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TIPO
- CineCine 43
- SeriesSeries 2
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FORMATO
IDIOMA
- CASTELLANO 42
- InglésInglés 1
- INGLES 2
PRODUCTORA
- 20th Century Fox 3
- ABC Circle Films 1
- Atomic Monster 1
- Chessman Park Productions 1
- Columbia Pictures 2
- Coproducción China-Francia 1
- Coproducción Francia-Alemania-Reino Unido-Estados Unidos 1
- Coproducción Francia-Italia 3
- Coproducción Irlanda-Reino Unido 1
- Coproducción Italia-Francia 1
- Coproducción Reino Unido-Estados Unidos 1
- De Laurentiis Entertainment Group (DEG) 1
- Dimension Films 1
- France 3 Cinéma 1
- Home Free 1
- IFI Producción 1
- ITC 1
- José Luis Tafur P.C 1
- Lionsgate 1
- Morgan Creek Productions 1
- Orion Pictures 1
- ParamountParamount 2
- Paramount Pictures 2
- RKO Radio Pictures 3
- Roberts Pictures Inc 1
- Searchlight Pictures 1
- Summit Entertainment 1
- Svensk Filmindustri (SF) 1
- The Cannon Group Inc 1
- TriStar Pictures 1
- United Artists 1
- Universal International Pictures 1
- Universal Pictures 1
- Vértice P.C 1
- Warner Bros 1
AÑO LANZAMIENTO
Director
- Andrew Bergman 1
- Antonio Santillán 1
- Bi Gan 1
- Bruce Malmuth 1
- Claude Lelouch 1
- Colin Higgins 1
- Curtis Hanson 1
- Daniel Attias 2
- David Cronenberg 1
- Elia Kazan 1
- Éric Besnard 1
- Frank Capra 1
- Fred Zinnemann 1
- Gene Saks 1
- Greg Beeman 1
- Guy Ritchie 1
- Howard Deutch 1
- Ignacio F. Iquino 1
- Ingmar Bergman 1
- Jacques Tourneur 1
- Jean Negulesco 1
- John Berry 1
- John Ford 1
- John Llewellyn Moxey 1
- Jose Luis Garci 1
- Lee Cronin 1
- Leslie Charteris 1
- Leslie H. Martinson 1
- Luis Buñuel 1
- Marco Ferreri 1
- Mary Harron 1
- Matt Bettinelli-Olpin 1
- Melvin Frank 1
- Michael Winner 1
- Neil Jordan 1
- Peter Medak 1
- Renny Harlin 1
- Robert Montgomery 1
- Roman Polanski 1
- Sergio Sollima 1
- Steve McQueen 1
- VARIOS 1
- William Dieterle 1
Price
CATEGORÍAS
- Accessories 3
- GÉNERO 3550
- Acción / aventuras / artes marciales 1130
- Animación / Anime 132
- Asiatico 119
- Bélico 215
- Ciencia ficción / SCI FI 363
- Clasico 957
- Comedia 749
- Contemporáneo / moderno 127
- Documental 27
- Drama 1843
- Erótico / adultos 29
- Europeo 825
- Infantil 190
- Musical 165
- Religioso 78
- Romance 487
- Social / político 654
- Super héroes y comics 84
- Terror 533
- Thriller/ Policíaco 1209
- Western 169
- IMPORTACIÓN 83
- NOVEDADES 1008
- PREVENTA 192
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12 años de esclavitud
Género
Drama | Basado en hechos reales. Biográfico. Esclavitud. Racismo. Siglo XIX. Histórico
Sinopsis
Basada en un hecho real ocurrido en 1850, narra la historia de Solomon Northup, un culto músico negro que vivía con su familia en Nueva York. Tras tomar una copa con dos hombres, Solomon descubre que ha sido drogado y secuestrado para ser vendido como esclavo en una plantación de Louisiana. Solomon contempla cómo todos a su alrededor sucumben a la violencia y a la desesperación. Pero él decide no rendirse y esperar a que llegue el momento oportuno para recuperar la libertad y volver con su familia
(Steve McQueen, 2013 )
CRITICAS
Se suponía que los derechos humanos eran independientes de todos los gobiernos; pero sucedió que en el momento en el que los seres humanos carecieron de un gobierno propio y tuvieron que recurrir a sus derechos [humanos], ninguna autoridad quedó para protegerlos y ninguna institución quiso garantizarlos”, Los orígenes del totalitarismo, Hannah Arendt
Si existe la justicia cinematográfica (algo que no tengo muy claro) Steve McQueen se llevará el Oscar al mejor director y a la mejor película, Hans Zimmer a la mejor banda sonora y Chiwetel Ejiofor y Michael Fassbender al mejor actor principal y al mejor actor de reparto, respectivamente.
Antepongo a mi fervor, adoración, pasión, por Fassbender, el reconocimiento que se merece el director porque esta película tiene el sello de calidad que, con apenas tres largometrajes, ha sabido convertir en marca de la casa: elegancia, sentimiento, imágenes de una belleza apabullante y el abordamiento de conflictos sin restarnos a los espectadores ni un ápice de crudeza pero siempre intentando mostrarnos las dos caras del ser humano. ¡MacQueen enamora con su talento!
Y es que el planteamiento que hace en “12 años de esclavitud”, basada en un hecho real ocurrido en 1850, consigue que el horror que nos relata nos afecte de lleno puesto que se basa en el secuestro y sometimiento de un hombre, sí de color, pero un hombre libre. Si todos los hombres somos iguales, si no se respetan los derechos humanos, si somos ciudadanos de segunda, si solo una ley establece la frontera entre el libre y el esclavo (como argumenta Brad Pitt, en un papel pequeño pero logrado, frente al iracundo dueño de la plantación, negrero de pro, interpretado por Fassbender), ¿quién nos dice que mañana no llegará alguien que cambiará la ley intercambiando con ello la condición de unos y otros?
Quiero DESTACAR de esta obra de arte LA UTILIZACIÓN DEL SONIDO algo que me fascinó: para diferenciar el mundo que los esclavistas consideran justo y legítimo del horror de la realidad, a la lectura de los pasajes bíblicos recitados por los dueños de las plantaciones,para llevar la palabra del señor a “esas bestias negras”, le acompañan los latigazos propinados a quienes no cumplen los estándares de recolección de algodón, o el llanto de las madres a quienes han separado brutalmente de sus hijos y a quienes las “amas” blancas animan diciendo “no te preocupes, pronto los olvidarás”. ¡Es impresionante!
Mostrándonos las debilidades, miedos e inseguridades de los personajes, consigue que, en ciertos momentos, entendamos su comportamiento aunque no lo compartamos, algo muy difícil de lograr cuando estamos hablando de personas capaces de matar a otros sin pestañear.
AL FINAL DE LA ESCALERA
Género
Terror. Thriller | Sobrenatural. Casas encantadas. Fantasmas. Película de culto
Sinopsis
John (George C. Scott) es un famoso compositor que acaba de perder a su familia de manera trágica y trata de superarlo marchándose a vivir desde Nueva York a una casa apacible y solitaria en Seattle. Sin embargo, al poco de tiempo de instalarse empiezan a suceder cosas extrañas… Hasta que un día descubre una habitación secreta ubicada al final de la escalera
(Peter Medak, 1980)
CRITICAS
Dice la persona con quien volví a ver esta película hace poco que el género de terror no existe. No sé qué es lo que entiende él por género de terror pero para mí no hay dudas. El terror en el cine existe. La cuestión está en saber qué es terror, qué es intriga, qué es simplemente cine fantástico. Cuando una película te aterroriza y no sólo eso, sigue persiguiéndote por los largos pasillos del subconsciente una vez se terminan los títulos de crédito y se instala en tus recuerdos y otorga un poder inquietante a las esquinas, las bañeras, los pavimentos o las mismísimas escaleras, estamos ante lo más grande que existe en el género, estamos ante una auténtica película de terror.
