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Preventa España
La gran comilona
El precio original era: 28,98 €.27,77 €El precio actual es: 27,77 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia. Drama | Sátira. Comedia negra. Erótico. Cocina. Película de culto
Sinopsis
Cuatro amigos unidos por el hedonismo y el tedio más absoluto se reúnen en una mansión con la idea de suicidarse comiendo sin tregua. Pronto añaden a la gula otro pecado capital: la lujuria, y así empiezan a llegar las prostitutas. El sexo obsceno se entremezcla con los cerdos, los quesos, los jamones, el caviar..
(Marco Ferreri, 1973)
CRITICAS
Escrita por Rafael Azcona y Marco Ferreri, fue dirigida por éste. Se rodó en exteriores de una antigua mansión y en estudio. Obtuvo el FIPRESCI de Cannes y fue nominada a la Palma de oro. Se presentó en Cannes el 12-V-1973.
La acción principal tiene lugar en 1972/73, en una antigua mansión de las afueras de París, donde vivió el poeta Boileau. La acción ocupa unas dos semanas. Narra la historia de 4 varones de mediana edad, representantes del poder y del prestigio social, entregados a la gula, al exceso y al deso de comer hasta morir. Les acompañan durante unos 2 días 3 prostitutas convocadas por Marcello (Marcello Mastroianni), piloto de aviación, obseso sexual. Los otros personajes son Philippe (Philippe Noiret), un magistrado reprimido; Michel (Michel Piccoli), productor de cine homosexual; Ugo (Ugo Tognazzi), restaurador no aficionado al sexo. A ellos se añade la maestra del colegio vecino de enseñanza infantil (Andrea Ferreol), rolliza, ninfómana y tragona.
Para algunos la película es una sátira de la sociedad de consumo, que impulsa a las personas a consumir por encima de sus necesidades hasta provocarles le muerte. Para otros es un drama de 4 personas dominadas por la gula, que les lleva a comer compulsivamente, incluso cuando el placer entra en fase de rendimientos decrecientes. La obra contiene elementos de fábula sobre la fuerza del interés por la comida, cuando trasciende el interés por la preservación de la salud y la vida. También cabe entender que los 4 personajes forman un grupo movido por el hedonismo como medio de lucha contra el tedio que ha invadido sus vidas. La tensión entre hedonismo y tedio podría explicar la no pulsación regular de la ley de rendimientos decrecientes. El film se podría entender como una tragedia, la de unos personajes derrotados por la vida, que buscan una vía de salida en un suicidio friamente planeado. En todo caso, la obra no es un relato de gula y lujuria, aunque ésta se halle presente a petición de Marcello. La falta de interés de los anfitriones por el sexo hace que que las chicas abandonen la residencia. La obra juega con el surrealismo, el fetichismo y el absurdo, de los que extrae elementos hilarantes de humor ácido, negro e irreverente.
La música, de Philippe Sarde, es atrapadora, pegadiza, intrigante y sensual. La fotografía destaca la atmósfera siniestra de la mansión, el clima opresivo de la acción, el humor visual (imitación de Marlon Brando en el «El padrino») y los elementos provocativos (cópula, masturbación, desnudos frontales). El guión incluye unos diálogos con expresiones populares y vulgares, que hacen próximos a los personajes. La interpretación se beneficia de la presencia de 4 de los mejores actores europeos del momento. La dirección busca la provocación como medio para dar paso a la reflexión.
La película levantó protestas, que no impidieron su éxito comercial. Con el tiempo se ha convertido en una película de culto.
LA MOMIA DE LEE CRONIN
El precio original era: 60,49 €.59,28 €El precio actual es: 59,28 €. *IVA IncluidoGénero
Terror | Monstruos. Familia. Periodismo. Posesiones / Exorcismos
Sinopsis
Nueva versión del clásico ‘La momia’. La joven hija de un periodista desaparece en el desierto sin dejar rastro. Ocho años más tarde, la familia rota se conmociona cuando ella es devuelta a ellos, y lo que debiera haber sido una reunión jubilosa se convierte en una auténtica pesadilla.
(Lee Cronin, 2026)
CRITICAS
Olvidaos de Brendan Fraser y, por favor, borrad de vuestra mente el desastre de Tom Cruise. Lee Cronin no ha venido a jugar a Indiana Jones; ha venido a profanar tumbas y a que nosotros paguemos el precio emocional.
Lo que hace que esta versión de La Momia sea una obra maestra del horror moderno es su negativa rotunda a ser una película de aventuras. Cronin aplica aquí la misma fórmula que en Evil Dead Rise: encerrar un mito mastodóntico en un espacio emocionalmente asfixiante. La película no trata sobre arqueología, trata sobre la corrupción de la inocencia.
El trabajo de Laia Costa y Jack Reynor es demoledor. No son héroes de acción; son padres rotos enfrentándose a un body horror que te revuelve el estómago. Esa transformación física de la hija, ese ‘carnaval de carne’ del que hablan los críticos, está rodado con una elegancia macabra que recuerda al mejor Cronenberg. El uso de efectos prácticos y ese sonido metálico, seco y arenoso, te hace sentir que tienes polvo de tumba en los pulmones durante los 100 minutos de metraje.
Es una película incómoda, sucia y visualmente impecable. No busca el susto fácil del jump scare, sino la náusea del que sabe que el mal ya está dentro de casa. Si el cine de terror consiste en hacernos sufrir por personajes que nos importan, Cronin se acaba de coronar como el nuevo faraón del género.»
El polvo no solo cubre tumbas en La momia (2026), también impregna cada plano de una sensación de asfixia moral, de fatalidad inevitable que avanza con paso lento pero firme. Lee Cronin se aleja sin titubeos del espectáculo aventurero que popularizó al personaje en décadas pasadas para sumergirse en un terreno más turbio, más físico, donde el terror no se contempla: se padece.
Desde sus primeros compases, la película establece un tono opresivo que no concede tregua. Cronin demuestra un pulso firme para construir atmósferas densas, donde la arqueología deja de ser fascinación para convertirse en una violación de lo sagrado. No se trata tanto de descubrir el pasado como de despertar algo que jamás debió ser perturbado. En ese sentido, la película conecta con un miedo primitivo: el castigo por traspasar límites invisibles.
El cuerpo, como ya sucedía en su cine previo, se convierte en campo de batalla. Las vendas no son solo un icono reconocible, sino una extensión de la corrupción, de la podredumbre que se infiltra bajo la piel.
