Mostrando 121–144 de 418 resultados
TIPO
- CineCine 399
- SeriesSeries 18
FILTRAR POR GÉNERO
- Acción / aventuras / artes marciales 56
- Animación / Anime 5
- Asiatico 13
- Bélico 15
- Ciencia ficción / SCI FI 10
- CINE MUDO 1
- Clasico 122
- Comedia 134
- Contemporáneo / moderno 6
- CRITICA SOCIAL 1
- Drama 279
- Erótico / adultos 2
- Europeo 75
- Infantil 8
- Musical 53
- Religioso 8
- RomanceRomance 328
- SATIRA 1
- Social / político 41
- Super héroes y comics 6
- Terror 8
- Thriller/ Policíaco 58
- Western 6
FORMATO
IDIOMA
- CASTELLANO 398
- InglésInglés 11
- INGLES 6
- ITALIANO 1
PRODUCTORA
- 20th Century Fox 28
- 21 Century Shengkai Film 1
- A contracorriente 1
- Aaron Spelling 3
- Aaron Spelling. 2
- ABC Circle Films 3
- Act III Productions 1
- Adel Productions 1
- Allied Artists 2
- American International Productions 1
- American Zoetrope 2
- arte France Cinéma 1
- AVCO Embassy Pictures 1
- BBC 1
- BBC Film 3
- Belisarius Productions 1
- Big Beach 1
- Black River Productions 1
- Brent Walker Film Productions 1
- British Lion Film Corporation 1
- Cambridge Productions Inc 1
- Canal+ 2
- Canal+ España 2
- Capitol Films 1
- Carrollton Inc 1
- Castle Rock Entertainment 2
- CBS Entertainment Production 2
- Ce Qui Me Meut 1
- Chernin Entertainment 1
- Ciné-Alliance 1
- Cinema 77 1
- CJ Entertainment 2
- Columbia Pictures 29
- CoMix Wave Films 1
- Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Alemania-Francia-Italia 1
- Coproducción Argentina-Canadá 1
- Coproducción China-Hong Kong 1
- Coproducción Estados Unidos-Austria 1
- Coproducción Estados Unidos-Italia 1
- Coproducción Estados Unidos-Italia-Alemania-Yugoslavia 1
- Coproducción Estados Unidos-Reino Unido 6
- Coproducción Francia-Alemania 2
- Coproducción Francia-Canadá 1
- Coproducción Francia-Italia 10
- Coproducción Irán-Francia-Suecia-Alemania 1
- Coproducción Italia-Alemania del Oeste (RFA)-Suiza 1
- Coproducción Italia-Francia 3
- Coproducción México-España 1
- Coproducción Reino Unido-Francia 2
- Coproducción Serbia y Montenegro-Italia-Francia 1
- Coproducción Suiza-Reino Unido-Francia-Italia-Estados Unidos 1
- Cre Film 1
- Curtis Enterprises 2
- Daiei Studios 1
- David O. Selznick 2
- Diana Production Company 1
- Dino de Laurentiis Cinematographica, 1
- Documento Film 1
- Embassy Films 1
- Enterprise 1
- Excelsior Film TV 1
- Film Polski 1
- Filmófono S.A 1
- Films A2 2
- First National Pictures 1
- Fox Searchlight 1
- Gainsborough Pictures 1
- Gaumont 1
- George H. Brown Productions 1
- Golden Harvest Company 1
- Granada Television 2
- HBO 3
- Hungarian Film Institute 1
- Inforg-M&M Film Kft 1
- ITC 1
- Jack Rollins & Charles H. Joffe Production 1
- Jan Chapman Productions 1
- Jeonwonsa Film 1
- Joseph E. Levine Productions 1
- Legend Production Company 1
- Les Films du Carrosse 3
- Les Films du Losange 1
- Les Productions Fox Europa 1
- Liberty Films Inc. 1
- London Films 4
- Luc Besson Production 1
- Lux Film 2
- Malpaso Productions 1
- Melvin Simon Productions 1
- Messidor Films 2
- Meteorito Films 1
- MGMMGM 44
- Miramar Films 4
- Miramax 2
- NBC 1
- New Line Cinema 1
- New World Pictures 1
- Nordisk Film 1
- Ofelia Films 1
- Orion Pictures 2
- Otto Preminger 1
- ParamountParamount 21
- Paramount Pictures 9
- Paris-Films Productions 2
- Polygram Filmed Entertainment 1
- Ponti-De Laurentiis Cinematografica 2
- Rastar 1
- Relativity Studios 1
- RKO 2
- RKO Radio Pictures 11
- Russ-Arts 1
- Samson Films 1
- Samuel Goldwyn Company 2
- Satyajit Ray 1
- Savoy Pictures 1
- Selznick International Pictures 5
- Shochiku 1
- Società Italiana Cines 1
- Studio Chizu 1
- suevia films 1
- Svensk Filmindustri (SF) 3
- TANGO FILM 1
- TF1 Films Production 1
- The Mirisch Corporation 2
- Toei Animation 1
- Topkapi Films 2
- Touchstone Pictures 2
- TriStar Pictures 2
- Tristes Tropiques 1
- U.F.A 1
- Ultra Film 1
- Ultramar Films 1
- United Artists 12
- Universal International Pictures 2
- Universal Pictures 33
- Universal Pictures Television 1
- Walt Disney Pictures 2
- Warner Bros 24
- Wildside 1
- Woodfall Film Productions 1
- Xi 'an Motion-Picture 1
- Zoetrope Studios 1
AÑO LANZAMIENTO
Director
- Aaron Spelling 1
- Alain Delon 1
- Alain Resnais 2
- Alessandro Blasetti 1
- Alex Proyas 2
- Alexander Hall 1
- Alexander Korda 1
- Alfred Hitchcock 10
- André De Toth 1
- Andrzej Wajda 1
- Anthony Asquith 1
- Antonio Betancor 1
- Archie Mayo 1
- ARTHUR PENN 1
- Baz Luhrmann 1
- Béla Tarr 1
- Ben Stiller 2
- Bertrand Bonello 1
- Bertrand Tavernier 2
- Billy Wilder 3
- Blake Edwards 2
- Bob Clark 1
- Bob Fosse 2
- Bob Rafelson 2
- Bradley Cooper 2
- Brian Helgeland 1
- Buddy Van Horn 1
- Buzz Kulik 1
- Carol Reed 3
- Cecil B. DeMille 1
- Cédric Klapisch 1
- Céline Sciamma 1
- Cesc Gay 2
- CHANTAL AKERMAN 1
- Charles Shyer 1
- Charles Sturridge, Michael Lindsay-Hogg 1
- Charles Vidor 2
- Charles Walters 1
- Chen Kaige 1
- Christian Vuissa 1
- Christopher Morahan 1
- Clarence Brown 1
- Clarence Fok 1
- Claude Autant-Lara 1
- Claude Chabrol 1
- Clint Eastwood 1
- Curtis Bernhardt 1
- Dale Launer 1
- David F. Sandberg 1
- David Frankel 1
- David Lean 1
- David Leitch 1
- David Miller 1
- David Seltzer 1
- David Swift 1
- Delbert Mann 3
- Donald P. Bellisario 1
- Donald Petrie 1
- Edgar Wright 1
- Edmund Goulding 1
- Edward Dmytryk 1
- Eliseo Subiela 1
- Elliott Nugent 1
- Emerald Fennell 1
- Emir Kusturica 2
- Enrico Maria Salerno 1
- Ernst Lubitsch 2
- Federico Fellini 2
- Felix Van Groeningen 2
- Francis Ford Coppola 5
- François Truffaut 3
- Frank Capra 2
- Frank Lloyd 1
- Franklin J. Schaffner 1
- Fred Haines 1
- Fred Niblo 1
- Fred Zinnemann 1
- Fritz Lang 3
- Garry Marshall 1
- Gene Saks 1
- George Armitage 1
- George Cukor 6
- George Lucas 1
- George Marshall 1
- George Roy Hill 1
- George Sidney 1
- George Stevens 7
- George T. Miller 1
- Gerry O'Hara 1
- Giuseppe Tornatore 2
- Glenn Gordon Caron 3
- Gordon Douglas 1
- Gregory Ratoff 3
- Greta Gerwig 1
