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Social / político
El cine y las series sociales y políticas exploran temas de justicia, poder y desigualdad, abordando realidades sociales y conflictos políticos. Son ideales para coleccionistas que buscan obras que inspiran reflexión y análisis crítico sobre la sociedad y la política.
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¿A QUIEN AMA GILBERT GRAPE?
El precio original era: 33,82 €.32,61 €El precio actual es: 32,61 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Discapacidad. Familia. Vida rural (Norteamérica). Cine independiente USA
Sinopsis
En Endora, un pequeño pueblo del Medio Oeste americano, vive Gilbert Grape (Johnny Depp), un joven empleado de una tienda de ultramarinos que vive abrumado por sus responsabilidades familiares: tiene que cuidar de una madre inmensamente obesa y de un hermano con discapacidad mental (DiCaprio). Tiene una aventura con una mujer casada (Mary Steenburgen), pero su vida emocional y personal cambiará por completo gracias a la aparición de Becky (Juliette Lewis), una chica divertida y de espíritu libre.
(Lasse Hallström, 1993)
CRITICAS
Ni es una fábula ni es fría, es un estupendo drama atípico por ser de lo más verosímil. Refleja a la perfección el cansancio de los tres miembros sanos de una familia que se han de hacer cargo durante las veinticuatro horas del día de un hermano retrasado cuya máxima obsesión es escalar hasta lo más alto del peligroso depósito de agua y de una madre aquejada de una fuerte depresión que la ha llevado a postrare en el sofá y engordar hasta el límite.
Esta situación es aún más difícil de llevar si se vive en uno de esos puebluchos aficionados al cotilleo y si el pasado y el presente familiar dan de qué hablar.
Cualquier persona con un mínimo de sensibilidad y sobriedad será capaz de apreciar el exitoso esfuerzo de esta historia por comprender las dificultades que han de afrontar tantas y tantas familias con miembros enfermos, entre las cuales se encuentra la mía.
DiCaprio está que se sale. Es uno de mis actores jóvenes favoritos, quizás el que más talento tiene. No se merece el desprecio de los que sólo le conocen de «Titanic», y así lo atestiguan sus inmensos trabajos en «Vida de este chico», «¿A quién ama Gilbert Grape?», «Diario de un rebelde», «La habitación de Marvin», «Romeo y Julieta», «Vidas al límite», «Gangs of New York», «Atrápame si puedes», «El aviador», «Nunca Digas lo que piensas» y, según me cuentan, en «Infiltrados». Incluso en sus peores películas me parece que está decente.
¿ARDE PARIS?
El precio original era: 19,35 €.18,14 €El precio actual es: 18,14 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Bélico | II Guerra Mundial. Nazismo
Sinopsis
En agosto de 1944, las tropas americanas están a punto de liberar París. Mientras tanto, Hitler ha ordenado a uno de sus generales que mantenga el control sobre la ciudad o que la destruya. Fresco histórico sobre la liberación de París por las fuerzas aliadas. Impresionante reparto con guión de Coppola y Gore Vidal.
(René Clément, 1966)
Posición en rankings FA
121 Mejores películas de guerra/cine bélico
Premios
1966: 2 nominaciones al Oscar: Mejor fotografía B&N, dirección artística B&N
1966: Globos de Oro: Nominada Mejor banda sonora original
CRITICAS
Realizada por René Clément, se basa en la obra «Is Paris Burning?», de Larry Collins y Dominique Lapierre, adaptada por los guionistas Gore Vidal y Francis Ford Coppola. Se rodó en exteriores e interiores de Paris y en plató, con un elevado presupuesto. Obtuvo dos nominaciones a los Oscar (decorados b/n y fotografía) y una a los Globo de oro (música original). Producida por Paul Gratz, se estrenó el 26-X-1966 (Francia).
La acción tiene lugar en Paris y alrededores, con un breve prólogo en el cuartel general de Hitler en Alemania. Cronologicamente abarca del 7 al 24 de agosto de 1944 (18 días). Narra el levantamiento de Paris contra la ocupación nazi, liderado por la Resistencia, 2 meses después del desembarco aliado en Normandía. La acción se hilvana a través de la figura del general alemán Dietrich von Choltitz (Gert Fröbe, «Goldfinger», 1964).
La película muestra la crueldad y el caracter devastador de la guerra. El arco dramático viene dado por el nombramiento de Choltitz, las instrucciones directas de Hitler de derruir e incendiar Paris antes de rendirlo a los aliados, la decisión de Patton de aplazar la liberación de Paris, la impaciencia de la Resistencia parisina, las dudas de Choltitz y las noticias sobre la reciente destrucción de Varsovia. Se diferencia el comportamiento del mando militar alemán y el salvajismo de la Gestapo. Se expican las pugnas internas de la Resistencia. Se muestran las diferencias entre los mandos aliados, derivadas del propósito de Patton de aplazar la liberación de Paris para acelerar la marcha sobre el Rhin y provocar el final de la guerra. Son escenas memorables la del inhumano embarque en tren con destino a Alemania de más de 2 mil partisanos, la alineación en paralelo al convoy de soldados alemanes, la petición de Himmler del «tapiz de Bayeux» (s XI) para regalarlo a Hitler, la trampa mortal que la Gestapo tiende a un grupo de estudiantes, la toma de la Jefatura de la Policía, la del Hotel Matignon, las conversaciones de Choltitz con el cónsul sueco Raoul Nordling (Orson Welles) y otras.
La música, de Maurice Jarre, incluye un vals como tema principal, de tono épico. Acompaña la Resistencia con melodías marciales, los nazis con tonos patéticos y la Liberación con aires poéticos y triunfales. El tema central fue recogido en la canción «Paris en colère». Interpretada por Mireille Mathieu, obtuvo gran éxito. La fotografía, en b/n, construye una narración de estilo documental, con inclusión de filmaciones de época, encuadres magistrales y movimientos de cámara espectaculares. La última secuencia es en color. El guión combina el intimismo de las personas, emotivos movimientos populares, el realismo de la guerra y humor (boda interrumpida). La interpretación corre a cargo de un elenco amplio de actrores. Destacan Orson Welles, Gert Fröbe, Belmondo, Leslie Caron y otros. La dirección suma técnicas de cine americano («El día más largo», 1962) con una aguda sensibilidad europea.
¿Por qué se asesina a un magistrado?/ HOW TO KILL A JUDGE
El precio original era: 31,40 €.30,19 €El precio actual es: 30,19 €. *IVA IncluidoCapital, Rizzoli Film
Género
Drama | Crimen. Mafia. Poliziesco Colección Blu ray Películas y cine para coleccionistas
Cómo matar a un juez CON FRANCO NERO
También conocida como El asesinato de un magistrado y ¿Por qué se mata a un magistrado?
Es una película italiana de suspenso y crimen de 1974 dirigida por Damiano Damiani . Es el capítulo final de la trilogía de Damiani sobre la mafia, después de El día del búho y Confesiones de un capitán de policía .