La transformación de la criatura —y de quienes entran en contacto con ella— está filmada con una crudeza que incomoda, que obliga a apartar la mirada en más de una ocasión. Cronin no sugiere: muestra, y lo hace con una convicción que roza lo enfermizo.
Lo mejor: La dirección de arte y el enfoque en el terror familiar por encima del espectáculo digital.
Los olvidados
El precio original era: 30,19 €.28,98 €El precio actual es: 28,98 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Drama social. Pobreza. Infancia. Película de culto
Sinopsis
El Jaibo es un adolescente que escapa de un correccional y se reúne en el barrio con sus amigos. Unos días después, el Jaibo mata, en presencia de su amigo Pedro, al muchacho que supuestamente tuvo la culpa de que lo enviaran al reformatorio. A partir de entonces, los destinos de Pedro y el Jaibo estarán trágicamente unidos
(Luis Buñuel, 1950)
CRITICAS
Una película redonda en la que Buñuel toma los postulados de ese cine realista tan de actualidad en la época pero haciéndolo completamente suyo (esto es, un Buñuel realista pero Buñuel antes que nada). Con ella pudo acometer un proyecto a la altura de su categoría tras algunas obras menores.
Una película seca, vigorosa y tan obsesiva y cruda como pueda ser lo mejor del director.
Tuvo muchas reacciones en contra por ennegrecer innecesariamente México (a pesar del discursito inicial que mete Buñuel creo que para que la película molestara menos, o para justificar lo que venía, más que para plantear la cuestión como un problema universal). Aún así, como digo, no se libró de críticas: que si no era mexicano, que si ofendía gratuitamente…
Buñuel se defendió afirmando que lo que sale en la cinta sí existía (estuvo unos meses visitando y empapándose de esos barrios, consultó casos en los archivos del Tribunal de Menores…). Por tanto por ahí trató de dar una visión realista, usando para ello actores no profesionales (algunos personajes son actores pero otros son campesinos, gente sacada de una granja-escuela etc.), reflejando sus sensaciones sobre lo que le rodeaba y tratando una importante problemática social (reclamando soluciones desde la base) mostrándola, según sus palabras, sin juzgar a los personajes.
LOS VISITANTES
El precio original era: 30,19 €.28,98 €El precio actual es: 28,98 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Thriller | Guerra de Vietnam
Sinopsis
Bill Schmidt (James Woods) y Martha Wayne (Patricia Joyce) son una joven pareja que pretende independizarse económicamente del padre de ella (Patrick McVey), un conocido novelista de westerns, que no oculta su clara animadversión hacia Bill. Un día la pareja recibe una inquietante visita: Tony Rodríguez (Chico Martínez) y Mike Nickerson (Steve Railsback), sargento de Bill en Vietnam, acaban de salir de la cárcel, tras cumplir una condena debido a una denuncia que Bill presentó contra ellos.
(Elia Kazan, 1972)
CRITICAS
La película se estrena en España en pleno florecimiento de los cine clubes y las salas de “arte y ensayo” en los que se teorizaba mucho sobre el cine y ayudaban a entender films como “El empleo” de Ermanno Olmi (paradigma de las películas de cine-club) lógicamente con gente joven, pues sus madres y tías, preferían reírse con las de Cantinflas y Louis de Funes; o las de Grace Kelly, con casas elegantes, jardines cuidados y gente bien vestida. Dicho esto sin ninguna burla.
La guerra de Vietnam sigue en curso, lleva varios años y está costando entre otras desgracias muchas vidas, pero también genera mucha oposición, tanto en los EEUU como en otros países, porque es una guerra imperialista sin excusas ni disimulo.
En las críticas de los periódicos y revistas de la época, ya se explica que la obra trata sobre las consecuencias de dicho conflicto bélico, en suelo norteamericano. Tambien se hacía referencia a los actores protagonistas, nada de astros de Hollywood. En concreto, uno ni siquiera actor aficionado, sino un taxista portorriqueño de Nueva York. Evidente que este dato reflejaba que las pretensiones eran distintas a la moda general de la industria del cine.
Con esta premisa, los espectadores podían entender la película, que por otra parte era muy distinta a las de entretenimiento. Y quien pensaba que se trataba de una de aventuras, salia decepcionado cuando menos.
Se desarrolla en un ambiente cerrado (una casa en la zona rural de EEUU, en invierno, con frio y nieve) Es el encuentro entre la familia que vive allí con dos soldados que acaban de salir de la cárcel por un crimen cometido en VietNam.
En buena parte se presenta como el encontronazo entre varios tipos de vida o manera de entender el mundo. Y como no puede ser de otra manera, la violencia de la guerra lejana, no empieza y termina en Vietnam y sus combatientes, sino que se traslada al centro geográfico de EEUU, aparentemente aislado de las batallas.
MARIA ESTUARDO
El precio original era: 35,08 €.33,87 €El precio actual es: 33,87 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Histórico. Siglo XVI
Sinopsis
Inglaterra, siglo XVI. Después de enviudar, María Estuardo abandona Francia y regresa a Escocia, dispuesta a ocupar el trono del que es heredera. Pero los conflictos se acumulan: la nobleza le es hostil, empezando por su hermanastro el conde de Moray, y, además, su apego al catolicismo choca con la fe que predica John Knox, fundador de la Iglesia presbiteriana de Escocia. Por otro lado, su prima Isabel Tudor, hija ilegítima de Enrique VIII, teme que reclame su derecho a la corona inglesa. Su único aliado es el conde Bothwell, comandante de las tropas escocesas, de quien se enamora, aunque por razones de estado tendrá que casarse con Lord Danley, que no tardará en morir asesinado
(John Ford, 1936)
CRITICAS
Reina de Escocia de 1542 a 1567, María Estuardo tuvo un gran peso en la historia de Inglaterra como mujer aguerrida, fiel a sus principios y leal a sus inclinaciones. Hija de Jacobo V de Escocia y de María Guisa, fue reina desde los nueve meses de edad y se cuenta que, en el momento en que el cetro real fue puesto en sus pequeñas manos, ella lo atrapó como si no fuera a soltarlo durante el resto de su vida. Tras muchos días grises con el asedio de Enrique VIII, María es llevada de un lugar a otro para protegerla y así terminará casada con el enfermo delfín Francisco, con el fin de asegurarle la protección del rey de Francia, quien además se encargaría de su educación.
