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Thriller/ Policíaco
EL CANALLA
El precio original era: 27,82 €.26,61 €El precio actual es: 26,61 €. *IVA IncluidoGénero
Thriller | Policíaco. Polar francés
Sinopsis
Simon, un abogado condenado por un crimen, se escapa de la cárcel y se refugia provisionalmente en casa de una desconocida. Poco después, se pone en contacto con su ex mujer y con su amigo Charles, sus cómplices en el secuestro del hijo de un empleado de un banco, por el que recibieron un rescate de un millón de dólares. Simon escondió el dinero de ser detenido y ahora se propone recuperarlo.
(Claude Lelouch, 1970)
CRITICAS
Una entretenida y eficaz cinta a cargo de Lelouch, quien ya había trabajado con Trintignant en la más célebre y exitosa Un hombre y una mujer. El título en castellano resulta poco apropiado, pues el protagonista es más bien un granuja o sinvergüenza, y en modo alguno posee los rasgos característicos de los personajes del cine negro, mucho más inclinados a la violencia y la fatalidad. Por eso mismo, cabe señalar que el filme es una afortunada mezcla de cine policíaco o thriller con claros toques de sátira y comedia, propuesta ya ensayada con éxito anteriormente en el cine francés (ahí están ejemplos como Gángsters a la fuerza, de Lautner o El embrollón, de Molinaro, ambos genialmente protagonizados por Lino Ventura).
La película huye de la narración lineal de acontecimientos, presentando numerosos saltos temporales entre el presente (las acciones de Simón tras huir de la cárcel) y el pasado (se explica el golpe que acaba con él en prisión y con una gran suma de dinero “esperándole” fuera). Las diversas peripecias abordadas en el filme, aunque propias del género negro (secuestros, rescates, amenazas, persecuciones…), son objeto de un tratamiento suave, “blanco”, en el que la violencia es más aparente que real, del mismo modo que los personajes son mostrados desde un punto de vista amable. De ahí que, aunque sustentándose en las apariencias del Polar, la película sea en realidad un entretenimiento para todos los públicos, y basta atender al tratamiento del secuestro para percatarse de ello, pues en ningún momento teme el espectador por la vida del niño, algo que en un Polar clásico no ocurriría. Igualmente, el protagonista, aunque con rasgos propios del género negro (es calculador, desconfiado, etc.), incorpora otros poco habituales (es también afectuoso y leal), y para colmo es abogado. La trama se desarrolla pues, de forma discontinua, y juega a la confusión con el espectador, si bien lo hace de manera agradable, sin que ello moleste en exceso.
Bien protagonizada por Trintignant, actor siempre eficaz y ya probado en este tipo de papeles (y en otros), encuentra buen acompañamiento en el resto del reparto, siendo destacadas las interpretaciones de Charles Gérard (Charlot) y de Aldo Maccione (con su breve pero cómica interpretación del preso italiano). Un guión correcto y eficaz, con buenas frases para caracterizar a los personajes, y algunas secuencias francamente ingeniosas (especialmente todo el tinglado del secuestro y la muy peculiar boda en prisión) redondean un filme que sin ser novedoso ni tener pretensiones, supone un producto excelente de seguro entretenimiento.
EL CANARIO AMARILLO
El precio original era: 9,62 €.8,41 €El precio actual es: 8,41 €. *IVA IncluidoGénero
Thriller. Cine negro | Nazismo
Sinopsis
En 1940, Sally Maitland se ve obligada a abandonar Inglaterra, al ser considerada por todo el mundo, incluida su familia, simpatizante de la causa nazi. En el barco que la conduce a Halifax conoce a un aristócrata polaco y a un desmañado agente de inteligencia naval británico, que se disputan sus favores. Cuando se decide por el polaco y acepta conocer a su madre en Halifax, empieza a quedar claro que nadie es quien dice ser.
(Herbert Wilcox, 1943)
CRITICAS
Lógicamente, al estar realizada en plena guerra, la ambientación es lo mejor de esta película y su gran valor. Nos da una idea exacta del método de actuación de los agentes encargados de la lucha contra los espías y sus medidas de protección.
Respecto al comportamiento de la población no es lo mismo, ya que se trata de enaltecer el espíritu triunfador para mantener la moral alta pero esto no es lo importante en el drama que se desata aquí. El tema se inicia con una carga intrigante considerable: un bombardeo nocturno alemán sobre Londres, y alguien que hace señales desde una ventana a los aviones para facilitar el objetivo, al mismo tiempo hay un muerto en el suelo y una mujer se esconde. No se puede pedir más.
