell ordena que asesinen a Kabuto, pero éste, antes de morir, le había mostrado a su nieto, Koji Kabuto, un robot que había construido en secreto parra enfrentarse a Hell. El robot, llamado Mazinger, está construido de la formidable aleación Z. Muerto Kabuto, Koji aprende a pilotar a Mazinger gracias a la ayuda del ayudante de su abuelo, el doctor Yomi, que también ha construido un robot llamado Afrodita A, que será pilotado por su hija Sayaka Yomi
Mazinger Z y Afrodita se enfrentarán entonces a los malvados robots de Hell, con el objetivo de salvar al mundo.
«Un ejemplo de cómo generar emoción con color, sombras y recursos limitados. Algo más que nostalgia.
MEAN STREETS – Malas calles
«Obra maestra de Scorsese que muestra los bajos fondos y el interior de los estercoleros de una ciudad»
Género
Drama | Mafia. Cine independiente USA
Sinopsis
Nueva York, 1972. Charlie (Harvey Keitel) es un joven italoamericano de 27 años que trata de ascender en la mafia de Nueva York, pero dicho ascenso se ve obstaculizado por su sentimiento de responsabilidad hacia su imprudente amigo, Johnny Boy (Robert De Niro).
CRITICAS
La historia incorpora trazos autobiográficos, que Scorsese explica con fervor y una calidez que trasmiten al discurso proximidad y verosimilitud. La narración se desarrolla a partir del recuerdo nostálgico de una experiencia vital entrañable, exenta de sentimentalismos y de complacencia. Presenta el barrio de infancia y juventud con exuberancia y humor. Retrata una comunidad que se siente singular y cultiva sus costumbres, fiestas y celebraciones, como la de San Gennaro. Las calles de la zona se muestran depositarias de sonidos, ruidos, rumores, voces y armonías, que identifican al colectivo que las habita.
El tema principal viene dado por las relaciones entre sexo y pecado, pecado y perdón, transgresión y culpa, religión y conducta humana. El protagonista, abrumado por los escrúpulos, desarrolla comportamientos ansiosos que le llevan a jugar con el fuego que purifica, la abstinencia sexual y la generosidad que cree que le aporta méritos para descargar las culpas. Adicionalmente explora cuestiones relativas a la violencia de los adolescentes, al espíritu destructivo de los jóvenes, a la redención y al perdón, a las relaciones entre insatisfacción y violencia, etc. Presta especial atención a los personajes que protagonizan la historia, por lo que algunos atribuyen al film la condición de obra de personajes.
Premios
1973: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion original drama
MEMENTO
Género
Thriller. Intriga | Crimen. Venganza. Neo-noir. Película de culto. Cine independiente USA
Sinopsis
La memoria de Leonard, un investigador de una agencia de seguros, está irreversiblemente dañada debido a un golpe sufrido en la cabeza cuando intentaba evitar el asesinato de su mujer: éste es el último hecho que recuerda del pasado. La memoria reciente la ha perdido: los hechos cotidianos desaparecen de su mente en unos minutos. Así pues, para investigar e intentar vengar el asesinato de su esposa tiene que recurrir a la ayuda de una cámara instantánea y a las notas tatuadas en su cuerpo.
(Christopher NOLAN, 2000)
Posición en rankings FA
30 Mejores películas del siglo XXI
42 Mejores thrillers de la historia del cine
46 Mejores películas de intriga
Premios
2001: 2 nominaciones al Oscar: Mejor guión original y mejor montaje
2001: Nominada al Globo de Oro: Mejor guión
2001: Festival de Sundance: Mejor guión. 2 nominaciones
2001: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor guión
CRITICAS
Brillante, absorbente y complejo thriller que relata la historia de Lenny, un investigador de seguros entregado de manera obsesiva a una única misión: dar caza al hombre que asesinó a su esposa. El camino que deberá seguir Lenny para cumplir su misión no estará exento de dificultades debido a la extraña enfermedad mental que padece.