- H.G. Clouzot 1
- Henry Hathaway 1
- Henry Levin 1
- Henry Selick 1
- Herbert Ross 2
- Hiroshi Shidara 1
- Hong Sang-soo 1
- HOWARD HAWKS 7
- Hugh Hudson 1
- Ildikó Enyedi 1
- Ingmar Bergman 4
- Jack Arnold 1
- Jack Conway 2
- Jacques Becker 2
- Jacques Demy 2
- Jacques Tourneur 1
- James Cameron 1
- James Mangold 1
- Jane Campion 2
- Jason Reitman 1
- Javier Elorrieta 1
- Jean Becker 1
- Jean Eustache 1
- Jean Luc Godard 1
- Jean Negulesco 3
- Jean-Louis Richard 1
- Jean-Luc Godard 2
- Jeannot Szwarc 2
- Jeff Nichols 1
- Jesse Eisenberg 1
- John Carney 1
- John Carpenter 1
- John Cromwell 2
- John Farrow 1
- John Ford 1
- John Francis Daley 1
- John Hough 1
- John Huston 1
- John M. Stahl 2
- John Madden 1
- John Schlesinger 2
- Jon M. Chu 8
- Jose Luis Garci 1
- José Luis Sáenz de Heredia 1
- Josef von Sternberg 4
- Joseph L. Mankiewicz 1
- Julien Duvivier 2
- Karel Reisz 1
- Ken Annakin 1
- Ken Russell 1
- Kenji Mizoguchi 1
- Kenneth Branagh 1
- Kevin Lima 1
- Kevin Reynolds 2
- King Vidor 1
- Lasse Hallström 1
- Laurence Olivier 1
- Leo McCarey 3
- Lewis Teague 1
- Lilja Ingolfsdottir 1
- Liv Ullman 1
- Luc Besson 1
- Luchino Visconti 2
- Luis Buñuel 2
- Luis Mandoki 1
- Makoto Shinkai 1
- Mamoru Hosoda 1
- Marc Lawrence 1
- Marcel Carné 1
- Mario Camerini 2
- Mark Sandrich 2
- Martha Coolidge 1
- Martin Ritt 2
- Martin Scorsese 3
- Maryam Moghadam 1
- Massimo Dallamano 1
- Max Ophüls 1
- Melvin Frank 2
- Mervyn LeRoy 2
- Michael Caton-Jones 1
- Michael Curtiz 1
- Michael Gordon 1
- Michael Landon 1
- Michelangelo Antonioni 1
- Mike Leigh 1
- Mike Nichols 3
- Mira Nair 1
- Mitchell Leisen 2
- Nicholas Ray 1
- Nick Cassavetes 1
- Nikita Mikhalkov 1
- Norman Foster 1
- NORMAN JEWISON 2
- Norman Taurog 2
- Oliver Stone 2
- Orson Welles 1
- Otto Preminger 1
- Paola Cortellesi 1
- Park Chan-wook 2
- Paul Auster 1
- Paul Thomas Anderson 1
- Peter Bogdanovich 1
- Peter Farrelly, Bobby Farrelly 1
- Peter Jackson 2
- Peter S. Fischer 1
- Peter Weir 3
- Peter Yates 2
- Phillip Noyce 1
- Preston Sturges 2
- Quentin Masters 1
- Quentin Tarantino 4
- RAFAEL GIL 1
- Rainer Werner Fassbinder 1
- Randall Miller 1
- Raoul Walsh 1
- René Cardona 1
- Richard Brooks 3
- Richard Eyre 1
- Richard Linklater 2
- Richard Quine 1
- Richard Rush 1
- Richard Shapiro 4
- Richard Thorpe 1
- Ridley Scott 1
- Rob Marshall 3
- Rob Reiner 1
- Robert Bresson 2
- Robert Lieberman 1
- Robert Mulligan 1
- Robert Wise 1
- Robert Z. Leonard 1
- Robert Zemeckis 5
- Roger Michell 1
- Roman Polanski 1
- Ron Howard 1
- Ron Shelton 1
- Rouben Mamoulian 1
- Roy Rowland 1
- Roy William Neill 1
- Russell Mulcahy 2
- Ryan Condal 1
- Sam Wood 4
- Satyajit Ray 1
- Savage Steve Holland 2
- Sean Baker 1
- Sidney Gilliat 1
- Sidney Lumet 1
- Sofia Coppola 1
- Spike Lee 1
- Stanley Donen 2
- STANLEY KUBRICK 3
- Susan Seidelman 1
- Sydney Pollack 2
- Tay Garnett 1
- Tim Burton 5
- Todd Phillips 1
- Tony Scot 2
- VARIOS 3
- varios directores 1
- Victor Fleming 4
- Victor Sjöström 1
- Vincente Minnelli 6
- Walter Lang 2
- Wang Quan'an 1
- Waris Hussein 1
- William A. Seiter 1
- William A. Wellman 1
- William Dieterle 1
- William Wyler 3
- Wolfgang Petersen 1
- Woody Allen 3
- Yasujirō Ozu 1
- Zhang Yimou 1
Price
CATEGORÍAS
- Accessories 3
- GÉNERO 3118
- Acción / aventuras / artes marciales 1028
- Animación / Anime 123
- Asiatico 109
- Bélico 190
- Ciencia ficción / SCI FI 333
- Clasico 809
- Comedia 640
- Contemporáneo / moderno 127
- Documental 24
- Drama 1610
- Erótico / adultos 23
- Europeo 701
- Infantil 174
- Musical 144
- Religioso 69
- Romance 418
- Social / político 552
- Super héroes y comics 74
- Terror 474
- Thriller/ Policíaco 1069
- Western 149
- IMPORTACIÓN 71
- NOVEDADES 667
- PREVENTA 106
Romance
EL GRAN VALS
Género
Drama. Musical | Biográfico. Siglo XIX
Sinopsis
Biopic sobre el compositor austriaco Johann Strauss. Con una romántica Viena como telón de fondo, el film aporta datos sustanciales de la vida del músico, sin llegar a ser un documental biográfico en sentido estricto
Premios
1938: Oscar: Mejor fotografía. 3 nominaciones
(Josef von Sternberg, 1938)
Biopic sobre el compositor austriaco Johann Strauss. Con una romántica Viena como telón de fondo, el film aporta datos relevantes de la vida del músico, sin llegar a ser un documental biográfico en toda su extensión, Se llevó un Oscar a la Mejor Fotografía para Joseph Ruttenberg, quien luego se haría con otras tres estatuillas
EL HILO INVISIBLE
Género
Drama. Romance | Años 50. Moda. Nochevieja / Año nuevo
Sinopsis
En el Londres de la posguerra, en 1950, el famoso modisto Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis) y su hermana Cyril (Lesley Manville) están a la cabeza de la moda británica, vistiendo a la realeza y a toda mujer elegante de la época. Un día, el soltero Reynolds conoce a Alma (Vicky Krieps), una dulce joven que pronto se convierte en su musa y amante. Y su vida, hasta entonces cuidadosamente controlada y planificada, se ve alterada por la irrupción del amor
(Paul Thomas Anderson, 2017)
CRITICAS
Paul Thomas Anderson es el “enfant terrible” del actual Hollywood, sus películas gustan más o menos (repasar filmografía), pero siempre son arriesgadas y originales, desde “Sidney” un excelente “film noir” con el que se dio a conocer. En esta ocasión me parece una historia atractiva y densa en el terreno moral, dos horas de buen cine para los amantes de las grandes pasiones amorosas y las relaciones destructivas. Las imágenes de sus películas son poderosas y siempre dejan huella, retratos marcados en su fascinación por personajes excesivos que reflejan pasiones humanas descritas con toda crudeza.
Inspirada, al parecer en el modisto español Balenciaga, diseñador de alta costura en París, apasionado de la pintura española de Velázquez y Goya, fue contemporáneo de Coco Chanel y Christian Dior.
Cuento perverso y sofisticado de una exquisitez y belleza que extasía, hipnotiza y arrebata.