Así, sigue la trama sin que tengamos claro la dirección que tomará hasta que llegamos al punto álgido y realmente fascinante: los personajes que se desmarcan de los ocasionales. Aquellos que aparentan bondad y honradez al máximo cara a la sociedad y, en cambio, en la oscuridad, en las citas ocultas, destapan sus intenciones y sus verdaderas caras. Nos los representan con sus saludos nazis, sus símbolos, sus miradas sesgadas y sus sonrisas malévolas, y ahí considero que la realización está plenamente conseguida porque te absorbe ese auténtico ambiente de la confabulación; como si habláramos de seres de un planeta tirano dispuestos a conquistar el mundo.
EL CARTERO SIEMPRE LLAMA DOS VECES
El precio original era: 12,04 €.10,83 €El precio actual es: 10,83 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro. Intriga. Drama. Romance | Crimen. Gran Depresión. Años 30. Película de culto
Grupos
Adaptaciones de James M. Cain
Sinopsis
Durante la Gran Depresión de los años 30, Frank Chambers (John Garfield), un hombre que vaga sin rumbo, empieza a trabajar en un bar de carretera, regentado por un hombre mayor y por Cora (Lana Turner), su joven, bella e infeliz esposa. Pronto Frank y Cora comienzan a sentirse atraídos el uno por el otro.
(Tay Garnett, 1946)
CRITICAS
Film de cine negro, realizado por Tay Garnett (“Mares de China”, 1933). El guión,
de Harry Ruskin y Niven Busch (“Duelo al sol”, Vidor, 1946), adapta la novela negra “The Postman Always Rings Twice” (1934), de James M. Cain. Se rueda en exteriores de Norwalk (CA) y en los platós de los MGM Studios (Culver City, L.A., CA). Producido por Carey Wilson para la MGM, se estrena el 2-V-1946 (EEUU).
La acción dramática principal tiene lugar en 1945/46 en el establecimiento “Twin Oaks”, que explota una gasolinera y una hamburguesería en una carretera secundaria, que une Los Ángeles y San Diego. Frank Chambers (Garfield) llega en autostop al establecimiento, donde se queda por algún tiempo contratado como ayudante del propietario, Nick Smith (Kellaway), casado con Cora (Turner), una mujer joven y deslumbrante. Frank es solitario, desarraigado y un trotamundos. Cora es enigmática, arrastra un pasado oscuro, se siente falta de afecto y se ha casado para dejar la prostitución y llevar una vida holgada. Nick, de unos 60 años, es bonachón, amble y simpático.
El film suma drama, cine negro, crimen, suspense y thriller. Adapta con notable fidelidad una novela negra de éxito, publicada 12 años antes, inspirada lejanamente en “La bestia humana” (1890), de Émile Zola. La novela de Cain traslada el mundo de maldad, crimen, codicia, deseo y fatalismo de la obra de Zola al ambiente de la Gran Depresión. El guión de la película lo traslada a la posguerra que viven los EEUU tras la finalización (agosto 1945) de la IIGM. De la novela citada se han realizado 4 adaptaciones al cine. “Le dernier tournant” (Pierre Chaval, 1939) y “Ossessione” (Visconti, 1942) fueron las dos primeras. La tercera es la de Garnett. Posteriormente se rueda una nueva versión (Rafelson, 1981). La cinta de Garnett es del mismo año que “Gilda” (Vidor, 1946), con la que comparte algunos rasgos comunes (tensión sexual, mujer deslumbrante…).
Dotado de buen ritmo y de fluidez narrativa, el film presenta una mujer fatal, de espléndida y seductora belleza, que ocupa el centro visual y dramático de la obra. Vestida de blanco impecable, de cabello rubio platino y de potente sensualidad, teje a su alrededor una inquietante atmósfera de violencia pasional, erotismo, deseo, sexo y autodestrucción. La Turner compone una figura singular de mujer fatal, atractiva, seductora, manipuladora y perversa, que con el tiempo se ha convertido en una de las más conocidas y mejor recordadas del cine negro clásico.
EL CARTERO SIEMPRE LLAMA DOS VECES
El precio original era: 22,93 €.21,72 €El precio actual es: 21,72 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro. Intriga. Drama | Gran Depresión. Remake. Neo-noir
Grupos
Adaptaciones de James M. Cain
Sinopsis
En Estados Unidos, durante la Gran Depresión, un vagabundo llega a un restaurante situado en una carretera secundaria. El dueño le ofrece un trabajo, pero él lo rechaza. Sin embargo, cuando ve a la mujer del propietario, el forastero decide quedarse.