Bajo mi punto de vista, el mayor logro de Memento es la capacidad que demuestra Christopher Nolan para transmitir al espectador la confusión y el desasosiego que sufre el protagonista debido a su enfermedad. Para ello, relata una interesante trama criminal haciendo uso de una estructura narrativa no lineal perfectamente construida. El conjunto conforma un film fascinante y complejísimo que exige al espectador la máxima atención. Posteriores visionados nos permitirán atar todos los cabos y descubrir… ¿el engaño de Nolan?
Christopher Nolan ha demostrado ser un director y guionista versátil e inteligente que desde sus comienzos se ha ganado el respeto de millones de espectadores con su gran puesta en escena, siendo capaz incluso de revivir a un “Batman” enterrado por Joel Schumacher.
Guy Pearce demostró estar a la altura del magnífico guión (se pensó en Alec Baldwin para interpretar al protagonista.) dotando al personaje de esa frialdad, tristeza y coraje que necesita y los secundarios Carrie-Ann Moss y Joe Pantoliano excepcionales.
Resulta increíble que pasado 7 años esta obra de culto grabada en tan solo 25 dias, siga resultando innovadora, fascinante, original, brillante, efectiva y por si todo esto fuese poco entretenida sin decaer el interés en ningún momento . Y es que la historia crece en intensidad desde el desconcierto incial hasta el “final-principio” sin que decaiga el interés en ningún momento.
Imprescindible propuesta que plasma magistralmente la terrible experiencia vital de quien carece de recuerdos.
MEMENTO – EDICION 4K UHD + BLURAY
Género
Thriller. Intriga | Crimen. Venganza. Neo-noir. Película de culto. Cine independiente USA
Sinopsis
La memoria de Leonard, un investigador de una agencia de seguros, está irreversiblemente dañada debido a un golpe sufrido en la cabeza cuando intentaba evitar el asesinato de su mujer: éste es el último hecho que recuerda del pasado. La memoria reciente la ha perdido: los hechos cotidianos desaparecen de su mente en unos minutos. Así pues, para investigar e intentar vengar el asesinato de su esposa tiene que recurrir a la ayuda de una cámara instantánea y a las notas tatuadas en su cuerpo.
(Christopher NOLAN, 2000)
Posición en rankings FA
30 Mejores películas del siglo XXI
42 Mejores thrillers de la historia del cine
46 Mejores películas de intriga
Premios
2001: 2 nominaciones al Oscar: Mejor guión original y mejor montaje
2001: Nominada al Globo de Oro: Mejor guión
2001: Festival de Sundance: Mejor guión. 2 nominaciones
2001: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor guión
CRITICAS
Brillante, absorbente y complejo thriller que relata la historia de Lenny, un investigador de seguros entregado de manera obsesiva a una única misión: dar caza al hombre que asesinó a su esposa. El camino que deberá seguir Lenny para cumplir su misión no estará exento de dificultades debido a la extraña enfermedad mental que padece.
Bajo mi punto de vista, el mayor logro de Memento es la capacidad que demuestra Christopher Nolan para transmitir al espectador la confusión y el desasosiego que sufre el protagonista debido a su enfermedad. Para ello, relata una interesante trama criminal haciendo uso de una estructura narrativa no lineal perfectamente construida. El conjunto conforma un film fascinante y complejísimo que exige al espectador la máxima atención. Posteriores visionados nos permitirán atar todos los cabos y descubrir… ¿el engaño de Nolan?
Christopher Nolan ha demostrado ser un director y guionista versátil e inteligente que desde sus comienzos se ha ganado el respeto de millones de espectadores con su gran puesta en escena, siendo capaz incluso de revivir a un “Batman” enterrado por Joel Schumacher.
Guy Pearce demostró estar a la altura del magnífico guión (se pensó en Alec Baldwin para interpretar al protagonista.) dotando al personaje de esa frialdad, tristeza y coraje que necesita y los secundarios Carrie-Ann Moss y Joe Pantoliano excepcionales.
Resulta increíble que pasado 7 años esta obra de culto grabada en tan solo 25 dias, siga resultando innovadora, fascinante, original, brillante, efectiva y por si todo esto fuese poco entretenida sin decaer el interés en ningún momento . Y es que la historia crece en intensidad desde el desconcierto incial hasta el “final-principio” sin que decaiga el interés en ningún momento.