Desde los 5 hasta los 18 años, vivió María Estuardo en la corte de Francia, atendida por dos lores, las cuatro bellas Marías (hijas de nobles familias escocesas), y con la compañía de sus dos hermanastros. Aprendió varios idiomas y finalmente se casó con Francisco en 1558, cuando ella cumplía 16 años. Tras la muerte de Enrique II, se convirtió en reina de Francia, y era sucesora al trono inglés, pues la actual reina, Isabel I, no tenía hijos… María parecía llamada a tener siempre una corona en su cabeza. Muerta su madre, fallecido su esposo Francisco, y tras haberse retirado el ejército francés de Escocia, la joven reina decide regresar a su tierra en 1561, para hacer parte de un gobierno dividido por las religiones.
Y aquí empieza el filme de John Ford, basado en una obra escrita para el teatro por Maxwell Anderson, y con un guión de Dudley Nichols que eliminó las rimas de Anderson, pero que no aportó mucho para hilvanar una historia que se saliera de los aposentos. Así, el filme resulta bastante hablado y con muy poco relieve en los diálogos, las situaciones conservan en mucho su teatralidad y sólo la magnética presencia de una Katharine Hepburn que embellece a un personaje, que físicamente no lo fue tanto, logra mantener el interés por una historia en la que el conflicto es bastante plano y donde se malogra a una figura histórica de grandes magnitudes y que daba para situaciones de enorme fuerza dramática. Fredrich March hace también una aceptable segunda en el rol de Bothwell, pero Isabel I resulta muy sosa y malograda, sabida la fuerza e impetuosidad que tuvo este personaje en la historia.
Ford se cuida de decir claramente entre cuales religiones se da el conflicto; no da razones precisas para que María rechace a Bothwell para casarse con el blandengue de Darnley; le resulta “mágica” la escena en que María arroja a la hoguera la hoja que le dan para que firme, enseguida Ruthven la rescata hecha cenizas, la envuelve entre sus manos, y en el siguiente plano la abre intacta sobre la mesa.
Se le abonan algunos aciertos en la iluminación y la escena del breve juicio que está muy bien lograda. Pero quedamos en deuda, porque Ford tuvo entre sus manos dos intensos personajes y a dos grandes actores, pero el eco de este filme no va más allá de algunos metros.
MEMENTO – EDICION 4K UHD + BLURAY
El precio original era: 91,90 €.90,69 €El precio actual es: 90,69 €. *IVA IncluidoGénero
Thriller. Intriga | Crimen. Venganza. Neo-noir. Película de culto. Cine independiente USA
Sinopsis
La memoria de Leonard, un investigador de una agencia de seguros, está irreversiblemente dañada debido a un golpe sufrido en la cabeza cuando intentaba evitar el asesinato de su mujer: éste es el último hecho que recuerda del pasado. La memoria reciente la ha perdido: los hechos cotidianos desaparecen de su mente en unos minutos. Así pues, para investigar e intentar vengar el asesinato de su esposa tiene que recurrir a la ayuda de una cámara instantánea y a las notas tatuadas en su cuerpo.
(Christopher NOLAN, 2000)
Posición en rankings FA
30 Mejores películas del siglo XXI
42 Mejores thrillers de la historia del cine
46 Mejores películas de intriga
Premios
2001: 2 nominaciones al Oscar: Mejor guión original y mejor montaje
2001: Nominada al Globo de Oro: Mejor guión
2001: Festival de Sundance: Mejor guión. 2 nominaciones
2001: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor guión
CRITICAS
Brillante, absorbente y complejo thriller que relata la historia de Lenny, un investigador de seguros entregado de manera obsesiva a una única misión: dar caza al hombre que asesinó a su esposa. El camino que deberá seguir Lenny para cumplir su misión no estará exento de dificultades debido a la extraña enfermedad mental que padece.
Bajo mi punto de vista, el mayor logro de Memento es la capacidad que demuestra Christopher Nolan para transmitir al espectador la confusión y el desasosiego que sufre el protagonista debido a su enfermedad. Para ello, relata una interesante trama criminal haciendo uso de una estructura narrativa no lineal perfectamente construida. El conjunto conforma un film fascinante y complejísimo que exige al espectador la máxima atención. Posteriores visionados nos permitirán atar todos los cabos y descubrir… ¿el engaño de Nolan?
Christopher Nolan ha demostrado ser un director y guionista versátil e inteligente que desde sus comienzos se ha ganado el respeto de millones de espectadores con su gran puesta en escena, siendo capaz incluso de revivir a un “Batman” enterrado por Joel Schumacher.
Guy Pearce demostró estar a la altura del magnífico guión (se pensó en Alec Baldwin para interpretar al protagonista.) dotando al personaje de esa frialdad, tristeza y coraje que necesita y los secundarios Carrie-Ann Moss y Joe Pantoliano excepcionales.
Resulta increíble que pasado 7 años esta obra de culto grabada en tan solo 25 dias, siga resultando innovadora, fascinante, original, brillante, efectiva y por si todo esto fuese poco entretenida sin decaer el interés en ningún momento . Y es que la historia crece en intensidad desde el desconcierto incial hasta el “final-principio” sin que decaiga el interés en ningún momento.
Imprescindible propuesta que plasma magistralmente la terrible experiencia vital de quien carece de recuerdos.
MIEDO AZUL
El precio original era: 31,40 €.30,19 €El precio actual es: 30,19 €. *IVA IncluidoGénero
Terror | Hombres lobo. Años 70
Grupos
Adaptaciones de Stephen King
Sinopsis
El horripilante descubrimiento de cadáveres mutilados perturba la paz de Tarker’s Mills, una pequeña población de Estados Unidos. El joven Marty Coslaw, convencido de que el culpable es un hombre lobo, consigue la ayuda de su hermana para buscarlo.
(Daniel Attias, 1985)
CRITICAS
En 1983, Stephen King publicó una novela corta titulada ‘El ciclo del hombre lobo’ (‘Cycle of the werewolf’), con una longitud en verdad inusitada, teniendo en cuenta a lo que nos tiene acostumbrados el escritor. Dos años adelante, se volvería a publicar en edición de bolsillo con el título cambiado, pasando a denominarse ‘Silver Bullet’, para coincidir con la adaptación cinematográfica que nos atañe en estos momentos.
La acción transcurre a lo largo de un año, en el que se investigan los asesinatos cometidos en fechas muy remarcadas, que solían coincidir con luna llena. Simple pero efectivo. Solo decir que toda esta organización se la saltan a la torera en la película. Pero tranquilos, no pongáis las manos sobre la cabeza. Stephen King estaba al tanto de todo ello. No sólo eso, sino que fue él quien se encargó del guión, estando harto de las “licencias” que se tomaban otros con su obra. Esta producción, sin embargo, no estaría exenta de problemas.