A partir de la información que le proporciona un comisario de policía, un periódico de sucesos y un constructor mafioso, el joven director de cine Giacomo Solaris rueda el film «Inchiesta sul Palazzo di Giustizia». Es un fiel reflejo de la personalidad y la corrupción de un alto magistrado, que poco después muere asesinado.
Giacomo Solaris es un cineasta cuyo último largometraje es un thriller policial sobre un juez que se hace demasiado amigo de la mafia y es asesinado. Un magistrado siciliano resentido ordena que se incaute la película, pero el juez acaba muerto, de forma similar a la de la película de Solaris. Solaris se da cuenta de que fuerzas políticas corruptas están moviendo sus hilos e intentando encubrir los asesinatos de sus amigos, que empiezan a morir de forma espantosa. ¿Conseguirá saber a tiempo la verdad sobre el asesinato del juez?
(Damiano Damiani, 1975)
12 años de esclavitud
El precio original era: 36,29 €.35,08 €El precio actual es: 35,08 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Basado en hechos reales. Biográfico. Esclavitud. Racismo. Siglo XIX. Histórico
Sinopsis
Basada en un hecho real ocurrido en 1850, narra la historia de Solomon Northup, un culto músico negro que vivía con su familia en Nueva York. Tras tomar una copa con dos hombres, Solomon descubre que ha sido drogado y secuestrado para ser vendido como esclavo en una plantación de Louisiana. Solomon contempla cómo todos a su alrededor sucumben a la violencia y a la desesperación. Pero él decide no rendirse y esperar a que llegue el momento oportuno para recuperar la libertad y volver con su familia
(Steve McQueen, 2013 )
CRITICAS
Se suponía que los derechos humanos eran independientes de todos los gobiernos; pero sucedió que en el momento en el que los seres humanos carecieron de un gobierno propio y tuvieron que recurrir a sus derechos [humanos], ninguna autoridad quedó para protegerlos y ninguna institución quiso garantizarlos”, Los orígenes del totalitarismo, Hannah Arendt
Si existe la justicia cinematográfica (algo que no tengo muy claro) Steve McQueen se llevará el Oscar al mejor director y a la mejor película, Hans Zimmer a la mejor banda sonora y Chiwetel Ejiofor y Michael Fassbender al mejor actor principal y al mejor actor de reparto, respectivamente.
Antepongo a mi fervor, adoración, pasión, por Fassbender, el reconocimiento que se merece el director porque esta película tiene el sello de calidad que, con apenas tres largometrajes, ha sabido convertir en marca de la casa: elegancia, sentimiento, imágenes de una belleza apabullante y el abordamiento de conflictos sin restarnos a los espectadores ni un ápice de crudeza pero siempre intentando mostrarnos las dos caras del ser humano. ¡MacQueen enamora con su talento!
Y es que el planteamiento que hace en “12 años de esclavitud”, basada en un hecho real ocurrido en 1850, consigue que el horror que nos relata nos afecte de lleno puesto que se basa en el secuestro y sometimiento de un hombre, sí de color, pero un hombre libre. Si todos los hombres somos iguales, si no se respetan los derechos humanos, si somos ciudadanos de segunda, si solo una ley establece la frontera entre el libre y el esclavo (como argumenta Brad Pitt, en un papel pequeño pero logrado, frente al iracundo dueño de la plantación, negrero de pro, interpretado por Fassbender), ¿quién nos dice que mañana no llegará alguien que cambiará la ley intercambiando con ello la condición de unos y otros?
Quiero DESTACAR de esta obra de arte LA UTILIZACIÓN DEL SONIDO algo que me fascinó: para diferenciar el mundo que los esclavistas consideran justo y legítimo del horror de la realidad, a la lectura de los pasajes bíblicos recitados por los dueños de las plantaciones,para llevar la palabra del señor a “esas bestias negras”, le acompañan los latigazos propinados a quienes no cumplen los estándares de recolección de algodón, o el llanto de las madres a quienes han separado brutalmente de sus hijos y a quienes las “amas” blancas animan diciendo “no te preocupes, pronto los olvidarás”. ¡Es impresionante!
Mostrándonos las debilidades, miedos e inseguridades de los personajes, consigue que, en ciertos momentos, entendamos su comportamiento aunque no lo compartamos, algo muy difícil de lograr cuando estamos hablando de personas capaces de matar a otros sin pestañear.
12 hombres sin piedad – Edicion criterion 4K UHD
El precio original era: 65,28 €.64,07 €El precio actual es: 64,07 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga. Drama | Drama judicial / Abogados/as. Escenario único. Película de culto
Grupos
Doce hombres sin piedad
Sinopsis
Los doce miembros de un jurado deben juzgar a un adolescente acusado de haber matado a su padre. Todos menos uno están convencidos de la culpabilidad del acusado. El que disiente intenta con sus razonamientos introducir en el debate una duda razonable que haga recapacitar a sus compañeros para que cambien el sentido de su voto
(Sidney Lumet, 1957)
CRITICAS
Intenso drama judicial acerca de la deliberación de un jurado de «doce hombres justos», en el caso de un joven de baja extracción social, acusado de parricidio, y de la duda razonable que un honesto miembro del jurado se plantea ante el cúmulo de pruebas y hechos incriminatorios aportados por el fiscal.
Henry Fonda, en una de las mejores interpretaciones de su carrera, interpreta al sereno e íntegro jurado nº 8, que acometerá, cual heroico y moderno Don Quijote, la difícil misión de razonar con los once miembros restantes del jurado, el deber y la responsabilidad de actuar con honestidad, revisando bajo otra óptica, todas y cada una de las pruebas y testimonios, con objeto de convencerles de que existe una duda razonable, y que éste es suficiente motivo para cambiar sus iniciales y precipitados veredictos.
Excelente película realizada por Sidney Lumet, gracias (eso hay que decirlo) sobre todo a Reginald Rose, responsable de esta obra tan completa, que originalmente fue creada para la TV en 1954, y que debido al éxito obtenido (consiguió un Emmy), Sidney Lumet la llevó al cine consiguiendo con su opera prima, el respeto y la admiración de todos aquellos que no lo conocían.
Es bien cierto, que cuenta con la colaboración de unos actores ya consagrados y la mayoría de ellos con un currículo estimable, pero eso también es obra del director. Asimismo conseguir que la película no decaiga en interés en ningún momento, filmada prácticamente en interiores, entre cuatro paredes, con un ventilador que no funciona, las ventanas que prácticamente no se abren, etc., pero con unos primeros planos de los actores estupendos, matizando sus facciones, sus gestos, todos los matices, una filmación excelente.
El film, que supone la opera prima de Sidney Lumet, no se molesta en ocultar los orígenes teatrales de la obra, aprovechando el espacio cerrado de la sala de deliberaciones, para incrementar su sudorosa y claustrofóbica intensidad.