Imprescindible propuesta que plasma magistralmente la terrible experiencia vital de quien carece de recuerdos.
MEMORIES – EDICION COLECCIONISTA + LIBRO
Género
Animación. Ciencia ficción. Bélico. Aventuras | Película de episodios. Aventura espacial. Holocausto nuclear. Steampunk. Comedia negra
Grupos
Memories
Sinopsis
Tres historias de animación manga, basadas en tres historias gráficas cortas del maestro Katsuhiro Ôtomo, creador de «Akira»:
«Rosa Magnética» (dirigida por Koji Morimoto) está basada en un manga de Otomo, en el que dos astronautas, siguiendo una señal de auxilio, son arrastrados al mundo fantástico creado por los recuerdos de una mujer.
«Bomba Fétida» (dirigida por Tensai Okamura) es la historia de un joven químico que se transforma por accidente en un arma biológica imparable que se encamina directamente a Tokio.
«Carne de Cañón» (dirigida por el propio Katsuhiro Ôtomo) describe un día en la vida de una ciudad cuya única razón de ser es lanzar cañonazos a un enemigo desconocido
(Katsuhiro Ōtomo, Kōji Morimoto, Tensai, 1995)
CRITICAS
Las tres historias o capítulos que componen este magnífico film de animación se nos presentan bajo la sombra algo apocalíptica pero al mismo tiempo portentosamente brillante del mítico creador de «Akira».
Cada uno de los tres episodios tiene a mi modo de ver su particular encanto; los tres me gustán mucho, y cada uno a su estilo forman un conjunto que hacen de esta obra un disfrute para los sentidos.
Es cierto que el listón del público a la hora de valorar el animé está ahora muy alto, y los espectadores no son facilmente impresionables, aún así esta película es una maravilla.
Magnífica película de animación dividida en tres historias independientes.
1ª.-«Rosa Magnética»: Impresionante por su variedad, creatividad e idealización de dibujos fantásticos con un colorido, paisajes, escenas que son no ya de sueños sino de auténtica dimensión maravillosa. Pero muy triste.
2ª.- «Bomba Fétida»: Inquietante, pone el dedo en la llaga de una posible catástrofe de productos químicos escapados de algún laboratorio a la atmosfera terrestre, describe de forma irónica y pavorosa el avance de este peligro mortal hacia una megaciudad japonesa y la reacción de las autoridades para frenarlo. Conlleva en medio del dramatismo que describe bastante provocación de la sonrisa.
y 3ª.- «Carne de Cañón»: La más seria y tenebrosa de las tres historias, la menos simpática y agradable, con el militarismo y el belicismo como argumento principal. Muy crítica con la sociedad donde los mayores esfuerzos y riquezas se emplean en armarse en lugar de humanizarse.
Cine de animación de enorme altura, calidad y motivación del espíritu crítico, más para adultos que para niños.