(Bob Rafelson, 1981)
CRITICAS
Interesante análisis, hecho con afanes de objetividad, por un Bob Rafelson (NY, 1933) en plenitud de facultades. Compone una descripción brillante, intensa y compleja, de la relación entre dos personas desarraigadas, un vagabundo que huye sin rumbo de trapicheos varios y una mujer insatisfecha y frustrada que ha aceptado la propuesta de matrimonio de un infeliz para huir de la prostitución. Se conocen casualmente e inesperadamente, sin referencias previas y sin puntos en común, salvo la condición de desarraigo de ambos. Desde el primer momento se sienten atraídos a costa del deseo físico. La carnalidad de la relación, la explica el film con la ayuda de una expresión corporal que se apodera del centro de la primera parte del relato sin necesidad de mostrar imágenes situadas fuera de lo que se suele considerar apropiado. La fuerza que mueve a los amantes se dibuja con precisión y se describe con naturalidad y credibilidad.
El film no constituye ni una apología del amor físico, ni un homenaje a la relación carnal de dos personas. Es importante tener en cuenta este extremo para no caer luego en el error de ver moralinas donde no las hay. El discurso es sincero, transparente y está lleno de emociones valiosas que se desarrollan sin trampas y sin segundas intenciones. A Rafelson le interesa solo explicar unos hechos conmovedores, objetivamente interesantes, que por ellos mismos conducen el relato a niveles altos de intriga y dramatismo.
La intensidad de la relación se da asociada a una experiencia tumultuosa, llena de fricciones, obstáculos, inconvenientes y sorpresas, que incomodan a los protagonistas y dificultan que hallen en su relación el nivel de plenitud que anhelan. No es la mala conciencia de ambos ni la fatalidad lo que les impide la felicidad plena, sino la actitud de ambos de falta de entrega mutua, confianza y enamoramiento. La afinidad física no se ve complementada por una entrega sin reservas y sin límites, capaz de trasladar el amor físico a una dimensión que equilibre lo físico y lo espiritual.
La atmósfera que envuelve el relato suma dos componentes básicos: la inquietud que provoca el desarrollo de la acción y la ordinariez de los personajes, de los ambientes y de los escenarios en los que se mueven. Fijémonos por un momento en los personajes. Están dominados por la vulgaridad de su egoísmo, indolencia, infidelidad, escasa inteligencia, pasividad, traiciones y descuidos. La casa, el restaurante y la cocina se presentan desordenados, desaseados, sucios y descuidados. Abundan los escenarios húmeros, lluviosos, nocturnos, opresivos, marginales. La justicia se ve obstaculizada por la lucha de intereses económicos particulares. El marco temporal de la Gran Depresión, tomado de la novela original, aporta elementos relevantes de miseria, paro y desesperación.
EL CARTERO SIEMPRE LLAMA DOS VECES
El precio original era: 28,98 €.27,77 €El precio actual es: 27,77 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro. Intriga. Drama | Gran Depresión. Remake. Neo-noir
Grupos
Adaptaciones de James M. Cain
Sinopsis
En Estados Unidos, durante la Gran Depresión, un vagabundo llega a un restaurante situado en una carretera secundaria. El dueño le ofrece un trabajo, pero él lo rechaza. Sin embargo, cuando ve a la mujer del propietario, el forastero decide quedarse.
(Bob Rafelson, 1981)
CRITICAS
Interesante análisis, hecho con afanes de objetividad, por un Bob Rafelson (NY, 1933) en plenitud de facultades. Compone una descripción brillante, intensa y compleja, de la relación entre dos personas desarraigadas, un vagabundo que huye sin rumbo de trapicheos varios y una mujer insatisfecha y frustrada que ha aceptado la propuesta de matrimonio de un infeliz para huir de la prostitución. Se conocen casualmente e inesperadamente, sin referencias previas y sin puntos en común, salvo la condición de desarraigo de ambos. Desde el primer momento se sienten atraídos a costa del deseo físico. La carnalidad de la relación, la explica el film con la ayuda de una expresión corporal que se apodera del centro de la primera parte del relato sin necesidad de mostrar imágenes situadas fuera de lo que se suele considerar apropiado. La fuerza que mueve a los amantes se dibuja con precisión y se describe con naturalidad y credibilidad.
El film no constituye ni una apología del amor físico, ni un homenaje a la relación carnal de dos personas. Es importante tener en cuenta este extremo para no caer luego en el error de ver moralinas donde no las hay. El discurso es sincero, transparente y está lleno de emociones valiosas que se desarrollan sin trampas y sin segundas intenciones. A Rafelson le interesa solo explicar unos hechos conmovedores, objetivamente interesantes, que por ellos mismos conducen el relato a niveles altos de intriga y dramatismo.