No era una mala época para las películas de hombres-lobo, teniendo como puntos de referencia a ‘Aullidos’ (‘The Howling’, Joe Dante, 1981) y ‘Un hombre lobo americano en Londres’ (‘An American WereWolf in London’, John Landis, 1981). Don Coscarelli fue el asignado detrás de las cámaras para llevar a cabo esta adaptación, que por problemas de diseño del traje de hombre-lobo, tuvo que empezar a rodar las escenas sin la criatura al principio. Acabadas estas escenas y sin resolver nada al respecto, el director abandona el proyecto, para que sea Daniel Attias quien lo retome.
Esta sería la única película de Attias, quien pasaría a trabajar en series, participando en grandes nombres dentro de la pequeña pantalla, las más recientes ‘Perdidos’, ‘El séquito’, ‘House’ o ‘Homeland’. Tras varias discrepancias con el diseño original del hombre-lobo, al final se aceptó este para poder seguir adelante con la película, obra de Carlo Rambaldi. El traje aún daría mucho que hablar y sería una de las cosas que se diría en contra de la película. Sin embargo, no es de trajes de lo que esta obra se nutre.
MIEDO AZUL – BLU RAY + EDICION METALICA
El precio original era: 56,81 €.55,60 €El precio actual es: 55,60 €. *IVA IncluidoGénero
Terror | Hombres lobo. Años 70
Grupos
Adaptaciones de Stephen King
Sinopsis
El horripilante descubrimiento de cadáveres mutilados perturba la paz de Tarker’s Mills, una pequeña población de Estados Unidos. El joven Marty Coslaw, convencido de que el culpable es un hombre lobo, consigue la ayuda de su hermana para buscarlo.
(Daniel Attias, 1985)
CRITICAS
En 1983, Stephen King publicó una novela corta titulada ‘El ciclo del hombre lobo’ (‘Cycle of the werewolf’), con una longitud en verdad inusitada, teniendo en cuenta a lo que nos tiene acostumbrados el escritor. Dos años adelante, se volvería a publicar en edición de bolsillo con el título cambiado, pasando a denominarse ‘Silver Bullet’, para coincidir con la adaptación cinematográfica que nos atañe en estos momentos.
La acción transcurre a lo largo de un año, en el que se investigan los asesinatos cometidos en fechas muy remarcadas, que solían coincidir con luna llena. Simple pero efectivo. Solo decir que toda esta organización se la saltan a la torera en la película. Pero tranquilos, no pongáis las manos sobre la cabeza. Stephen King estaba al tanto de todo ello. No sólo eso, sino que fue él quien se encargó del guión, estando harto de las “licencias” que se tomaban otros con su obra. Esta producción, sin embargo, no estaría exenta de problemas.
No era una mala época para las películas de hombres-lobo, teniendo como puntos de referencia a ‘Aullidos’ (‘The Howling’, Joe Dante, 1981) y ‘Un hombre lobo americano en Londres’ (‘An American WereWolf in London’, John Landis, 1981). Don Coscarelli fue el asignado detrás de las cámaras para llevar a cabo esta adaptación, que por problemas de diseño del traje de hombre-lobo, tuvo que empezar a rodar las escenas sin la criatura al principio. Acabadas estas escenas y sin resolver nada al respecto, el director abandona el proyecto, para que sea Daniel Attias quien lo retome.
Esta sería la única película de Attias, quien pasaría a trabajar en series, participando en grandes nombres dentro de la pequeña pantalla, las más recientes ‘Perdidos’, ‘El séquito’, ‘House’ o ‘Homeland’. Tras varias discrepancias con el diseño original del hombre-lobo, al final se aceptó este para poder seguir adelante con la película, obra de Carlo Rambaldi. El traje aún daría mucho que hablar y sería una de las cosas que se diría en contra de la película. Sin embargo, no es de trajes de lo que esta obra se nutre.
NOCHE DE BODAS 2
El precio original era: 42,29 €.41,08 €El precio actual es: 41,08 €. *IVA IncluidoGénero
Thriller. Terror. Intriga. Comedia | Secuela. Comedia negra. Slasher. Familia
Sinopsis
Momentos después de sobrevivir a un ataque de la familia Le Domas, Grace descubre que ha alcanzado el siguiente nivel del juego, y esta vez acompañada por su hermana Faith, con quien mantiene una relación distante. Grace tiene una oportunidad para sobrevivir, mantener con vida a su hermana y reclamar el Alto Trono del Consejo que controla el mundo. Cuatro familias rivales la persiguen para hacerse con el trono, y quien gane lo gobernará todo.
(Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett, 2026)
CRITICAS
Cuando parecía que todo había terminado para Grace, la muerte de los Le Domas fue el detonante de algo mucho más grande. La película da a conocer a otras familias iguales de poderosa y con un pacto hacia Le Bail.
El objetivo principal de estas familias es apoderarse del trono de su organización y solo pueden conseguirlo cazando a Grace. En la película anterior los Le Domas eran los gobernantes de la industria de juegos de mesa, pero algo que la secuela da a entender es que eran mucho más que eso. Resulta que los Le Domas eran uno de los pilares que sostenían la organización y su muerte provocó un efecto que compromete el alto cargo que ha estado bajo la custodia de Chester, el patriarca de la familia Danforth.
The Lawyer es un personaje que actúa como el portavoz de Le Bail y es quien brinda las reglas importantes de la organización. Este personaje es quien brinda toda la información esencial para entender la película.
Existen reglas que deben cumplirse para que ningún miembro de la sociedad satánica pierda la vida por desacato.
La película anterior dejó en claro que existen reglas estrictas una vez habiendo pactado con Le Bail y que incumplirlas significa una sentencia de muerte.
La historia continua justo en el momento que termino la película anterior de 2019, Grace que fue la única superviviente tras escapar de la familia Lomas en el ritual satánico que tenían dispuesto para su noche de bodas.
Se encuentra en el hospital tras las heridas sufridas, allí aparece su hermana con la que no tenía mucho contacto desde hace unos años, sin embargo lo que hizo Grace va a tener consecuencias ya que tendrá que enfrentarse a una elite de familias poderosas y nuevamente volver a jugar y sobrevivir esta vez junto a su hermana hasta que amanezca.