La neurosis, el perfeccionismo, el miedo a la vida y el juego del cazador y la caza.
El deseo de orden frente al caos vulgar del mundo. El afán de belleza contra la agresiva fealdad de la vida. El silencio, la buena educación (casi siempre), las buenas formas, la buena vida y la apariencia de seguridad esconden a un niño pequeño, castrado (se supone que por su mamá y, también, su hermana), asustado, débil, temeroso de dios, incapaz de hacer frente a los hechos de manera natural, sana o flexible.
Por otro lado, es una reflexión sobre el precio que hay que pagar para lograr desarrollar un oficio con verdadera pasión y excelencia, la vida misma hay que ofrecer u ofrendar, todas las fuerzas vitales sacrificadas en el altar del arte textil, de los grandes vestidos.
Película compleja, sutil, elevada, llena de capas, insinuaciones y vericuetos, con dos líneas paralelas y recurrentes que a veces (muchas) se cruzan; la miniatura psicológica preñada de matices y minucias, y la gran creación de hermosos ropajes, es decir, la intimidad y el trabajo alimentándose continua y mutuamente.
Es una gran sinfonía, musicalmente deslumbrante (banda sonora original y piezas clásicas y románticas en feliz comunión) y fotográficamente impecable, una delicada ópera repleta de temas y detalles, de forma y fondo entrecruzados y enlazados, de voces, solistas y coro, de melodías, crescendos, clímax y reposos.
La película juega con el espectador, con los tópicos melodramáticos y maniqueos habituales. Al principio, ella es una pobrecita utilizada por dos hermanos sin escrúpulos, la cenicienta, engañada, seducida y seguramente abandonada. Primero ella es agasajada, tentada, escogida y manipulada, y después es simplemente una pieza más de/en la industria familiar.
Reynolds Woodcock (magistral como siempre, de presencia física turbadora, Daniel Day-Lewis) es un modisto entregado en cuerpo y alma a su profesión, un neurótico reconocible pero apuesto, un perfeccionista obsesivo, como el director del film, que cuida cada detalle con metódica precisión. Un ser ensimismado y atormentado influenciado por los recuerdos maternos, quizás sea el hilo invisible que alude el título del film, ese hilo que le ata al pasado de su niñez, que se ve sorprendido por el amor hacia una camarera, Alma (Vicky Krieps, que en mi opinión le falta más presencia física como actriz) que se convierte en musa y amante, pero que se resiste a ser una simple modelo o maniquí, cuya relación desmonta su habitual vida cotidiana junto a su hermana controladora, celosa y protectora.
El film es enigmático por momentos, guardando similitudes con “Rebecca”, la obra maestra de Hitchcock, Max de Winter (Laurence Olivier) también era un hombre atormentado que comienza una nueva vida casándose con una joven ingenua. La ama de llaves, la señora Danvers, recuerda en cierto modo a la hermana del modisto, siempre vigilante de los gustos del diseñador, cuando le aconseja a Alma que no le prepare la fiesta sorpresa. Hay también un ambiente opresivo y viciado de incomunicación y de guerra de sexos.
Una película sugerente que transmite una relación romántica y ambigua que deja muchas incógnitas a merced del espectador, para que nos respondamos según nuestro criterio, si estaríamos dispuestos o no a continuar esa relación.
El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares
Género
Serie de TV. Drama. Intriga. Romance | Homosexualidad. Miniserie de TV
Grupos
Tales of the city
Sinopsis
Miniserie de TV de 3 episodios.
(Tim Burton, 2016)
CRITICAS
Es una película infantil inicialmente (después no tanto) que tiene los mejores ingredientes del director reunidos en la magia, humor negro y sobre todo preciosismo con esos personajes que o te gustan o los odias.
Reconozco que la primera media hora puede ser tediosa, inicialmente porque el arranque es muy lento y tenemos un protagonista cuyo único vinculo afectivo mayor es su abuelo, el cual tenía una sensación fría debida a su avanzada edad y escasas facultades mentales. Tras su muerte queda en estado de shock ya que en su infancia rememora todo lo bueno que hizo por el y lo secundario que fue relación llegada su adolescencia.
Después de visitar una psicóloga sucesivas veces a raíz de la muerte del abuelo, el padre, por petición del hijo y mediacion de la médica un viaje a una isla perdida en gales donde lo real, mágico y macabro se fusionan para que el hijo puede por una vez decidir qué veracidad tiene las historia de su abuelo (marcado por la segunda guerra mundial) y hacer un recuerdo de este para reconciliarse consigo mismo.
Un aplauso enorme para el gran actor que es Samuel L. Jackson, aunque vaya muy caracterizado. Su personaje da respeto y asusta en cuanto hace su primer acto de presencia. Y con razón. Él y su séquito, porque un malo de película, un villano normalmente nunca anda solo, siempre lleva sus secuaces encima. Además de los chicos, Green y Jackson, entre los secundarios podemos ver a los veteranos Terence Stamp y Judi Dench, Allison Janney, Rupert Everett y Chris O’Dowd. Stamp es otro actor que repite con Burton tras Big Eyes y, aunque no salga tanto como quisiera, uno se alegra de su presencia. Dench olvidándose de la franquicia de James Bond, cuando creíamos que había desaparecido del mapa cinematográfico nos regala este personaje, con pocas líneas, pero nos lo regala. Janney y Everett con dos personajes, cada uno con cierto jugo en su interior
La partitura musical me ha gustado, leyendo los créditos iniciales me esperaba un Danny Elfman, y en su lugar me encuentro con dos compositores desconocidos (para mí) llamados Michael Higham y Matthew Margeson, los cuales han hecho un muy buen trabajo. Mencionar la canción que se puede escuchar durante los créditos finales (deberíais quedaros a verlos, mientras van avanzando se pueden ver fotos de los protagonistas) titulada Wish That You Were Here e interpretada por Florence and The Machine.
Mezclando efectos visuales hechos por ordenador y el stop-motion, Tim Burton ha conseguido trasladar a la gran pantalla con muy buen hacer, como casi siempre, y gracias al libreto escrito por Jane Goldman, a su vez basado en la novela escrita por Ransom Riggs, esta bonita y fantástica historia.
Un regreso por todo lo alto. Bueno, al menos a mí me ha hecho pasar algo más de dos horas muy entretenidas y disfrutables. De eso se trata el cine, de entretener a la gente, o al menos intentarlo.
EL HOMBRE DE RIO NEVADO
Género
Drama. Western. Romance | Cine familiar. Caballos
Sinopsis
Jim Craig ha vivido hasta los dieciocho años en la granja familiar situada en las montañas de Australia. Cuando muere su padre, se ve obligado a irse a la llanura, pues necesita ganar dinero para reconstruir la finca. Los problemas surgen cuando se enamora de una bella joven
(George T. Miller, 1982)
CRITICAS
Basado en el conocido poema «The Man from Snowy River» (1890), del famoso poeta australiano Andrew Barton Paterson (1864-1941). La moneda de 10 dólares australiana tiene la imagen de Barton, además de una ilustración inspirada y parte del texto del poema.
Jim Craig (Tom Burlinson) es un solitario y aguerrido joven, huérfano de padres, formado en el inhóspito mundo de las montañas australianas. Ha tenido que luchar por hacerse de una posición y respeto en la vida.
Jim conoce a Jessica (Sigrid Thornton), una joven de la que se enamora, pero no será fácil demostrarle su amor, el padre (Kirk Douglas) de la joven le impondrá tenaz resistencia.
Una bella y hermosa historia de amor, basado en la superación de sus protagonistas y del ambiente que los rodea. Es la pérdida de la inocencia de un joven, que además sufre la desgracia de perder a sus seres queridos, es su inicio hacia la edad adulta.
El mítico Kirk Douglas nos regala una de sus mejores actuaciones en un doble papel protagónico.
La película tuvo un presupuesto $3.5 millones y generó por venta de taquillas la cantidad de $21 millones en EEUU solamente, además recibió cinco nominaciones a diferentes premios y/o festivales de cine, de los cuales gano dos de ellos.
