Mostrando 1–24 de 60 resultados
TIPO
- CineCine 58
- SeriesSeries 1
FILTRAR POR GÉNERO
FORMATO
IDIOMA
- CASTELLANO 58
PRODUCTORA
- 20th Century Fox 3
- ABC Circle Films 1
- Amblin Entertainment 1
- Atomic Monster 1
- Cannon Group 1
- Chessman Park Productions 1
- Columbia Pictures 1
- Coproducción Estados Unidos-México 1
- Coproducción Francia-Italia 4
- Coproducción Italia-Francia 1
- Coproducción Reino Unido-Estados Unidos 1
- DC Entertainment 1
- De Laurentiis Entertainment Group 1
- De Laurentiis Entertainment Group (DEG) 1
- Decla Film 2
- Dimension Films 1
- DreamWorks SKG 1
- Fox Searchlight 1
- France 3 Cinéma 1
- Geffen Pictures 1
- Home Free 1
- IFI Producción 1
- José Luis Tafur P.C 1
- Lionsgate 1
- Lord Miller 1
- MGMMGM 1
- Morgan Creek Productions 1
- Orion Pictures 1
- ParamountParamount 2
- Paramount Pictures 2
- Pixar Animation Studios 2
- Regency Television 1
- RKO Radio Pictures 2
- Roberts Pictures Inc 1
- Samuel Goldwyn Company 1
- Searchlight Pictures 1
- Summit Entertainment 2
- The Cannon Group Inc 1
- Touchstone Pictures 2
- TriStar Pictures 1
- Universal International Pictures 1
- Universal Pictures 1
- Vértice P.C 1
- Walt Disney Pictures 1
- Warner Bros 3
- Wayans Bros 2
AÑO LANZAMIENTO
Director
- Andrew Bergman 1
- Andrew Stanton 1
- Antonio Santillán 1
- Christian-Jaque 1
- Christopher Miller 1
- Christopher Nolan 1
- Craig Gillespie 1
- Curtis Hanson 1
- Daniel Attias 2
- Daniel Chong 1
- Danny Boyle 1
- David Cronenberg 1
- Dean Parisot 1
- Elia Kazan 1
- Éric Besnard 1
- Fritz Lang 1
- Greg Beeman 1
- Griffin Dunne 1
- Guillermo del Toro 1
- Guy Ritchie 1
- Howard Deutch 1
- Ignacio F. Iquino 1
- Jean Negulesco 1
- John Berry 1
- John Ford 1
- John Irvin 1
- John Llewellyn Moxey 1
- Jon Turteltaub 1
- Jose Luis Garci 1
- Joseph Zito 1
- Keenen Ivory Wayans 2
- Lee Cronin 1
- Leo McCarey 1
- Luc Besson 1
- Luis Buñuel 1
- Marco Ferreri 1
- Mary Harron 1
- Matt Bettinelli-Olpin 1
- Matthew Chapman 1
- Melvin Frank 1
- Michael Winner 1
- Neil Jordan 1
- Peter Medak 1
- Peter Weir 1
- Phil Lord 1
- Phillip Noyce 1
- René Clair 1
- René Clément 1
- Renny Harlin 1
- Rob Cohen 1
- Robert Eggers 1
- Robert Montgomery 1
- Robert Wiene 1
- Sergio Sollima 1
- Steve McQueen 1
- Steven SpielbergSteven Spielberg 1
- Thomas Kail 1
- Wolfgang Petersen 1
Price
CATEGORÍAS
- Accessories 3
- GÉNERO 3470
- Acción / aventuras / artes marciales 1092
- Animación / Anime 128
- Asiatico 115
- Bélico 209
- Ciencia ficción / SCI FI 351
- Clasico 932
- Comedia 727
- Contemporáneo / moderno 127
- Documental 27
- Drama 1814
- Erótico / adultos 29
- Europeo 811
- Infantil 184
- Musical 158
- Religioso 78
- Romance 477
- Social / político 641
- Super héroes y comics 81
- Terror 513
- Thriller/ Policíaco 1175
- Western 168
- IMPORTACIÓN 76
- NOVEDADES 983
- PREVENTA 139
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12 años de esclavitud
Género
Drama | Basado en hechos reales. Biográfico. Esclavitud. Racismo. Siglo XIX. Histórico
Sinopsis
Basada en un hecho real ocurrido en 1850, narra la historia de Solomon Northup, un culto músico negro que vivía con su familia en Nueva York. Tras tomar una copa con dos hombres, Solomon descubre que ha sido drogado y secuestrado para ser vendido como esclavo en una plantación de Louisiana. Solomon contempla cómo todos a su alrededor sucumben a la violencia y a la desesperación. Pero él decide no rendirse y esperar a que llegue el momento oportuno para recuperar la libertad y volver con su familia
(Steve McQueen, 2013 )
CRITICAS
Se suponía que los derechos humanos eran independientes de todos los gobiernos; pero sucedió que en el momento en el que los seres humanos carecieron de un gobierno propio y tuvieron que recurrir a sus derechos [humanos], ninguna autoridad quedó para protegerlos y ninguna institución quiso garantizarlos”, Los orígenes del totalitarismo, Hannah Arendt
Si existe la justicia cinematográfica (algo que no tengo muy claro) Steve McQueen se llevará el Oscar al mejor director y a la mejor película, Hans Zimmer a la mejor banda sonora y Chiwetel Ejiofor y Michael Fassbender al mejor actor principal y al mejor actor de reparto, respectivamente.
Antepongo a mi fervor, adoración, pasión, por Fassbender, el reconocimiento que se merece el director porque esta película tiene el sello de calidad que, con apenas tres largometrajes, ha sabido convertir en marca de la casa: elegancia, sentimiento, imágenes de una belleza apabullante y el abordamiento de conflictos sin restarnos a los espectadores ni un ápice de crudeza pero siempre intentando mostrarnos las dos caras del ser humano. ¡MacQueen enamora con su talento!
Y es que el planteamiento que hace en “12 años de esclavitud”, basada en un hecho real ocurrido en 1850, consigue que el horror que nos relata nos afecte de lleno puesto que se basa en el secuestro y sometimiento de un hombre, sí de color, pero un hombre libre. Si todos los hombres somos iguales, si no se respetan los derechos humanos, si somos ciudadanos de segunda, si solo una ley establece la frontera entre el libre y el esclavo (como argumenta Brad Pitt, en un papel pequeño pero logrado, frente al iracundo dueño de la plantación, negrero de pro, interpretado por Fassbender), ¿quién nos dice que mañana no llegará alguien que cambiará la ley intercambiando con ello la condición de unos y otros?
Quiero DESTACAR de esta obra de arte LA UTILIZACIÓN DEL SONIDO algo que me fascinó: para diferenciar el mundo que los esclavistas consideran justo y legítimo del horror de la realidad, a la lectura de los pasajes bíblicos recitados por los dueños de las plantaciones,para llevar la palabra del señor a “esas bestias negras”, le acompañan los latigazos propinados a quienes no cumplen los estándares de recolección de algodón, o el llanto de las madres a quienes han separado brutalmente de sus hijos y a quienes las “amas” blancas animan diciendo “no te preocupes, pronto los olvidarás”. ¡Es impresionante!
Mostrándonos las debilidades, miedos e inseguridades de los personajes, consigue que, en ciertos momentos, entendamos su comportamiento aunque no lo compartamos, algo muy difícil de lograr cuando estamos hablando de personas capaces de matar a otros sin pestañear.
28 DIAS DESPUES – EDICION METALICA LIMITADA 4K UHD
Género
Terror. Ciencia ficción. Thriller | Zombis. Pandemias. Película de culto
Grupos
Saga ’28 … después»
Sinopsis
Londres es un cementerio. Las calles antes abarrotadas están ahora desiertas. Las tiendas, vacías. Y reina un silencio total. Tras la propagación de un virus que acabó con la mayor parte de la población de Gran Bretaña, tuvo lugar la invasión de unos seres terroríficos. El virus se difundió, tras la incursión en un laboratorio, de un grupo de defensores de los derechos de los animales. Transmitido a través de la sangre, el virus produce efectos devastadores en los afectados. En 28 días la epidemia se extiende por todo el país y sólo queda un puñado de supervivientes.