Expandiendo la misma idea que su predecesora, nos encontraremos con muchos más personajes curiosos consolidando a Samara Weaving como una auténtica Final Girl llena de carisma y energía radiante que junto a Kathryn Newton (Este cuerpo me sienta de muerte, Abigail) forman un dúo muy simpático entre las dos hermanas.
Las escenas truculentas se suceden así como el humor negro y situaciones absurdas con algo de gore, repiten los directores de la primera Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett manteniendo su tono sin tomarse las cosas demasiado en serio, algo que funciona en las dos partes muy bien.
Tensión constante en esta secuela, llena de sangre con un ritmo sin pausa tremendamente divertida que no defraudará a los seguidores del género.
PARO CLINICO
El precio original era: 30,19 €.28,98 €El precio actual es: 28,98 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Comedia | Medicina
Sinopsis
Cuando el doctor Peter Morgan (Sutherland) comienza su período de prácticas en un hospital para veteranos, su único deseo es conseguir el título y montar una lucrativa consulta. Lo que ignora es que tendrá que enfrentarse a un frondoso laberinto burocrático donde la salud de los pacientes queda supeditada a todo tipo de consideraciones administrativas y políticas. La situación se complica cuando comienza a trabajar con un grupo de médicos inconformistas, capitaneados por el doctor Richard Sturgess (Liotta), que creen haber encontrado la fórmula para saltarse las normas a la torera y dedicarse a salvar vidas sin que los pillen.
(Howard Deutch, 1992)
CRITICAS
Buena película de principios de los 90 con actores muy solventes y situaciones tristemente reales. Liotta y Shuterland crean unos personajes creibles, al igual que el resto de los secundarios (Whitaker,Thompson.Wallach…).
Gran ambientación y mezcla de drama con toques cómicos con cuentagotas, porque el tema es demasiado serio para bromas.
Una pelicula llena de corazón, nos muestra una cruda realidad; nos inspira a ayudar, y nos demuestra que siempre podemos hacer algo más por nuestros semejantes…
PERSECUCION EN LA NOCHE
El precio original era: 28,98 €.27,77 €El precio actual es: 27,77 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro. Drama | Crimen. Vida rural (Norteamérica)
Sinopsis
Lucky Gagin (Robert Montgomery) llega, en la víspera de una fiesta popular, a un pueblo mexicano de la frontera, con la misión de encontrar a un tal Frank Hugo (Fred Clark), de quien quiere vengarse. Un agente del FBI (Art Smith) también está tras la pista del misterioso Hugo
(Robert Montgomery, 1947)
CRITICAS
Sobresaliente intriga criminal dirigida e interpretada por Robert Montgomery, quien conduce con nervio, suspense, esplendor estético y maestría narrativa esta historia escrita por Ben Hecht y Charles Lederer, genial dúo de guionistas que adaptaron en esta ocasión una novela de Dorothy B. Hughes.
Fascinante film negro con una interesantísima trama de reiterados escenarios, notables diálogos, caracteres bien definidos y desarrollados, y un dominio cinematográfico de Montgomery que le permite recoger hasta el más mínimo detalle que pueda resultar importante y mostrar un talento incuestionable en la creación de una sugerente atmósfera que atrapa irremisiblemente la atención del espectador.
Wanda Hendrix haciendo de hispana está espléndida tanto físicamente como en su compleja interacción con el personaje de Robert Montgomery, quien se convierte en una especie de Pigmalión para ella.
Y no se puede pasar por alto la fantástica interpretación de Thomas Gomez como dueño del tiovivo, por la que estuvo nominado como mejor actor secundario al premio Oscar.
Proyecto Salvación – EDICION METALICA 4K UHD
El precio original era: 106,47 €.105,26 €El precio actual es: 105,26 €. *IVA IncluidoGénero
Ciencia ficción. Thriller. Aventuras | Aventura espacial. Amistad. Extraterrestres. Fin del mundo
Sinopsis
El profesor de ciencias Ryland Grace (Ryan Gosling) se despierta en una nave espacial a años luz de casa sin recordar quién es ni cómo ha llegado hasta allí. A medida que recupera la memoria, empieza a descubrir su misión: resolver el enigma de la misteriosa sustancia que provoca la extinción del sol. Deberá recurrir a sus conocimientos científicos y a sus ideas poco ortodoxas para salvar todo lo que hay en la Tierra de la extinción… pero una amistad inesperada significa que quizá no tenga que hacerlo solo.
(Phil Lord, Christopher Miller, 2026)
CRITICAS
“Project Hail Mary” es la adaptación de la novela homónima de Andy Weir y de transformarla en guion se ha encargado Drew Goddard, un tipo por el que siento gran simpatía ya que es responsable de: “Cloverfield”, “The Cabin in the Woods”, “Bad Times at the El Royale” y la serie “Daredevil”. Por cierto: Segunda adaptación cinematográfica de una novela de Andy Weir con guion de Drew Goddard, después de “The Martian” (2015). Sin haberme leído la novela estoy segurísimo de que Goddard se ha tomado algunas licencias a la hora de trasladar el material original del papel al celuloide
si te encantan títulos como “2001: A Space Odyssey”, “Interstellar” o “Moon” te recomiendo encarecidamente que le des una oportunidad a “Project Hail Mary” PERO intenta verla lo más en limpio posible, evita tráilers, sinopsis y spoilers y la saborearas muchísimo.
Dirigen Phil Lord y Christopher Miller, otros a los que también les tengo mucho cariño por ser responsables de: “21 & 22 Jump Street”, “The LEGO Movie” y los impulsores del “Spider-Verse”. Pero han dejado contento al autor de “Project Hail Mary”, Andy Weir, porque Lord y Miller dirigirán otra adaptación cinematográfica de una obra de Weir, “Artemis”, y una película original escrita por el propio Weir.
La verdad es que han conseguido una película muy curiosa ya que es seria y profunda, mucho más adulta de lo que suelen destilar, pero aún así Lord y Miller han conseguido añadir pinceladas de su estilo y su humor sin que chirríe excesivamente, por mucho que haya gente criticando los ramalazos espontáneos de humor de los que hace gala la cinta.
Ryan Gosling era la única opción para interpretar a Ryland Grace y fue contratado después de que se compraran los derechos del libro en 2021 y Gosling, para no variar, ha demostrado ser la opción idónea.