Los doce intérpretes dan lo mejor de sí mismos en esta obra de soberbias caracterizaciones, destacando entre todas la ya comentada de Fonda, la de Lee J. Cobb, como el beligerante, amargado y feroz jurado nº 3, la de Martin Balsam en el papel del pusilánime presidente del jurado, E.G.Marshall, como el frío y analítico jurado nº 4, Ed Begley, como el intolerante jurado nº 10, Joseph Sweeney como el anciano y perspicaz jurado nº 9 y Jack Warden, como el superficial y agresivo jurado nº 7.
Todos están magistrales en sus anónimos papeles, en este enfrentamiento por conseguir un veredicto de unanimidad, en una obra, donde lo que en realidad se juzga es la intolerancia, los prejuicios étnicos, generacionales y los de clase social, oponiendo a estas lacras, la sencillez y majestad de la razón, expresada a través de la serenidad del diálogo y la palabra.
187, más mentes peligrosas
El precio original era: 27,23 €.26,02 €El precio actual es: 26,02 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Colegios & Universidad. Enseñanza. Bandas/pandillas callejeras
Sinopsis
Trevor Garfield es un profesor que se vuelca en cada uno de sus alumnos, porque es consciente de que graduarse es la única oportunidad que tienen de salir de los barrios marginales. Después de numerosos enfrentamientos, uno de sus alumnos lo acuchilla. Un año después, completamente recuperado vuelve a la enseñanza en un instituto nuevo. Tampoco allí el ambiente es muy alentador, pero en esta ocasión no está dispuesto a desempeñar el papel de víctima.
(Kevin Reynolds 1997)
187, más mentes peligrosas
El precio original era: 30,19 €.28,98 €El precio actual es: 28,98 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Colegios & Universidad. Enseñanza. Bandas/pandillas callejeras
Sinopsis
Trevor Garfield es un profesor que se vuelca en cada uno de sus alumnos, porque es consciente de que graduarse es la única oportunidad que tienen de salir de los barrios marginales. Después de numerosos enfrentamientos, uno de sus alumnos lo acuchilla. Un año después, completamente recuperado vuelve a la enseñanza en un instituto nuevo. Tampoco allí el ambiente es muy alentador, pero en esta ocasión no está dispuesto a desempeñar el papel de víctima.
(Kevin Reynolds 1997)
CRITICAS
Grandiosa interpretación de Samuel L. Jackson. Una película que trata de demostrar como los profesores realmente necesitan tratamiento psicológico porque enfrentarse a una clase no debe ser nada fácil. Se muestra una juventud maliciosa y se demuestra como en América todo el mundo tiene un arma; se reivindican los problemas que vienen dándose en aquel país desde la década de los 90. País al que nunca iría a vivir, no por la calidad de vida sino por los valores que existen allí y se exportan al resto del mundo (algunos buenos y otros mu malos).
1917 – EDICION 4K UHD
El precio original era: 37,50 €.36,29 €El precio actual es: 36,29 €. *IVA IncluidoGénero
Bélico. Drama | I Guerra Mundial
Sinopsis
En lo más crudo de la Primera Guerra Mundial, dos jóvenes soldados británicos, Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman) reciben una misión aparentemente imposible. En una carrera contrarreloj, deberán atravesar el territorio enemigo para entregar un mensaje que evitará un mortífero ataque contra cientos de soldados, entre ellos el propio hermano de Blake.
(Sam Mendes, 2019)
CRITICAS
Pensaba que Sam Mendes era un director muy sobrevalorado hasta que he saboreado esta película rodada en plano secuencia entera. Vale, hay truco con algún fundido a negro, pero da igual. Aunque en pleno siglo XXI es posible hacerlo todo en el cine, y esto tiene menos mérito que cuando Hitchcock hizo su soga con James Stewart, ello no quita que como cinéfilo, disfrute extraordinariamente de esta técnica cinematográfica.
Gracias a esta forma de rodar, estamos hombro con hombro con estos soldados en su épica peregrinación bélica. Lo único que tienen que hacer es ir del punto A al punto B, pero por el camino pasa de todo. Y Mendes lo hace tan bien, que nos mete en la película como pocos son capaces de hacer.
Además, la intensidad de la historia es fuerte. El género bélico permite disfrutar del cine de forma proporcional a lo mal que lo pasan los personajes. En este sentido, “1917” puede codearse perfectamente con el soldado Ryan y otros grandes clásicos como “Apocalypse now”. Puede que las secuencias de guerra pura no sean las más espectaculares de la historia, pero el conjunto, que no deja de lado tampoco el estilo particular de Sam Mendes, es francamente satisfactorio.
El cineasta tiene tiempo de contarnos una aventura que puede gustar a espectadores casuales, pero también de explayarse en una fotografía impecable, que es pura poesía visual. Curiosamente los momentos de mayor impacto en esta línea, son los más tranquilos y silenciosos. Aunque también hay otros dignos de estudiarse en escuela de cine, como por ejemplo la escena nocturna iluminada con bengalas.
El otro gran pilar de esta maravilla lo forman sus actores, especialmente el protagonista, el casi desconocido George MacKay, que claramente va a dejar de serlo para labrarse un gran futuro, si no tiene muy mala suerte. Su interpretación es descomunal, y a la altura de las circunstancias de tener una cámara que prácticamente no deja de seguirle en todo el metraje.
Quizás peca Mendes en algunos tiempos muertos, donde se le va la mano con los silencios y a veces se llega a romper totalmente la tensión, como por ejemplo con esa canción religiosa o en algún otro cierto momento más. Tampoco me ha parecido gran cosa la banda sonora original. Pero eso son fallos muy menores dentro de una película excelente.
55 DIAS EN PEKIN
El precio original era: 18,45 €.17,24 €El precio actual es: 17,24 €. *IVA IncluidoGénero
Aventuras | Colonialismo. Años 1900 (circa)
Sinopsis
China, año 1900. Las embajadas extranjeras en Pekín deben hacer frente a la sangrienta revuelta nacionalista desencadenada por los boxers, que se dedican a asesinar cristianos. Dentro de un recinto amurallado, el embajador inglés se une a los miembros de otras delegaciones en un desesperado intento por resistir el asedio
(Nicholas Ray, 1963)
Premios
1963: 2 nominaciones al Oscar: Mejor banda sonora, canción
Críticas
«Magnífica aventura dirigida por un Ray que día a día iba cambiando el guión, lo que, paradójicamente, no alteró el resultado final de la historia. Un clásico del cine de aventuras»
Estamos ante un verdadero portento de película, un de los últimos trabajos de Nicholas Ray en una de las mejores superproducciones de la historia del cine.
90 MINUTOS – ED. COLECCIONISTA NUMERADA Y LIMITADA
El precio original era: 46,28 €.45,07 €El precio actual es: 45,07 €. *IVA IncluidoGénero
Acción. Thriller. Drama | Bandas/pandillas callejeras
Sinopsis
Después de décadas de abandono, Castle Heights Hospital, este símbolo del pasado segregado de la ciudad, ha sido cargado de dinamita y está listo para ser demolido. Nadie sabe que el líder de una pandilla, ahora en prisión, escondió los 3 millones de dólares en efectivo que robó a sus rivales dentro del edificio abandonado. Ahora, tres partes desesperadas quieren el dinero: un ex combatiente de MMA (Adkins) que lo encuentra mientras trabaja como parte del equipo de demolición, un guardia de la prisión (Lundgren) dispuesto a hacer cualquier cosa para pagar el tratamiento contra el cáncer de su hija y una despiadado pandilla que afirman ser los legítimos dueños. Se establecen los cargos de demolición, todos se retiran y el castillo está listo para caer en 90 minutos. El reloj está corriendo. ¿Quién encontrará el dinero en efectivo y saldrá vivo?