(Danny Boyle, 2002)
CRITICAS
La película trata sobre la supervivencia y el caos que acoje Gran Bretaña ante un repentino virus de la ira, que en 28 días deja asolado todo, y convierte a sus habitantes en una especie de «zombis» coléricos con ojos enrojecidos.
A partir de esta base, lo que un director cualquiera hubiera utilizado para hacer una masacre, sangre por doquier, sustos fáciles, explosiones y adrenalina a raudales… el señor Boyle (de películas tan dispares como la genial «Trainspotting», la mediocre «Millones» y la curiosa aunque plomiza «Sunshine») nos presenta un film ante todo curioso e innovador, desarrollado en su mayoría a plena luz del sol, sin estruendos que dañen tus oidos para dar el susto fácil, sino que crea una atmosfera, nos introduce en la situación del personaje de Cillian Murphy y nos crea la necesidad y el instinto de sobrevivir a este caos, pero como cuenta la sipnosis, pronto se descubre que no sólo el virus es la causa de este caos, sino que incluso en este tipo de situaciones extremas, el hombre demuestra ser el animal más idiota y egoista poniendo en peligro a sus semejantes para benefico propio.
Un ejercicio de reflexión a la vez que entretiene y nos hace disfrutar, con planos magníficos, buenas actuaciones y una dirección acertada.
En último lugar, no hay que olvidar el trabajo de un talento en alza: Cillian Murphy. Un intérprete que vale su peso en oro, y lo demostrará. Aporta carácter y garra otorgando el peso necesario al colofón de la cinta. También está Gleeson, cuya presencia siempre se agradece, y unos acompañantes bastante competentes.
Buen cambio y buena regeneración del mejor cine de terror. Chapeau por Boyle.
3 NINJA – LA CUATRILOGIA COMPLETA
Género
Comedia. Acción. Infantil | Artes marciales. Ninjas. Comedia de acción. Cine familiar
Grupos
3 pequeños ninjas
Sinopsis
Rocky, Colt y Tum Tum son tres hermanos que, desde muy pequeños, han sido entrenados en el arte del Ninjitsu por su abuelo, Mori Tanaka. Un día, un viejo «amigo» de éste, Hugo Snyder, vuelve a dar señales de vida. El FBI le está investigando por una serie de turbios asuntos y pretende sacárselos de encima de cualquier manera. Aprovechando que el padre de los chicos trabaja en el FBI, decide secuestrarlos creyendo que así se librará de la investigación. Sin embargo, los chicos le pondrán las cosas más complicadas de lo que creía en principio. Exitosa película que generó tres secuelas: «3 ninjas contraatacan» (1994), «3 ninjas peleones» (1995) y «3 ninjas en el parque de atracciones» (1998).
(Jon Turteltaub, 1992)
CRITICAS
Metes en una coctelera Karate Kid, Solo en casa y Duro de matar, añades un chorrito de champín, unas gotas de limón, agitas a ritmo frenético y sirves en vaso de McDonald’s con pajita de kung-fu Panda. Resultado: tres críos repartiendo tortas a tutiplén.
No esperes un análisis profundo, pero…
Se nota la mano de Jon Turteltaub en el film, un director de oficio con productos notables en el cine de entretenimiento como National Treasure, El aprendiz de brujo o recientemente Megalodón. Si yo tuviera 14 años, me seguiría flipando 3 Ninjas. Pero aunque no tengo 14 años y me cuesta entrar en esa lógica propia de los dibujos animados, donde los malos son muy tontos y los niños encuentran soluciones inimaginables, de vez en cuando decido dejarme llevar y solo disfrutar.
1- 3 PEQUEÑOS NINJA
2- 3 NINJAS CONTRAATACAN
3- 3 NINJAS PELEONES
4- 3 NINJAS EN EL PARQUE DE ATRACCIONES
A PLENO SOL
Género
Intriga. Thriller | Policíaco. Crimen. Polar francés. Amistad. Celos. Thriller psicológico
Grupos
Adaptaciones de Patricia Highsmith
Sinopsis
Tom Ripley, un cazafortunas, es enviado a Europa por el señor Greenleaf para buscar a su hijo Philip, un playboy mimado, y llevarlo de vuelta a los Estados Unidos. A cambio recibirá 5000 dólares. Philip engaña a Tom fingiendo que está decidido a volver, pero no tiene ninguna intención de dejar a su prometida ni de cumplir los deseos de su padre
(René Clément, 1960)
CRITICAS
De las manos de René Clément «A pleno sol», llegó a convertirse en un clásico del cine noir europeo, ésta versión de una de las novelas más celebradas de la norteamericana Patricia Highsmith, un modelo seguido e imitado por muchos, pero ninguno de ellos lo ha conseguido plasmar en la pantalla, tan magníficamente como Clément, que pocos años después consiguió el Oscar de la Academia por la película “Juegos prohibidos».
La versión de Patricia Highsmith, se convirtió en manos de Clément, en un film luminosamente siniestro, con un memorable trabajo de sus principales actores, empezando por un estupendo Maurice Ronet (En el papel del playboy Philippe Greenleaf, perfecto), y un poco por encima un Alain Delon, en estado de gracia (que realiza a la perfección el papel de Tom Ripley), un siniestro personaje, con una gran capacidad calculadora, maquiavélico, y que al verse despreciado una y otra vez, no dudará ni un instante en llevar a cabo su plan. “A pleno sol”, tiene además en el reparto a la hermosa Marie Laforet, una cantante de la que nunca se supo con claridad si lo es mejor que actriz.
“A pleno sol”, es sin duda un argumento apasionante, que René Climent sabe llevar a la pantalla con frialdad y distancia, sin efectismo baratos y practicando un psicologismo basado en el análisis de los pequeños detalles. Una más que recomendable película que en su día demostró que Europa, podía arrebatar a Estados Unidos, la hegemonía del género negro, es una lastima, que hoy en día dicha película no sea más revisada.
AL FINAL DE LA ESCALERA
Género
Terror. Thriller | Sobrenatural. Casas encantadas. Fantasmas. Película de culto
Sinopsis
John (George C. Scott) es un famoso compositor que acaba de perder a su familia de manera trágica y trata de superarlo marchándose a vivir desde Nueva York a una casa apacible y solitaria en Seattle. Sin embargo, al poco de tiempo de instalarse empiezan a suceder cosas extrañas… Hasta que un día descubre una habitación secreta ubicada al final de la escalera
(Peter Medak, 1980)
CRITICAS
Dice la persona con quien volví a ver esta película hace poco que el género de terror no existe. No sé qué es lo que entiende él por género de terror pero para mí no hay dudas. El terror en el cine existe. La cuestión está en saber qué es terror, qué es intriga, qué es simplemente cine fantástico. Cuando una película te aterroriza y no sólo eso, sigue persiguiéndote por los largos pasillos del subconsciente una vez se terminan los títulos de crédito y se instala en tus recuerdos y otorga un poder inquietante a las esquinas, las bañeras, los pavimentos o las mismísimas escaleras, estamos ante lo más grande que existe en el género, estamos ante una auténtica película de terror.
«Al final de la escalera» es un filme soberbio que si ha perdido poder con el tiempo, se debe sobre todo a la cantidad de obras que lo han imitado hasta la saciedad.
Cualquier película de género con casas encantadas bebe de este río o de sus afluentes: lo que diferencia al original del resto es que está tan bien perpetrada que no importan los sustos…lo que pesa es la atmósfera, la cámara subjetiva, los efectos de sonido, toda esa sabia dosificación de ritmo. Actores…una historia elaboradísima, coherente…alternancia entre momentos de tensión, drama, calma…lo tiene TODO.
Imprescindible para ver a oscuras, agarrado/a al brazo de algún buen mozo y con el volumen bien alto. Creo que cualquier amante del cine de este género disfrutará al cien por cien de uno de sus mejores exponentes.