«Al final de la escalera» es un filme soberbio que si ha perdido poder con el tiempo, se debe sobre todo a la cantidad de obras que lo han imitado hasta la saciedad.
Cualquier película de género con casas encantadas bebe de este río o de sus afluentes: lo que diferencia al original del resto es que está tan bien perpetrada que no importan los sustos…lo que pesa es la atmósfera, la cámara subjetiva, los efectos de sonido, toda esa sabia dosificación de ritmo. Actores…una historia elaboradísima, coherente…alternancia entre momentos de tensión, drama, calma…lo tiene TODO.
Imprescindible para ver a oscuras, agarrado/a al brazo de algún buen mozo y con el volumen bien alto. Creo que cualquier amante del cine de este género disfrutará al cien por cien de uno de sus mejores exponentes.
ALAMBRADAS DE CRISTAL
Género
Drama. Thriller | Telefilm
Sinopsis
Durante un viaje por carretera, dos alumnas de la UCLA terminan en una granja carcelaria del sur por cargos falsos presentados por un sheriff corrupto y enloquecido en un pequeño pueblo
(John Llewellyn Moxey, 1976)
CRITICAS
ALAMBRADAS DE CRISTAL, 1976, dirigida por John Llewellyn Moxey (Magnum; ¿Dónde está todo el mundo?; Se ha escrito un crimen) con un guion de Jo Heims (Escalofrío en la noche; Primavera en otoño; Pesadilla en la nieve).
Protagonizada por Deborah Raffin y Lynne Moody, sigue a dos jóvenes universitarias que deciden recorrer ese verano Norteamérica en coche. Los problemas llegan cuando su auto se estropea en medio de la carretera y un hombre negro se para a ayudar a las chicas (una negra y otra blanca). Pero mientras las está ayudando aparece el Sheriff del condado y como son unas contestonas las detiene por cosas falsas.
Todo empeora cuando el Sheriff viola a la chica negra en el calabozo y en el juicio que hay después y gracias a la complicidad de otras personas quedan detenidas mínimo 30 días en una granja en la que se realizan trabajos forzados, son divididas según su color de piel y por cualquier cosa se las maltrata.
LAS CARCELERAS SON OTRA HISTORIA.
La cinta es muy incómoda pero está brutalmente bien grabada con unas actuaciones de lujo por parte de todos.
Este tema ha sido recurrente incluso en España, que también hizo sus pinitos con este género basado siempre en hechos reales aunque no se hable mucho de ello.
Me impresiona cómo llegan allí (tanto adultos como adolescentes) y todo a lo que se les somete, llevándoles a dos caminos, convertirse en carcelero sin escrúpulos o la resilencia casi absoluta y superar el trauma para ser mejor persona.
AMERICAN PSYCHO
Género
Drama. Terror | Crimen. Años 80. Bolsa & Negocios. Asesinos en serie. Drama psicológico. Película de culto. Comedia negra
Grupos
American Psycho
Sinopsis
En un mundo moralmente plano en el que la ropa tiene más sentido que la piel, Patrick Bateman es un espécimen soberbiamente elaborado que cumple todos los requisitos de Master del Universo, desde el diseño de su vestuario hasta el de sus productos químicos. Es prácticamente perfecto, como casi todos en su mundo e intenta desesperadamente encajar en él. Cuando más intenta ser como cualquier otro hombre adinerado de Wall Street, más anónimo se vuelve y menos control tiene sobre sus terribles instintos y su insaciable sed de sangre, que lo arrastra a una vorágine en la que los objetos valen más que el cuerpo y el alma de una persona.
(Mary Harron, 2000)
CRITICAS
American Psycho es una peli que nos han vendido como de terror, aunque no lo es. Es una película de HUMOR. Humor negro, negrísimo, crítica brutal a la sociedad americana y sobre todo, al cúlmen de ésta representado en la mentalidad del ejecutivo de Wall Street en los 80.
Aquí entra Christian Bale, que ES Patrick Bateman, en una actuación soberbia. El galés se encuentra como en casa interpretando a los personajes más variopintos como sabe cualquiera que haya seguido su carrera, así que no es extraño verlo dar forma al repugnante Bateman. Bateman ejemplifica el estilo de vida de su ciudad y generación. Va a restaurantes caros, dedica interminables horas a la mejora de su físico, tiene un armario de cientos de prendas (todas de diseño, por supuesto), es culto y educado, y tiene como afición asesinar gente.
Es una película muy valiente, para la que tenemos que prepararnos con todo lo que he comentado, una vez puestos sobre aviso, es una película muy divertida, ya que los crímenes en su inmensa mayoría producen carcajadas, debido a lo vacío y estúpido de las víctimas, todas igual de despreciables que el propio Bateman.
En mi opinión, es una adaptación genial del libro, que cuando lo leí, me pareció que sería completamente inadaptable a una pantalla de cine, por su particular estructura (no tiene comienzo, no tiene fin, y por no tener, ni siquiera tiene un tema definido más allá de las peripecias por las que va pasando Bateman a lo largo de los días, sin un evento que marque un comienzo ni un final).
En fin, que lo recomiendo encarecidamente a cualquiera que sepa lo que va a ver y tenga la mente un poco abierta. Entended la crítica, daros cuenta de la raíz de los personajes, y os reiréis como yo cuando Bateman los convierta en filetes.
Nos encontramos ante una película altamente infravalorada y poco comprendida en su conjunto.
Esta es una película donde se nos muestra de un modo muy estudiado ese mundo en el que vive el protagonista, marcado casi exclusivamente por el consumismo y el aspecto externo, (físico, trajes de marca, cenas en restaurantes caros) todo es apariencia.
Desde el punto de vista artístico destacar a Bale, que realiza un papel sensacional, dotando a su personaje de un carisma que consigue que sintamos una repulsión y una atracción hacia Bateman a partes iguales.
BATMAN
Género
Fantástico. Acción. Comedia | Superhéroes. Cómic. DC Comics
Grupos
Batman
Sinopsis
Adaptación a la gran pantalla del popular cómic de Bob Kane, que ese mismo año y con los mismos protagonistas conocía una exitosa versión en formato de serie de televisión que duraría dos años en la pequeña pantalla. Batman y Robin se enfrentan a un grupo de criminales entre los que se encuentran sus eternos rivales Joker y El Pingüino, quienes se han apoderado de un sofisticado artilugio para dominar el mundo
(Leslie H. Martinson, 1966)
CRITICAS
¿Como puede desagradar a alguien un film donde Batman, en su empeño por arrojar una bomba al río, da tropecientasmil vueltas topándose con monjas, patitos, mujeres con carritos (¡y por duplicado!) y demás? ¿A un Batman al cual, ya en la primera secuencia, le ha mordisqueado la pernera un tiburón ¿explosivo? confundiéndolo con una sardina («¡Menuda sardina», antológico Robin)? ¿A un Batman al que un delfín le salva la vida casi sin quererlo («Que nobleza casi humana la de esos delfines», antológico de nuevo Robin)?
Y encima con Adam West, qué puto jefe. Ni Clooney, ni Kilmer, ni Keaton, ni leches en vinagre, ¡si aún tengo en mi cabeza las muecas de West en un intento por otorgarle dramatismo a su personaje! ¡qué tío, menudo crack! Y Burt Ward como Robin, ¡ese sí que le da mil vueltas al O’Donnell! ¡y esas expresiones! («¡Vaya una pesadilla!», «!por todos los demonios, un periscopio pirata!», «¡menudo pegamento!») ¡y esos villanos! ¡El Acertijo con sus inverosímiles y del todo increibles enigmas, el Pingüino y sus irreconocibles disfraces, el Joker y sus bromas pesadas y la Mujer gata con su inconfundible maullido!