El film tuvo una secuela, “Return to Snowy River” (1988) con los protagonistas principales, Tom Burlinson y Sigrid Thornton, por Kirk Douglas participo Brian Dennehy.
EL LADO OSCURO DEL CORAZON
Género
Drama | Surrealismo. Drama romántico. Prostitución. Película de culto
Sinopsis
Oliverio es un poeta treintañero que sobrevive editando poesía comercial mientras recorre Buenos Aires. Lo único que desea es encontrar a la mujer de sus sueños, que le comprenda y que le haga volar. En Montevideo, conoce a Ana, una prostituta de la que se enamora
(Eliseo Subiela, 1992)
CRITICAS
El film es grandioso, su contenido no es para el 90% de la gente que asiste a una sala de cine sólo porque no tiene nada que hacer o para comer palomitas de maíz. Hay que ser -como diría Hermann Hesse- un Lobo Estepario para comprender el hondo significado de esta cinta.
Es un film de amor poco común. Abundan las maravillosas poesías del uruguayo Mario Benedetti, un genio, y éstas pasan a ser casi el guión y el sostén del film.
Hay momentos muy buenos, el personaje de Oliverio es genial, el tipo simple, bohemio, infantil y seductor a la vez, con miedos, esperanzas, con conflictos de su yo interno, con esa imperiosa necesidad de amar y ser amado, de encontrar en el sexo algo más que un buen momento de lujuria, de poder volar, no como un avión, sino como un Dios. Necesita romper con su oscuridad, con la muerte que lo acecha (que lo ama porque él quiere ser amado por ella en caso de no poder más con su terrible realidad).
Es un cuento fantástico, una gran alegoría, lleno de metáforas y buen gusto.
Sus detractores se ven atropellados por la esencia del mismo, porque más de un papanata querría ser como Oliverio. Pero para desnudar el corazón a veces no alcanza con ver una película…
Todos están muy bien. Lo que me parece de cuarta es el doblaje. A veces hay un delay terrible entre lo escuchado y lo que hablan (me refiero al doblaje del mismo idioma hecho por los mismos actores, salvo el de Ballesteros que creo es la voz de Andrea Tenuta).
EL LARGO CALIDO VERANO
Género
Drama | Drama sureño. Familia
Grupos
Adaptaciones de William Faulkner
Sinopsis
Tras ser expulsado de una población acusado de haber provocado un incendio, Ben Quick llega a un pueblo y es contratado por Will Varner, dueño y señor del lugar. Melodrama sureño, basado en relatos de William Faulkner, que permitió a un jovencísimo Paul Newman demostrar que era mucho más que una cara bonita. En efecto, gracias a este papel consiguió ganar el prestigioso premio al mejor actor en el Festival de Cannes.
(Martin Ritt, 1958)
Premios
1958: Cannes: Mejor actor (Paul Newman)
1958: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor actriz (J. Woodward)
1958: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director
Críticas
Esta especie de «Calle Mayor» a la americana es un entretenido drama de resonancias bíblicas -con patriarcas, primogenituras e hijos pródigos- en el que por encima de todo destacan sus interpretaciones, encabezadas por un inmenso (en todos los sentidos) Orson Welles y un imponente (en todos los sentidos) Paul Newman, bien acompañados por la excelente Joanne Woodward, la bella Lee Remick y la divertida Angela Lansbury.
La trama y los diálogos pedían quizá un poco más de pasión, pero sigue siendo una obra sólida y atractiva.
EL LOBO ESTEPARIO
Género
Romance. Drama | Años 20
Sinopsis
En los círculos burgueses de Europa después de la Gran Guerra, ¿puede algo salvar al hombre moderno? Harry Haller, un intelectual solitario, ha temido toda su vida su doble naturaleza de ser humano y ser una bestia. Ha decidido morir en su 50 cumpleaños, que es pronto. Es rescatado de su solipsismo por la misteriosa Hermine, que lo lleva a bailar, lo introduce al jazz y a la bella y caprichosa María, ademas de conducirle a las alucinaciones del Teatro Mágico, que parecen llevarlo al Infierno. ¿Pueden el humor, el pecado y la burla conducir a la salvación?
(Fred Haines, 1974)
CRITICAS
Meritoria -por compleja- adaptación de la obra de H. Hesse en la que F. Haines juega con los conceptos, ajusta las propuestas y examina con buen juicio los aforismos del escritor alemán.
Y, sin desenterrar el hacha de guerra, rueda una película valiente y arriesgada por su carácter profundamente ideológico y comprometido.
Surrealista, onírica, evanescente y de narrativa ingeniosa, la trama mantiene un debate continuo entre lo explícito y lo furtivo.
Sus hechuras cinematográficas son excelentes de manera que proporcionan a la historia un gran atractivo a pesar de su aridez conceptual e invitan al espectador a releer la novela.
Magnífica la actuación de Max von Sydow.
Hay dos tipos de adaptaciones de libros en películas, las libres y las que abarcan todo. Dentro de las que abarcan todo, están las que se ponen a enumerar de memoria cada parte del libro (siendo insoportables), y las que intentan darle un toque de personalidad sin que pierda la esencia. A este último tipo pertenece esta película.
La película hace un buen intento en transmitir no solo el argumento del libro, sino su atmósfera pesada de un personaje taciturno, ensimismado, pesimista y alejado de la sociedad. Pero a su vez le da un toque de personalidad a la historia, contando por ejemplo el «tractat del lobo estepario» con animaciones.
Los personajes están bien elegidos en tanto su fisonomía y apariencia, al menos personalmente, son como me los imaginaba mientras leía el libro.
Salvo algunas simplificaciones menores, está todo el libro incluido, lo cuál no es fácil porque enlaza la historia con la psicología del personaje. Incluye citas del libro que no desentonan en absoluto porque los personajes la dicen en el momento adecuado.
EL MARAVILLOSO MUNDO DE LOS HERMANOS GRIMM
Género
Fantástico | Biográfico. Cuentos
Grupos
Adaptaciones de los Hermanos Grimm
Sinopsis
Biografía de los hermanos Grimm a través de la creación de su obra. Intercala escenificaciones de sus cuentos más célebres: «La princesa y el leñador», «El zapatero y los enanitos» y «El hueso cantor».
(Henry Levin, George Pal, 1962)
Premios
1962: Oscar: Mejor vestuario color. 4 nominaciones
1962: Globos de Oro: Nominada Mejor película – Musical y actor (Harvey)
Narra la vida de los famosos hermanos escritores, pero intercalando las historias de sus cuentos de una manera tan magístral que la película, además de estar llena de magia y leyenda, se convierte en una oda a la fantasía y a la escritura.
Mítica e indispensable película para los incurables de Grimm como yo, que no puede dejarse de lado. Tenemos un reparto maravilloso, con la mejor intepretación de Laurence Harvey un Karlheinz Bohm de verdad, no el muñequito de tarta que conformaba en «Sissi emperatriz». El relato de los Grimm nunca morirá y eso lo sabe cualquiera. Esta peli cuenta con unos personajes inolvidables y vitales para la defensa de estos célebres autores que cambiaron para siempre el mundo con sus cuentos. La construcción de la esfera global está muy lograda sobretodo al comienzo de la peli, con unas interpretaciones creíbles que dan a luz los maravillosos cuentos que a todos nos han hecho vibrar, con su única lengua mágica. Maravillosa e imprescindible.
El muelle de las brumas- blu ray
Género
Drama. Romance. Thriller | Crimen. Realismo poético francés
Sinopsis
Un desertor del ejército francés (Jean Gabin), llega a Le Havre -una ciudad permanentemente envuelta en la niebla-, para huir en barco. Conoce a Nelly (Michèle Morgan) en Casa Panamá, un garito del muelle, y simpatizan de inmediato; ella es una joven de 17 años tiranizada por su tutor, Zabel (Michele Simon), un hombre extraño que mantiene tratos con un grupo de jóvenes que juegan a ser mafiosos. Uno de ellos acosa a Nelly, y Jean lo humilla. El suicidio de un pintor, que frecuenta Casa Panamá, permite al desertor asumir una nueva identidad.