MENTIRA LATENTE
Género
Drama. Intriga. Cine negro | Crimen. Melodrama
Grupos
Adaptaciones de Cornell Woolrich
Sinopsis
Helen Ferguson (Stanwyck), embarazada y abandonada por su novio, emprende un largo viaje de Nueva York a San Francisco. En el tren conocerá a un joven matrimonio que también espera un hijo y que se dirige a la casa de los ricos padres de él. Pero el tren descarrila
(Mitchell Leisen, 1950)
CRITICAS
Desconocido por unos y directamente olvidado por otros, Mitchell Leisen conoce en 1919, por casualidad, al productor y director Cecil B. De Mille y se convierte en el responsable de vestuario de sus producciones… En 1925 pasa a ser director del departamento artístico de los estudios Paramount y colabora en películas de Allan Dwan, Ernst Lubitsch, Raoul Walsh y otros muchos… Tras trabajar como ayudante de dirección para el propio De Mille, debuta como realizador con ‘Canción de Cuna’ (1933), versión de la obra homónima de Gregorio Martínez Sierra, pero siempre se le relacionó con la más sofisticada comedia, cuyos mejores trabajos se basaron en guiones de Preston Sturges o del mismísimo Billy Wilder con Charles Brackett…
Leisen fue un valioso todoterreno que pisó además el musical, el cine infantil, el melodrama, el drama de época o su mejor aportación al cine negro, ‘Mentira Latente’ (‘No Man of her Own’, 1949), una intrigante película que bascula entre el melodrama romántico y el policíaco siniestro…El material de partida es un relato de Cornell Woolrich ‘Me Casé con un Muerto’, pero el guión original de Sally Benson no le gustó inicialmente a Leisen… Lo que hubiera podido ser un áspero y mordaz film noir, acabó convertido en una perversa variación de la historia de Cenicienta con intercambio de identidades, mujeres embarazadas y chantajes de fondo…
El irónico maestro de la comedia acabó firmando un melodrama siniestro y algo escabroso, aunque también prevalece en la trama la calidez y la ternura de una redención afortunada… La estilizada elegancia de Leisen no impide una narración tenebrosa, plagada de atmósferas turbias y enrarecidas, combinando gélidos paisajes nevados con claroscuros interiores ciertamente desangelados… Un enorme flashback central establece el grueso argumental y dramático de esta rocambolesca historia, un eje narrativo ciertamente ambiguo en el que se concentra el más genuino suspense, salpicado de intrigantes y misteriosas elipsis…Una película cargada de complejidad, en la que nada es lo que parece y donde Barbara Stanwick desarrolla uno de esos personajes que tan bien le sentaban, tan perverso como inocente, tan infortunado como astuto…
La perspectiva de los hechos de la película pertenecen a esta mujer embarazada que usurpa la personalidad de una fallecida en accidente de tren para garantizar el futuro de su vástago, aunque el pasado irrumpirá bajo el rostro del padre desnaturalizado en búsqueda de dinero fácil… La búsqueda esta identidad se revela como el acto más puro y significativo de la cinta, lo que transforma al resto de los personajes en personas puras, muy humanas, cercanas y reconocibles… Mitchell Leisen aborda varios géneros (entre ellos el noir, of course) para constituír un magnífico y atrevido ejemplo de melodrama negro e intimista… Un film extrañamente edificante, que explora los límites más variopintos del género, y que constituye un magnífico y representativo colofón a este ciclo de grandes olvidados del cine negro.
MILLIE UNA CHICA MODERNA
Género
Musical. Comedia. Romance | Años 20. Secuestros / Desapariciones
Sinopsis
Millie (Julie Andrews) es una inocente chica que se traslada del campo a la ciudad en busca de marido. Pronto se convierte en la secretaria del rico y famoso Trevor Graydon, traba amistad con la dulce señorita Dorothy, se enfrenta a la tiranía de la señora Meers y se complica la vida con Jimmy, un joven vendedor de periódicos.
(George Roy Hill, 1967)
CRITICAS
Se nota bastante la dirección de George Roy Hill, pues nada más empezar a ver esta película parece que estamos viendo El golpe en lo que se refiere a la ambientación, pues es un calco de esta última también dirigida por el mismo maestro. Es un musical alegre, trepidante, gracioso y con una excelente partitura que obtuvo un Oscar de la Academia. Atrae al espectador con gran interés y deleite, a pesar de su larga duración, no cansando en ningún momento.
La fotografía es excelente y posee una brillante luz que atrae y da alegría al conjunto del film.
Es una de esas producciones que se pueden volver a ver de vez en cuando para levantar el animo y pasar un rato muy agradable, especialmente en momentos de crisis.
La banda sonora de esta película hace que te enganche desde la primera vez. Las coreografías son muy buenas.
Esta película no sólo es una comedia para reírse todo el instante, también se incluye romanticismo, amistad, amor, y algunos pequeños desengaños amorosos de la protagonista, lo que hace que en partes de la película dejes de reír y llores un poco.
Totalmente recomendable para los amantes del musical y de la alegre comedia, que nos sumerge en ese cine de siempre que nos hace olvidar las preocupaciones.