Y es que, se lo ame o se lo odie, Gosling es una impresionante mezcla de talento, carisma y simpatía, justo lo que necesitaba el protagonista de esta historia, ya que Gosling lleva el peso de la cinta sobre sus hombros, y muestra un auténtico tour de force interpretativo. Gosling improvisó varias frases, entre ellas «Meryl Streep, tío, ella podría interpretar cualquier papel» cuando Grace prueba opciones del sintetizador de voz para (Spoiler). El equipo consiguió entonces que Meryl Streep grabara su propia voz para esa escena. Lograron contactar con ella a través de la productora Amy Pascal, que había trabajado con Streep en “The Post” (2017) de Steven Spielberg.
Aunque tampoco puedo dejar de mencionar a Sandra Hüller, que también entrega una estupenda actuación, firme y sólida, pero también se permite un par de momentos de gran emotividad.
La película la ha rodado Greig Fraser, responsable de películas muy potentes a nivel visual como son “Rogue One”, “Dune” o “The Batman”, así que Lord y Miller han escogido como director de fotografía a la persona más idónea para una cinta de este calibre. Se ha rodado en IMAX (formato digital) pero lo producido digitalmente se transfirió a película y luego se volvió a digitalizar para lograr las propiedades visuales («calidez») de la película analógica. Visualmente hablando la película es apabullante e impresionante y creo que en una sala IMAX debe ser ya la repanocha. Yo la he visto en una sala normal y no la he visto mal, pero creo que hay mucha diferencia, según lo que he leído.
Lord y Miller siempre han recurrido a Mark Mothersbaugh para componer la banda sonora de sus películas, pero en esta ocasión han confiado en Daniel Pemberton y les ha salido bien la jugada porque la banda sonora compuesta por Pemberton es buenísima, maximizando la grandeza de las imágenes. Pemberton hizo hincapié en el uso de materiales orgánicos en lugar de sintetizadores para crear el paisaje sonoro, de modo que, más allá de sus elementos de ciencia ficción y espaciales, la banda sonora se volviera más humana y conectara con el público.
Utilizó la «percusión corporal» grabando sonidos de palmas y pisotones de dieciséis miembros para simular patrones complejos de caja de ritmos, y empleó cristal baschet, ondas Martenot y armónica de cristal para texturas únicas, así como grandes elementos corales.
Suenan además «Sunday Mornin’ Comin’ Down» de Kris Kristofferson, «Rainbows» de Dennis Wilson, «»Two Of Us» de The Beatles y «Glory, Glory» de Ike y Tina Turner.
SE INTERPONE UN HOMBRE
El precio original era: 30,19 €.28,98 €El precio actual es: 28,98 €. *IVA IncluidoGénero
Thriller. Cine negro | Espionaje. Guerra Fría. Drama romántico
Sinopsis
Berlín, época de posguerra tras la II Guerra Mundial, la británica Susanne Mallison (Claire Bloom) viaja a Berlín para visitar a su hermano mayor, que se ha casado con una alemana. Allí conoce a un hombre muy enigmático (James Mason) y, sin darse cuenta, queda atrapada en una red de espionaje en plena guerra fría.
(Carol Reed, 1953)
CRITICAS
Tres films bastaron para que Carol Reed ganara el reconocimiento internacional a su cine: “Odd Man Out”, “The Falling Idol” y “The Third Man”. En ellas el director londinense demostró una habilidad innata y pocas veces vista para manejar el suspense y la intriga. Habilidad por otra parte que ya demostró a comienzos de los cuarenta con la magnífica “Night Train to Munich” y que auguraba lo que ya muchos críticos de las Islas habían apuntado tras haber seguido su notable carrera, desde sus comienzos en el teatro como director de escena a su posterior salto al cine a mediados de los años treinta.
Y es que tras el relativo fracaso de la cinta que prosiguió a “The Third Man”, “Outcast of the Islands” (1952), Reed decidió volver al terreno donde mejor se manejaba y con el que había obtenido la gloria absoluta. Además, decidió contar con su actor preferido, James Mason, para filmar esta historia de espías en la Berlín ya dividida de después de la Segunda Guerra Mundial. En esta ocasión, Mason interpreta a Ivo Kern un personaje extraño que trafica con personas desde la Berlín Oriental para pasarlas a la zona Occidental. Con Ivo se encontrará Susanne Mallison (Clair Bloom), una chica londinense que llega a Berlín a visitar a su hermano Martin Mallison (Geoffrey Toone), un oficial del ejército británico, y a su esposa Bettina Mallison (Hildegard Knef). Será a través de ésta como Susanne conocerá a Ivo y ambos darán comienzo a una relación que tendrá que sortear los peligros y problemas de una Berlín separada en dos bloques.
Hay dos aspectos que Reed trata con una generosa delicadeza. Uno, es la fisonomía de la capital alemana tras el conflicto. Ya desde las primeras escenas, la llegada de Susanne a casa de su hermano, se advierte un entorno posbélico muy acentuado a medio camino entre lo ruinoso y lo fantasmagórico. El énfasis que Reed da al contexto le sirve para desarrollar su capacidad de dirigir los hechos hacia una incertidumbre continua que mantiene siempre ocupada la atención del espectador. Otro, es el excelente trato que el cineasta hace de la pareja protagonista. Ya no solo por la evolución y posterior desarrollo de esa relación en “tiempos difíciles” sino por como es capaz de dirigir a Mason y Bloom, tan diferentes en edad como en registros, obteniendo de ellos magníficos trabajos y una compenetración magnífica.
“The Man Between”, un film que pasa desapercibido en la brillante filmografía del tercer hombre pero que cuenta con numerosos elementos característicos de un director que hizo del cine de suspense algo grande. Si disfrutan con Hitch y les siguen seduciendo como siempre las historias de espías y Guerra Fría aquí tienen otra cita. No les defraudará.
SOLOS EN LA MADRUGADA
El precio original era: 39,87 €.38,66 €El precio actual es: 38,66 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Radio
Sinopsis
José, periodista y locutor de radio, realiza un programa diario bajo el título ‘Solos en la madrugada’, que ha conseguido una enorme audiencia nacional. Casado y separado de Elena, tiene dos hijos a los que casi no ve. Entonces conoce a Maite, más joven que él, extrovertida y de mentalidad más liberal de lo que él quisiera. El choque emocional de su relación con estas dos mujeres hará cambiar a José, cuya visión pesimista de la vida ha hecho que su programa se convierta en una crónica tan satírica como melancólica de la sociedad española en la transición democrática que vive el país
(José Luis Garci, 1978)
CRITICAS
José Luis Garci nos obsequia en su segundo trabajo con una deliciosa radiografía de una época, la acción se desarrolla en el año 1.977, y de una generación en crisis que se despertaba del negro manto de la dictadura franquista. La cinta sigue las andanzas de un pedante y cínico locutor de un programa de radio de medianoche, José Miguel (José Sacristán), que sufre una crisis sentimental, se encuentra en medio de un divorcio de una esposa a la que aún ama, Elena (Fiorella Faltoyano) con dos hijos de por medio y a la vez comienza una relación con una mujer, Mayte (Emma Cohen), extrovertida y de mentalidad más liberal de lo que José quisiera, todo ello con el sutil telón de fondo de la transición española, donde la legalización del Partido Comunista supuso un punto de inflexión.