Si todo quedase ahí… ¡pero no! ¡todavía hay más! Esa vestimenta kitsch y hortera, esos decorados extremadamente sencillos y coloridos (con esas etiquetas indicando que es cada objeto, bestial) y una retahila de brutales momentos para disfrute de cualquier espectador que busque diversión y nada más.
Pero cuando parece que ya no puede superarse… llega ese final, con sorpresa incluida y con un aspecto que se había echado de menos durante toda la cinta.
En definitiva, quien la vea y no sonría ante algo tan excesivamente cutre y casposo, es que ha perdido el humor o, en su defecto, no se ha quitado las gafas de pasta.
¡Véanla, no se arrepentirán! ¡Yo ya no sé como decirlo!
BRIGADA CRIMINAL
Género
Thriller. Drama. Cine negro | Crimen. Policíaco
Sinopsis
Fernando sale de la Escuela Superior de Policía de Madrid con el título de agente. Está impaciente por comunicárselo a su tío y, mientras lo hace, entran en el establecimiento unos atracadores y roban la caja. El novato agente pide a sus superiores que le dejen hacerse cargo del suceso, pero éstos se muestran inflexibles y le asignan el caso de un robo que ha cometido un lavacoches en un garaje.
(Ignacio F. Iquino, 1950)
CRITICAS
La larga filmografía de Iquino demuestra la habilidad de éste para adecuarse a los gustos y modas imperantes entre el público, y de ahí que realizara, a lo largo de la misma, películas de todos los géneros (comedias, cine negro, musicales folclóricos, destape, etc). Su condición de productor eficiente a la par que realizador eficaz, unido a su instinto comercial y político, propició que gozara de más oportunidades que otros a la hora de llevar a cabo sus proyectos.
En 1950, casi al tiempo en que aparecía el otro título referencial del balbuciente cine negro español («Apartado de Correos 1001», de Julio Salvador), Iquino producía y dirigía esta película, que amparada en la acostumbrada loa a la Dirección General de Seguridad y a las fuerzas del orden, cuenta la historia de un policía novato que, aparentemente destinado a un rutinario primer caso, se ve casualmente complicado en un asunto de mayor envergadura, con robos y asesinatos de por medio.
El argumento bebe de los clásicos norteamericanos de los años cuarenta, especialmente los que optaban por encomiar la labor de la policía, como «T-Men» de Anthony Mann; la historia, bien hilvanada, con la tradicional dicotomía entre buenos y malos (profundamente subrayada por los diálogos y las actitudes), está llena de ritmo, si bien presenta algunas inconsistencias (la facilidad con que se confían los malos al novato infiltrado), así como algunos recursos discutibles (la voz en off, casi siempre innecesaria, o parte del flashback). Pese a ello, la película resulta siempre entretenida, eficaz en el retrato de la violencia, y muy acertada en la ambientación y localizaciones, situadas la práctica totalidad de ellas en Madrid -hay un breve intervalo rodado en Barcelona-.
La realización llama la atención por la elección de los puntos de vista, ángulos y planos; con frecuencia la cámara parece estar semioculta tras los personajes y los objetos, como si la mirada del director (que es también la nuestra) se volviera furtiva, acechante. Además, opta por un punto de vista bajo, especialmente en las conversaciones entre personajes, los cuales, tomados en ligero contrapicado, se encuadran en planos medios, siendo este estilo totalmente novedoso en la cinematografía española. La fotografía opta por el realismo, aunque sin descuidar los efectos lumínicos característicos del género, que se ponen de relieve en el interrogatorio, la paliza, y la estupenda secuencia de persecución y acoso en el edificio en construcción.
Aunque a algunos mi nota pueda parecerles excesiva, creo que hay que reconocer las virtudes de uno de los filmes pioneros del género negro en España, que es el caso que nos ocupa, y disculpar (o al menos entender) el encomio que realiza de las fuerzas del orden, circunstancia que, aparte de ser utilizada como medio para promocionar y «blindar» el filme, no deja de ser un recurso argumental tomado del más puro cine negro estadounidense.
Caballero sin espada
Género
Drama | Política
Sinopsis
Jefferson Smith (James Stewart), un joven ingenuo e idealista, que parece fácilmente manipulable, es nombrado senador. Ignora que en Washington tendrá que vérselas con políticos y empresarios sin escrúpulos que le harán perder la fe. Sin embargo, gracias a su secretaria, una joven que conoce muy bien los entresijos de la política, protagoniza en el Senado una espectacular y maratoniana intervención en la que, además de defender apasionadamente la democracia, pone en evidencia una importante trama de corrupción.
(Frank Capra, 1939)
CRITICAS
Las causas perdidas son las únicas por las que merece la pena luchar, ése es el auténtico mensaje de la película. Ni es contraproducente que sea «patriotera» –en realidad yo no la considero como tal, pues el senado y los periódicos no salen precisamente bien parados de la crítica–, ni que tenga algunos detalles ingenuos, pues se trata de una fábula moral con mayúsculas. Lo que sí idealiza es la constitución estadounidense, pero es que es ella la que reúne los principios de igualdad y honestidad que todos nosotros sabemos que son los que deberíamos tener presentes a diario, vivamos en Cuba, en Francia o en España y apartemos o no la mirada de ellos; otra cosa muy diferente es que la mayoría de los humanos nos los pasemos por la piedra o que reneguemos de ellos por envidias, rencores, miedos o ideas políticas de esas que nunca satisfacen a todos y que son la «paja» que deberíamos saber separar de los principios, que deberían ser comunes para todas ellas.
El protagonista es tan ingenuo y queda tan indefenso ante el corrupto senado que da angustia. Es asombroso ver cómo Stewart es capaz de representarlo con la misma facilidad que a otros personajes más rudos y resabiados. Es uno de los actores más versátiles de la historia; uno de los mejores, sin lugar a dudas. Casi se merienda él solito la película.
El sentido del humor es mucho más ácido de lo que podría parecer a simple vista. ¿Se acuerdan de los camiones de los poderosos periódicos embistiendo a las pequeñas furgonetas en las que los scouts tratan de defender la imagen pública de Jefferson Smith? ¿Y del gobernador siendo aconsejado –casi asediado– por sus propios hijos sobre el candidato perfecto para el cargo de senador?
Cazadores de mentes (Mindhunters)
Género
Acción. Thriller | Crimen. Asesinos en serie
Sinopsis
El FBI tiene un programa de entrenamiento para los agentes de la unidad de perfiles psicológicos (Mindhunters) para enseñarles a seguir la pista a los asesinos en serie. Un grupo de agentes está a punto de terminar el duro curso de instrucción. Sólo les queda una última prueba: pasar un fin de semana en una isla remota resolviendo un crimen ficticio, pero lo que ninguno sabe es que entre ellos hay un asesino en serie, entrenado en las técnicas más modernas de asesinato y acostumbrado a pensar a mayor velocidad que ellos. Lentamente, metódicamente, el asesino los va eliminando uno a uno. A medida que se producen los crimenes, los agentes empiezan a desconfiar los unos de los otros, de manera que todos están bajo sospecha y en peligro mortal
(Renny Harlin, 2004)
CRITICAS
La verdad no deja de sorprenderme cada vez que reflexiono sobre esta película lo perfectamente desarrollado que está este film conforme al guión que preparó el señor director.
Intriga, misterio, algún sobresalto al más puro estilo Detective Conan (esta vez acompañado incluso del otro joven Heiji Hatori) nos presenta esta película dónde nos ayuda a ser detective y tratar de desvelar los misteriosos casos de asesinatos que ocurren entre un equipo de jóvenes aprendices criminólogos del FBI dónde uno de ellos irá ejecutándo al resto de sus compañeros.
Renny Harlin vuelve a ofrecernos un film super-entretenido, bastante en la línea de su exitosa «Deep Blue Sea», la fórmula de grupo encerrado ante una situación amenazante sigue funcionando en «Mindhunters».