MISION IMPOSIBLE II – EDICION METALICA 4K ULTRA HD BLU RAY
Género
Acción | Espionaje. Secuela
Grupos: Misión imposible
Sinopsis
La nueva misión del agente especial Ethan Hunt consiste en impedir que un despiadado ex-agente que se ha convertido en terrorista internacional se apodere de un virus mortal y lo introduzca en Australia causando millones de víctimas. Para ello, cuenta de nuevo con la inestimable ayuda del genio informático Luther Stickell, con el experto conductor Billy Baird y con la sensual y exótica ladrona internacional Nhye, que mantuvo una relación sentimental con el terrorista, pero que ahora se siente atraída por Hunt.
(John Woo, 2000)
Premios
2000: Critics’ Choice Awards: Mejor compositor (Hans Zimmer)
Mogambo
Género
Aventuras. Drama | África. Caza. Remake
Sinopsis
Durante un safari en África, un cazador profesional (Gable) se encuentra dividido entre una recién casada, rubia y de apariencia gélida (Kelly), y una volcánica morena de turbio pasado (Gardner). Victor Marswell se dedica a la caza de animales salvajes para venderlos a los zoológicos de todo el mundo. Los Nordley, una pareja de recién casados, llegan al campamento buscando la ayuda de Marswell para filmar un documental sobre los gorilas
Premios
1953: Oscar: Nominada a mejor actriz (Ava Gardner) y actriz sec. (Grace Kelly)
1953: Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Grace Kelly)
1953: Premios BAFTA: Nominada a mejor película
(John Ford, 1953)
CRITICAS
El resurgimiento de Clark Gable como indiscutible rey de Hollywood. Como el ave Fénix resurge de sus cenizas.
Es más difícil dominar a dos mujeres rivales como Ava Gardner y Grace Kelly; que a las fieras a las que se enfrenta Clark Gable en el África. El magnetismo animal que despedía Clark Gable y la no menos fuerza sexual de Ava Gardner hacen de esta película una grata aventura en un triangulo amoroso entre los tambores africanos del continente negro. Ayudados por la aparentemente sensualidad escondida de Grace Nelly; nos conducen a un desenlace que casi resulta trágico por la pasión que sienten estos tres personajes.
Esta película pertenece a la etapa de transición en la carrera de Ford. En su día fue despreciada por la crítica. El paso del tiempo y el conocimiento de la obra completa del gran maestro hacen que pueda contemplarse bajo un prisma diferente.
El proyecto no parece ser muy del agrado de Ford sino más bien un producto de la serie dedicada al continente negro, a la sazón de moda entre los productores americanos de la época. El carácter de aventura africana está pobremente aprovechado con el constante empleo de transparencias y trucajes. El interés de la obra queda reducido al conflicto entre sus personajes y aquí es donde la visión actual cambia y nos permite ver al personaje de Kelly como un claro antecedente de la doctora Cartwright de «Siete Mujeres», obra cumbre fordiana que cierra brillantemente su extraordinario legado fílmico.
Kelly, interpretada magníficamente por Ava Gardner, es el personaje esencial de la película y rebosa durante toda ella de femineidad: escena de la ducha; simpatía: relaciones con los animales; dulzura: escena de amor en el porche; encanto: cantando y tocando en la pianola; mordacidad: escena de la cena; ironía: viaje en el camión; inteligencia: forma de resolver el lío final; desprecio de las convenciones: forma en que critica el rubor de Linda al contarle Víctor la fidelidad de las mujeres negras para con sus esposos; y elegancia: forma de ponerse el velo ante la capilla. Enfrentada a la convencional burguesita que encarna Grace Kelly y al macho poco cortés que encarna Clark Gable es la que sale triunfadora siempre.
MONSIEUR VINCENT
Género
Drama | Biográfico. Religión. Clero. Pobreza. Siglo XVII
Sinopsis
Europa, siglo XVII. Biografía de San Vicente de Paul, sacerdote católico francés que dedicó su vida a paliar las miserables condiciones de vida de los campesinos pobres, sobre todo después de la guerra de la Fronda (1648-1653), que dejó asolado el país.