A AÑOS LUZ
El precio original era: 42,34 €.41,13 €El precio actual es: 41,13 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Fantástico | Amistad. Vida rural
Sinopsis
En el futuro año 2000, Jonas (Mick Ford), un inteligente joven errante, conoce a Yoshka (Trevor Howard), un excéntrico anciano. Cuando intiman, éste le cuenta que, inspirándose en el vuelo natural de los pájaros, ha creado en su garaje una máquina que permitirá volar al hombre
(Alain Tanner, 1981)
CRITICAS
El director suizo Alain Tanner dicta en ‘A años luz’ un relato de contenida emotividad, a partir de una novela de Daniel Odier.
Contando con la participación de un fuera de serie como Trevor Howard, Tanner indaga en las inquietudes del ser humano, en los anhelos, en los sueños, como motivaciones consustanciales al hecho de vivir.
Mick Ford se distingue aquí como el joven aprendiz que entra a formar parte de un mundo de una acentuada mística, allí donde el lirismo del lenguaje cinematográfico alcanza su máxima expresión. Howard acoge a Ford en su antiguo garaje a modo de discípulo, como testigo presencial de un hito: el vuelo del hombre, como metáfora de la huida de los convencionalismos.
Nos encontramos ante la transcripción de la fantasía en el individuo con el utópico cuestionamiento de las normas gravitatorias; sin ningún tipo de envoltorio, Tanner ofrece una visión descarnada de la facción pesimista de la realidad, aquella que habla de la imposibilidad de materializar los sueños. Y es que el personaje de Howard trasciende del código cinematográfico para ejercer su influencia en lo cotidiano, como compendio de aquello que, quizá de manera infructuosa, ambiciona el ser humano.
Interesante drama con toques fantásticos del suizo Alain Tanner, quien se vale en esta ocasión de un siempre magnífico Trevor Howard.
“A años luz” es todo un compendio de simbología que, adaptada al lenguaje cinematográfico, es expresada con gran lirismo y habilidad. Es la historia de un joven y un viejo, del discípulo y del maestro, y es por tanto un verdadero viaje de iniciación a los misterios de la condición humana. Su leit motiv es la huida de los convencionalismos.
A COMPLETE UNKNOW
El precio original era: 31,40 €.30,19 €El precio actual es: 30,19 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Biográfico. Música. Años 60
Sinopsis
Ambientada en la influyente escena musical de Nueva York de principios de los años 60, ‘A Complete Unknown’ cuenta la historia del meteórico ascenso del músico de Minnesota Bob Dylan, un cantante de folk de 19 años, hasta las salas de conciertos y lo más alto de las listas de éxitos. Las canciones y la mística de Dylan, de nombre Robert Allen Zimmerman, se convirtieron en un fenómeno mundial que culminó en 1965 con su transgresora actuación de rock eléctrico en el Newport Folk Festival
(James Mangold, 2024)
CRITICAS
Deslumbrante espectáculo audiovisual en el que todo está perfecto, nada resulta impostado ni efectista y funciona como una historia bajo la que encontraremos multitud de posicionamientos interesantes ante el arte, la vida y las relaciones personales. Una película memorable sin ningún punto débil a reseñar.
La historia está organizada con dos arcos narrativos con mucha fuerza. Cómo consigue un tipo llegar a lo más alto sólo con su guitarra y su armónica para después, desde lo más alto, tratar de continuar siendo el que es sin evitar romper patrones y continuar contribuyendo a lo que le hizo llegar: Honestidad y fidelidad hacia sí mismo.
Para los amantes de la música y los propios fans de Dylan, la cinta cuenta con una selección de veintitrés temas musicales (no uno ni dos) recreados para la película e interpretados por los propios actores. Esto hace que el espectador disfrute de la película como de un musical, repleta de temas memorables que garantizan de por sí el disfrute completo. Queremos más.
Chamelet brilla con una maestría que todavía nos resulta precoz. Nos olvidamos del confuso adolescente Elio o del Kwisatz Haderach y la casa Atreides. Nos olvidamos del propio Chamelet porque tenemos la sensación de estar presenciando al joven Bob, al que da vida en cada secuencia en todos los aspectos, en su expresión corporal, en su relación con la guitarra y el micrófono, en su voz al cantar o en el tono con el que habla a las mujeres. De Óscar.
En el resto del reparto encontramos viejos conocidos como Norton y otras novedades que están a al altura de Chamelet. En cuanto a recreación, sólo por el trabajo de ambientación y producción musical, la película se gana al espectador por goleada.
Pero vayamos a lo importante. Bob se encontró con el folk porque cuando escuchaba la radio de pequeño era el género que más le trasmitía, las letras tenían un contenido más alto y la música trataba al espíritu con un poder de mayor envergadura. Pero el propio Bob no se encadenó al folk como si fuera un talismán, su espíritu estaba dispuesto a hablar en todos los lenguajes contemporáneos de la música popular. Esto en sí mismo es más de media película.
A DOG CALLED VENGEANCE – El perro
El precio original era: 39,33 €.38,12 €El precio actual es: 38,12 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga | Animales. Perros/Lobos
Grupos
Adaptaciones de Alberto Vázquez-Figueroa
Sinopsis
En un país latinoamericano con una estricta dictadura Arístides, un preso político, logra escapar de la cárcel junto a otro fugitivo, y ambos tratan de huir mientras el sanguinario guardián Zancho y su violento perro le persiguen. Uno de los fugitivos, un viejo profesor, tiene información demasiado importante que no puede llegar a manos de los grupos opositores al gobierno
(Antonio Isasi-Isasmendi, 1976)
Criticas:
Una de las mejores películas de Antonio Isasi, una trama de acción donde un perro entrenado para matar es el auténtico y principal protagonista de esta apasionante historia basada libremente en la novela de Alberto Vázquez Figueroa “Como un perro rabioso”, el animal se nos presenta como icono y simbiosis de la tiranía en la figura del dictador, de la persecución de la libertad, en un régimen autoritario y militarista de un país imaginario latinoamericano cuyo lema o eslogan aparece en pantalla varias veces: “
A las nueve cada noche
El precio original era: 22,93 €.21,72 €El precio actual es: 21,72 €. *IVA IncluidoSinopsis
Cuando muere su madre tras una larga enfermedad, los siete hermanos Hook la entierran en el jardín, pues temen ser separados y enviados a distintos orfanatos.