Quizás la película puede pecar de tener una trama con poco fondo y por eso los constantes giros de guión no resultan tan rotundos para el espectador, pero sin duda podemos jugar a especular sobre quien es el malo a lo largo de todo el metraje que no aburre en absoluto. La tensión está bastante conseguida, ya que la cinta no para de sorprendernos con escenas inquietantes, sin olvidar ese portentoso final, que nos deja con muy buen sabor de boca.
Lo mejor: que no pierde el tiempo
CITA CON LA MUERTE
Género
Intriga. Drama | Crimen
Grupos
Adaptaciones de Agatha Christie | Hércules Poirot
Sinopsis
Cuando una multimillonaria cuya fortuna es ambicionada por varias personas aparece envenenada, las sospechas sobre su asesinato recaen inmediatamente sobre sus posibles herederos. El detective Hércules Poirot es el encargado de investigar el crimen.
(Michael Winner, 1988)
CRITICAS
Bastante buena esta historia de Agatha Christie con el bueno de Peter Ustinov como Hercules Poirot. Y con otro par de nombre que llaman la atención: la mismísima Lauren Bacall (muy avejentada ya, no la reconocí hasta leer los créditos) y Carrie Fisher.
La película cuenta con un asesinato, como no podría ser de otra forma, y un montón de sospechosos, tantos que es muy difícil, casi imposible, dar con el asesino, además de que Agatha Christie siempre era experta en desviar la atención en sus historias, de forma que, por más vueltas que le das, el asesinato siempre se va a resolver de manera inesperada.
Esta historia además se desarrolla en Jerusalem, para darle un poco de interés a la historia mientras hacen turismo por la antigua ciudad y sus ruinas.
La trama engancha, las diferentes historias de los personajes se hacen interesantes, y la parte final , con la resolución, sorprende. Una peli diga de verse para los amantes de las pelis de asesinatos.
CITA IMPOSIBLE
Género
Intriga. Cine negro. Thriller | Policíaco. Crimen
Sinopsis
Rosario (Josefina Güell) es condenada por un robo cometido en el Teatro de Variedades, donde trabajaba como secretaria del empresario Gaston Leducq (Luis Induni). Al salir de la cárcel, trata de demostrar su inocencia, pero rechaza la ayuda de Raimundo (Philippe Lemaire), el abogado que no supo ayudarla a evitar la cárcel. Cuando el empresario Gaston aparece asesinado, ella se convierte en la principal sospechosa. Mercedes (Mercedes Monterrey), la esposa de Gaston, la acusa de ser la autora del crimen. Entran entonces en juego el inspector Fermín (Arturo Fernández), su primo Raimundo, que fue abogado de Rosario, y Pilar (Luz Márquez), una amiga de ambos.
Todo se complica con un chantaje y otro nuevo asesinato. La policía tratará de descubrir la relación entre los dos asesinatos y atrapar a los responsables. Existe una versión alternativa francesa de este film llamada «Panique au Music-Hall», donde lo que cambia es que el personaje de Rosario en ese caso lo interpreta Claudine Dupuis y dura un par de minutos más pues tuvo menos censura en los números musicales de las coristas.
(Antonio Santillán, 1958)
CRITICAS
El guión no se esmera demasiado en alentar el misterio, ya que desde su primer aparición la identidad del culpable salta a la vista de cualquiera que sea minimamente aficionado a la ficción policiaca. También peca de ingenuo el desenlace, pues para que la policia dé en el clavo del asunto, ha de ser la supina falta de mollera del asesino quien le sirva en bandeja la solución del enigma.
Son leves reparos, ya que el auténtico interés de la peli estriba en el sabio aprovechamiento de recursos hitchcockianos de suspensión de buena ley. Se trata en efecto del clásico caso de inocente sobre quien se ceban el verdadero criminal y las casualidades, abrumándole con falsos indicios de culpabilidad, y que se da a la fuga con la ayuda de desenfadados desfacedores de agravios.
En ese aspecto, el guión sí que cuida los detalles con acierto y sutileza, apoyándose en escenas y situaciones ingeniosamente diseñadas, eficazmente filmadas y montadas, contando además con una galería de personajes certeramente perfilados entre los cuales destaca el desaforado ladronzuelo interpretado por Gustavo Re.
No faltan sabrosos detalles que hoy harán sonreir a algunos, rabiar a otros, así la escena donde el poli y su medio novia pasean en una barca en la cual ondea la bandera de España con Águila de San Juan incluida ¡En Barcelona!
El reparto constituye una baza de primera.
Complace ver actuar al Arturo Fernández de los comienzos, en el que apenas aflora el amaneramiento gestual y de dicción que le harán inaguantable más tarde.
Es un lujazo saborear la actuación de Luz Vázquez, delicada estampa que el cine español no supo aprovechar como se lo merecía, quizás por situarse su delicada figura a años-luz del prototipo de la hembra hispana.
Grata sorpresa la presencia en el elenco de Philippe Lemaire, apuesto y talentoso segundón del cine galo, que se suicidó al día siguiente de cumplir 77 años tirándose bajo el metro en París.
CIUDAD VIOLENTA
Género
Acción. Thriller | Mafia. Venganza. Poliziesco
Sinopsis
Tras ser engañado y dado por muerto, Jeff decide ir a Nueva Orleans para buscar el hombre que intentó asesinarlo. Comienza así un largo recorrido para cumplir su venganza. Un gran capo de la mafia lo chantajeará para que ingrese en su banda y participe en sus negocios; pero, como Jeff rechaza la propuesta, es implacablemente perseguido por la ciudad
(Sergio Sollima, 1970)
CRITICAS
Clásico del poliziesco europeo, cine pese a ello muy desconocido o minusvalorado, y que en este caso se merece justamente el término “clásico”, porque es una auténtica maravilla.
La cinta reproduce completamente una historia y arquetipos del noir americano clásico, con un revestimiento, claro, de su época: un (estupendo) Charles Bronson atrapado (así como el resto de reparto masculino, incluyendo a Telly Savalas, haciendo de característico jefe capo) en las redes de una demiurga femme fatale (Jill Ireland).
Sollima, artesano mejor director que otros de sus coetáneos, filma y planifica con estilo visual, nervio narrativo y rabia, intensidad emocional en los momentos justos; la película discurre, aparte del riego clásico de pasiones (ojo al arrebato sexual en el muelle) y traiciones que la vertebran y de algún curiosísimo, simpático momento (arácnido en la cárcel, el abuelete cruzando la calle), con varias escenas de alta categoría y voltaje: la típica secuencia de persecución automovilística (por callejuelas, más emocionante y mejor resulta de lo acostumbrado: sorprendente primera escena, presentación, aún sin diálogos); la metódica –vagamente divertida: humor negro- espera de Bronson para atentar contra un coche en un rally; la serie secuencia en un pantano (ruinosos barcos fantasma, cruzando espesa arboleda) adonde Bronson lleva a Ireland para su exigida ejecución; y, por supuesto, los tensos, muy negros y pluscuamperfectos últimos diez minutos (magistral escena muda del ascensor).
La película italiana de género favorita de Nicolas Winding Refn. Magnífica.
DE AQUI A LA ETERNIDAD
Género
Drama. Romance | Ejército. Amistad. Años 40. Pearl Harbor. Historias cruzadas
Grupos
Adaptaciones de James Jones
Sinopsis
Año 1941. El soldado Prewitt (Montgomery Clift), que acaba de llegar a la base militar de Pearl Harbor en Hawai, es un antiguo boxeador retirado del ring. El capitán Holmes (Philip Ober), conocedor de sus habilidades como púgil, intenta que se una al equipo del ejército, pero Prewitt rechaza la propuesta. A partir de ese momento se ve sometido a toda clase de castigos y humillaciones tanto por parte de sus superiores como de sus compañeros. Sólo cuenta con la amistad y el apoyo del soldado Angelo Maggio (Frank Sinatra). Mientras tanto, el sargento Milton Warden (Burt Lancaster) y Karen (Deborah Kerr), la mujer de Holmes, viven una historia de amor adúltera. Pero la vida de todos cambiará con el ataque japonés a Pearl Harbor.