(Maurice Cloche, 1947)
CRITICAS
Pierre Fresnay, aquel cura «Renegado» que tanto me impactó en mi juventud. Luego la localicé. Le habían dado un óscar y se lo merecía.
Es la vida muy realista de las dificultades de Vicente de Paúl, un francés preocupado por los pobres, que siempre estarán ahí, y que acabó siendo fundador de ordenes religiosas y él santificado, en un época, que aunque fuera en el siglo XVII, se parece mucho a la actual, pobres necesitados sin trabajo y nobles ricos sin escrúpulos, donde sólo se salvan las buenas personas que dan su vida por los demás.
El principal problema que tiene una película que trata de la vida de un cura es que por lógica vamos a ver crucifijos a patadas, iglesias y toda la palabrería relacionada con la religión cristiana. Es decir, un ateo debería salir corriendo, pero como hay que ver de todo y uno nunca sabe qué sorpresas te da el cine, creo que no ha sido mala idea ponerme «Monsieur Vincent», que es la vida de un cura, sí, pero no es un cura cualquiera. La espectacular interpretación de Fresnay hay que verla para opinar sin equivocarse. Porque se sale, si la película vale la pena es por ver a un monstruo que se merienda la pantalla. La película puede que se haga larga y que sea previsible, pero vale la pena por Fresnay. Y además, que no es poco importante, se trata de un religioso con vocación social que vuelca su vida por ocuparse de los marginados. El retrato de la pobreza en la Francia del S.XVII es tremenda.
Por ello, por Fresnay y por las imágenes de esa gente tan sumamente miserable, me encuentro defendiendo una película de temática religiosa. Yo, que veo un cura y salgo corriendo. Las primeras escenas del cura Vincent llegando al pueblo desierto en el que le empiezan a tirar piedras los habitantes invisibles suponen un arranque portentoso. Luego la peli da vueltas y vueltas a lo mismo. Sin embargo, insisto, lo de Fresnay no tiene nombre. He leído unas breves anotaciones sobre la vida del actor, acusado de colaboracionismo durante la ocupación alemana y encarcelado… Y dos años después dándolo todo delante de la cámara. Muy pocos como él.
MR. MAJESTYK
Género
Acción. Drama
Grupos
Adaptaciones de Elmore Leonard
Sinopsis
Majestyk, un ex presidiario y veterano de la guerra de Vietnam, lucha por llevar una vida digna y sacar adelante su granja, pero sus esfuerzos se ven frustrados por la intolerancia de los vecinos y la corrupción de la policía
(Richard Fleischer, 1974)
CRITICAS
Basada en una inencontrable en castellano novela del maestro Elmore Leonard (también autor del guion) y dirigida por el ecléctico, bueno y muy personal Richard Fleischer, estamos (a mi juicio) ante una de las mejores películas de Charles Bronson como protagonista absoluto (iba a escribir “la mejor”, pero me he acordado de “El luchador 1975” ,“Caza salvaje 1981” y por mas que le pese a algún que otro sesudo cinéfilo “El justiciero de la ciudad”, también de 1974)
Arranca mostrándonos a Vince Majestyk (Charles Bronson), héroe de guerra, es convicto y divorciado, devenido en un concienciado agricultor propietario de un campo de 65 hectáreas de sandias, contratando a un grupo de obreros para su recolección (en su mayoría latinos), a continuación y al parar en una gasolinera cuando se dirigía a sus cultivos detrás de la camioneta de los obreros, interceder por un grupo de latinos a los que el encargado no les deja utilizar el baño, entre los que se encuentra Nancy Chávez (Linda Cristal), una guapa morenaza a la que tras cambiar unas palabras con ella, contrata junto al grupo con el que viaja y ya tenemos a Vince y Nancy montados en la camioneta Ford F del 68 y a los amigos de esta detrás en 2 coches dirigiéndose al campo de trabajo.
Al llegar al campo de sandias se encuentra a sus obreros parados y a un grupo de tipos que él no ha contratado ni conoce, en medio de su cosecha (mucha pinta de currantes no tienen), situación forzada por Bobby Kopas (Paul Koslo) un a todas luces secuaz de la mafia de los sindicatos que de modo chulesco y amenazante le dice a Bronson que despida a los latinos ya que el sindicato le ha buscado a esos tipos que está viendo pisar sus cultivos y que eso es lo que hay (ayudándose para sus argumentos con la amenaza de un rifle).