Premios
1967: Premios BAFTA: Nominada a Mejor actor británico (Dirk Bogarde)
1967: Festival de Venecia: Nominada al León de Oro
A STAR IS BORN – EDICION METALICA
El precio original era: 55,60 €.54,39 €El precio actual es: 54,39 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Romance | Música. Alcoholismo. Remake
Grupos
A Star is Born
Sinopsis
Jackson Maine (Bradley Cooper) es una estrella consagrada de la música que una noche conoce y se enamora de Ally (Lady Gaga), una joven artista que lucha por salir adelante en el mundo del espectáculo. Justo cuando Ally está a punto de abandonar su sueño de convertirse en cantante, Jack decide ayudarla en su carrera hacia la fama. Pero el camino será más duro de lo que imagina.
(Bradley Cooper, 2018)
CRITICAS
Puede que al leer que Lady Gaga va a protagonizar una película te imagines que va a ser la típica película «petarda» y superficial sobre una estrella del pop, donde la cantante solamente se interpreta a sí misma. ‘Ha nacido una estrella’ no es ese tipo de película.
‘Ha nacido una estrella’ es una película sobre música, sí. Con una historia que ya hemos visto varias veces, sí. Incluso con un guion bastante trillado, puede que sí. Pero es más que eso. Dos personas que se encuentran en el momento oportuno y en el lugar adecuado. (Si se os ha venido a la cabeza La La Land, sí, hay algunas similitudes, salvando las distancias).
La química en pantalla entra Bradley Cooper y Lady Gaga se percibe desde el primer segundo, desde el primer encuentro. Una complicidad que solo podrá arrancarte sonrisas. Probablemente estemos ante la mejor interpretación de Bradley Cooper y posiblemente obtenga un buen puñado de nominaciones por ella.
La cantante hace un trabajo excepcional interpretando a Ally, actuando de manera natural y nada forzada. Resulta creíble en todo momento, incluso cuando vemos a la estrella de pop acostumbrada a llenar estadios, en la piel de la protagonista subir al escenario por primera vez, nerviosa al cantar frente a miles de personas, buscando complicidad y aprobación en el ‘experimentado rockero’, Bradley Cooper, que debería plantearse un futuro como cantante. En ningún momento ves a Gaga por ningún lado, es simplemente Ally.
La BSO de la película, como era de esperar, es espectacular. Habría que destacar los temas ‘Shallow’, himno ya de la película, y muy probablemente ganadora del Oscar a Mejor Canción, ‘Always remember us this way’ y la desgarradora ‘I’ll never love again’, que hará que te cueste contener la lagrimilla.
El debut de Bradley Cooper como director es sobresaliente. Cooper ha estado inmerso en la preparación de esta película durante 4 años, y se nota. Bradley se ha preocupado hasta del último detalle. Rodar en festivales de verdad (Coachella) y, por supuesto, cantar en directo a lo largo de toda la película ha sido un acierto mayúsculo. Esto último tenemos que agradecérselo a Gaga, ya que Bradley no se sentía seguro de poder hacerlo.
Las excelentes críticas que ha obtenido la película en los festivales en los que se ha estrenado, no han sido en vano. Cuando termine, probablemente tardes un rato en digerir todo lo que has visto y experimentado. El amor incondicional, su precio, la ambición, los egos…
ACCATONE
El precio original era: 38,66 €.37,45 €El precio actual es: 37,45 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Prostitución. Neorrealismo
Sinopsis
Mientras que Accattone se pasa el día metido en las tabernas, Maddalena, la mujer con la que vive, debe ejercer la prostitución para mantenerlo. Cuando Maddalena es detenida y encarcelada, Accatone, privado de su medio de subsistencia, se ve condenado a llevar una vida miserable. Incluso debe pedir ayuda a su esposa legítima, Ascenza, a la que hace años abandonó.
(Pier Paolo Pasolini, 1961)
Criticas
Ópera prima de Pier Paolo Pasolini, inspirada en su novela «Una vita violenta» (1959). Se rodó entre abril y julio de 1961 en exteriores de los barrios marginales de Roma. Fue nominado a un BAFTA (actor extranjero, F. Citti). Producido por Alfredo Bini y Cino Del Duca para Arco Film, se presentó en el Festival de Venecia en septiembre de 1961.
La acción tiene lugar en los suburbios periféricos de Roma, a lo largo de los meses de primavera y verano de 1961. Vittorio «Accattone» Cataldi (Franco Citti) es el líder de un grupo de muchachos desocupados y ociosos, que no quieren trabajar. Pasan el tiempo conversando en la terraza de un bar, cometen hurtos y hacen trapicheos. Accattone (mendigo), separado de Ascenza (Paola Guidi), la madre de su hijo de 2 años, convive con Magdalena (Silvana Corsini), que trabaja para él como prostituta callejera. Detenida y condenada a prisión por falso testimonio, deja a Accattone sin su fuente de ingresos. Stella (Franca Pasut) es una muchacha inegnua, inocente y manejable, que Accattone trata de convertir en su nueva protegida, pero no sirve para el oficio. Enamorado de ella, busca un trabajo honrado, que no soporta, por lo que decide dedicarse al robo.
La película presenta una amplia descripción de la vida de grupos de jóvenes de la periferia romana, desarraigados por el paro, la miseria, la falta de oportunidades y la desestructuración familiar, en los años de la Posguerra. El paro es el dentino de unos jóvenes sin habilidades sociales, sin formación y sin expectativas, abocados a la delincuenica para poder sobrevivir. Las imágenes de la ciudad muestran una urbe desolada, árida y deprimente, de calles vacías, casas míseras y personajes excéntricos y egoistas. Sólo la figura del hijo de Accattone, que juega solo en la calle con botellas, piedras y fango, aporta una nota de ternura y humanidad. Pasolini no pretende agradar al público. De ahí que su estética realista, inspirada en el neorrealismo, transite más allá de éste para situarse en las proximidades del realismo expresionista. Los cuadros que dibuja extán exentos de sentimentalismo, juicios morales y de explicaciones
El autor busca que la realidad provoque en el expectador sentimientos primarios de horror, repugnacia, ansiedad.
ADAM RESUCITADO
El precio original era: 24,14 €.22,93 €El precio actual es: 22,93 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Bélico | II Guerra Mundial
Sinopsis
Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Adam, un artista de circo, está prisionero en un campo de concentración, pero logra salvar la vida gracias a un acuerdo con los nazis: su papel consiste en entretener a los judíos antes de que entren en las cámaras de gas.
(Paul Schrader, 2008)
CRITICAS
Cuando uno se dispone a ver una película de Paul Schrader debe estar preparado para cualquier cosa. No se trata de un simple director con un estilo propio, sino que se siente cómodo sumergiéndose en el lado más oscuro del ser humano en todas sus vertientes. Así que, cuando Schrader toca un tema de por si oscuro como fue el holocausto judío, uno tiende a esperar un trabajo de los personajes cuanto menos enfermizo, focalizado en el trauma y la miseria.