(Fred Zinnemann, 1953)
CRITICAS
Es complicado encontrar una película de la historia del cine que refleje mejor la vida en un acuartelamiento que la espléndida «De aquí a la eternidad», aunque es verdad que para poder percibirlo con total nitidez hay que haberlo vivido. Porque es eso lo que más me ha impresionado siempre en cada toma de esta película, el grado de verosimilitud de todas y cada una de las escenas, algunas de ellas hiperrealistas y de una frialdad cortante. Ver como ligan, como hablan, como contestan al teléfono, como desfilan en el patio, como fuman el cigarro… absolutamente maravilloso. Nunca el público estuvo más cerca de sentir cómo se vive y que se hace en un centro militar.
La acción dramática tiene lugar en Hawaii (acuartelamiento de Schofield, Pearl Harbour, Honolulu, Halona Cove, etc.), a lo largo de los 2/3 meses anteriores al ataque japonés del domingo 7-XII-1941. Las vidas entrecruzadas de los soldados Robert E. Lee Prewitt (Clift) y Angelo Maggio (Sinatra), de los sargentos Milton Warden (Lancaster) y James R. “Fatso” Judson (Borgnine), del capitán Dana Holmes (Ober), de la vulnerable Karen Holmes (Kerr) y de la prostituta Alma “Lorena” Burke (Reed), dan lugar a una eclosión de pasiones humanas desbordadas, que convierten la vida en el archipiélago en un polvorín de injusticias, abusos de poder, envidias, odios, afanes de venganza, extorsiones y romances imposibles, a punto de estallar. Prewitt es testarudo, Maggio es bromista y alborotador, Warden es un trabajador eficiente, Judson es racista y sádico, el capitán Holmes es tiránico y despótico, Lorena es interesada y soñadora, Karen Holmes es una mujer insatisfecha, frustrada, refinada y ninfómana.
El film suma drama, romance y guerra. Adapta una novela de éxito que plantea, 6 años después de la IIGM y al comienzo de la Guerra de Corea (1951-53), la denuncia y crítica de la brutalidad, corrupción, sadismo y mezquindad que se da en el Ejército en tiempos de paz. En busca de emociones fuertes, al gusto del público del momento, contextualiza la crítica antimilitarista en un ambiente marcado por el adulterio, la prostitución y la ninfomanía. La película, al objeto de evitar problemas con la rígida censura del Código Hayes, rebaja la crítica antimilitarista (que traslada de la institución a casos aislados), incorpora elogios a las instituciones militares y elimina las blasfemias y el prostíbulo.
Pero es que al margen de ello debo decir que jamás he visto tampoco como un libro tan complejo, excelente, y rico en detalles la novela portentosa obra de James Jones –que también escribió “La delgada línea roja” que tiene casi 1.000 páginas es convertida en guión a la perfección en ¡menos de dos horas! Aunque no nos debe extrañar si conociéramos a Daniel Taradash autor entre otras de «Llamad a cualquier puerta», «Encubridora o «Picnic» que realiza uno de los guiones más perfectos de toda la década de los 50, que no es precisamente una década cualquiera.
DELTA FORCE 1+2 – EDICION METALICA
Género
Acción | Secuestros / Desapariciones. Terrorismo. Aviones. Ejército
Grupos
Delta Force
Sinopsis
Un comando terrorista árabe conocido con el nombre de Revolución del Nuevo Mundo secuestra un avión de pasajeros comercial lleno de ciudadanos estadounidenses con destino a Nueva York, y ordena aterrizar en Beirut. Una vez en tierra, los miembros de un comando especial de fuerzas de élite, los Delta Force, serán los encargados de intentar liberar a los rehenes.
(Menahem Golan, 1986)
CRITICAS
Clásica producción ochentera de la CANNON, que contó con un reparto impresionante, y que se puede dividir en dos partes, la del secuestro del avión con las vivencias de los secuestrados y demás y la parte donde el grupo de élite de la Delta Force comandado por Marvin y Norris realizan el rescate. Fué el último trabajo del gran Lee Marvin y tiene escenas tan buenas como la persecución con la furgoneta o las peripecias de Norris en moto. Un entretenimiento total, pese a su larga duración, con espíritu ochentero total y recomendable cien por cien.
Desayuno en Pluton
Género
Drama. Comedia | IRA. Terrorismo. Comedia dramática. Años 70. Transexualidad / transgénero
Sinopsis
Patrick Braden es un joven encantador, pero más duro de lo que aparenta. Abandonado al nacer en un pequeño pueblo irlandés, es consciente desde el principio de que es diferente a los demás. Patrick sobrevive en un ambiente hostil gracias no sólo a su ingenio y a su encanto, sino también a que no está dispuesto a que nada ni nadie lo cambie. Le pasarán mil y una peripecias, algunas surrealistas, otras divertidas e incluso conmovedoras, siempre en las carnes de un joven que resiste las pruebas y los desafíos con una sonrisa y manteniendo su fe en la bondad inherente a todos los seres humanos.
(Neil Jordan, 2005)
CRITICAS
Neil Jordan se translada a su Irlanda natal para filmar este encantador y extravagante relato que narra el surrealista y tragicómico periplo de un joven travesti irlandés, quien viaja hasta Londres en busca de su madre.
Esto le sirve a Jordan para abordar de nuevo el problema del terrorismo irlandés (como en «Juego de lágrimas») y la crisis de Irlanda del norte en los años setenta, pero desde la perspectiva del risueño y excéntrico Patrick, un papel abierto a todo tipo de sobreactuaciones que borda un excepcional Cillian Murphy (no quiero imaginar el sacrilegio de doblaje que habrán hecho aquí), con lo que el autor aborda la dificultad de ser diferente en un entorno adverso, contando además con una magnífica banda sonora.
Como si de un cuento agridulce y surrealista se tratara, la película arrastra al espectador por las vivencias de un personaje entrañable y estrambótico a la vez (genialmente interpretado por Cillian Murphy), absolutamente desprejuiciado y sin problemas a la hora de aceptarse tal y como es (nada de dramatismos innecesarios a la hora de definir su identidad sexual), mientras a su alrededor una sociedad cada vez más hostil y convulsa empieza a desplegar sus alas. Muy recomendable.
DESCALZOS POR EL PARQUE
Género
Romance. Comedia | Comedia romántica
Grupos
Adaptaciones de Neil Simon
Sinopsis
Un joven y conservador abogado (Robert Redford) es la quintaesencia de la sensatez y el sentido común. En cambio, su esposa (Jane Fonda) es un poco alocada y sólo piensa en pasárselo lo mejor posible. Ambos se enamoran al instante y se casan de inmediato; pero la dura realidad (un quinto piso sin ascensor, un apartamento como una caja de cerillas) hace que la pasión y la armonía se resientan.
(Gene Saks, 1967)
CRITICAS
Jane fonda navega por cada fotograma como un poema vital y libertario, con su belleza de luna recién estrenada, sembrando a su paso simpatía, locura, erotismo, optimismo y juventud. Sí, seguramente ya era así antes de conocer las delicias de la luna de miel, pero seis días sin salir de una cama le han descubierto un nuevo universo de fantasía y seducción multiplicando todas sus virtudes. En el otro lado tenemos a un abogado principiante de forzada sonrisa y traje gris que ama a su mujer pero que no sabe divertirse y ante semejante contraste los problemas empezarán en cuanto él regrese al apartamento alquilado en el que comienzan su vida en común.
Así se abre descalzos por el parque, una divertidísima comedia romántica mucho más real de lo que a primera vista pudiera parecer. ¿Cuántas parejas se rompen cada día tras pasar por un trance parecido? ¿Cuántas se reconcilian? ¿Cuántas intentan nivelarse con éxito? ¿Cuántas fracasan en el intento?