ALAMBRADAS DE CRISTAL
Género
Drama. Thriller | Telefilm
Sinopsis
Durante un viaje por carretera, dos alumnas de la UCLA terminan en una granja carcelaria del sur por cargos falsos presentados por un sheriff corrupto y enloquecido en un pequeño pueblo
(John Llewellyn Moxey, 1976)
CRITICAS
ALAMBRADAS DE CRISTAL, 1976, dirigida por John Llewellyn Moxey (Magnum; ¿Dónde está todo el mundo?; Se ha escrito un crimen) con un guion de Jo Heims (Escalofrío en la noche; Primavera en otoño; Pesadilla en la nieve).
Protagonizada por Deborah Raffin y Lynne Moody, sigue a dos jóvenes universitarias que deciden recorrer ese verano Norteamérica en coche. Los problemas llegan cuando su auto se estropea en medio de la carretera y un hombre negro se para a ayudar a las chicas (una negra y otra blanca). Pero mientras las está ayudando aparece el Sheriff del condado y como son unas contestonas las detiene por cosas falsas.
Todo empeora cuando el Sheriff viola a la chica negra en el calabozo y en el juicio que hay después y gracias a la complicidad de otras personas quedan detenidas mínimo 30 días en una granja en la que se realizan trabajos forzados, son divididas según su color de piel y por cualquier cosa se las maltrata.
LAS CARCELERAS SON OTRA HISTORIA.
La cinta es muy incómoda pero está brutalmente bien grabada con unas actuaciones de lujo por parte de todos.
Este tema ha sido recurrente incluso en España, que también hizo sus pinitos con este género basado siempre en hechos reales aunque no se hable mucho de ello.
Me impresiona cómo llegan allí (tanto adultos como adolescentes) y todo a lo que se les somete, llevándoles a dos caminos, convertirse en carcelero sin escrúpulos o la resilencia casi absoluta y superar el trauma para ser mejor persona.
AMERICAN PSYCHO
Género
Drama. Terror | Crimen. Años 80. Bolsa & Negocios. Asesinos en serie. Drama psicológico. Película de culto. Comedia negra
Grupos
American Psycho
Sinopsis
En un mundo moralmente plano en el que la ropa tiene más sentido que la piel, Patrick Bateman es un espécimen soberbiamente elaborado que cumple todos los requisitos de Master del Universo, desde el diseño de su vestuario hasta el de sus productos químicos. Es prácticamente perfecto, como casi todos en su mundo e intenta desesperadamente encajar en él. Cuando más intenta ser como cualquier otro hombre adinerado de Wall Street, más anónimo se vuelve y menos control tiene sobre sus terribles instintos y su insaciable sed de sangre, que lo arrastra a una vorágine en la que los objetos valen más que el cuerpo y el alma de una persona.
(Mary Harron, 2000)
CRITICAS
American Psycho es una peli que nos han vendido como de terror, aunque no lo es. Es una película de HUMOR. Humor negro, negrísimo, crítica brutal a la sociedad americana y sobre todo, al cúlmen de ésta representado en la mentalidad del ejecutivo de Wall Street en los 80.
Aquí entra Christian Bale, que ES Patrick Bateman, en una actuación soberbia. El galés se encuentra como en casa interpretando a los personajes más variopintos como sabe cualquiera que haya seguido su carrera, así que no es extraño verlo dar forma al repugnante Bateman. Bateman ejemplifica el estilo de vida de su ciudad y generación. Va a restaurantes caros, dedica interminables horas a la mejora de su físico, tiene un armario de cientos de prendas (todas de diseño, por supuesto), es culto y educado, y tiene como afición asesinar gente.
Es una película muy valiente, para la que tenemos que prepararnos con todo lo que he comentado, una vez puestos sobre aviso, es una película muy divertida, ya que los crímenes en su inmensa mayoría producen carcajadas, debido a lo vacío y estúpido de las víctimas, todas igual de despreciables que el propio Bateman.
En mi opinión, es una adaptación genial del libro, que cuando lo leí, me pareció que sería completamente inadaptable a una pantalla de cine, por su particular estructura (no tiene comienzo, no tiene fin, y por no tener, ni siquiera tiene un tema definido más allá de las peripecias por las que va pasando Bateman a lo largo de los días, sin un evento que marque un comienzo ni un final).
En fin, que lo recomiendo encarecidamente a cualquiera que sepa lo que va a ver y tenga la mente un poco abierta. Entended la crítica, daros cuenta de la raíz de los personajes, y os reiréis como yo cuando Bateman los convierta en filetes.
Nos encontramos ante una película altamente infravalorada y poco comprendida en su conjunto.
Esta es una película donde se nos muestra de un modo muy estudiado ese mundo en el que vive el protagonista, marcado casi exclusivamente por el consumismo y el aspecto externo, (físico, trajes de marca, cenas en restaurantes caros) todo es apariencia.
Desde el punto de vista artístico destacar a Bale, que realiza un papel sensacional, dotando a su personaje de un carisma que consigue que sintamos una repulsión y una atracción hacia Bateman a partes iguales.
BRIGADA CRIMINAL
Género
Thriller. Drama. Cine negro | Crimen. Policíaco
Sinopsis
Fernando sale de la Escuela Superior de Policía de Madrid con el título de agente. Está impaciente por comunicárselo a su tío y, mientras lo hace, entran en el establecimiento unos atracadores y roban la caja. El novato agente pide a sus superiores que le dejen hacerse cargo del suceso, pero éstos se muestran inflexibles y le asignan el caso de un robo que ha cometido un lavacoches en un garaje.
(Ignacio F. Iquino, 1950)
CRITICAS
La larga filmografía de Iquino demuestra la habilidad de éste para adecuarse a los gustos y modas imperantes entre el público, y de ahí que realizara, a lo largo de la misma, películas de todos los géneros (comedias, cine negro, musicales folclóricos, destape, etc). Su condición de productor eficiente a la par que realizador eficaz, unido a su instinto comercial y político, propició que gozara de más oportunidades que otros a la hora de llevar a cabo sus proyectos.
En 1950, casi al tiempo en que aparecía el otro título referencial del balbuciente cine negro español («Apartado de Correos 1001», de Julio Salvador), Iquino producía y dirigía esta película, que amparada en la acostumbrada loa a la Dirección General de Seguridad y a las fuerzas del orden, cuenta la historia de un policía novato que, aparentemente destinado a un rutinario primer caso, se ve casualmente complicado en un asunto de mayor envergadura, con robos y asesinatos de por medio.
El argumento bebe de los clásicos norteamericanos de los años cuarenta, especialmente los que optaban por encomiar la labor de la policía, como «T-Men» de Anthony Mann; la historia, bien hilvanada, con la tradicional dicotomía entre buenos y malos (profundamente subrayada por los diálogos y las actitudes), está llena de ritmo, si bien presenta algunas inconsistencias (la facilidad con que se confían los malos al novato infiltrado), así como algunos recursos discutibles (la voz en off, casi siempre innecesaria, o parte del flashback). Pese a ello, la película resulta siempre entretenida, eficaz en el retrato de la violencia, y muy acertada en la ambientación y localizaciones, situadas la práctica totalidad de ellas en Madrid -hay un breve intervalo rodado en Barcelona-.
La realización llama la atención por la elección de los puntos de vista, ángulos y planos; con frecuencia la cámara parece estar semioculta tras los personajes y los objetos, como si la mirada del director (que es también la nuestra) se volviera furtiva, acechante. Además, opta por un punto de vista bajo, especialmente en las conversaciones entre personajes, los cuales, tomados en ligero contrapicado, se encuadran en planos medios, siendo este estilo totalmente novedoso en la cinematografía española. La fotografía opta por el realismo, aunque sin descuidar los efectos lumínicos característicos del género, que se ponen de relieve en el interrogatorio, la paliza, y la estupenda secuencia de persecución y acoso en el edificio en construcción.