En esta ocasión el personaje de Adam Stein (Jeff Goldblum) se presenta como un tipo amable y extraordinariamente positivo que se gana la vida entreteniendo al público con sus espectáculos de variedades. Hasta que la guerra y su condición de judío le arrebatan su humanidad y acaba convertido literalmente en el perro de un comandante nazi, incluso subordinado a la presencia del pastor alemán que comparte la jaula con él… Comentar que con su interpretación de Adam, Jeff Goldblum alcanzó probablemente las mayores cotas en su carrera como actor.
La película fue estructurada a base de flashbacks, intercalando la estancia de Adam en el psiquiátrico durante los años 60 con su periodo como prisionero en un campo de exterminio. Y para reflejar esa dicotomía entre la luz y la oscuridad Schrader recurrió al juego cromático. El blanco y negro (con una fotografía oscura y espectral) se utilizó para narrar los años de Adam como prisionero, y un color mucho más nítido y esterilizado retrató su estancia en el psiquiátrico. El hecho de que dicha institución estuviera situada en pleno desierto no fue casual, la potente iluminación y la claridad de líneas se contraponían así a la oscuridad del campo nazi. Era la amplitud de espacios frente a la claustrofobia del campo de exterminio.
Quizás al final lo que queda tras este film es una disección del ser humano y la tortura como arte. Una tortura que alcanzó la sublimación al conseguir que la víctima se torture a si misma y a los que le rodean. La desintegración del ser humano y el hundimiento del hombre bueno y afable focalizado en la figura de Adam Stein es el objetivo último. Nos deja un claro mensaje de desesperanza pero también de redención cuando el pequeño David se cruza en su camino dándole la oportunidad de recuperar lo que le arrebataron.
En definitiva: Recomendar ‘Adam resucitado’ no es tarea sencilla ya que probablemente fue una de las incursiones cinematográficas más enfermizas e incómodas de Paul Schrader. Pero el trabajo magistral que realizó Jeff Goldblum, el cuidado montaje, la esmerada puesta en escena y el minucioso retrato que nos ofreció acerca del ser humano son motivos más que suficientes para darle una oportunidad.
ADIOS A MI CONCUBINA
El precio original era: 21,77 €.20,56 €El precio actual es: 20,56 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Revolución cultural china. Ópera. Drama de época. Histórico. Homosexualidad. Cine épico
Sinopsis
China, 1925. Los militares gobiernan Pekín y, aunque en la ciudad la situación política es inestable, hay una constante en la vida cotidiana: la ópera, un espectáculo donde incluso los personajes femeninos deben ser representados por hombres. Entre los nuevos muchachos destinados a ser estrellas de la ópera de Pekín se encuentran el delicado Douzi y Shitou, que le toma bajo su protección. Ambos forjan una gran amistad, y Douzi se enamora profundamente del chico mayor. Como Douzi tiene la belleza de una mujer, le forman en papeles femeninos, mientras que al atlético Shitou le entrenan principalmente para papeles militares. Entre las óperas que estudian se encuentra «Adiós a mi concubina»…
(Chen Kaige, 1993)
CRITICAS
Excelente película que sintetiza la historia de China desde los caudillos militares hasta el gobierno de Mao Tsetung a través de la vida de dos jóvenes actores de una compañía de teatro. La virtud del director Chen Kaige estriba en no hacer un panfleto que infame al sistema socialista chino ni tampoco en hacer una apología del mismo; solo trató el guión de una manera muy objetiva indicándonos que la política a veces se interpone en el arte.
Lo cierto es que de esta película uno deduce al final que la Revolución Cultural, a pesar de sus errores, sirvió para popularizar el arte y los obreros tuvieran acceso a él; el problema era que ciertos artistas estaban renuentes a hacerlo y la Revolución Cultural precisamente terminó por cambiar la mentalidad retardataria de ciertos artistas.
En conclusión, excelente manejo del guión histórico que hace el director y entender la convulsionada historia del exótico país oriental.
Medio siglo en China, contado a través de dos artistas ilustres de la ópera de Pekín que se inician juntos y huérfanos en la disciplina más espartana de la República.
Adiós a mi concubina es el título de una obra que ellos interpretarán, con algunas pausas, a lo largo de treinta y dos años. Dos amigos que comparten parte de sus días entre fastuosos trajes y exóticos maquillajes, trasladando de alguna manera la ficción teatral a sus propias vidas: amor, traición, pasión, odio….
El tobogán político en que se convierte China en la primera mitad del siglo XX influye de manera decisiva en los protagonistas; una mujer (Gong Li) aparece para que la desestabilización sea aún más acusada, e imposible el entendimiento.
La ópera sobrevive con pequeños ajustes para agradar a los dominantes: República, invasión japonesa, comunismo, revolución cultural…..; erosionando la personalidad de los actores que intentan sobrevivir a los cambios sociales y a sus propias vidas.
Son casi tres horas de repaso histórico, y vivencias individuales que luchan por sobrevivir a los terremotos ideológicos.
Buen ritmo y excelente dramatización; aunque tal vez el director abuse de este efecto teatral en algunas ocasiones. Situaciones perdonables al estar en esta película tan próximas las tablas y la tierra.
AL LIMITE
El precio original era: 44,71 €.43,50 €El precio actual es: 43,50 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Drama psicológico. Medicina
Sinopsis
Frank Pierce (Nicolas Cage), un empleado del servicio nocturno de ambulancias de Nueva York, está quemado por el estrés, la soledad y la dureza de su trabajo, pues se pasa las noches recogiendo todo tipo de enfermos, accidentados y moribundos. Como consecuencia de ello empieza a sufrir alucinaciones en las que se le aparecen las personas a las que no pudo salvar. Intentando redimirse, Frank se obsesiona con la idea de salvar aunque sólo sea una vida
(Martin Scorsese, 1999)
CRITICAS
Una excelente y delirante puesta en escena es el escenario que escoge Scorsese para adentrarnos en los bajos fondos neoyorquinos. En mi opinión es una vuelta de tuerca a su genial Jo, que noche! (After Hours) sin llegar a los extremos más superficiales que componen la reciente Shutter Island. No se me haría nada extraño leer por ahí que Michael Mann inspirase parte de su trabajo en ella cuando elaboraba la gran Collateral.
La banda sonora es perfecta. Posee ritmo, ganas, mala leche, melodía, y encaja a la perfección en todas las escenas. Es una puta broma. Además Nicolas está bien, ya que le ceden un papel en el que poder consumir sustancias y a la vez poder actuar, ironía que le viene al pelo al actor de Leaving Las Vegas. Supongo que Scorsese supo lo que hacía en este caso.
Las postales callejeras que vemos son una patada en las pelotas del gran sueño americano. Dejando a un lado el universal humor que desprende la cinta no deja de ser un señuelo para revelarnos, no sin cierta sorna, las miserias sociales que se esconden entre los barrios más pobres, los rincones y la noche. Al límite atesora la increíble virtud de presentarnos el oficio de conductor de ambulancias como el number one de los currelos chungos, ocurrencia que ha de ser siempre respaldada por un gran guión o una realización solvente. Y aquí disfruta de las dos, amén del peso que ejercen los secundarios e incluso terciarios (el jefe de Nicolas y la enfermera jefe son de traca) en inflar la enrarecida atmósfera hasta límites insospechados.