En la pareja cuando solo hay una cama, todo está donde tiene que estar, esa cama puede durar una hora, una semana o un tiempo indeterminado y debes estar atento a los elementos externos que se irán poco a poco metiendo en ella. El paraíso es cosa de dos y nada más.
Curiosamente en mis relaciones sentimentales yo he sido siempre como Jane Fonda, mi nula querencia por las responsabilidades de todo tipo, bolsillo quebrado, epicureismo de saldo y nihilismo poético sostenían a las mujeres que he amado en un tambaleante carpe diem espejismo de una cuerda floja de la que siempre se terminaban bajando para cambiarme por algo más seguro. Me manejo bien en el paraíso pero soy un desastre para controlar los elementos externos.
DIFICIL DE MATAR
Género
Acción | Policíaco. Venganza
Sinopsis
Un policía descubre una trama de corrupción a alto nivel político, por lo que le intentan asesinar, quedando en coma durante varios años. Cuando el detective recupera la consciencia, decide vengarse de aquellos que atentaron contra su vida.
(Bruce Malmuth, 1990)
Criticas
Excelente película de Steven Seagal, que demuestra su dominio de las artes marciales ante las cámaras, bajo la dirección de Bruce Malmuth. Una obra de arte para los amantes del cine de acción
Historia de una venganza, un tema recurrente y funcional que justifica las hostias a tutiplén. El Karate que emplea es muy vistoso y espectacular, aunque más sencillo que las técnicas que utilizará en sus siguientes películas.
Es una cinta de acción en su máxima expresión. Cumple realmente con todo lo que promete. Grandes peleas cuerpo a cuerpo, muchos disparos y hasta persecuciones en auto. Es una obra maestra del género en el mejor momento de Steven Seagal quien todavía era joven y recién comenzaba en esto del cine.
Un personaje que te enamorará.
EL CANALLA
Género
Thriller | Policíaco. Polar francés
Sinopsis
Simon, un abogado condenado por un crimen, se escapa de la cárcel y se refugia provisionalmente en casa de una desconocida. Poco después, se pone en contacto con su ex mujer y con su amigo Charles, sus cómplices en el secuestro del hijo de un empleado de un banco, por el que recibieron un rescate de un millón de dólares. Simon escondió el dinero de ser detenido y ahora se propone recuperarlo.
(Claude Lelouch, 1970)
CRITICAS
Una entretenida y eficaz cinta a cargo de Lelouch, quien ya había trabajado con Trintignant en la más célebre y exitosa Un hombre y una mujer. El título en castellano resulta poco apropiado, pues el protagonista es más bien un granuja o sinvergüenza, y en modo alguno posee los rasgos característicos de los personajes del cine negro, mucho más inclinados a la violencia y la fatalidad. Por eso mismo, cabe señalar que el filme es una afortunada mezcla de cine policíaco o thriller con claros toques de sátira y comedia, propuesta ya ensayada con éxito anteriormente en el cine francés (ahí están ejemplos como Gángsters a la fuerza, de Lautner o El embrollón, de Molinaro, ambos genialmente protagonizados por Lino Ventura).
La película huye de la narración lineal de acontecimientos, presentando numerosos saltos temporales entre el presente (las acciones de Simón tras huir de la cárcel) y el pasado (se explica el golpe que acaba con él en prisión y con una gran suma de dinero “esperándole” fuera). Las diversas peripecias abordadas en el filme, aunque propias del género negro (secuestros, rescates, amenazas, persecuciones…), son objeto de un tratamiento suave, “blanco”, en el que la violencia es más aparente que real, del mismo modo que los personajes son mostrados desde un punto de vista amable. De ahí que, aunque sustentándose en las apariencias del Polar, la película sea en realidad un entretenimiento para todos los públicos, y basta atender al tratamiento del secuestro para percatarse de ello, pues en ningún momento teme el espectador por la vida del niño, algo que en un Polar clásico no ocurriría. Igualmente, el protagonista, aunque con rasgos propios del género negro (es calculador, desconfiado, etc.), incorpora otros poco habituales (es también afectuoso y leal), y para colmo es abogado. La trama se desarrolla pues, de forma discontinua, y juega a la confusión con el espectador, si bien lo hace de manera agradable, sin que ello moleste en exceso.
Bien protagonizada por Trintignant, actor siempre eficaz y ya probado en este tipo de papeles (y en otros), encuentra buen acompañamiento en el resto del reparto, siendo destacadas las interpretaciones de Charles Gérard (Charlot) y de Aldo Maccione (con su breve pero cómica interpretación del preso italiano). Un guión correcto y eficaz, con buenas frases para caracterizar a los personajes, y algunas secuencias francamente ingeniosas (especialmente todo el tinglado del secuestro y la muy peculiar boda en prisión) redondean un filme que sin ser novedoso ni tener pretensiones, supone un producto excelente de seguro entretenimiento.
EL ESCRITOR
Género
Thriller. Intriga | Política. Literatura
Sinopsis
Un escritor (McGregor) acepta a regañadientes el encargo de terminar las memorias del primer ministro británico Lang (Pierce Brosnan), tras la muerte de la persona que lo estaba haciendo. Para ello, se instala en una isla de la costa este de Estados Unidos. Al día siguiente de su llegada, un exministro acusa a Lang de autorizar la captura ilegal de presuntos terroristas y su entrega a la CIA, hechos que constituirían un crimen de guerra. El escándalo atrae a periodistas y manifestantes a la mansión donde se alojan Lang, su mujer (Olivia Williams) y su ayudante personal (Kim Cattrall).
(Roman Polanski, 2010)
CRITICAS
Excelente película. Es admirable cómo Polanski nos va sumergiendo en el misterio poco a poco, de forma sosegada pero sin dar lugar al bostezo del espectador. Todo lo contrario. La «calma tensa» que se respira aumenta por momentos, al tiempo que se van encajando de forma metódica y efectiva las pequeñas piezas del puzzle.
De hecho, hay momentos que causan verdadero desasosiego, sin recurrir a nada explícito, sin ruido de ninguna clase… sólo por la sensación de peligro inminente del que se mete en la piel de Ewan McGregor. Sencillamente maravilloso, joder. Esto es maestría.
Este Ghost Writer ( El escritor fantasma en el título original) llega a ser una de las obras cinematográficas más compensadas y perfectas de los últimos tiempos. Rehuyendo totalmente de la acción tramposa, cosa que desagradará a muchos, y ofreciendo una narración exacta como el mecanismo de un reloj el film de Polanski llega a unos niveles de calidad que recuerdan a los mejores thrillers del cine negro.
Con pocos elementos, un entorno opresivo y bello y un planteamiento sencillo la película alcanza cotas de desasosiego brutales.
El final es uno de esos que pasarán que a la historia. No apta para adictos al cine rápido y especialmente recomendada para amantes del cine clásico.
Lo mejor: los actores están soberbios.
El pulso narrativo es magnífico, como ya digo. Y las localizaciones del film y su fotografía, muy acertadas. No se busca el espectáculo ni se magnifica nada; se trata de que el espectador esté ahí con Ewan.
Las actuaciones… muy buenas y creíbles, sobre todo las de los principales protagonistas de la historia. Los diálogos son afilados y entretenidos, e incluso Polanski consigue introducir y sacar de escena algún toque de humor de forma exquisita y sutil.
Y ya por último, mencionar algún que otro recurso con la cámara, que plasman la guinda de esta delicatessen.
EL FANTASMA DE LA LIBERTAD
Género
Drama. Comedia | Surrealismo. Película de episodios
Sinopsis
Serie de viñetas entrelazadas por un personaje o una situación que conecta una historia con la siguiente. Unos soldados franceses entran a la catedral de Toledo durante la invasión napoleónica. Un capitán besa la estatua de una mujer y destruye la de un hombre. En la época actual, un matrimonio se escandaliza con unas postales que muestran monumentos de París. Un hombre ve pasar unos animales por su cuarto. En una escuela de policías, un gendarme dicta una lección sobre las distintas costumbres antropológicas.