Aunque a algunos mi nota pueda parecerles excesiva, creo que hay que reconocer las virtudes de uno de los filmes pioneros del género negro en España, que es el caso que nos ocupa, y disculpar (o al menos entender) el encomio que realiza de las fuerzas del orden, circunstancia que, aparte de ser utilizada como medio para promocionar y «blindar» el filme, no deja de ser un recurso argumental tomado del más puro cine negro estadounidense.
Cazadores de mentes (Mindhunters)
Género
Acción. Thriller | Crimen. Asesinos en serie
Sinopsis
El FBI tiene un programa de entrenamiento para los agentes de la unidad de perfiles psicológicos (Mindhunters) para enseñarles a seguir la pista a los asesinos en serie. Un grupo de agentes está a punto de terminar el duro curso de instrucción. Sólo les queda una última prueba: pasar un fin de semana en una isla remota resolviendo un crimen ficticio, pero lo que ninguno sabe es que entre ellos hay un asesino en serie, entrenado en las técnicas más modernas de asesinato y acostumbrado a pensar a mayor velocidad que ellos. Lentamente, metódicamente, el asesino los va eliminando uno a uno. A medida que se producen los crimenes, los agentes empiezan a desconfiar los unos de los otros, de manera que todos están bajo sospecha y en peligro mortal
(Renny Harlin, 2004)
CRITICAS
La verdad no deja de sorprenderme cada vez que reflexiono sobre esta película lo perfectamente desarrollado que está este film conforme al guión que preparó el señor director.
Intriga, misterio, algún sobresalto al más puro estilo Detective Conan (esta vez acompañado incluso del otro joven Heiji Hatori) nos presenta esta película dónde nos ayuda a ser detective y tratar de desvelar los misteriosos casos de asesinatos que ocurren entre un equipo de jóvenes aprendices criminólogos del FBI dónde uno de ellos irá ejecutándo al resto de sus compañeros.
Renny Harlin vuelve a ofrecernos un film super-entretenido, bastante en la línea de su exitosa «Deep Blue Sea», la fórmula de grupo encerrado ante una situación amenazante sigue funcionando en «Mindhunters».
Quizás la película puede pecar de tener una trama con poco fondo y por eso los constantes giros de guión no resultan tan rotundos para el espectador, pero sin duda podemos jugar a especular sobre quien es el malo a lo largo de todo el metraje que no aburre en absoluto. La tensión está bastante conseguida, ya que la cinta no para de sorprendernos con escenas inquietantes, sin olvidar ese portentoso final, que nos deja con muy buen sabor de boca.
Lo mejor: que no pierde el tiempo
CITA CON LA MUERTE
Género
Intriga. Drama | Crimen
Grupos
Adaptaciones de Agatha Christie | Hércules Poirot
Sinopsis
Cuando una multimillonaria cuya fortuna es ambicionada por varias personas aparece envenenada, las sospechas sobre su asesinato recaen inmediatamente sobre sus posibles herederos. El detective Hércules Poirot es el encargado de investigar el crimen.
(Michael Winner, 1988)
CRITICAS
Bastante buena esta historia de Agatha Christie con el bueno de Peter Ustinov como Hercules Poirot. Y con otro par de nombre que llaman la atención: la mismísima Lauren Bacall (muy avejentada ya, no la reconocí hasta leer los créditos) y Carrie Fisher.
La película cuenta con un asesinato, como no podría ser de otra forma, y un montón de sospechosos, tantos que es muy difícil, casi imposible, dar con el asesino, además de que Agatha Christie siempre era experta en desviar la atención en sus historias, de forma que, por más vueltas que le das, el asesinato siempre se va a resolver de manera inesperada.
Esta historia además se desarrolla en Jerusalem, para darle un poco de interés a la historia mientras hacen turismo por la antigua ciudad y sus ruinas.
La trama engancha, las diferentes historias de los personajes se hacen interesantes, y la parte final , con la resolución, sorprende. Una peli diga de verse para los amantes de las pelis de asesinatos.
CITA IMPOSIBLE
Género
Intriga. Cine negro. Thriller | Policíaco. Crimen
Sinopsis
Rosario (Josefina Güell) es condenada por un robo cometido en el Teatro de Variedades, donde trabajaba como secretaria del empresario Gaston Leducq (Luis Induni). Al salir de la cárcel, trata de demostrar su inocencia, pero rechaza la ayuda de Raimundo (Philippe Lemaire), el abogado que no supo ayudarla a evitar la cárcel. Cuando el empresario Gaston aparece asesinado, ella se convierte en la principal sospechosa. Mercedes (Mercedes Monterrey), la esposa de Gaston, la acusa de ser la autora del crimen. Entran entonces en juego el inspector Fermín (Arturo Fernández), su primo Raimundo, que fue abogado de Rosario, y Pilar (Luz Márquez), una amiga de ambos.
Todo se complica con un chantaje y otro nuevo asesinato. La policía tratará de descubrir la relación entre los dos asesinatos y atrapar a los responsables. Existe una versión alternativa francesa de este film llamada «Panique au Music-Hall», donde lo que cambia es que el personaje de Rosario en ese caso lo interpreta Claudine Dupuis y dura un par de minutos más pues tuvo menos censura en los números musicales de las coristas.
(Antonio Santillán, 1958)
CRITICAS
El guión no se esmera demasiado en alentar el misterio, ya que desde su primer aparición la identidad del culpable salta a la vista de cualquiera que sea minimamente aficionado a la ficción policiaca. También peca de ingenuo el desenlace, pues para que la policia dé en el clavo del asunto, ha de ser la supina falta de mollera del asesino quien le sirva en bandeja la solución del enigma.
Son leves reparos, ya que el auténtico interés de la peli estriba en el sabio aprovechamiento de recursos hitchcockianos de suspensión de buena ley. Se trata en efecto del clásico caso de inocente sobre quien se ceban el verdadero criminal y las casualidades, abrumándole con falsos indicios de culpabilidad, y que se da a la fuga con la ayuda de desenfadados desfacedores de agravios.
En ese aspecto, el guión sí que cuida los detalles con acierto y sutileza, apoyándose en escenas y situaciones ingeniosamente diseñadas, eficazmente filmadas y montadas, contando además con una galería de personajes certeramente perfilados entre los cuales destaca el desaforado ladronzuelo interpretado por Gustavo Re.
No faltan sabrosos detalles que hoy harán sonreir a algunos, rabiar a otros, así la escena donde el poli y su medio novia pasean en una barca en la cual ondea la bandera de España con Águila de San Juan incluida ¡En Barcelona!
El reparto constituye una baza de primera.
Complace ver actuar al Arturo Fernández de los comienzos, en el que apenas aflora el amaneramiento gestual y de dicción que le harán inaguantable más tarde.
Es un lujazo saborear la actuación de Luz Vázquez, delicada estampa que el cine español no supo aprovechar como se lo merecía, quizás por situarse su delicada figura a años-luz del prototipo de la hembra hispana.
Grata sorpresa la presencia en el elenco de Philippe Lemaire, apuesto y talentoso segundón del cine galo, que se suicidó al día siguiente de cumplir 77 años tirándose bajo el metro en París.
CIUDAD VIOLENTA
Género
Acción. Thriller | Mafia. Venganza. Poliziesco
Sinopsis
Tras ser engañado y dado por muerto, Jeff decide ir a Nueva Orleans para buscar el hombre que intentó asesinarlo. Comienza así un largo recorrido para cumplir su venganza. Un gran capo de la mafia lo chantajeará para que ingrese en su banda y participe en sus negocios; pero, como Jeff rechaza la propuesta, es implacablemente perseguido por la ciudad
(Sergio Sollima, 1970)
CRITICAS
Clásico del poliziesco europeo, cine pese a ello muy desconocido o minusvalorado, y que en este caso se merece justamente el término “clásico”, porque es una auténtica maravilla.
La cinta reproduce completamente una historia y arquetipos del noir americano clásico, con un revestimiento, claro, de su época: un (estupendo) Charles Bronson atrapado (así como el resto de reparto masculino, incluyendo a Telly Savalas, haciendo de característico jefe capo) en las redes de una demiurga femme fatale (Jill Ireland).