Frank, como las ocas, cambia de pareja en un baile que no termina, una danza de tintes macabros que a ratos se convierte en un lisérgico carrusel cargado de mala hostia y de buenas y no tan buenas intenciones. Si eres fan de Scorsese, quizá te decepcione la película. A mí, como a las ocas, me encantó. Muy recomendable.
ALAS DE MARIPOSA
El precio original era: 36,29 €.35,08 €El precio actual es: 35,08 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Familia
Sinopsis
Un matrimonio del norte de humilde condición suspira por tener un hijo, pero el destino les da una niña. Poco tiempo después, sin embargo, nace el ansiado varón. Un hecho terrible hará que madre e hija no se hablen durante quince años.
(Juanma Bajo Ulloa, 1991)
CRITICAS
Claustrofóbica e intimista historia acerca de la relación amor-odio de una madre y su hija, marcadas ambas por una circunstancia terrible ocurrida en la infancia de la hija.
La película denuncia el machismo predominante en una familia tradicional vasca, donde tras varias generaciones sin niños varones, nace de nuevo una niña, la protagonista, siendo ignorada por el patriarca de la familia, abuelo de la niña. Este asunto lo ejemplifica Bajo Ulloa estupendamente en el arranque de la película; el abuelo espera en un largo y oscuro pasillo, golpeando con su bastón el suelo, impaciente; la enfermera comunica al hombre que tiene una nieta; éste se levanta y, sin decir palabra, se aleja por el pasillo.
La relación madre-hija está contada magistralmente, y a ello ayuda la excelente creación de Silvia Munt (que obtuvo el Goya) y la joven actriz Susana García. También destacados en papeles secundarios Tito Valverde, Txema Blasco, y la niña Laura Vaquero, de inquietante mirada.
orprendente debut de Juanma Bajo Ulloa. Aunque es una película sumamente dura, negra y trágica cada uno de sus fctotogramas encierran una belleza magistral. Silvia Munt está estupenda y Susana García y Laura Vaquero te encogen el corazón simplemente con su mirada (lástima que no se las haya vuelto a ver).
Otra maravilla es su banda sonora que se ajusta como un guante a cada una de las escenas. Y quizás esté deacuerdo en que la segunda mitad de la película caiga en la rutina y en las reiteraciones, pero ésto es perdonable cuando la historia, fotografía, música, interpretaciones y esa belleza de la tristeza lo compensan.
Eso sí, no apta para amantes del cine comercial. Menos mal que el cine es plural como la vida misma
ALEMANIA AÑO CERO
El precio original era: 15,67 €.14,46 €El precio actual es: 14,46 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Infancia. II Guerra Mundial. Neorrealismo
Sinopsis
Edmund, un niño de doce años, intenta sobrevivir a las duras condiciones de la postguerra alemana, especialmente en Berlín, una ciudad que ha quedado completamente derruida tras la Segunda Guerra Mundial.
(Roberto Rossellini, 1948)
Posición en rankings FA
14 Mejores películas italianas de todos los tiempos
17 Mejores películas y series sobre la Segunda Guerra Mundial
CRITICAS
«El maestro Rossellini crea una película terrible, virulenta, amarga y a la par bellísima, reflexión de inaudita dureza sobre los horrores de la guerra. La audacia formal y la perfección estética de las películas de Rossellini nacen de la mirada de un director comprometido moralmente con su trabajo, de un director inigualable»
Impacta el horror y la desolación, evidentemente. Ahora bien, ¿mediante qué mecanismos? La figura del niño despista. Pareciera acaso un resorte emotivo y trágico para los fines melodramáticos de descomposición moral (arquetípico recurso narrativo de perspectiva infantil de las cosas). Pero el tratamiento del director italiano va más allá. El compromiso ideológico de Rossellini con lo “neorrealista” no radica en la psicologización o la emoción de la acción dramática (miren el rostro hierático del niño). Al contrario, la desesperanza rosselliniana se basa en la objetividad y la distancia expositiva.
No queda su intención cinematográfica agotada en el retrato minucioso de esqueletos de edificios ni en la radiografía de sus habitantes. Su ética y compromiso exceden la militancia, el costumbrismo y la denuncia de fondo. Lo incluyen también ya que es un neorrealismo con “objeto” claro y nítido -la posguerra y su miseria- pero lo superan ya que su hallazgo es estético.
La realidad no se deja atrapar con el recurso formal de cámara al hombro o plano-secuencia. Ahí como mucho aparece una sensación liviana de cine despojado que, eso sí, es confundido frecuentemente con realismo aunque esté dramatizado hasta la médula. Rossellini enarbola el neorrealismo desde algo mucho más profundo que la fotografía, el contexto verosímil y la crudeza de situaciones: la perspectiva externa que guía el metraje es la de un espectador sometido a la carga de no tener acceso al interior de los personajes. Esa opción es definitiva para detectar la implicación intelectual de este director para con la “objetividad”.
ALFREDO EL GRANDE
El precio original era: 43,50 €.42,29 €El precio actual es: 42,29 €. *IVA IncluidoGénero
Aventuras. Drama | Biográfico. Histórico. Edad Media. Siglo IX. Vikingos
Sinopsis
Edad Media, siglo IX. Toda Inglaterra vive atemorizada debido a las incursiones de los vikingos daneses, cuyas naves siembran el terror en las poblaciones costeras. Sólo el reino de Wessex, el más meridional de la isla, vive al margen de estos ataques. Allí reina Ethelred, un monarca débil e incapaz de ponerse al frente de su desmoralizado ejército.
(Clive Donner, 1969)
CRITICAS
Melodrama histórico de una gran calidad en su historia, guión, interpretaciones, fotografía, vestuario, banda sonora…
Parece mentira que una película de los años 60 aún conserve su fuerza y es que ante las recientes entregas de cine histórico, este filme parece hacerse más joven y grande, ante todo gracias a su gran y sólido guión y a la profundidad de sus personajes y diálogos.
Narra la historia de Alfredo el Grande, quinto y último de los hijos del rey de Wessex, en ningún momento destinado a ser Rey, pero que alcanzó tal honor gracias a su valentía y lucha constante contra los invasores daneses. Y como no, aderezado con una tormentosa relación con la hija del Rey de Mercia.
Es muy interesante el tratamiento que se hace en la película de la justicia, y la necesidad de un código legal escrito que garantice la legalidad dentro del reino incluso por encima del Rey (alguna licencia se ha tomado el director… pero se puede perdonar). Alfredo en todo momento aparece como un Rey que nunca quiso serlo, obligado por los hechos a tomar la corona y también la espada.
En fin, una película, a razón de los escaso votantes, poco conocida, pero que sin embargo bajo mi juicio merece un lugar bien consolidado en el género del cine histórico.
MUY RECOMENDABLE, sobre todo para los amantes de este sufrido género.