Un asesino es dejado en libertad después de matar a 18 personas. Una multitud furiosa asalta un zoológico gritando lemas de la resistencia anti-napoleónica, mientras un avestruz mira directamente al espectador.
(Luis Buñuel, 1974)
CRITICAS
Dice Buñuel que esta película la recuerda como una de las que se siente más satisfecho. Añade que la considera dentro de una trilogía “sui generis”, en donde incluye también “El discreto encanto de la burguesía” (1972), y “Ese oscuro objeto del deseo” (1977), es decir, las tres últimas de su producción.
Confieso que siempre me llevé regular con estas películas de mi admirado Buñuel, y que, aun reconociendo sus innegables valores, siento nostalgia de otras, tal vez de peor factura, pero hechas a partir del talento, optimizando los medios y los tiempos, en las que él se mueve de manera diligente entre la realidad y el deseo, o sea entre lo que a él le gustaría hacer y lo que realmente podía hacer. Me gustan mucho algunos de los personajes, complejos, profundos, torturados, de su etapa mexicana, me gusta mucho también ese surrealismo metido con calzador, casi furtivo, como para poner una nota distintiva.
Por eso, “El fantasma de la libertad” me parece un poco la película que pudo hacer cuando pudo hacerla: con actores solventes y conocidos, con medios razonables y, sobre todo, con libertad absoluta para hacer lo que le da la gana. Y lo que hace, en mi opinión, es una exhibición de surrealismo de salón, consciente de que los cinéfilos pertenecientes a la clase social que él denigra en esas mismas películas, van a aplaudirle, admirados y felices de hacerlo, estableciendo una especie de complicidad intelectual pero epidérmica, como si la cosa no fuera con ellos.
Porque Buñuel estaba ya oscarizado, y en su terreno era un dios incontestable del olimpo de los cineastas vivos con un mensaje propio y diferente. No le quito mérito a la película: la enmarco en un contexto histórico y, sobre todo, mental. Las industrias culturales están repletas de ejemplos parecidos en los que los escarnecidos compran encantados las obras de arte que les escarnecen.
Dicho esto, confieso que me encantan las absurdas situaciones que presenta, que contienen un mensaje divertido, sarcástico y transgresor, hasta cierto punto. Antológica la situación de los padres de la niña buscándola sin haberla perdido.
Los monjes jugando a las cartas, o el prefecto de la polícía siendo detenido por sus propios hombres. Ahí está el inconformista que ya se ha hecho un poco mayor, y que mantiene sus obsesiones intactas, y sus recuerdos infantiles en perfecto estado de conservación.
Como la película está compuesta por escenas independientes, no es posible resaltar interpretaciones concretas. No hay literalmente protagonistas. Todos los actores están bien, muy bien.
EL HUNDIMIENTO DEL TITANIC
Género
Aventuras. Drama | Basado en hechos reales. Catástrofes. Titanic
Sinopsis
El Titanic era el trasatlántico más grande de su tiempo, una maravilla de la ingeniería. Sus constructores estaban convencidos de que era insumergible. En 1912 partió del puerto de Southampton con destino a Nueva York. Sus pasajeros eran la flor y nata de la sociedad de aquel tiempo.
(Jean Negulesco, 1953)
CRITICAS
Escrita y dirigida por Charles Brackett, la película fue dirigida por Jean Negulesco («Cómo casarse con un millonario», 1953). Se basa en el hundimiento del mayor trasatlántico de la época, el Titanic, que naufragó en su viaje inaugural. Se rodó, en b/n, en los Fox Studios, con ayuda de maquetas, miniaturas, tanques de agua y efectos especiales ingeniosos. Nominada a 2 Oscar, obtuvo uno (guión). Se estrenó el 16-IV-1953.
La acción tiene lugar a bordo del Titanic entre el 10 y el 15 de abril de 1912. Narra la historia de Richard Ward Sturges (Clifton Webb), que ante la huida de su esposa Julia (Barbara Stanwyck), con sus hijos Anetta (Audrey Dalton), de 17 años, y Norman, de 10, decide embarcarse en el mismo buque que ellos. Quiere obtener la custodia de los hijos, frente a la negativa de la madre. Para poder subir a la nave en el último momento, adquiere el billete del emigrante vasco, Juan Pablo Uzcudum. La última parte del film relata el hundimiento del buque.
La película combina la historia melodramática de un matrimonio con dos hijos, en fase de separación y ruptura, y la catástrofe del Titanic, en la que murieron más de 1.500 personas y se salvaron poco más de 700. Se enmarca en el género de cine de catástrofes, como «San Francisco» (1936), «Chicago» (1938) y otras. La tragedia del Titanic se había llevado al cine con anterioridad en 2 ocasiones: «Of Night And Ice» (1912) y «Titanic» (1915). Siguieron otras, como «A Night To Remember» (1958) y «Titanic» (1997) y varias producciones para la TV. La descripción que hace Negulesco del estupor, desconcierto, caos y pánico, que se apoderan gradualmente de pasajeros y tripulación, es sobria y realista. La obra critica el exceso de confianza de los armadores, la presunción de conseguir un récord de tiempo en un viaje inaugural y la fascinación por los prodigios de la técnica, siempre frágiles y arriesgados. Exalta el heroismo de tripulación y viajeros. Muestra que ricos y pobres son iguales ante el desastre.
La música, de Sol Kaplan («Niágara», 1953), aporta una partitura original de profundo sentido trágico y aires solemnes, que evoca fatalidad y desgracia. Añade el himno popular «Nearer My God, To Thee», que interpreta la orquesta del barco en los momentos culminantes. La fotografia, de Joseph MacDonald («Cielo amarillo», 1948), ofrece composicciones muy cuidadas, que captan la magnitud de la tragedia y la emoción de las víctimas. El guión construye un relato singular, que suma melodrama familiar y tragedia colectiva. La interpretación de Clifton Webb es magnífica. La dirección crea una obra conmovedora y fascinante.
La película, de excelente guión, música adecuada, buena fotografía y acertados efectos especiales de la época, ilustra, cautiva y emociona.
EL NOVATO
Género
Comedia | Mafia
Sinopsis
Clark Kellogg (Matthew Broderick) es asaltado momentos después de llegar a Nueva York, así que cuando ve a su atracador varios días después, lo confronta. El hombre promete devolverle lo robado y conseguirle un trabajo con su tío, Carmine Sabatini (Marlon Brando), quien resulta ser un jefe de la mafia. Mientras Clark continúa con su turbio trabajo para Carmine, descubre un inframundo elaborado que ha llamado la atención de las autoridades.
(Andrew Bergman, 1990)
CRITICAS
Grácil y despreocupada comedia hecha a mayor gloria de un inmenso (en todos los sentidos) Marlon Brando, este es el mayor atractivo de esta sátira del cine mafioso y por ende del mejor de todos los tiempos la saga “El padrino”, la autoparodia del mítico Vito Corleone que hace el titánico actor, encarnándolo con temple, dignidad y porte regio que lo hacen aún más divertido en el contexto del relato, arrollador en cada presencia, hace cada segundo que él no está en pantalla la cinta se quede huérfana, y es que como bien he leído nadie hace mejor de Brando que el propio actor.
Dirección y guión a cargo de Andrew Bergman, consigue insuflar algo de vida en ausencia de Brando con unos personajes que rebosan encanto como un protagonista Matthew Broderick encarnando su rol clásico de la época de niño bueno, una deliciosa Penelope Ann Miller con notable química con el protagonista, Paul Benedict como profesor arrogante fenomenal, muy jocoso Bruno Kirby, y otra enorme presencia en la figura del germano Maximilian Schell.