Sollima, artesano mejor director que otros de sus coetáneos, filma y planifica con estilo visual, nervio narrativo y rabia, intensidad emocional en los momentos justos; la película discurre, aparte del riego clásico de pasiones (ojo al arrebato sexual en el muelle) y traiciones que la vertebran y de algún curiosísimo, simpático momento (arácnido en la cárcel, el abuelete cruzando la calle), con varias escenas de alta categoría y voltaje: la típica secuencia de persecución automovilística (por callejuelas, más emocionante y mejor resulta de lo acostumbrado: sorprendente primera escena, presentación, aún sin diálogos); la metódica –vagamente divertida: humor negro- espera de Bronson para atentar contra un coche en un rally; la serie secuencia en un pantano (ruinosos barcos fantasma, cruzando espesa arboleda) adonde Bronson lleva a Ireland para su exigida ejecución; y, por supuesto, los tensos, muy negros y pluscuamperfectos últimos diez minutos (magistral escena muda del ascensor).
La película italiana de género favorita de Nicolas Winding Refn. Magnífica.
Corazon de medianoche
Género
Intriga
Sinopsis
Carol, una joven inestable que se está recuperando de una crisis nerviosa, hereda un club nocturno de su tío y decide trasladarse a vivir al local. Allí descubre algunos aterradores secretos relacionados con su tío, lo que le hace recordar detalles de la relación que mantuvo con él. Pero cuando todo lo que la rodea comienza a resultar amenazador, Carol empieza a dudar de si se trata de alucinaciones y a creer que se está volviendo loca.
(Matthew Chapman, 1988)
Criticas
Carol, una joven con problemas psicológicos, hereda un club nocturno en estado ruinoso de un excéntrico tío suyo que acaba de morir de sida. Contra la voluntad de su madre, Carol decide mudarse al edificio, sólo para descubrir que se trata de un espacio laberíntico cuya parte superior alberga una serie de habitaciones extrañas, de una sordidez muy palpable. Allí su tío organizaba rituales fetichistas y fiestas sexuales para gente con toda clase de perversiones. De noche, sola en el inmueble, la atormentan ruidos inquietantes, sucesos inexplicables y pesadillas persistentes, vestigios de una infancia traumática.
Este thriller psicológico escrito por su propio director, Matthew Chapman, despliega una narrativa cautivadora que gira en torno a Carol y en la progresiva degradación de su estado mental, interpretada por una soberbia Jennifer Jason Leigh. Tras ser desacreditada por la policía cuando acudía a denunciar un incidente, la joven cae en una espiral de paranoia constante que la aboca a su propio infierno. La protagonista, con su cabello rubio hitchcockiano, comienza a dudar de la naturaleza de lo que experimenta —si se trata de alucinaciones o de una amenaza real— y a temer estar perdiendo la cordura. Sus emociones se representan con gran precisión mediante secuencias oníricas y un diseño sonoro sobresaliente, capaz de generar la tensión y el suspense necesarios para sostener el relato.
Chapman invita al espectador a un descenso a los infiernos del sexo y del deseo donde reina el dolor y la desconfianza. El director logra articular una atmósfera perturbadora y claustrofóbica única que, a veces, naufraga en sus propios excesos. Aun así, la acumulación de elementos sadomasoquistas y enigmáticos consigue mantener el interés. En el plano visual, Chapman juega con el color e introduce el verde como uno de los tonos predominantes, junto al rojo, su opuesto en el círculo cromático. El rojo tiene connotaciones obvias, y aquí está presente en sus tonos más intensos en las paredes del burdel-calabozo para impregnar el espacio de inquietud y pecaminosidad. En este sentido, las manzanas rojas también ocupan un lugar destacado en la película, como una metáfora visual obvia. Entonces, si el verde es su opuesto, ¿es una fuente de consuelo? Quizás, al igual que el marcado contraste entre ambos colores, la película no logra una conciliación tan cómoda.
Sin embargo, la principal razón para recomendar la obra es, por supuesto, Jennifer Jason Leigh. Pocas actrices interpretan con tanta eficacia las secuelas del trauma, la fragilidad y la vulnerabilidad de un personaje maltrecho. Su interpretación, anclada en un realismo contundente, compensa el surrealismo de inspiración lynchiana que impregna la propuesta de Chapman y aporta una verdad emocional que el guion, por sí solo, no consigue. Corazón de medianoche no es una gran película, pero sí un ejemplo poco conocido de cómo Jennifer Jason Leigh es capaz de elevar una obra gracias a su talento y fuerza interpretativa.
Dead Poets Society (El club de los poetas muertos) – EDICION METALICA 4K UHD
Género
Drama | Enseñanza. Colegios & Universidad. Literatura. Años 50. Película de culto
Sinopsis
En un elitista y estricto colegio privado de Nueva Inglaterra, un grupo de alumnos descubrirá la poesía, el significado del «carpe diem» -aprovechar el momento- y la importancia vital de luchar por alcanzar los sueños, gracias al Sr. Keating, un excéntrico profesor que despierta sus mentes por medio de métodos poco convencionales
(Peter Weir, 1989)
CRITICAS
«El club de los poetas muertos» es una de las películas que más me han marcado en mi vida, en el sentido de que nos presenta una filosofía y una forma de entender la existencia humana, que creo que todos deberíamos seguir al pie de la letra.
El personaje que tan magistralmente representa Robin Williams, nos ofrece las pautas y las claves para un desarrollo pleno y para una visión de la vida, en la que siempre reine el optimismo, la alegría, el buen humor y la honorabilidad.
Aprovecha el momento, no se cansa de repetirnos el profesor protagonista y eso es lo que deberíamos hacer en todas las ocasiones, quedarnos con lo bueno y desechar lo malo, no rendirnos, luchar por los ideales y al final de todo, cuando los días se nos agoten, poder echar la vista atrás y pensar con calma, que verdaderamente, nuestro paso por este mundo dejó alguna huella, ya que aprovechamos la oportunidad de vivir.
Merece la pena intentar ser feliz en este valle de lágrimas.
Una obra de arte en definitiva y una auténtica maravilla desde todos los puntos de vista, por lo que si todavía queda alguien que no la haya visto, ya está tardando en hacerlo.
¡Carpe diem, camaradas!
DELTA FORCE 1+2 – EDICION METALICA
Género
Acción | Secuestros / Desapariciones. Terrorismo. Aviones. Ejército
Grupos
Delta Force
Sinopsis
Un comando terrorista árabe conocido con el nombre de Revolución del Nuevo Mundo secuestra un avión de pasajeros comercial lleno de ciudadanos estadounidenses con destino a Nueva York, y ordena aterrizar en Beirut. Una vez en tierra, los miembros de un comando especial de fuerzas de élite, los Delta Force, serán los encargados de intentar liberar a los rehenes.
(Menahem Golan, 1986)
CRITICAS
Clásica producción ochentera de la CANNON, que contó con un reparto impresionante, y que se puede dividir en dos partes, la del secuestro del avión con las vivencias de los secuestrados y demás y la parte donde el grupo de élite de la Delta Force comandado por Marvin y Norris realizan el rescate. Fué el último trabajo del gran Lee Marvin y tiene escenas tan buenas como la persecución con la furgoneta o las peripecias de Norris en moto. Un entretenimiento total, pese a su larga duración, con espíritu ochentero total y recomendable cien por cien.
DESAPARECIDO EN COMBATE
Género
Bélico. Acción | Guerra de Vietnam
Grupos
Desaparecido en combate
Sinopsis
El coronel Braddock (Chuck Norris) escapó hace ya 10 años de un campo de prisioneros cuando estuvo combatiendo en la guerra del Vietnam. Ahora volverá de nuevo a dicho país para intentar rescatar a varios soldados norteamericanos capturados en el conflicto, y que se sabe siguen en cautividad y vivos tras todo este tiempo.