A partir de aquí y como consecuencia de la serie de acontecimientos que se van precipitando desde que Vince huye de la policía acompañado del asesino de la mafia, Frank Renda (Al Lettieri en uno de esos graníticos papeles marca de la casa) cuando los compinches de este asaltan a punta de pistola el autobús penitenciario en el que viajaban y en el que Vince se encontraba como consecuencia de la reacción que tuvo en el campo de sandias ante la intimidación del tal Kopas, tenemos hora y media de puro entretenimiento y acción, con unos diálogos y desarrollo de la trama 100×100 Leonard que son para enmarcar, algunos hallazgos visuales marca Fleischer (nunca pensé que unos tipos acribillando sandias me harían disfrutar tanto), magníficamente filmadas escenas automovilísticas sobre los polvorientos caminos del estado de Colorado y un plantel de secundarios de esos que te hacen quitar el sombrero.
MUERTE EN VENECIA
Género
Drama | Años 1910-1919. Homosexualidad. Pandemias. Película de culto
Grupos: Trilogía alemana | Adaptaciones de Thomas Mann
Sinopsis
A principios del siglo XX, un compositor alemán de delicada salud y cuya última obra acaba de fracasar, llega a Venecia a pasar el verano. En la ciudad de los canales se sentirá profundamente atraído por un hermoso y angelical adolescente, sentimiento que le irá consumiendo mientras la decadencia también alcanza a la ciudad en forma de epidemia… Adaptación de la obra homónima del escritor Thomas Mann.
(Luchino Visconti, 1971)
Posición en rankings FA
41 Mejores películas y series con temática LGTBI+
70 Mejores películas italianas de todos los tiempos
98 Mejores películas de los años 70
Premios
1971: Nominada al Oscar: Mejor vestuario
1971: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
«Lenta, precisa, bella (…) El conjunto sigue siendo un logro inmensamente formidable»
MUJER SIN PASADO
Género
Drama. Intriga | Melodrama
Sinopsis
Una anciana busca una institutriz para su nieta Laurel (Hayley Mills), una adolescente caprichosa y rebelde, cuyas anteriores tutoras apenas duraron unos días en el cargo. Sin embargo, un día aparece en sus vidas una misteriosa mujer, Miss Madrigal (Deborah Kerr), que se propone mantener a raya a la muchacha aún a costa de que ésta descubra su inquietante pasado.
(Ronald Neame, 1964)
CRITICAS
Drama psicológico realizado por Ronald Neame (1911-2010). Escrito por John Michael Hayes, adapta la obra de teatro “The Chalk Garden” (1955), de Enid Bagnold. Se rueda en escenarios exteriores reales de Brighton y Eastbourne (Inglaterra) y en los platós de MGM British Studios (Borenhamwood, Inglaterra). Producido por Ross Hunter (“Su gran deseo”, 1953) para MGM, se estrena en abril de 1964 (RU). La acción dramática tiene lugar en 1964 en la finca Belfontain (Sur de Inglaterra), propiedad de la anciana Sra. St. Maugham (Evans), que reside en ella durante los tres meses de verano.
Los protagonistas son la institutriz Madrigal (Kerr), de unos 40 años, sin familia y sin amistades conocidas, de pasado oscuro, temperamento sensible y enigmática, educada y atormentada interiormente, con signos de un cierto grado de claustrofobia, que se pone de manifiesto a través de su aversión a las cerraduras y a los espacios cerrados. La anciana Sra. Saint Maugham, de 75 años, posesiva, mandona, inflexible y testaruda, ha tomado a su cargo a la nieta Laurel (Mills). El mayordomo de la casa, Maitland (John Mills), también es el posadero de la finca. Es viudo, solitario y aficionado a la lectura. El juez Mewhirrey (Sellars) es amigo de juventud de la Sra. St. Maugham y consejero suyo. Laurel, de 16 años, es caprichosa, rebelde y voluntariosa. Tiene aficiones detectivescas y siente atracción por el fuego (piromanía).