La intensidad de la relación se da asociada a una experiencia tumultuosa, llena de fricciones, obstáculos, inconvenientes y sorpresas, que incomodan a los protagonistas y dificultan que hallen en su relación el nivel de plenitud que anhelan. No es la mala conciencia de ambos ni la fatalidad lo que les impide la felicidad plena, sino la actitud de ambos de falta de entrega mutua, confianza y enamoramiento. La afinidad física no se ve complementada por una entrega sin reservas y sin límites, capaz de trasladar el amor físico a una dimensión que equilibre lo físico y lo espiritual.
La atmósfera que envuelve el relato suma dos componentes básicos: la inquietud que provoca el desarrollo de la acción y la ordinariez de los personajes, de los ambientes y de los escenarios en los que se mueven. Fijémonos por un momento en los personajes. Están dominados por la vulgaridad de su egoísmo, indolencia, infidelidad, escasa inteligencia, pasividad, traiciones y descuidos. La casa, el restaurante y la cocina se presentan desordenados, desaseados, sucios y descuidados.
Abundan los escenarios húmeros, lluviosos, nocturnos, opresivos, marginales. La justicia se ve obstaculizada por la lucha de intereses económicos particulares. El marco temporal de la Gran Depresión, tomado de la novela original, aporta elementos relevantes de miseria, paro y desesperación.
EL CASO ESTA CERRADO OLVIDELO
El precio original era: 36,29 €.35,08 €El precio actual es: 35,08 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Thriller | Crimen. Drama carcelario. Mafia
Sinopsis
A la espera de un juicio que determine si es inocente o culpable, el arquitecto Vanzi (Franco Nero) acaba en prisión acusado de homicidio involuntario y de no prestar asistencia tras un accidente de tráfico. Encarcelado junto a asesinos, ladrones y violadores, será testigo de la cruda realidad de las prisiones italianas: funcionarios corruptos, presos vinculados al crimen organizado, un sistema judicial inhumano y el poder omnipresente de la Mafia. Contra su voluntad, Vanzi acabará envuelto en una espiral de violencia que lo llevará a enfrentarse con el jefe de los guardias, un nostálgico del fascismo al que todos llaman ‘el Duce’ (Turi Ferro), y con el capo de la mafia en la prisión, Salvatore Rosa (Claudio Nicastro)
(Damiano Damiani, 1971)
CRITICAS
Drama carcelario con toques de intriga y mensaje político a cargo del especialista en cine denuncia Damiano Damiani, con Franco Nero bastante creíble en el papel de un tipo de buena posición social que es encarcelado por un accidente de tráfico del que es inocente (¿o no?) que las pasará bastante estrechas para adaptarse al maco.
Con esta premisa se desarrolla una trama de chanchullos y ajustes de cuentas que deja pingando no solo al sistema penitenciario, sino también la corrupción generalizada, la presencia de ideas fascistoides muy arraigadas en la sociedad y la costumbre casi universal de mirar hacia otro lado, de desentenderse de aquello que nos puede complicar la vida. La película, y supongo que la novela en la que se basa también, viene a transmitir el mensaje, como ya dijo alguien en otra crítica de este film, de que la sociedad es corrupta porque las personas que la forman, por unos motivos u otros, se corrompen.
Buena ambientación, buena música, interpretaciones correctas, diálogos ácidos…algún altibajo de ritmo, pero en general muy buena película que plantea temas que siguen candentes hoy en día.
Y el final, como siempre en este tipo de películas…es uno de los puntos fuertes.
EL CAZADOR DE GATOS
El precio original era: 7,20 €.5,99 €El precio actual es: 5,99 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga | Policíaco. Crimen
Grupos
Adaptaciones de Elmore Leonard
Sinopsis
George Moran, un veterano de la intervención militar norteamericana, antiguo combatiente en la República Dominicana y en la actualidad propietario de un hotel de Miami, regresa a Santo Domingo con el fin de localizar a la mujer que le puso el mote de «Cazador de gatos». En su lugar encuentra a Mary, una mujer casada con el ex director de la policía secreta del país, e inicia un apasionado romance con ella…
(Abel Ferrara, 1988)
CRITICAS
¿Cuáles serían las consecuencias de juntar a un veterano del cuerpo de marines, un antiguo policía reciclado en gangster, un poderoso ex-general dominicano, la mujer de éste y amante del primero y un botín de dos millones (y pico) de dólares?