(Joseph Zito, 1984)
CRITICAS
De muchas películas que Chuck Norris ha protagonizado, esta es quizás su película más notoria. Con un cierto parecido a Rambo y siendo indiferente a otras películas sobre la guerra de Vietnam, Missing In Action es una película que también dejo una marca en la carrera de Chuck Norris. Al principio es una historia sencilla de un soldado que es acusado de terrorismo y espionaje, pero luego debe rescatar prisioneros de guerra para refutar dichas acusaciones. Esto luego conduce a que la acción de la película vaya creciendo. Chuck Norris demuestra ser una gran estrella de acción en esta película, llegando casi a la altura otras grandes estrellas como Stallone o Van Damme. No es una película muy original, pero es bastante disfrutable
Hace unos días nos dejó Chuck Norris, ese icono impagable de los 80. Tenía pendiente esta crítica, así que esta es, modestamente, un homenaje a lo que el artista significó para el mundo del cine, dejando a un lado toda esa simpática fiebre de los memes y las frases ocurrentes sobre su persona, que, de algún modo, minimizan su legado.
Honestidad. Chuck Norris siempre fue un luchador de artes marciales que rodaba películas. En una entrevista, allá en los 80, decía que quería rodar un clásico de ese género, sin darse cuenta que ya había participado en uno: El furor del Dragón, con su legendario combate con Bruce Lee. Nunca salió de la serie B, ni hizo grandes taquillas.
Modesto, siempre protagonizó filmes sencillos, en los que encarnaba a algún tipo de luchador de artes marciales, policía o miembro del ejército. Hombres de acción que debían enfrentarse a una situación difícil, a malosos, para socorrer a alguien en apuros. Filmes como «Golpe por golpe» o «McQuade, lobo solitario». Sin embargo, en los 80 llegaron sus mayores éxitos, de la mano de la Cannon, que vieron en él una especie de versión de Hacendado de Sylvester Stallone. De aquí surgieron películas como la franquicia de «Desaparecido en combate» o la de «Delta Force».
DIEZ NEGRITOS
Género
Intriga. Thriller | Crimen
Grupos
Adaptaciones de Agatha Christie
Sinopsis
Diez personas son invitadas a una lujosa y aislada mansión por un desconocido en Iran. En cuanto llegan, se cierran los accesos a la casa y una voz grabada acusa a cada uno de ellos de un crimen que ha quedado impune y por el que ahora tendrán que pagar
(Peter Collinson, 1974)
CRITICAS
No cabe duda que la estética setentera-sobre todo en lo que se refiere al vestuario y peinado de algunos personajes-lastran la película afeando su envoltorio, pero al fin y al cabo como todo en la vida, lo importante no es el envoltorio sino lo que está en su interior. La atmósfera envolvente y con el suspense in crescendo debido a una gran ambientación, supone uno de los mayores logros de la cinta; logrando en todos los casos actuaciones solventes y creíbles, teniendo en cuenta la singular historia de la que son protagonistas; haciendo bastante verosímil toda la trama, hasta llegar a ese formidable desenlace que me puso los pelos de punta y me dejó anonadado en el sillón.
Mención especial para la música, con una bella sintonía melancólica y triste; además de una deliciosa canción de Aznavour evocando los placeres antiguos. La arena del desierto conserva aún tesoros ocultos para mayor gloria del género cinematográfico, este es uno de ellos, injustamente olvidado por el paso del tiempo; eso sin contar las mal intencionadas omisiones y críticas despiadadas que ésta película tiene que soportar. Pero de vez en cuando, vuelvo a aquella casa en el desierto; a la llanura almeriense, a las dunas iraníes, a esos encantadores años setenta…
Yo no me enamoré del desierto con Lawrence de Arabia, ni con Poirot en Egipto, ni con las ruinas de Petra; yo me enamoré del desierto con Peter Collinson y sus diez negritos. Arqueología cinematográfica de la buena. Un diez sobre diez.
EJECUTOR – EDICION 4K UHD
Género
Acción
Sinopsis
Un ex agente del FBI es requerido por su antiguo jefe para atrapar al asesino de su hijo. Bajo una nueva identidad, se introduce en el círculo de la mafia de Chicago, donde trata de ser aceptado para llevar a cabo su venganza.
(John Irvin, 1986)
CRITICAS
Hubo un tiempo en que el cine de acción vendía una imagen arquetípica de los hombres muy bien definida: enmarcada por completo en lo que hoy diríamos que es «un tipo duro», un tío con dos cojones, vamos.
Esta gloriosa etapa del cine comenzó a fraguarse durante los años ’70 (con algunas pinceladas ya presentes en los ’60), época en la que algunos tipos duros empezaban a convertirse cada vez más en héroes. No debemos olvidar que es en el cine negro donde debemos situarnos al buscar el origen de los hombres hechos y derechos, y serían los ’80 la época en la que se les encumbró hasta los cielos: el cine dorado de acción, donde este tipo de personajes no solamente eran más duros y fríos que una piedra, sino que además eran auténticos superhéroes capaz de acabar por sí solos con una peligrosa red criminal o cualquier pequeño ejército que se les pusiera por delante. Y sin despeinarse. Sin dudas morales. Eran los justicieros que la sociedad necesitaba. Eran «ejecutores».
Pues bien. Aquí tenemos «Ejecutor», un claro exponente de este tipo de cine. Visto hoy en día, y sobre todo para el público no especialmente sensibilizado en cómo se las gastaban en los años ’80, pueden chirriar un poco determinados elementos. Pero esta obra es hija de su tiempo, y hemos de verla con los ojos que merece: sin tomarla demasiado en serio, pues es evidente que ni ella misma lo hace.
El tipo duro de turno es Mark Kaminsky (o Joseph P. Brenner -«¿Qué significa la P. del apellido?», «Peleón»; impagable momento que no he podido evitar reseñar…-). Interpretado por un joven Arnie tan mazado como en él es costumbre. La cara de estreñimiento con que se pasea a lo largo de todo el metraje es digna de elogio. Se puede tener mala hostia, vale, pero lo del caballero Arnie es de tralla: podría matar con esa mirada sin esforzarse demasiado. El caso es que al pobre hombre le lían sin saberse muy bien cómo en un tinglado bastante turbio para que vengue la muerte del hijo de un antiguo amigo suyo. Para ello tendrá que infiltrarse en una peligrosa organización criminal y destruirla desde dentro.
Son los ’80, todo vale con tal de repartir cera y matar al mayor número de maleantes. TODO. Aceptémoslo: esta película está pasada de rosca varias veces vista hoy en día, pero ni el Batman actual, ni Bourne, ni Lobezno ni ningún metrosexual de los que tanto abundan hoy en día tiene ni media hostia al lado de este Arnie y/o de sus coetáneos.
EL DIA DE LA REVELACION – EDICION METALICA
Género
Ciencia ficción. Intriga. Thriller. Drama | Extraterrestres
Sinopsis
Si descubrieras secretos que han permanecido deliberadamente ocultos durante décadas, y alguien te abriera los ojos y te lo demostrase, ¿qué harías?, ¿y te asustarías? Este verano, la verdad será revelada a más de ocho mil millones de personas. Llega… el día de la revelación
(Steven Spielberg, 2026)
CRITICAS
Todo el mundo sabe quién es Steven Spielberg, su obsesión por la ciencia ficción y los alienígenas desde «Encuentros en la Tercera Fase», «E.T». y el remake «fiel» de la obra de H.G. Wells de «La Guerra de los Mundos», los que supuestamente han visto la película antes de su estreno, me había recomendado no verla, diciendo que era mala, de lo peor que ha filmado desde los títulos ya mencionados, pero afortunadamente no les he hecho caso.
A lo largo de mi vida, he visto sus películas desde que era niño, y la película que les comento, sinceramente he disfrutado con ella.
Como en un principio se había dicho por parte de la crítica que era la mejor película filmada en 20 años, yo me lo creo, y debo añadir que Spielberg es un director todo terreno, que ha sabido llevar este proyecto cinematográfico a buen ritmo y que otros envidiosos, lo han comparado con muy mala leche, con un episodio de Expediente X.