El guión desarrolla un relato dramático que se presenta bien estructurado y ordenado con claridad. El drama emerge y avanza gradualmente en un crescendo bien administrado, que culmina en una secuencia de gran fuerza, resuelta satisfactoriamente gracias a la soberbia interpretación del elenco protagonista, especialmente de Deborah Kerr. Ésta entrega un trabajo difícil y complejo, que ejecuta con contención, mesura y precisión. El gran trabajo de Kerr constituye uno de los principales atractivos del film. Se ve secundada adecuadamente por la expresividad de Edith Evans, que a sus 75 años conserva un vigor y frescura admirables, que le valieron una justa nominación al Oscar a la mejor actriz secundaria. Cumple con corrección John Mills, padre real de Hayley Mills, que aporta elementos de una de las subtramas del relato. Hayley Mills trabaja con convicción y entrega, pero con componentes de sobreactuación que contrastan con el clima general de equilibrio, sobriedad y moderación que caracteriza el film.
La obra explora un drama psicológico planteado con coherencia y riqueza de matices, que explica con palabras llanas y sin tecnicismos para que su contenido, dimensiones y profundidad queden al alcance del público medio. Lo refuerza con apuntes dramáticos adicionales que, en diversa medida y a través de subtramas explícitas o sólo sugeridas, afectan prácticamente a todos los protagonistas, incluidos la Sra. Maugham, el mayordomo y Oliva, hija de la señora y madre de Laurel.
MULTIPLE – EDICION 4K UHD + BLU RAY
Género
Thriller. Intriga | Thriller psicológico. Secuestros / Desapariciones
Grupos
Blumhouse Productions | Trilogía Unbreakable
Sinopsis
A pesar de que Kevin (James McAvoy) le ha demostrado a su psiquiatra de confianza, la Dra. Fletcher (Betty Buckley), que posee 23 personalidades diferentes, aún queda una por emerger, decidida a dominar a todas las demás. Obligado a raptar a tres chicas adolescentes encabezadas por la decidida y observadora Casey (Anya Taylor-Joy), Kevin lucha por sobrevivir contra todas sus personalidades y la gente que le rodea, a medida que las paredes de sus compartimentos mentales se derrumban
(M. Night Shyamalan, 2016)
CRITICAS
Múltiple es una película de suspense con toques de terror, muy bien rodada (lo cual no es ninguna sorpresa visto el resto de la obra de su autor), que aunque padece algún que otro altibajo, crece a medida que avanza hasta culminar en un climax fabuloso. Todos sus aciertos se deben en gran parte a la labor de su protagonista, un McAvoy entregado por completo a lo que le plantea el director. Es capaz de resultar terrorífico y enternecedor, de cambiar de registro con una mirada y hacer que cada una de sus personalidades sea reconocible por su sola expresión facial. Es un papel desatado para un actor al que no le importa desatarse. Esta absolutamente fantástico.
El eje de la trama, con una acertadísima Anya Taylor Joy siguiendo el juego de McAvoy, es casi perfecto. Siempre tenso e interesante, a caballo entre el terror clásico y el suspense al puro estilo Hitchcock, con las adecuadas dosis de humor, mientras esta historia esta en marcha la película funciona como un reloj.
Quizás el mayor problema sea una de sus tramas secundarias, la protagonizada por la psiquiatra interpretada por Betty Buckley: la noto desconectada del hilo principal durante gran parte de la película, y en ningún momento llega a encajar del todo en el resto. Distrae de la historia central, exceptuando algún que otro momento atinado, y aporta poco más allá de explicar determinados detalles del argumento.
Pero, al menos para un servidor, no sirve para anular las virtudes de una cinta que, en casi todo momento, me llevó de la mano y me mantuvo atado a la pantalla. Y es que quizás, lo más digno de alabanza de la cinta en si es la claridad de su autor para plantear el juego de la película. O te dejas llevar por sus ideas, por su propósito, o puede que no funcione y te parezca hasta ridícula.