Pues que, como bien hemos pensado, todos estarían intentando trincar su tajada; así se conforma esta intriga llena de ambición, adulterio, violencia, traición y mucho dinero.
A estas alturas no son pocos los que conocen o han oído hablar de Elmore J. Leonard Jr., uno de los mejores escritores de novela negra que hubo y habrá, cuyas obras se han trasladado al cine y la televisión en innumerables ocasiones (sobresaliendo títulos como «El Tren de las 3:10», «Cómo Conquistar Hollywood», «Hombre», «El Infierno del Whiskey» y, cómo no, la tergiversadora adaptación de «Jackie Brown» de Tarantino). «Cat Chaser», «thriller» clásico bien recibido por crítica y público, fue uno de los primeros libros que escribió en los ’80, etapa en la que, según él, el humor estaba empezando a tomar gran partido en sus textos.
De su propia mano, con la colaboración de James Borelli, se llevaría a cabo un guión seis años después respaldado por el dúo de productores Peter S. Davis/William N. Panzer y contando con el siempre interesante y controvertido Abel Ferrara tras la cámara, después de haber realizado «The Gladiator», «thriller» de acción de bajo presupuesto para televisión (este señor nunca se librará de su condición de cineasta de serie «B»), y el drama de suspense y romance «China Girl», considerado por muchos, incluso por él mismo, una de sus mejores películas.
George Moran rememora sus días como soldado en la República Dominicana cuando las fuerzas militares americanas la ocuparon en 1.965 para restaurar el orden en mitad de la caótica guerra civil; ahora, este ex-marine trabaja y vive apaciblemente en un bonito hotel frente a la costa de Miami, aunque sus recuerdos siempre le asaltan. Decidido a encontrar a una joven soldado de un comando comunista que le salvó la vida, se dirige de nuevo a la República…pero en lugar de dar con ella se reencontrará con Mary, la mujer del general exiliado Andrés DeBoya, de la que al parecer siempre estuvo enamorado, iniciando así una aventura a sus espaldas.
George se verá implicado en el robo de dos millones de dólares que pertenecen al general junto un compañero ex-militar que ronda por su hotel vigilándole y un antiguo policía que realiza los encargos más sucios para DeBoya. «El Cazador de Gatos» comienza así su historia en las calles de una conflictiva República Dominicana, entre edificios en ruinas, sangre, balas y cadáveres, demostrando Ferrara lo bien que se le da la crítica sociopolítica, pero todo esto no parece ser más que un telón de fondo, un pretexto para la trama principal, ya que Moran no parece ser uno de esos soldados traumatizados cuyos recuerdos le atormentan día tras día.
No, en lugar de eso el ex-soldado se ve envuelto en una intriga con unos gangsters de poca monta en su bien apañado hotel de la costa, y aunque su viaje a la República conecte con su trágico pasado, eso tampoco conducirá a un drama antibelicista de consecuencias de guerra a lo «Corazones de Hierro», sino a un apasionante romance donde el protagonista se citará a escondidas con la esposa de un hombre poderoso, emparentándose más con las clásicas aventuras de amor clandestino en la línea de «Fuego en el Cuerpo» o la posterior «Revenge».
Sujeto a un guión en el que no participó directamente, Ferrara logra amoldarse al universo sucio, violento y romántico de Leonard a la perfección, universo clásico de novela negra con todos sus tics, giros narrativos y personajes estereotipados, pero con la capacidad de enganchar desde el principio hasta el final, con el director yendo desde hoteles dominicanos situados en barrios marginales (escenario muy característico de sus films) a grandes y lujosas mansiones.
Peter Weller ofrece una muy decente intepretación junto a la guapa Kelly McGillis, con la que se llevó fatal durante el difícil rodaje, Frederic Forrest, Tomás Milian y un genial a la par que repulsivo Charles Durning.
EL CAZADOR DE HOMBRES
El precio original era: 16,88 €.15,67 €El precio actual es: 15,67 €. *IVA IncluidoCompañías
Cerito Films
Género
Acción. Thriller | Polar francés
Sinopsis
«L’alpagueur» es el apodo de Roger Pilard, un cazarrecompensas que sigue los métodos brutales que aprendió en los Servicios de Seguridad Franceses. Su nueva presa es un peligroso criminal y, para atraparle, tendrá que saltarse todo tipo de reglas
CRITICAS
Directa, atrevida, intrigante, descarada, dinámica, atractiva, misteriosa, inteligente, magnética, ingeniosa, trepidante y sorprendente producción francesa de suspense y acción, en la que un cazarrecompensas que sigue los métodos brutales que aprendió en los Servicios de Seguridad Franceses, tendrá que saltarse todo tipo de reglas para dar caza a un peligroso criminal.