«El Día de la Revelación» no es una película que te vende humo como dicen unos, ni es pretenciosa como dicen otros, en su sólido desarrollo narrativo y visual, yo afirmaría que es como una especie de 11S hecho desde el punto de vista de su director.
Hoy 12 de Junio, es el Día de la Revelación en todo el mundo, y 8000 millones de habitantes verán en los días sucesivos este gran acontecimiento.
Francamente es una película muy recomendable, de un veterano del cine como es Steven Spielberg, y merece la pena verla.
EL FANTASMA DE LA LIBERTAD
Género
Drama. Comedia | Surrealismo. Película de episodios
Sinopsis
Serie de viñetas entrelazadas por un personaje o una situación que conecta una historia con la siguiente. Unos soldados franceses entran a la catedral de Toledo durante la invasión napoleónica. Un capitán besa la estatua de una mujer y destruye la de un hombre. En la época actual, un matrimonio se escandaliza con unas postales que muestran monumentos de París. Un hombre ve pasar unos animales por su cuarto. En una escuela de policías, un gendarme dicta una lección sobre las distintas costumbres antropológicas.
Un asesino es dejado en libertad después de matar a 18 personas. Una multitud furiosa asalta un zoológico gritando lemas de la resistencia anti-napoleónica, mientras un avestruz mira directamente al espectador.
(Luis Buñuel, 1974)
CRITICAS
Dice Buñuel que esta película la recuerda como una de las que se siente más satisfecho. Añade que la considera dentro de una trilogía “sui generis”, en donde incluye también “El discreto encanto de la burguesía” (1972), y “Ese oscuro objeto del deseo” (1977), es decir, las tres últimas de su producción.
Confieso que siempre me llevé regular con estas películas de mi admirado Buñuel, y que, aun reconociendo sus innegables valores, siento nostalgia de otras, tal vez de peor factura, pero hechas a partir del talento, optimizando los medios y los tiempos, en las que él se mueve de manera diligente entre la realidad y el deseo, o sea entre lo que a él le gustaría hacer y lo que realmente podía hacer. Me gustan mucho algunos de los personajes, complejos, profundos, torturados, de su etapa mexicana, me gusta mucho también ese surrealismo metido con calzador, casi furtivo, como para poner una nota distintiva.
Por eso, “El fantasma de la libertad” me parece un poco la película que pudo hacer cuando pudo hacerla: con actores solventes y conocidos, con medios razonables y, sobre todo, con libertad absoluta para hacer lo que le da la gana. Y lo que hace, en mi opinión, es una exhibición de surrealismo de salón, consciente de que los cinéfilos pertenecientes a la clase social que él denigra en esas mismas películas, van a aplaudirle, admirados y felices de hacerlo, estableciendo una especie de complicidad intelectual pero epidérmica, como si la cosa no fuera con ellos.
Porque Buñuel estaba ya oscarizado, y en su terreno era un dios incontestable del olimpo de los cineastas vivos con un mensaje propio y diferente. No le quito mérito a la película: la enmarco en un contexto histórico y, sobre todo, mental. Las industrias culturales están repletas de ejemplos parecidos en los que los escarnecidos compran encantados las obras de arte que les escarnecen.
Dicho esto, confieso que me encantan las absurdas situaciones que presenta, que contienen un mensaje divertido, sarcástico y transgresor, hasta cierto punto. Antológica la situación de los padres de la niña buscándola sin haberla perdido.
Los monjes jugando a las cartas, o el prefecto de la polícía siendo detenido por sus propios hombres. Ahí está el inconformista que ya se ha hecho un poco mayor, y que mantiene sus obsesiones intactas, y sus recuerdos infantiles en perfecto estado de conservación.
Como la película está compuesta por escenas independientes, no es posible resaltar interpretaciones concretas. No hay literalmente protagonistas. Todos los actores están bien, muy bien.
El gabinete del doctor Caligari – EDICION 4K UHD
Género
Terror | Expresionismo alemán. Circo. Asesinos en serie. Cine mudo. Película de culto
Sinopsis
Sentado en un banco de un parque, Francis anima a su compañero Alan para que vayan a Holstenwall, una ciudad del norte de Alemania, a ver el espectáculo ambulante del doctor Caligari. Un empleado municipal que le niega al doctor el permiso para actuar, aparece asesinado al día siguiente. Francis y Alan acuden a ver al doctor Caligari y a Cesare, su ayudante sonámbulo, que le anuncia a Alan su porvenir: vivirá hasta el amanecer.
(Robert Wiene, 1920)
CRITICAS
Principal largometraje del realizador alemán Robert Wiene (1873-1938). El guión, del austriaco Carl Mayer y del checo Hans Janowitz, se inspira en hechos reales sucedidos en Hamburgo y recoge algunas ideas de Fritz Lang, al que se le ofrece la dirección, pero la declina por sus compromisos anteriores de realización de “Las arañas (parte 1 y 2)”. Se rueda en un estudio instalado en Lixie-Atelier (Weissensee, Berlín) entre diciembre de 1919 y enero de 1920, con un presupuesto estimado de 20.000 DM. Producido por Erich Pommer y Rudolf Meinert para Decla-Bioscop, se proyecta por primera vez en público, en sesión de preestreno, el 26-II-1920 (sala Marmorhaus, Berlín).
La acción dramática tiene lugar en un pequeño pueblo de montaña del noreste de Alemania llamado Holstenwall. El presente narrativo del film (1920) es diferente del presente del relato (anterior, pero indeterminado). La narración se desarrolla en un largo flashback que contiene otro flashback. El joven Francis (Fehér), sentado en el banco de un jardín protegido por una tapia elevada, cuenta al compañero o amigo que le acompaña unos hechos extraordinarios de los que fue testigo directo.
El Dr. Caligari (Krauss), un sabio aficionado al estudio de fenómenos de alteración de la mente, especializado en sonambulismo, muestra en su gabinete de la feria de Holstenwall a un sonámbulo, Césare (Veidt), de 23 años, que lleva toda la vida en estado catatónico y que puede dar respuesta a preguntas sobre lo que ocurrirá en el futuro sobre temas relacionados con la vida y la muerte. Al mismo tiempo se producen en el lugar varios asesinatos terribles y otras acciones criminales.
El film suma drama, terror, horror, suspense, thriller y cine mudo. Dividido en seis actos, es una obra vanguardista del momento, que está considerada por los especialistas como la primera cinta expresionista de la historia. Reúne todos los elementos propios del cine expresionista: escenarios amenazantes, interpretaciones exageradas, decorados fuertemente estilizados, objetos deformados, puertas y ventanas irregulares, fuertes contrastes de luces y sombras, maquillaje lúgubre, iluminación tenebrosa, imágenes deformadas, encuadres inclinados, efectos teatrales que exageran o deforman la realidad, etc.
Incorpora, también, los elementos argumentales propios del cine expresionista: atmósfera claustrofóbica, exploración del lado oscuro de la condición humana, referencias a la muerte, la violencia, la locura y la maldad, ambigüedades, situaciones de angustia, etc. El estilo narrativo claro y naturalista del cine tradicional se hace aquí oscuro, confuso, desordenado y caótico.
El hombre del norte – EDICION 4K UHD
Género
Aventuras. Acción. Drama | Vikingos. Siglo X. Venganza. Cine épico
Sinopsis
En Islandia, en pleno siglo X, un príncipe nórdico (Skarsgard) busca vengar a toda costa la muerte de su padre
(Robert Eggers, 2022)
CRITICAS
Bestial, brutal, bella, espectacular e impactante, esto son solo algunos de los adjetivos con los que se podría describir la nueva película de Robert Eggers (La Bruja, El Faro…).