(Marcel Carné, 1938)
Premios
1938: Festival de Venecia: Mención especial. Nominada a la Copa Mussolini
1938: National Board of Review: Mejor película extranjera.
CRITICAS
Esta película permanece como uno de los máximos logros de Carné y una de las obras más representativas del llamado realismo poético francés.
La nocturnidad y la constante niebla que anega la imagen —no sólo exterior, pues el protagonista la sitúa también dentro de su cabeza— otorga a la película un carácter fantasmagórico que oprime los sueños de los personajes. Ellos quieren, o más bien necesitan intuir, detrás de las brumas, el fantasma de la libertad. Pero la realidad —la auténtica y extracinematográfica realidad de un mundo en conflicto abocado a la II Guerra Mundial— impone sin piedad sus razones, que no invitan al optimismo ni a la esperanza.
No sólo la ambientación refleja este clima de desasosiego. Cabe destacar las excelentes interpretaciones encabezadas por un gran Jean Gabin, sin olvidar tampoco lo que es propiamente la caracterización de los actores: la boina y la gabardina que luce Michèle Morgan permanecen en el recuerdo como imagen prototípica del film y de su época.
Pero, por encima de todo, debe mencionarse la aportación a los textos del poeta Prévert. Sin ánimo de exagerar, creo que en unos hipotéticos Oscar a los diálogos más bellos jamás escritos para la pantalla, los de esta película serían, como mínimo, justos finalistas.
EL PIANO
Género
Drama. Romance | Drama romántico. Siglo XIX. Música. Discapacidad
Sinopsis
Año 1851. Ada, que es muda desde niña, acaba de enviudar. Un matrimonio concertado la obliga a dejar su Escocia natal y viajar a Nueva Zelanda, acompañada de su hija y de su piano. Allí conoce a su futuro marido, un próspero granjero que se niega a llevar a casa el piano. Abandonado en la playa, el instrumento será rescatado por un vecino que establece un extraño pacto con Ada: él la dejará usar su piano a cambio de que ella se deje tocar.
(Jane Campion 1993)
Posición en rankings FA
4 Mejores películas neozelandesas
Premios
1993: 3 Oscars: Mejor actriz (Hunter), actriz secundaria (Paquin), guión original. 8 nom.
1993: Globo de Oro: Mejor actriz drama (Holly Hunter). 6 nominaciones
«Aplaudido drama gótico-romántico que alcanzó un sonado éxito crítico-comercial. Excelente reparto, conseguida ambientación y la inolvidable música de Nyman»
EL PLACER DE VENUS
Género
Drama. Romance | Erótico
Sinopsis
Sigue las pervertidas pasiones de una pareja, la de Severin y Wanda, cuando el primero se enamora de la segunda tras observarla desnuda vistiéndose con pieles. Esta perturbadora historia de vouyeurismo desemboca en un torrente de emociones provocada por un episodio infantil que lleva a Severin a confundir el placer con el dolor.
(Massimo Dallamano, 1969)
CRITICAS
En 1969 Massimo Dallamano rodó esta adaptación de la novela de Leopold von Sacher-Masoch, del cual proviene el término «masoquismo». Conocida con diversos títulos, el más popular (y adecuado, ya que es el mismo título que el de la novela en que se basa) es Venus in Furs, lo cual ha provocado que sea en diversas ocasiones confundida con la película de mismo título de Jesús Franco, también conocida como Paroxismus y estrenada el mismo año. Ambas películas, que no tienen nada en común, fueron rodadas originalmente para el mercado alemán. La película de Dallamano El placer de Venus (Le malizie di Venere), a causa de la censura, tardó unos años en estrenarse en su país de origen, Italia, y no circuló internacionalmente hasta principios-mediados de los 70.
Teniendo en cuenta que fue filmada en 1969, resulta una película muy atrevida y adelantada a su tiempo por lo explícito de sus escenas de sexo. Y cuando digo «explícito» no quiero decir que se trate de una película pornográfica, ni mucho menos, simplemente me refiero al hecho de que para lo que se había visto hasta entonces en el cine comercial a finales de los 60, eran escenas muy atrevidas. Sin embargo, en la actualidad resulta interesante no tanto por su contenido (no demasiado) erótico, sino por sus temas y argumento y la estética con la que son tratados.
La película está completamente dominada por la bella Laura Antonelli, que desarrolla un interesante y difícil papel. De dulce enamorada a criatura llena de odio, Antonelli como Wanda nos hipnotiza de la misma manera que a Severin. Esta evolución tiene su origen en el hecho de que Wanda realmente está enamorada de Severin al principio de su relación, e intenta complacer sus deseos cuando lo único que quiere es mantener una relación sentimental más «normal». Las continuas y dementes exigencias de Severin son las que acaban por convertir el amor en odio y la introducción de un tercer elemento bastante perturbador: Bruno (Loren Ewing).
EL PRINCIPE Y LA CORISTA
Género
Comedia. Romance | Comedia romántica
Grupos
Adaptaciones de Terence Rattigan
Sinopsis
En 1911, embajadores de toda Europa acuden a Londres para asistir a la coronación de George V y la reina María. Uno de estos enviados pertenece a la embajada del reino de Carpatia y no es otro que el propio regente del país, el Gran Duque Carlos. En su primera noche en la capital británica, el Gran Duque decide visitar el Coconut, un cabaret en el que actúa como corista la señorita Marina.
(Laurence Olivier, 1957)
CRITICAS
Marilyn Monroe está más natural que nunca. Y tan bella y deseable como siempre, -Niágara, Con faldas y a lo loco, Vidas rebeldes y tantas otras-. Por Dios, qué mujer.
Laurence Olivier, que es un rey de un país imaginario y que vive rodeado de lujos, pero que nunca se ha enamorado, conoce a la cantante corista, Marilyn Monroe, la invita a cenar a su castillo y surge el amor entre ambos. El problema es que él no está muy acostumbrado a expresar sus sentimientos, pues se ha tomado muy en serio lo de dirigir los destinos del mundo, y está demasiado preocupado por si estalla la Revolución, por lo que ella en varios momentos de la película se sientre más atendida por el hijo del rey, un chavalillo de 16 años, que es el regente, y que pronto se convertirá en rey.
Y las 2 horas de la película consisten en ver a Marilyn haciendo gamberradas en el castillo, las cuales atraen la atención primero y más tarde excitan sobremanera a su rígido rey Laurence Olivier, aunque éste tenga que guardar las apariencias durante toda la película antes los centenares de sirvientes.
Pero eso sí, Marilyn llena completamente la película, con sus risitas, sus borracheras, -papel que siempre borda Marilyn el de chica que ahoga sus penas amorosas en alcohol, ver la prodigiosa Con faldas y a lo loco-, sus besazos, sus reverencias, sus contestaciones cuando la habla en idiomas que no conoce, sus conversaciones a solas diciéndose a sí misma -Ten cuidado, no te enamores-, sus despedidas -hasta 4 veces es invitada a abandonar el castillo, con lo cual el cuento de Cenicienta parece terminar-.
Y ¿qué decir del final de la película?: ¿la admitirá el rey finalmente como parte de su vida, o la abandonará tras el tórrido romance?. No soy yo quien se lo cuente, pues la película merece, sin duda, ser vista.
Además la música del violinista detrás de la puerta y la de la Iglesia de Notre Damme en la coronación de otro personaje de la película son también muy bonitas.
Puro humor balcánico, diferente al humor inglés, -así describe ella a su rey ante las amigas-; humor balcánico, que no volcánico, aunque la peli sea un volcán en erupción. Cuanta pasión. Y que bien. Simplemente perfecta.
EL PRISIONERO DE ZENDA
Género
Aventuras | Capa y espada. Siglo XVIII
Grupos
Adaptaciones de Anthony Hope
Sinopsis
En un imaginario país, la víspera de su coronación, Rodolfo V, es secuestrado por su ambicioso hermano que desea arrebatarle el trono. Los súbditos más leales convencen a un turista, que se parece asombrosamente al rey, para que lo suplante por unas horas. Al día siguiente, se prepara una expedición para rescatar al rey, que está encerrado en el Castillo de Zenda. El turista, enamorado de una princesa de la corte, participará activamente en la lucha.