Philippe Labro, apuesta por una incursión en un relato de intereses e intrigas personales con poderosas dosis de suspense y acción.
La presencia y labor interpretativa de: Jean-Paul Belmondo, hace que la producción tenga un efecto magnético inminente, conquistando la atención del público por completo.
EL CEBO
El precio original era: 19,30 €.18,09 €El precio actual es: 18,09 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga. Drama | Policíaco. Crimen. Asesinos en serie. Vida rural
Grupos
Adaptaciones de Friedrich Dürrenmatt
Sinopsis
Una niña aparece asesinada en el bosque de un pequeño pueblo suizo. Inmediatamente las sospechas recaen sobre el viejo vendedor ambulante que encontró el cadáver. Únicamente el comisario Mattei duda de su culpabilidad, pero se acaba de jubilar y deja el caso en manos de un compañero. Ya en el aeropuerto, a punto de despegar su avión, a Mattei le vienen a la mente algunos detalles contados por los niños de la escuela; decide entonces aplazar su viaje e investigar el caso
(Ladislao Vajda, 1958)
CRITICAS
No me considero ningún experto en jamones, os lo aseguro, pero si me viera obligado a calificar la peli de Vajda en términos gastronómicos, no me cabría la menor duda: “El cebo” es un jamón ibérico exquisito. No sé si de cebo o de recebo. Tampoco sabría discernir si procede de Guijuelo o de Trévelez. Lo único que sé es que a mi me supo a pata negra. A auténtico pata negra. Con su grasita, su puntito justo de sal y su delicioso sabor. Mmmm…, excelente.
Y aunque justo la vi ayer noche, esta mañana seguía relamiéndome los labios. Como un autómata. De poco sirvió que me hubiera cepillado enérgicamente los dientes antes de acostarme. La persistencia de su aroma me embriagaba y me recordaba que, posiblemente, acababa de visionar el mejor thriller de la historia del cine patrio. Una historia muy bien contada que me atrapó a los cinco minutos y que me obligó a pellizcarme los brazos durante todo el metraje. ¿Seguro que es española? ¿Se habrán equivocado los gerifaltes de la página al colocarle la banderita rojigualda junto al título? ¿Dónde se esconde el dramón, la risa tonta, el ramalazo folklórico, el espíritu cañí…? Mi única referencia sólida, Ladislao Vajda (el de “Marcelino, pan y vino”), no era demasiado esperanzadora, pero muy pronto mis prejuicios iniciales se fueron a tomar por saco. Me encontraba ante un macabro cuento que, lejos de adornarse y pugnar por parecer relevante, se limitaba a narrar con insólito pragmatismo y encomiable agilidad la búsqueda de un sanguinario asesino de niños. Una logradísima combinación entre “Caperucita y el lobo” y “M, el vampiro de Düsseldorf” que me encandiló mucho más que esta última (sí, lo sé: he blasfemado) y que, pese a una leve pérdida de intensidad en su tercio final, logró contagiarme ese clima de angustia y desasosiego tan genuinamente hitchcockiano.
Me sorprende, en cualquier caso, la escasísima repercusión que ha tenido un film como “El cebo” a lo largo de su más de medio siglo de existencia. Y es que resulta chocante que se sepa tan poco de una peli que, sin rasgarnos las vestiduras, podríamos situar al nivel de “El verdugo”, “Calle Mayor” o “La caza”. No he indagado al respecto, la verdad, pero me imagino que su localización y su reparto (eminentemente helvético) no invitaba precisamente a que las autoridades del régimen la promocionaran a bombo y platillo… ¿me equivoco?
El clan de los irlandeses – Edicion Metalica + BLU RAY
El precio original era: 38,66 €.37,45 €El precio actual es: 37,45 €. *IVA IncluidoGénero
Thriller. Acción | Mafia
Sinopsis
Tras muchos años de ausencia, Terry Noonan (Sean Penn) regresa al conflictivo barrio de Hell’s Kitchen, en Nueva York, e ingresa en un grupo mafioso irlandés. El jefe de la banda es Frankie Flannery (Ed Harris); para él trabajan algunos amigos de la infancia de Terry y también Jackie (Gary Oldman), el exaltado hermano de Frankie. Al entrar en la banda, renacen los sentimientos de Terry por Kathleen (Robin Wright), la hermana de los Flannery
(Phil Joanou, 1990)
CRITICAS
En una película que tienes a Sean Penn, Ed Harris, Gary Oldman, Robin Wright o John Turturro entre otros como actores, que además tienes que sumar en la partitura a Morricone y en la fotografía a Jordan Cronenweth (“Blade Runner”, “Primera Plana”…)
El film tenía los ingrediente básicos para gustar: la historia transcurría en los bajos fondos neoyorquinos (Hell´s Kitchen), el guión presumía un duelo a la altura de las grandes obras entre mafias (en este caso la italiana y la irlandesa), el reparto era sencillamente impresionante (qué voy a decir de Penn, Oldman o Harris) y había un maestro a cargo de la banda sonora (mítico Morricone). Por tanto, podía afirmar que estaba intrigado por ver cómo iba a desenvolverse dicho film.