Es una película que gracias a su gran trabajo de producción y dirección logra atrapar con el poderío de sus imágenes desde el principio al espectador, y es así como se nos coge de la mano para meternos de lleno en una historia clásica de venganzas y cuentas pendientes que atormentan a sus personajes protagonistas. En pleno siglo X, un príncipe nórdico (Alexander Skarsgard) busca vengar a toda costa la muerte de su padre. Y sí, la historia de venganza y el guion suena a tópico y ya visto, pero todo lo que ello conlleva detrás, el como se desarrolla y se muestra, las capas de profundidad del mismo, es digno de admiración y elevan el conjunto hasta un dignificable sobresaliente. Además la película esta repleta de mitología Nórdica, y hará las delicias de todos los amantes de la cultura Vikinga.
Los actores están todos bastante bien, cabe destacar el trabajo realizado por Skarsgard dando vida al protagonista de la función, un personaje atormentado y cuyos demonios interiores le perseguirán sin descanso alguno. El personaje al que da vida Nicole Kidman también me ha gustado mucho, repleto de matices y secretos ocultos y protagoniza una de las escenas mas perturbadoras del film. Anya Taylor-Joy, Claes Bang, Ethan Hawke, Willem Dafoe y Gustav Lindh entre otros completan el plantel protagonista, y todos ellos cumplen mas que bien.
La dirección de Robert Eggers es magnifica, me gusta como para mostrar los momentos más íntimos y personales se apoya en realizar tomas cercanas y cerradas, y el como mueve la cámara en las escenas mas movidas o de acción. Sus anteriores trabajos contaban con un presupuesto mas ajustado, y es digno de admiración como en esta su primera «gran superproducción» consigue salir airoso e imprimirle su sello característico y personal a la cinta.
A nivel visual la película es una maravilla, hay momentos que resultan visualmente bellos, y otros aterradores por la brutalidad de lo que se muestra. Imágenes que se quedarán grabadas en vuestra retina, como por ejemplo lo impactante del lugar dónde tiene lugar el desenlace de la historia. El trabajo de fotografía realizado por Jarin Blaschke alcanza su máximo exponente cuando la cámara se expande para mostrar esos impresionantes paisajes por dónde los protagonistas se mueven. La música de Robin Carolan y Sebastian Gainsborough consigue introducirnos con esas melodías Nórdicas aún mas si cabe en lo que la película quiere contar.
En cuanto a su ritmo a mi me ha gustado, aunque hay que decir que puede resultar anti comercial, pues estamos ante una historia que se va cociendo a fuego lento, pero de manera solida y consistente, y en dónde sus protagonistas importan y se desarrollan. Y creo que esto es algo que puede dar marcha atrás al público mas ocasional y acostumbrado a la pirotecnia. También es una historia seria, alejada de chistes absurdos o comportamientos irracionales. Sin embargo a mí todo esto es algo que me ha encantado, pues gracias a ello ha logrado introducirme mucho más en ese mundo del siglo X y resulta un alivio muy gratificante para aquellos que disfrutamos del buen cine.
EL HUNDIMIENTO DEL TITANIC
Género
Aventuras. Drama | Basado en hechos reales. Catástrofes. Titanic
Sinopsis
El Titanic era el trasatlántico más grande de su tiempo, una maravilla de la ingeniería. Sus constructores estaban convencidos de que era insumergible. En 1912 partió del puerto de Southampton con destino a Nueva York. Sus pasajeros eran la flor y nata de la sociedad de aquel tiempo.
(Jean Negulesco, 1953)
CRITICAS
Escrita y dirigida por Charles Brackett, la película fue dirigida por Jean Negulesco («Cómo casarse con un millonario», 1953). Se basa en el hundimiento del mayor trasatlántico de la época, el Titanic, que naufragó en su viaje inaugural. Se rodó, en b/n, en los Fox Studios, con ayuda de maquetas, miniaturas, tanques de agua y efectos especiales ingeniosos. Nominada a 2 Oscar, obtuvo uno (guión). Se estrenó el 16-IV-1953.
La acción tiene lugar a bordo del Titanic entre el 10 y el 15 de abril de 1912. Narra la historia de Richard Ward Sturges (Clifton Webb), que ante la huida de su esposa Julia (Barbara Stanwyck), con sus hijos Anetta (Audrey Dalton), de 17 años, y Norman, de 10, decide embarcarse en el mismo buque que ellos. Quiere obtener la custodia de los hijos, frente a la negativa de la madre. Para poder subir a la nave en el último momento, adquiere el billete del emigrante vasco, Juan Pablo Uzcudum. La última parte del film relata el hundimiento del buque.
La película combina la historia melodramática de un matrimonio con dos hijos, en fase de separación y ruptura, y la catástrofe del Titanic, en la que murieron más de 1.500 personas y se salvaron poco más de 700. Se enmarca en el género de cine de catástrofes, como «San Francisco» (1936), «Chicago» (1938) y otras. La tragedia del Titanic se había llevado al cine con anterioridad en 2 ocasiones: «Of Night And Ice» (1912) y «Titanic» (1915). Siguieron otras, como «A Night To Remember» (1958) y «Titanic» (1997) y varias producciones para la TV. La descripción que hace Negulesco del estupor, desconcierto, caos y pánico, que se apoderan gradualmente de pasajeros y tripulación, es sobria y realista. La obra critica el exceso de confianza de los armadores, la presunción de conseguir un récord de tiempo en un viaje inaugural y la fascinación por los prodigios de la técnica, siempre frágiles y arriesgados. Exalta el heroismo de tripulación y viajeros. Muestra que ricos y pobres son iguales ante el desastre.
La música, de Sol Kaplan («Niágara», 1953), aporta una partitura original de profundo sentido trágico y aires solemnes, que evoca fatalidad y desgracia. Añade el himno popular «Nearer My God, To Thee», que interpreta la orquesta del barco en los momentos culminantes. La fotografia, de Joseph MacDonald («Cielo amarillo», 1948), ofrece composicciones muy cuidadas, que captan la magnitud de la tragedia y la emoción de las víctimas. El guión construye un relato singular, que suma melodrama familiar y tragedia colectiva. La interpretación de Clifton Webb es magnífica. La dirección crea una obra conmovedora y fascinante.
La película, de excelente guión, música adecuada, buena fotografía y acertados efectos especiales de la época, ilustra, cautiva y emociona.
EL NOVATO
Género
Comedia | Mafia
Sinopsis
Clark Kellogg (Matthew Broderick) es asaltado momentos después de llegar a Nueva York, así que cuando ve a su atracador varios días después, lo confronta. El hombre promete devolverle lo robado y conseguirle un trabajo con su tío, Carmine Sabatini (Marlon Brando), quien resulta ser un jefe de la mafia. Mientras Clark continúa con su turbio trabajo para Carmine, descubre un inframundo elaborado que ha llamado la atención de las autoridades.
(Andrew Bergman, 1990)
CRITICAS
Grácil y despreocupada comedia hecha a mayor gloria de un inmenso (en todos los sentidos) Marlon Brando, este es el mayor atractivo de esta sátira del cine mafioso y por ende del mejor de todos los tiempos la saga “El padrino”, la autoparodia del mítico Vito Corleone que hace el titánico actor, encarnándolo con temple, dignidad y porte regio que lo hacen aún más divertido en el contexto del relato, arrollador en cada presencia, hace cada segundo que él no está en pantalla la cinta se quede huérfana, y es que como bien he leído nadie hace mejor de Brando que el propio actor.
Dirección y guión a cargo de Andrew Bergman, consigue insuflar algo de vida en ausencia de Brando con unos personajes que rebosan encanto como un protagonista Matthew Broderick encarnando su rol clásico de la época de niño bueno, una deliciosa Penelope Ann Miller con notable química con el protagonista, Paul Benedict como profesor arrogante fenomenal, muy jocoso Bruno Kirby, y otra enorme presencia en la figura del germano Maximilian Schell.
La mayoría dice que el peso de toda la historia recae en Brando, y ciertamente no habría podido hacerse sin él, pero creo que, aparte del giro final donde se explicita que todo estaba previsto y planificado en cierta forma para hacer algo que se podría haber resuelto de forma más sencilla, tanto el trabajo de los demás actores como el guión fueron bastante decentes.
En conjunto un film ligero, sin más aspiraciones que homenajear a Brando y a la mítica saga de gánsteres
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