(John Cromwell, 1937)
CRITICAS
Primera recreación cinematográfica sonora (las tres anteriores eran mudas) de la novela romántica escrita por Sir Anthony Hope a finales del siglo XIX, y que ya había sido llevada al teatro con notable éxito, acometida por un reparto galáctico (diríamos hoy) a las órdenes del ya curtido John Cromwell. Espectaculares interpretaciones de C. Aubrey Smith (insuperable, aunque gozaba ya de una buena experiencia teatral en esta misma obra, pues ya había interpretado a todos sus papeles masculinos), Raymond Massey (nadie mejor que él para dar vida al malvado Duque de Strelsau), Douglas Fairbanks Jr. (si Sir Anthony hubiese levantado la cabeza, le habría reconocido inmediatamente como la viva encarnación de Rupert Hentzau), e incluso Mary Astor, quien atesoraba ya una gran trayectoria. El dúo protagonista, sin embargo, se queda corto: Madeleine Carroll da vida, en efecto, a una muñeca rubia y hueca (a veces, incluso tonta), y Ronald Colman tampoco insufla demasiados hálitos de grandeza a su personaje, lo que le convierte en un héroe «light», fácilmente eclipsado por los secundarios (años más tarde, Stewart Granger desharía el entuerto con brillantez). Tampoco puedo alabar a David Niven, demasiado limitado a la pose y la sonrisa fácil.
La iluminación y la fotografía constituyen el segundo pilar de las excelencias de esta obra en B/N, algo por otra parte muy común en la época. Pero necesario para recrear escenas de tensión e intrigas palaciegas en castillos o pabellones de caza. Magnífico diseño de vestuario y puesta en escena (que sería luego reproducida casi al pie de la letra por la versión de 1952). Adaptación bastante fiel, en lo esencial, de la historia de Hope. Romance descafeinado y por momentos excesivamente teatral, sobre todo en las escenas finales. El duelo a espada sería ampliamente superado en la secuela de Richard Thorpe, con Granger y James Mason como antagonistas, demostrando así las limitaciones de Colman y Fairbanks como esgrimistas.
Por lo tanto, contemplar esta gran obra resulta un placer para los sentidos, con las salvedades expuestas. Es inevitable pensar en la versión posterior y compararla con ésta… pero ésa es otra historia.
El proceso paradine
Género
Intriga | Drama judicial / Abogados/as
Sinopsis
La hermosa señora Paradine (Alida Valli) es acusada de haber asesinado a su marido ciego. De su defensa se encarga el abogado Keane (Gregory Peck) que, aunque está casado con una atractiva mujer (Ann Todd), se enamora perdidamente de su cliente y se deja convencer de su inocencia.
(Alfred Hitchcock, 1947)
Premios
1947: Nominada al Oscar: Mejor actriz secundaria (Ethel Barrymore)
«Hichcock ha sacado el máximo partido de un guion difícil y ha conseguido tanta tensión en un juzgado como la mayoría de los directores de un fuerte del Salvaje Oeste»
EL PROXIMO AÑO A LA MISMA HORA
Género
Romance. Drama. Comedia | Drama romántico. Comedia dramática
Sinopsis
Un hombre y una mujer se conocen por casualidad en el comedor de un romántico hotel. Aunque ambos están casados, al día siguiente despiertan perplejos en la misma cama preguntándose qué les ha pasado. Sin embargo, se citan para el año siguiente en el mismo hotel y en la misma fecha. Adaptación cinematográfica de un previo éxito de Broadway
(Robert Mulligan, 1978)
CRITICAS
Robert Mulligan moldeó un derechazo y derribo al corazón, cubriéndolo con la forma de una película pequeña, discreta, de las que no se emiten en la tele los domingos en las horas de mayor audiencia, ni en las sesiones del cine más anunciado de la semana en los canales más vistos.
Es de las que una no ha oído mencionar ni una sola vez, por ningún medio, hasta que un buen día un amigo la recomienda. Se añade a la lista de los visionados pendientes, como otra más, con una ligera curiosidad y calculando para cuándo se le podrá hacer el hueco, después de otras quince que ya estaban anotadas.
Y cuando le toca el turno, se piensa que por qué diablos se ha tardado tanto. Que, de haber sabido que se trataba de un pequeño coloso destinado a tronchar el corazón y cortarlo en tiras, se le habría designado un puesto de honor y no se la habría colocado en el montón.
Y, por otro lado, también aparece la tristeza. Tristeza por habérsela bebido ya como quien se bebe el trago más dulce. Por haber pasado por la primera vez y que esta primera vez no regrese jamás.
Como otras veces con otras vivencias similares, he deseado rebobinar el tiempo para volver a ser virgen ante esta asombrosa película.
Hay veces en que una sola vida no basta para tanto que hay por vivir. Y tampoco basta ser una sola alma en un solo cuerpo. Porque en ciertas ocasiones anhelaríamos más que nada dividirnos en dos partes, y que cada una de las partes formase nuestro todo, dedicadas por separado y a tiempo completo a distintas parcelas que no se pueden conciliar, pero que necesitamos tanto como respirar.
Tener dos vidas en una. Porque con una no estaríamos completos. Porque en la vida secreta, la extraoficial, la inconfesa, recibimos lo que nos falta en la principal. O a lo mejor es mucho más. En la secreta recibimos todo lo que soñábamos sin ser conscientes de que lo soñábamos hasta que apareció en el horizonte nuestro sueño materializado.
Hemos construido con mucho trabajo un edificio sólido que es la base en la que nos sustentamos. Pero en ese edificio, por confortable que sea, siempre hay huecos, zonas vacías. Uno se conforma con esa rutina acogedora y segura. Tal vez no es en el fondo lo que nos llena, pero nos hemos resignado por amor y por costumbre.
EL PUENTE DE WATERLOO
Género
Drama. Romance | Melodrama. Drama romántico. I Guerra Mundial. Ballet. Remake
Sinopsis
En vísperas de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), un oficial británico de buena familia regresa a Londres y evoca sus años de juventud durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Recuerda que se enamoró de una joven bailarina, justo antes de partir hacia el frente. Primera película de Vivien Leigh tras «Lo que el viento se llevó».
(Mervyn LeRoy, 1940)
CRITICAS
Os invito a todos los amantes del cine clásico a ver una historia de amor, dolor y desencanto, que por suerte ha sido editada en DVD hace escasamente poco: «El Puente de Waterloo». ¿Un melodrama romántico? Sí, desde luego, pero una obra sobria y austera que reúne una de las mejores interpretaciones de Robert Taylor y Vivien Leigh.
Si no se ha vivido o no se está viviendo con amor, ese fuego de despropósitos dentro de la racionalidad del mismo propósito, nunca se podría comprender el significado de esta hermosa historia. El amor nos hace gigantes, el amor nos hace mendigos, el amor nos hace ricos, el amor lo es todo y a su vez todo lo quita.
Su desarrollo en un blanco y negro inmaculado hace a esta película dueña absoluta del delirio masoquista del más grande sentimiento del mundo. Muy recomendable.
EL RELOJ
Género
Romance. Drama | Drama romántico
Grupos
Adaptaciones de Paul Gallico
Sinopsis
Una chica conoce a un soldado en la Estación de Pennsylvania en Nueva York. El joven tiene un permiso de 48 horas, tiempo suficiente para enamorar a la muchacha y casarse con ella.
(Vincente Minnelli, 1945)
Premios
1945: National Board of Review: Mejores diez películas
EL REY Y YO
Género
Musical. Romance | Siglo XIX. Remake
Sinopsis
Adaptación de un musical basado en una novela de Margaret Landon. En 1862, Anna Leonowens, una institutriz inglesa, llega al palacio real de Siam para hacerse cargo de la educación de los hijos de un autoritario monarca, quien, cautivado por su gran personalidad, la convierte en su confidente
(Walter Lang, 1956)
Posición en rankings FA
75 Mejores remakes de la historia
76 Mejores películas musicales
Premios
1956: 5 Oscars: Actor (Yul Brynner), bso musical, direcc. artíst., sonido, vestuario color
1956: Globos de Oro: Mejor película y actriz (Kerr) – Comedia o Musical. 4 nom.