La película aún estando bien, no termina de cuajar ni tampoco se te queda en la retina. Lo mejor lo que no corre a cuenta del guión (lo de Sean Penn de poli infiltrado está contado de forma patética) y del director (el final con la cámara lenta a lo Peckinpah y en plan western con la barra al lado más patético aún), como las interpretaciones simplemente sensacionales. Sobre todo Gary Oldman que debería de haber recibido algún galardón importante, también maravilloso Ed Harris.
Aún así la película es interesante, pertenece a ese subgénero de mafias de poca monta (tipo “Donnie Brasco”) que entre cerveza y cerveza hacen algún trabajo por allí y acá. En definitiva una más que interesante cinta que alguien con más pericia hubiera sacado un mayor partido y que lo que nos ha quedado es una buena película de género con grandes interpretaciones y con algún momento muy logrado aunque sin alma ni genialidad.
El duelo interpretativo entre Sean Penn y Ed Harris, es muy bueno. Del papel de Gary Oldman (cuando aparece en escena se nota) no hace falta decir nada, el mejor de la película sin duda. Las escenas de acción también están a la altura y son dignas de gran película.
Una película correcta, que aunque no pasará a la historia como una obra maestra, nos deja buenos momentos (todos en los que aparece Oldman y alguna que otra escena más) y sobre todo, hace su función de entretener y divertir a los amantes del género.
EL CLAN DE LOS SICILIANOS
El precio original era: 45,92 €.44,71 €El precio actual es: 44,71 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga. Thriller. Cine negro | Policíaco. Crimen. Polar francés. Robos & Atracos. Mafia
Sinopsis
Roger Sartet ha sido encarcelado por asesinato, pero el clan siciliano dirigido por el venerable Vittorio Manalese lo libera. El objetivo de la banda es apoderarse de las joyas de una exposición que se celebra en Roma. Mientras preparan el golpe, Tony Nicosia, un amigo americano, sugiere que la mejor forma de hacerse con las piedras es asaltando el avión que las transporta hacia Nueva York. El tenaz inspector Le Goff intentará desbaratar sus planes.
(Henri Verneuil, 1969)
CRITICAS
No soy objetivo con el cine policíaco francés de los sesenta y setenta. Me encantan estas películas, su estética, su elegancia, su fotografía, sus mujeres fatales, sus guaperas tipo Alain Delon y Jean Paul Belmondo, su comisario recto e infatigable en pos del asesino prófugo… El clan de los sicilianos es una maravilla del cine negro francés, también llamado polar. Es una cinta divertida, entretenida, que no da un momento de respiro, en la que a los muertos no se les ven las tripas ni corre la sangre, en la que los malos tienen su propia ética, en la que la narración pasa de París a Roma y de aquí a Nueva York pasando otra vez por París.
La primera media hora es espectacular y a partir de ahí la peli sigue un argumento más o menos clásico como es el robo de unas joyas. Que sí, que tendrá poca acción en los momentos claves, pero estoy enamorado de esta película. De ella y de la mujer de Aldo, claro, como Alain Delon.
La versión en la que la he visto es genial, porque las partes que fueron censuradas en España son unas tiernísimas escenas de cama que están en francés, algo que le da un puntito de erotismo mayor todavía. Para que nos demos cuenta de lo gilipollas que eran nuestros censores. O los que los mandaban.
EL CLUB DE LA LUCHA – EDICION 4K UHD
El precio original era: 47,18 €.45,97 €El precio actual es: 45,97 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Thriller | Sátira. Comedia negra. Thriller psicológico. Drama psicológico. Película de culto
Grupos
Adaptaciones de Chuck Palahniuk
Sinopsis
Un joven hastiado de su gris y monótona vida lucha contra el insomnio. En un viaje en avión conoce a un carismático vendedor de jabón que sostiene una teoría muy particular: el perfeccionismo es cosa de gentes débiles; sólo la autodestrucción hace que la vida merezca la pena. Ambos deciden entonces fundar un club secreto de lucha, donde poder descargar sus frustraciones y su ira, que tendrá un éxito arrollador
(David Fincher, 1999)
CRITICAS
Voy a dejar a parte la excelente realización de la película para entrar a criticar el fondo de su mensaje.