Alguien volo sobre el nido del Cuco
El precio original era: 32,61 €.31,40 €El precio actual es: 31,40 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Enfermedad. Discapacidad. Comedia dramática. Película de culto
Sinopsis
Randle McMurphy (Jack Nicholson), un hombre condenado por asalto, y un espíritu libre que vive contracorriente, es recluido en un hospital psiquiátrico. La inflexible disciplina del centro acentúa su contagiosa tendencia al desorden, que acabará desencadenando una guerra entre los pacientes y el personal de la clínica con la fría y severa enfermera Ratched (Louise Fletcher) a la cabeza. La suerte de cada paciente del pabellón está en juego.
(Milos Forman, 1975)
Posición en rankings FA
4 Mejores películas de los años 70
23 Mejores películas de drama
Premios
1975: 5 Oscars: Película, director, actor (Nicholson), actriz (Fletcher), guión adaptado
1975: 5 Globos de Oro: Película, director, actor (Nicholson), actriz (Fletcher), guión
1976: Premios BAFTA: 6 Premios incluyendo mejor película, director y actor. 10 nom.
1976: Premios César: Nominada a Mejor Película Extranjera
CRITICAS
Algunas escenas y curiosidades de la película:
El protagonista es un violador, un delincuente que finge estar loco para librarse de entrar en la cárcel y así ser internado en un psiquiátrico. Es un gran mérito de los 70. El eje central de la película podía ser un personaje negativo (psicótico, violador, sádico). No se le juzgaba, no se le etiquetaba. Era mostrado tal y como era sin connotaciones.
McMurphy en la película que nos ocupa, Travis es Taxi Driver, Jack La Motta en Toro Salvaje… Hoy en día parece que el protagonista debe ser moral, recto y con principios. A mí, sinceramente, sin justificar a estos individuos ni sus actos, me parecen mucho más reales que los héroes del siglo XXI que nos quieren vender.
«Nicholson explota en pantalla con una interpretación tan perfecta en ritmo y en entendimiento del personaje que debería enviar a la mitad de las estrellas de Hollywood de vuelta a la escuela de interpretación»
Alguien volo sobre el nido del Cuco
El precio original era: 10,83 €.9,62 €El precio actual es: 9,62 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Enfermedad. Discapacidad. Comedia dramática. Película de culto
Sinopsis
Randle McMurphy (Jack Nicholson), un hombre condenado por asalto, y un espíritu libre que vive contracorriente, es recluido en un hospital psiquiátrico. La inflexible disciplina del centro acentúa su contagiosa tendencia al desorden, que acabará desencadenando una guerra entre los pacientes y el personal de la clínica con la fría y severa enfermera Ratched (Louise Fletcher) a la cabeza. La suerte de cada paciente del pabellón está en juego.
(Milos Forman, 1975)
Posición en rankings FA
4 Mejores películas de los años 70
23 Mejores películas de drama
Premios
1975: 5 Oscars: Película, director, actor (Nicholson), actriz (Fletcher), guión adaptado
1975: 5 Globos de Oro: Película, director, actor (Nicholson), actriz (Fletcher), guión
1976: Premios BAFTA: 6 Premios incluyendo mejor película, director y actor. 10 nom.
1976: Premios César: Nominada a Mejor Película Extranjera
CRITICAS
Algunas escenas y curiosidades de la película:
El protagonista es un violador, un delincuente que finge estar loco para librarse de entrar en la cárcel y así ser internado en un psiquiátrico. Es un gran mérito de los 70. El eje central de la película podía ser un personaje negativo (psicótico, violador, sádico). No se le juzgaba, no se le etiquetaba. Era mostrado tal y como era sin connotaciones.
McMurphy en la película que nos ocupa, Travis es Taxi Driver, Jack La Motta en Toro Salvaje… Hoy en día parece que el protagonista debe ser moral, recto y con principios. A mí, sinceramente, sin justificar a estos individuos ni sus actos, me parecen mucho más reales que los héroes del siglo XXI que nos quieren vender.
«Nicholson explota en pantalla con una interpretación tan perfecta en ritmo y en entendimiento del personaje que debería enviar a la mitad de las estrellas de Hollywood de vuelta a la escuela de interpretación»
El cine y las series sociales y políticas son géneros cinematográficos y televisivos que abordan temas de gran relevancia social, política y cultural, explorando las dinámicas del poder, la justicia, los derechos humanos, y las estructuras que configuran la sociedad.
A través de narrativas poderosas y a menudo provocativas, estas obras ofrecen una mirada crítica y reflexiva sobre cuestiones como la desigualdad, la corrupción, los movimientos sociales, el activismo, la opresión, y las luchas por la libertad y la equidad.
El cine y las series sociales y políticas no solo buscan entretener, sino también educar, concienciar e inspirar a los espectadores a reflexionar sobre el mundo que les rodea y las realidades que enfrentan diferentes comunidades y naciones.
A lo largo de la historia, este género ha dado lugar a algunas de las obras más influyentes y aclamadas del cine y la televisión, muchas de las cuales han dejado una marca indeleble en la cultura popular y en la conciencia colectiva. Estas películas y series a menudo se basan en eventos históricos reales, figuras políticas icónicas, o situaciones contemporáneas, brindando una perspectiva profunda y matizada de los problemas más urgentes de nuestro tiempo. Desde dramas intensos que retratan los conflictos políticos y las luchas por el poder, hasta documentales incisivos que exponen verdades incómodas, el cine y las series sociales y políticas son herramientas poderosas para la reflexión y el cambio social.
Para los coleccionistas, el cine y las series sociales y políticas son esenciales, ya que representan un compromiso con el cine y la televisión como medios de expresión y agentes de cambio. Las ediciones para coleccionistas en este género suelen incluir material adicional que enriquece la experiencia de visionado, como entrevistas con directores, guionistas y actores, análisis de expertos sobre el contexto social y político de la obra, y documentales complementarios que ofrecen una mayor comprensión de los temas tratados. Estas ediciones permiten a los cinéfilos y coleccionistas profundizar en las historias y obtener una perspectiva más amplia sobre los asuntos presentados.
En CINESTARPH, nos enorgullece ofrecer una selección cuidadosamente curada de películas y series sociales y políticas en ediciones especiales diseñadas para coleccionistas. Aquí encontrarás desde clásicos del cine político que han marcado la historia del género, hasta series contemporáneas que abordan con valentía y creatividad los desafíos actuales de nuestra sociedad. Cada título en nuestro catálogo ha sido seleccionado por su relevancia, su impacto y su capacidad para fomentar el diálogo y la reflexión.
Explora nuestra colección de cine y series sociales y políticas y descubre cómo estas obras pueden enriquecer tu colección personal, ofreciéndote historias que no solo informan y conmueven, sino que también desafían tus ideas y te invitan a cuestionar el estado del mundo. Con nuestras ediciones especiales, puedes llevar a casa títulos que son tanto entretenimiento como una profunda exploración de los problemas sociales y políticos que definen nuestra era.