EL ROJO Y EL NEGRO
Género
Drama | Siglo XIX
Grupos
Adaptaciones de Stendhal
Sinopsis
Adaptación de la novela homónima de Sthendal. Francia, Siglo XIX. Julian es un tipo sin escrúpulos, capaz de cualquier cosa con tal de ascender en la escala social. Aunque es hijo de un carpintero, en lugar de trabajar como sus hermanos, el se pasa el tiempo leyendo libros
(Claude Autant-Lara, 1954)
CRITICAS
Basada en la novela del mismo título (Le Rouge et le Noir) del escritor Stendhal, publicada en Francia, 1830. Una de las mejores novelas (dividida en dos libros) del siglo XIX, porque su historia es realmente de gran interés y del seguimiento ininterrumpido, dado su protagonista Julien, tan apasionante, atrevido y fervoroso discípulo de la hipocresía que la usa como una táctica con tal de escalar puestos sociales y mejorar desde sus orígenes plebeyos hasta un estatus social de poder y nobleza, ya en el Ejército ya en la Iglesia (de ahí los colores rojo y negro) o si cabe dejando embarazada a la hija de una familia noble; el objetivo y fin es elevarse e irse comiendo la vida a bocados sabrosos, en vez de vivir como un hombre honesto o transparente lo cual por lo general no conlleva más ganancia que ser pisoteado y devorado sin más por la vida.
El guión del filme respeta muchos de los epígrafes de personajes históricos que Stendhal utiliza en su excelente novela al comienzo de sus capítulos. Por ejemplo: «Al hombre se le ha dado la palabra para ocultar sus pensamientos». Sin duda esta novela es sublime y vehemente, y está llena de reflexiones de enorme profundidad. Verbigracia: «Sólo los necios se enfurecen contra los demás.»
El argumento se centra en el joven atractivo y cautivador, Julien Sorel, hijo de un carpintero de pueblo, pero de cuerpo tan bello y lengua tan cameladora que nada más verlo y oírlo las mujeres se quedan extasiadas de amor por él. Narra la aventurera existencia de este vividor, empeñado en trepar lo antes posible en la sociedad, usando para ello su enorme talento, su dominio de las formas, de la seducción, de la hipocresía, del revestirse por fuera según convenga pero guardando ocultas sus verdaderas intenciones y deseos de poder. Julien, que admira al ya caído General Napoleón Bonaparte, considera que todo éxito y conquista relevante en esta vida requiere del combate o la pelea, por eso él se toma su objetivo de ascensión social como un combate vital donde la estrategia (nunca mejor dicho napoleónica) es indispensable. Sin embargo, como muchas veces suele ocurrir, una cosa son los propósitos que nos hacemos y los cálculos que echamos a priori y otra bien distinta los resultados que llegan a producirse, pues la vida conlleva infinidad de imponderables imposibles de prever o poner bajo control, y uno de ellos es el amor, la pasión amorosa y sus efectos secundarios.
Los protagonistas principales de esta entrañable película, Gérard Philipe como Julien Sorel y Danielle Darrieux como Madame de Rênal, son de una línea teatral casi de estilo oriental, pero no por ello menos sugestiva, digna o hermosa. Para mí, aunque puedan aparecer algo acartonados o poco vitalistas en el vitalismo que representan, resultan enamoradizamente emblemáticos, delicadísimos yin y yang en su conmovedor drama romántico.
EL ROLLS ROYCE AMARILLO
Género
Comedia. Drama. Romance | Comedia dramática
Grupos
Adaptaciones de Terence Rattigan
Sinopsis
Ambientada en los años 20. Un lujoso Rolls Royce Phantom II de color amarillo va pasando, a través de los años, por las manos de los más extraños personajes. Así, será testigo de las pintorescas historias de amor que protagonizan sus dueños, todos ellos orgullosos de poseer tan elegante vehículo: un aristócrata inglés engañado por su esposa francesa, un gángster de Chicago que pasa las vacaciones en Italia con su prometida, y una intrépida millonaria americana.
(Anthony Asquith, 1964)
Premios
1965: Globos de Oro: Mejor canción original. Nominada Mejor banda sonora original
1964: Premios BAFTA: Nominada a Mejor fotografía (color) y vestuario
CRITICAS
Es una película dirigida por Anthony Asquith en 1964 con guión y historia de Terence Rattigan. Con más de treinta realizaciones en su haber, Asquith se lanzaría a la que podría ser una de las películas destacadas en su prolífica realización entre las que podríamos destacar Pigmalión (1938), La importancia de llamarse Ernesto (1952) o La millonaria (1960) en un cine que reboza estilo, refinamiento y cierto aire social de altos vuelos sabiamente mezclado con otras tendencias grupales reflejado del modo más ecuánime posible en tres historias empañadas por el engaño, el deseo y la cooperación alrededor de un imponente vehículo que, como los protagonistas, también notaría el paso del tiempo.
El Marqués de Frinton (Rex Harrison) y su amada esposa la Marquesa (Jeanne Moreau) se ponen al frente de un extenso reparto poniendo en juego la fiabilidad emocional de nuestro protagonista junto a la obligada actitud social para simular una situación surgida desde la irracionalidad del engaño más cercano y la apariencia que lo es todo, hasta llegar a lo más profundo de nuestro protagonista entre comportamientos obligados y actitudes esquivas donde un elegante coche se convierte en espectador imparcial de ciertos hechos.
Tres historias alrededor de los diferentes propietarios que han poseído este lujoso y singular Rolls-Royce Amarillo. Un rico que apuesta en los caballos, Un Mafioso que recorre Italia con su novia y Un valiente mujer. Tres historias curiosas, se les podía sacar más garra y mejores situaciones pero el resultado se agradece.
Mae Jenkins (Shirley MacLaine) satisfecha con los caprichos que su ‘fidanzato’ Paolo Maltese (George C. Scott) le colma, no puede sentirse más alagada después de recibir el regalo del imponente vehículo que, aunque usado, no pierde su esplendor encajando con el paisaje italiano escenario de un capricho amoroso donde el joven fotógrafo Stefano (Alain Delon) se interpone en su camino, jugando a la conquista amorosa de quien susurra ‘sottovoce’ o se declara desde el indisimulado deseo frente a unos resultados que les hace volver a la realidad vigilada por Joey Friedlander (Art Carney).
Gerda Millett (Ingrid Bergman) asume la elegancia, la calma y la actitud correcta de quien vive en un ambiente económicamente estable y altamente educado, aunque la situación en la que se encuentra no le da otra opción que marchar de un lugar donde el peligro acecha sin remisión, acudiendo como medio de transporte a un coche que vio mejores tiempos en su carcasa pero útil hasta la extenuación para salir del peligroso infierno en el que se encuentra en un viaje en el que experimenta la bondad, el amor y la cooperación junto al enigmático Davich (Omar Sharif).
La película perfectamente hilvanada entre historias nos presenta en todo momento la problemática social entre entendimiento y reacción representada en diferentes niveles sociales por el nexo común del Phantom II que, aunque silencioso en reposo, no duda en rugir cuando se le utiliza frente a la egregia actitud de los Frinton, el garbo de Mae y Paolo, o la calmada actitud de Gerda.
Toda una película entretenida que no todo el mundo tiene el placer de verla. No sé si la recomendaría, pero si os gusta el cine antiguo sí que os la recomiendo.
EL SABOR DEL TE VERDE CON ARROZ
Género
Drama. Romance
Sinopsis
Takeo, una mujer caprichosa de la alta sociedad de Tokio, se aburre con su marido, un hombre tranquilo, que se ha educado en el campo, aunque ahora es ejecutivo de una empresa
(Yasujirō Ozu, 1952)
CRITICAS
Esta película no es de las más demostrativas de Ozu: como un koan, mantiene su secreto a costa del riesgo de resultar trivial para un espectador apresurado.