La cinta es una reflexión sobre una sociedad que se quedaba huérfana de alguien al que le podían echar la culpa de todo lo malo y ahora tenían que afrontar sin ese paraguas un nuevo amanecer donde todo estaba por hacer. La película tiene el particular sello de la factoría José Luis Garci donde los personajes se mueven en un mar de dudas, en medio de diálogos inteligentes, evolucionan sin saber hacia dónde.
Las interpretaciones son otra marca Garci, al conseguir sacar de los actores lo mejor, consiguiendo que lo que les pase a los personajes nos cale, y es que Garci es un maestro del cine muy infravalorado, al que se le tilda de aburrido de forma absurda pues en su cine no paran de pasar cosas que hacen crecer a los personajes. Destacaría el colosal anuncio que se oye en radio “9 de cada 10 personas que usted admira son de derechas…”, brillante sátira que con el tiempo gana en cinismo.
Recomendable film a los que gusten de un brillante fresco de una época.
TROYA – EDICION COLECCIONISTA METALICA
El precio original era: 51,97 €.49,61 €El precio actual es: 49,61 €. *IVA IncluidoGénero
Aventuras. Acción. Romance | Antigua Grecia. Cine épico. Mitología
Grupos
Adaptaciones de Homero
Sinopsis
En el año 1193 A.C. el joven Paris (Orlando Bloom), hijo de Príamo y príncipe de Troya, rapta a su amada Helena (Diane Kruger), esposa de Menelao, el rey de Esparta, lo que desencadena la Guerra de Troya, en la que se enfrentan griegos y troyanos. Comienza entonces el asedio de la ciudad de Troya por parte del ejército griego, que duraría más de diez años. Aquiles (Brad Pitt) era el gran héroe de los griegos, mientras Héctor (Eric Bana), el hijo mayor de Príamo (Peter O’Toole), el rey de Troya, representaba la única esperanza de salvación para la ciudad.
(Wolfgang Petersen, 2004)
CRITICAS
Esta película debe verse en pantalla gigante, porque es una película épica. Eric Bana es el mejor Héctor: valiente, responsable y noble; amante de su patria y de su familia, es un hombre de paz que se convierte en héroe al defender lo que ama y encuentra la gloria en el proceso. Brad Pitt nos muestra un Aquiles de pies ligeros, cruel, imparable y viril.
La historia no es para nada fiel al relato homérico, pero no hay razón para quejarse; el título de la película es Troya, no La Ilíada. No creo que haya muchas películas épicas que realmente sean muy fieles a las fuentes que las inspiran. Una notable excepción es La Ira de Aquiles, que parece respetar bastante la historia de Homero.
Mucho más entretenida que Gladiador (más bien es un remake de La Caída del Imperio Romano), es capaz de motivar la lectura de los clásicos grecolatinos. Es de mucho agradecer que el endiosado Russel Crowe no interpretara a Aquiles. Mucho me temo que pronto hagan el remake de Cónan con Crowe como el cimerio.
Excelente película donde se presenta principalmente un espectáculo épico de dos horas y media de los de pantalla grande, a la vieja usanza, de sandalias y carromatos, no importa lo bien que esté filmada, una batalla es como la siguiente, siendo incluso a veces difícil recordar quién está luchando por quién y por qué. Hacia el final de «Troya», incluso Aquiles parece ansioso de que termine el combate.
Es a la vez vigorosa, robusta película épica donde mezclan la ‘amplitud’ del ejército con las emociones íntimas, el honor y la obsesión, el romance y el machismo, para mostrar el glamour y la locura de la guerra. Con esta película se conoce sobre el pasado aspecto fundamental para comprender el pasado, recomiendo que vean esta película para que aprenda lo que son las buenas películas.
TU Y YO
El precio original era: 37,50 €.36,29 €El precio actual es: 36,29 €. *IVA IncluidoGénero
Romance. Drama | Drama romántico. Melodrama
Sinopsis
Un elegante play boy y una bella cantante de un club nocturno se conocen a bordo de un transatlántico, gracias a la invitación de otras dos personas. Ella es la amante de un magnate y él está comprometido con una rica heredera. Entre ellos surge un apasionante romance que los llevará a la siguiente promesa: romper con sus compromisos actuales, buscar trabajo y encontrarse a los seis meses, para continuar su vida juntos. Pero un trágico accidente impide a Terry acudir a la cita, con lo que el futuro de ambos sufrirá un giro emotivo e incierto.
(Leo McCarey, 1939)
CRITICAS
Uno de los films más conocidos del realizador Leo McCarey. El guión, de Delmer Daves y Donald O. Stewart, desarrolla un argumento original de Mildred Cram y Leo McCarey. Se rueda en escenarios exteriores de NYC y en los RKO Studios. Es nominado a 6 Oscar. Producido por Leo McCarey para la RKO, se estrena el 16-III-1939 (NYC).
La acción dramática tiene lugar a bordo de un trasatlántico que hace la travesía de Europa a NY, en las Islas Azores, NYC y Filadelfia, a lo largo de un año (1937-38) aproximadamente, de diciembre a diciembre. El pintor y playboy francés Michel Marnet (Boyer) y la cantante norteamericana de salas de fiestas Terry McKay (Dunne) se conocen durante una travesía en trasatlántico de Europa a EEUU. Entre ellos surge un gran amor a primera vista, pero los compromisos sentimentales que ambos tienen les aconsejan posponer cualquier decisión. Convienen encontrarse 6 meses después, el 1 de julio, en el piso superior del Empire State Building (NYC). Él es culto, elegante y sensible. Tras la máscara de frialdad de playboy esconde un corazón tierno y enamoradizo. Ella es lista, competente, guapa y alegre. Tiene un sutil sentido del humor.