La mayoría dice que el peso de toda la historia recae en Brando, y ciertamente no habría podido hacerse sin él, pero creo que, aparte del giro final donde se explicita que todo estaba previsto y planificado en cierta forma para hacer algo que se podría haber resuelto de forma más sencilla, tanto el trabajo de los demás actores como el guión fueron bastante decentes.
En conjunto un film ligero, sin más aspiraciones que homenajear a Brando y a la mítica saga de gánsteres
EL ROSTRO
Género
Drama. Terror | Siglo XIX. Magia. Drama psicológico
Sinopsis
Suecia, mediados del siglo XIX. Dentro de un vehículo sumergido en la niebla, viaja una compañía de artistas ambulantes, cuyo jefe es el doctor Vogler, mago e hipnotizador que va acompañado de una anciana bruja, experta en pócimas de amor, y de su mujer y ayudante. Al pasar por una ciudad se convierten en el blanco de las burlas y humillaciones de un comité encabezado por el cínico doctor Vergerus, un médico que le pide a Vogler una representación.
(Ingmar Bergman, 1958)
CRITICAS
En esta cinta, Ingmar Bergman se recrea en algunas de sus obsesiones: el misticismo y lo inmaterial vs. el racionalismo y escepticismo (la ciencia, en definitiva). Evidentemente, están también las archisabidas referencias a la muerte, los bajos instintos y la búsqueda de refugio en esos ¿artificios? místicos a los que recurrimos ante la desesperación de la extinción de la propia existencia. Todo confluye en un final extraño, cercano al género de terror (acertada la vinculación entre esta película y Edgar A. Poe; su desenlace parece sacado de uno de sus relatos).
Los temas, por tanto, son variopintos. Los sucesivos encuentros de los personajes (todos aportan algo) sirven para que se vayan planteando cuestiones, a veces incluso empleando, cosa rara en el sueco, el sentido del humor. Especialmente interesante es la reflexión (latente durante todo el metraje) sobre el cine. Son varias las ocasiones en que el vínculo entre lo narrado y el propio cinematógrafo es evidente, haciendo patente la reflexión sobre el cine como truco o ilusión. Para gozar del cinematógrafo (del arte en general) hay que entrar en ese juego del engaño y de la cuarta pared.
La realización, la iluminación y el blanco y negro (con mucho contraste y nitidez) potencian un cierto expresionismo, acrecentado por los afilados primeros planos (sobre todo de von Sydow) y un cierto preciosismo en la forma de corregir, mediante leves pero agudos movimientos, las posiciones de la cámara. Una película por ello a ratos recargada y gótica, tramposa en su parte final, pero que ensambla perfectamente fondo y forma.
En todo caso con Bergman, Tarkovski y tantos otros autores, es más relevante la conexión emocional que la pura comprensión. Siempre defenderé que estas películas no son aburridas sino personales y, por tanto, difíciles (estamos accediendo al interior de una sensibilidad ajena y, probablemente, superior a la nuestra). Hay que hacer propias primero esas obsesiones (y no siempre el plano racional es el más adecuado o el único para ello) para poder valorarlas. Pero esto pasa en cine, literatura, pintura (la eterna y aburridísima discusión e incomprensión sobre lo abstracto). Búscate en lo que te cuentan, entiende los postulados que te plantean, y luego juzga. En caso contrario, corremos el riesgo de reducir lo que vemos a nuestras propias limitaciones.
Por eso aquello del «nada es verdadero, nada es falso» que tanto le gustaba a Bergman puede que cobre plena significación aquí y nos sirva como principio rector con el que acercarnos a su cine (sobre todo cuanto más nos acerquemos a su obra capital, ‘Persona’). «Nada es verdadero, nada es falso»; una ambigüedad que encaja perfectamente con el final de opereta de este film, que cierra «burlesque» el gran guiñol al que hemos asistido.
El Santo: Películas – Blu-ray Edición Limitada en Caja Dura – Imprint Television
Género
Serie de TV. Acción
Grupos
El Santo (Simon Templar)
Roger Moore protagonizó *El Santo* (The Saint) en el papel de Simon Templar durante ocho años, entre 1962 y 1969; una emocionante serie de acción y aventuras que lo convirtió en una estrella internacional.
Dos aventuras de la última temporada fueron remontadas para su estreno en cines como largometrajes, y Imprint Television se complace en lanzarlas en Blu-ray por primera vez a nivel mundial, ambas recién restauradas a partir de sus negativos originales:
- The Fiction-Makers (1968) – ¡Estreno mundial en Blu-ray! – Secretaria para un ladrón
- Vendetta for the Saint (1969) – ¡Estreno mundial en Blu-ray! – La venganza del Santo
Basadas en las populares novelas de Leslie Charteris, estas aventuras sumamente entretenidas son imprescindibles para los seguidores de la acción de los años 60 y del James Bond clásico.
Esta colección especial también incluye el largometraje documental de 2025 *My Life as Roger Moore*, una inmersión detallada entre bastidores a través de los diarios, memorias e imágenes de archivo inéditas del propio Moore, además de un análisis del legado perdurable que dejó tras de sí.
Edición limitada en estuche rígido de 3 discos Blu-ray que incluye un libreto de tapa dura de 44 páginas. Tirada exclusiva de 1500 unidades.
NUEVA restauración de Imprint Television
Nuevo comentario de audio a cargo de Jaz Wiseman y Al Samujh, presentadores del podcast *ITC Entertained The World*
Comentario de audio del director Roy Ward Baker y de los supervisores de producción Peter Manley y Malcolm Christopher
Entrevista de archivo con el actor Roger Moore
Tráiler
Audio: Inglés LPCM 2.0 Dual Mono
Relación de aspecto: 1.33:1
Subtítulos opcionales en inglés para personas con discapacidad auditiva (HOH)
ESMERALDA LA ZINGARA
Género
Drama | Edad Media. Siglo XV
Grupos
Adaptaciones de Victor Hugo | El jorobado de Notre Dame
Sinopsis
A finales del siglo XV, en París conviven un pueblo ignorante, un rey comprensivo, un malvado juez y una organización de mendigos que servirán de comparsas a dos personajes marginados: la gitana Esmeralda y Quasimodo, el jorobado campanero de Notre Dame
(William Dieterle, 1939)
CRITICAS
No hay mejor manera de empezar que viendo las siglas RKO, todo lo que viene después hasta ese grito inolvidable y célebre de Quasimodo está impregnado de unas maneras, impresionismo alemán tal vez, lo ignoro, que me ha llevado minuto tras minuto a disfrutar de una historia triste y conmovedora, repleta de romanticismo.
Víctor Hugo es más que esta película, no hay debate posible en una comparación entre cine y literatura, sencillamente no hay debate, pero al terminar de ver «Esmeralda la Zíngara» y valorar el trabajo de Laughton, la belleza de O’Hara y esos maravillosos miserables de los bajos fondos de París, me he dado cuenta que los dieces no cuestan tanto ponerlos si las cosas están tan bien hechas.
He ojeado críticas y he visto que nadie le ha puesto la máxima nota, así que soy el primero, no sólo porque el escritor francés lo merece, como digo cuando una película acaba y todo ha sido redondo, no cuesta poner un diez, en letras o en números, un 10 como una casa.
Porque me ha provocado tristeza y rabia, porque no se puede pedir más a una historia atractiva llena de ritmo y repleta de imágenes que transmiten torbellinos de emociones. A mí el B/N me gana, es personal, pero no creo que vaya a ver nunca el subproducto de la Disney del jorobado, sólo pensarlo me da algo.
Así que no soy de piedra como el pobre Laughton, no, como la catedral de París, ese imponente edificio cuyo esplendor de qué buena manera queda expuesto. Yo siento y padezco como todos los humanos, como el cura malo, como el poeta, como la gitana, como todos…
Y es que la historia de la gitana Esmeralda contiene muchas más historias, todas de 10, eso ya lo he dicho, porque rezuma romanticismo, porque es cine de calidad, porque así da gusto