Pero las imágenes destacan por encima de la levedad de la anécdota que van mostrando: podemos descubrir paralelismos insospechados con obras de autores que nunca coincidieron con Ozu y que, por otra parte, no tienen nada que ver: la belleza de algunas de sus composiciones abstractas (torres metálicas, pasillos con estantes, calles con postes y cables de la luz, la ladera de una montaña y unas banderas superpuestas, la copa de un árbol que llena el encuadre) recuerda las imágenes de fotógrafos posteriores, como Robert Adams; los retratos de personajes solitarios pueden traernos ecos de algunos cuadros de Hopper y la presencia misteriosa de los objetos (lámparas, cubos alineados en un pasillo, jarros y cuencos) evoca quizá a Morandi. Muchas de estas imágenes podrían sostenerse como fotografías en una exposición, desgajadas de su contexto narrativo.
El salto de eje puede quizá concebirse como una filosofía vital: ser capaz de mirar las cosas desde puntos de vista enfrentados, sin temor al principio de contradicción. Y ello no con una voluntad direccional y hegeliana, ya que aquí la única conclusión es el sentimiento, tan oriental, de la futilidad de todos los deseos, de todos los pesares. Como dice un personaje, vistos en la calle desde lo alto de un edificio, todos los humanos nos parecemos.
La película supone una dramatización, dentro de unos márgenes de enorme discreción, de lo cotidiano: historias mínimas, pequeños detalles como el sabor (que viene desde la infancia, como en Proust) del arroz con té verde, que al final son lo único que tenemos.
EL SANTO – EDICION METALICA 4K UHD
Género
Thriller. Acción. Aventuras. Romance
Grupos
El Santo (Simon Templar)
Sinopsis
Simon se educó en un durísimo orfanato y allí tuvo que aprender muchos trucos. Años después, era el más famoso ladrón del mundo, a punto de completar cincuenta millones de dólares en su cuenta. Los mismos empresarios rusos a los que robó un valioso microchip, le contratan para una difícil misión: arrebatar a una bella científica el secreto de la fusión nuclear.
(Phillip Noyce, 1997)
CRITICAS
Nuestro protagonista se ha de ganar a la química Dra. Emma Russell (Elisabeth Shue), descubridora auténtica de la fusión fría y que posee en su poder sin saberlo un arma que cambiará el destino económico oligárquico de Rusia y del mismo santo que es un ladrón y espía profesional. Los nombres de los santos por parte de este camaleónico espía a sueldo son el seudónimo para esconderse del mundo policial. Los escenarios europeos ayudan a europeizar una película que empieza en Moscú y termina en Oxford, con un contexto mafioso justito y peligroso aunque rozando lo pandillero para los más exigentes, que, sin embargo, mantiene la tensión al espectador. Quizá la parte de las cloacas sea la parte malavenida del film por la longitud de su trama y la escasa credibilidad de la rápida recuperación en la congelación de Simon (el Mago) en Moscu, como se hace llamar el santo ante Russell.
Lo mejor, la acción, calibrada pero entretenida, y sobre todo, la seguridad que sabe recrear Val Kilmer en sus falsos personajes con dosis de convicción y estrategia desde Martín de Porres hasta el bohemio francés que posa dibujante ante la estatua que fascina diariamente a la Dra. Russell en la universidad donde trabaja. Una cómica escena, sin duda, es el afeminamiento del sobornante alemán en el aeropuerto que quiere atrapar más millones de dolares de los que ya tiene en su haber a través del multimillonario sin escrúpulos, Ivan Tretiak, malote de la peli. Los otros falsos personajes llegan a caer simpáticos, la verdad.
EL SEMENTAL / THE STUD – The bitch / El placer (1979) – IMPORTACION
- EL SEMENTAL
Compañías
Brent Walker Film Productions, Artoc Corporate Services, Stud Film Productions
Género
Drama. Romance
Sinopsis
Tony Blake, un joven guapo y sensual, sueña con conseguir su propia discoteca en la zona más elegante de Londres. Entonces conoce a una bella mujer, que le propone que dirija su propio club, a cambio de que él se convierta en su amante. Sin embargo, el persiste en su idea de regentar su negocio
- The bitch (1979)
Género
Drama. Romance
Sinopsis
Fontaine Khaled es una hermosa divorciada interesada únicamente en la buena vida. Nico es un elegante italiano que viaja a Londres con la intención de vender una joya robada. En el aeropuerto ve a Fontaine y decide utilizarla para pasar la mercancía ganándose su confianza
A raíz del éxito de la serie “Emmanuelle” se inició en Europa una especie de subgénero erótico, al que los críticos dieron en llamar “softcore”, y que el que suscribe tradujo sandungueramente en su momento como “blandipornos”, películas en las que los actores simulaban actos sexuales explícitos, aunque después todo fuera puro fingimiento.
En esa línea, las hermanas Collins, columbraron en 1978 llevar a la pantalla las novelas de una de ellas, Jackie, afamada escritora de “best-sellers”, tan picantes como nulos literariamente hablando, protagonizándolas la otra hermana, Joan, famosa por sus escándalos en Hollywood, y también por conservarse como una rosa; ya se sabe que el bisturí hace milagros…
“El semental” fue la primera de las películas de esta operación. Tuvo tanto éxito que poco después le siguió otro filme de semejantes características, “El placer”. Un gigoló de excelentes cualidades anatómicas conoce a una hermosa y adinerada mujer, dueña de una discoteca. Ambos acuerdan compartir el ocio y el negocio. El joven dirigirá la discoteca y atenderá también a la dama en las superficies horizontales. Hay escenas de alto voltaje erótico, pero siempre sin llegar al porno. En ese sentido, está filmada con cierto tono, pero no es más que un lujurioso pasatiempo.
El alma del filme es la propia Joan Collins. Todo gira en torno suyo, y la película está ideada para realzar sus indudables encantos, por mucho que, a fuerza de “liftings”, el ombligo de la señora esté en paradero desconocido. El semental en cuestión es un pura raza, todo cachas, y hace honor al título español.
EL SEÑOR DE LA GUERRA
Género
Aventuras | Edad Media. Siglo XI
Sinopsis
Edad Media, Brabante, siglo XI. Un caballero normando (Heston) se convierte en señor feudal de unas tierras extrañas habitadas por hombres semisalvajes. Se enamora perdidamente de Bronwyn (Forsyth), una misteriosa doncella por la que acaba perdiendo el poder y el honor.
(Franklin J. Schaffner, 1965)
Críticas
Una magnífica historia de venganza, rencillas familiares y contiendas medievales, me encontré con un inesperado romance. Una cálida e intimista historia de amor repleta de matices mitológicos y trovadorescos. Indudablemente, algún dato importante se me había pasado por alto.
”The lovers”, claro. El título de la novela de Leslie Stevens -cuya adaptación cinematográfica había trasladado Schaffner a la gran pantalla-
Una de los mejores dramas amorosos medievales que nunca se hayan realizado, basado en la novela «The Lovers» de Leslie Stevens. En ese pantanoso lugar donde el paganismo y cristianismo se superponen tiene lugar una de las historias de amor más profundas y sinceras que yo jamás haya visto.
Destacar también algunas secuencias de lucha donde podemos ver la mayoría de técnicas de asalto a fortificaciones en la Edad Media. La película tiene una música excelente (Jerome Moross el de «Horizontes de grandeza»), una fotografía portentosa de Russel Metty y unas interpretaciones sin parangón, como la de Heston en uno de sus mejores papeles y un Richard Boone impagable como ayudante.
Rosemary Forsyth alcanza una belleza muy pocas veces conseguida por ninguna fémina en la larga historia del cine. Si además tenemos una dirección modélica como la de Schaffner el resultado es extraordinario. Todo ello sustenta un guión más bien flojo y tendente a la acción que gracias a los elementos que señalaba anteriormente consigue virar más a lo melodramático auténtica fuerza del film.
Un clásico un tanto olvidado de uno de los directores aún más olvidados y que sin embargo es a mi juicio uno de los más grandes del cine norteamericano de todos los tiempos.
Una pequeña joya semidesconocida por muchos pero de obligada referencia en la filmografía de un director como Schaffner que ya demostraba que podría convertirse en uno de los mejores de su generación.