El film suma drama, romance y comedia. Narra una sencilla y vibrante historia de amor que se presenta dividida en dos partes. La primera está narrada en un tono ligero de comedia romántica, que da paso en la segunda parte a un relato melodramático. La habilidad del realizador en el tratamiento de los sentimientos hace posible que ambas partes se yuxtapongan e interrelacionen con naturalidad y sin fricciones. Las buenas interpretaciones de los dos protagonistas aportan una contribución decisiva para que el ensamblaje de los partes resulte creíble y convincente.
Leo McCarey demuestra su competencia en el manejo de las emociones del público, que sabe suscitar, dosificar, sostener y modular. Lo hace con dignidad, respeto y sin caer en sentimentalismos fútiles. Dos escenas memorables concentran una fuerza emocional particularmente intensa: la de la espera en el piso 102 y la de la contemplación del cuadro de Terry con el mantón de punto de la abuela Janou. En ambas McCarey se sirve sobre todo del silencio, la expresión contenida del rostro de Boyer y la imaginación del público, para definir y comunicar los sentimientos que desea y consigue trasmitir. Por lo demás, destaca la delicadeza, la finura, el respeto y la elegancia, con que el film presenta las manifestaciones de los sentimientos de los protagonistas. Ofrece un emotivo final ambientado en Navidad.
UN GRAMO DE LOCURA
El precio original era: 28,98 €.27,77 €El precio actual es: 27,77 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia | Espionaje
Sinopsis
El ventrílocuo Jerry Morgan ha vuelto a fracasar en el amor. La razón: cuando la relación llega al punto de discutir el matrimonio, su muñeco, Clarence, se vuelve celoso. Su prometida, Audrey, le abandona por lo que Jerry golpea a sus dos muñecos, Clarence y Terrence. Papinek, el creador de los muñecos de Morgan, resulta ser un importante espía, y usará a Jerry y a sus muñecos para transportar unos planos
(Melvin Frank, Norman Panama, 1954)
CRITICAS
Un refrescante guion el que han escrito Norman Panama y Melvin Frank, mezclando una trama maquiavélica de complot armamentista, con un embrollo psicológico y romance a bordo entre psicoanalista y su paciente. “UN GRAMO DE LOCURA”, es un buen título en español que alude a que, a veces están más locos los que alardean de cuerdos, y pega mejor que el original “Knock on Wood” (Toco madera), que vendría a sugerir algo tan romántico como “imposible que me enamore de él, pero el corazón es impredecible”.
Panama y Frank, quienes también asumieron la dirección, mantienen su historia con una gran dinámica, y logran de Danny Kaye una interpretación tan versátil que nos mantiene a tono y con una sonrisa que es difícil borrar de nuestro atento rostro. Hay momentos altamente eficaces, como la primera secuencia en el avión cuando se “conocen” Morgan y la Dra. Ilse Nordstrom, la sesión regresiva cuando Jerry recuerda su infancia… o el momento en que Jerry hace un curso relámpago de psicoanálisis y luego le hace terapia a su propia psicoanalista.
Muy buena también la coreografía encargada a Michael Kidd, y en sus aspectos formales, el filme cumple de manera bastante satisfactoria. Acompañan a Kaye, la preciosa actriz y también directora sueca, Mai Zetterling, en un dulce rol como la psicoanalista-psicoanalizada. Torin Thatcher, muy sobrio como el intrigante británico Godfrey Langston, convencido de que a Morgan podrá manejarlo con la misma facilidad que éste controla a su muñeco; y Leon Askin, el sabueso Gromek que no atina a un blanco a cinco centímetros.
Con “UN GRAMO DE LOCURA”, se pasa un rato realmente divertido.
YO AME A UN ASESINO
El precio original era: 28,98 €.27,77 €El precio actual es: 27,77 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro. Drama | Crimen. Home Invasion
Sinopsis
Nick Robey, un delincuente de poca monta que convive con una madre alcohólica, se ve arrastrado a cometer un atraco que sale mal. Presa del pánico, mata a un policía y se refugia en una piscina municipal, en la que conoce a Peg, una chica a la que seduce y acompaña a casa de sus padres. Sintiéndose acorralado, decide tomarlos como rehenes
(John Berry, 1951)
CRITICAS
Su sorprendente y trágica muerte con tan sólo treinta y nueve años de edad acabó con lo que era una carrera virtuosa, fantástica. Todos le recordamos por sus dos inolvidables papeles en “El Cartero Siempre Llama Dos Veces” y en “Body and Soul”, esta última, quizás, su mejor interpretación. Actor carismático y tipo comprometido, dio vida a innumerables iconos del noir americano convirtiéndose sin duda en uno de sus referentes.
Para el que les escribe, es en sus dos últimas películas donde mejor se resumen sus credenciales. Tanto en “The Breaking Point” como en esta “He Ran All the Way” aparece el Garfield más auténtico, el más reconocible. En la primera se puso el traje, con una sobriedad y una profundidad ejemplares, de aquel marinero, Harry Morgan, que caía bajo las garras de la femme fatale Leona Charles (Patricia Neal). Mientras, en ésta que nos ocupa, da vida a la segunda clase de personaje que era capaz de bordar: el del criminal de poca monta, puesto entre la espada y la pared, y que es capaz de transmitir en cada fotograma esa mezcla de desesperanza y angustia tan necesarias en el género.
Así, y sustentado en la maravillosa actuación de Garfield, el film se destaca también como el trabajo más célebre y talentoso de su director, John Berry, otro semidesconocido más que encontró en el excelente momento del cine americano un filón para, al menos, no quedar en el olvido. La cinta tiene un comienzo clásico: un delincuente común, un atraco que sale mal, un policía que resulta muerto…a partir de aquí Nick Robey (Garfield) será acorralado y no tendrá más remedio que atrincherarse en la casa de los Dobbs, una familia media trabajadora.
Será la hija, Peggy Dobbs (Shelley Winters), la que tendrá el fatal encuentro con Nick después del asalto y que terminará desembocando en la tensa situación que centrará el argumento de la película. Además, Peggy se enamorará de Nick que no dudará en mantener a la familia secuestrada hasta poder encontrar una salida. La historia de amor entre Peggy y Nick, la huída del delincuente y las tensiones entre el bandido y el cabeza de familia, Fred Dobbs (Wallace Ford), tendrán un final común y que escenificará magníficamente todos los aspectos desarrollados en una trama que por momentos recuerda a “Horas Desesperadas” de Wyler.