Por lo general la gente no ve más allá de la historia que narra, y cuando termina la película sólo se quedan con el título, como si todo se tratara de la locura del protagonista, sin llegar a darse cuenta de que Tyler Durden no es el único que representa una metáfora, que su mensaje no es el único que intentan transmitirnos. ¿Acaso Marla es más real? ¿O «los monos que van a ser enviados al espacio»?
Esta historia no narra una historia, es un simple retrato de las inquietudes humanas, deseos, frustraciones… Las porciones de amistad, «En cualquier momento podría morir. La tragedia, segun ella, era que no ocurriera», «soy el sentimiento de rechazo de Jack»… todos los mensajes de la película son del protagonista.
Me parece desafortunado llamar violenta a una película que critica la violencia de forma tan contundente, que nos revela con metáforas cómo nos relacionamos en la sociedad actual, cuanto queremos «destrozar algo hermoso», qué exigencias ponemos a quienes entran en nuestra vida para no ser más que «monos» sin nombre.
Por supuesto que la película tiene mensajes para su primer visionado («no eres lo que vistes» o «su desayuno le sabrá mejor que todo lo que tu y yo hayamos probado jamás») pero sin lugar a dudas, tras verla por segunda vez, se empieza a comprender que todos tenemos mucho que ver con el mundo del protagonista.
La mejor película que he visto, una pena que no todo el mundo llegue a comprenderla.
EL CLUB DE LA LUCHA – EDICION METALICA 4K UHD
El precio original era: 61,70 €.60,49 €El precio actual es: 60,49 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Thriller | Sátira. Comedia negra. Thriller psicológico. Drama psicológico. Película de culto
Grupos
Adaptaciones de Chuck Palahniuk
Sinopsis
Un joven hastiado de su gris y monótona vida lucha contra el insomnio. En un viaje en avión conoce a un carismático vendedor de jabón que sostiene una teoría muy particular: el perfeccionismo es cosa de gentes débiles; sólo la autodestrucción hace que la vida merezca la pena. Ambos deciden entonces fundar un club secreto de lucha, donde poder descargar sus frustraciones y su ira, que tendrá un éxito arrollador
(David Fincher, 1999)
CRITICAS
Voy a dejar a parte la excelente realización de la película para entrar a criticar el fondo de su mensaje.
Por lo general la gente no ve más allá de la historia que narra, y cuando termina la película sólo se quedan con el título, como si todo se tratara de la locura del protagonista, sin llegar a darse cuenta de que Tyler Durden no es el único que representa una metáfora, que su mensaje no es el único que intentan transmitirnos. ¿Acaso Marla es más real? ¿O «los monos que van a ser enviados al espacio»?
Esta historia no narra una historia, es un simple retrato de las inquietudes humanas, deseos, frustraciones… Las porciones de amistad, «En cualquier momento podría morir. La tragedia, segun ella, era que no ocurriera», «soy el sentimiento de rechazo de Jack»… todos los mensajes de la película son del protagonista.
Me parece desafortunado llamar violenta a una película que critica la violencia de forma tan contundente, que nos revela con metáforas cómo nos relacionamos en la sociedad actual, cuanto queremos «destrozar algo hermoso», qué exigencias ponemos a quienes entran en nuestra vida para no ser más que «monos» sin nombre.
Por supuesto que la película tiene mensajes para su primer visionado («no eres lo que vistes» o «su desayuno le sabrá mejor que todo lo que tu y yo hayamos probado jamás») pero sin lugar a dudas, tras verla por segunda vez, se empieza a comprender que todos tenemos mucho que ver con el mundo del protagonista.
La mejor película que he visto, una pena que no todo el mundo llegue a comprenderla.
EL COCHE FANTASTICO – SERIE COMPLETA
El precio original era: 85,90 €.84,69 €El precio actual es: 84,69 €. *IVA IncluidoGénero
Serie de TV. Acción. Aventuras. Ciencia ficción | Crimen. Coches/Automovilismo
Grupos
El coche fantástico
Sinopsis
Serie de TV (1982-1986). 4 temporadas. 90 episodios. Famosa serie televisiva que sigue las aventuras de Michael Knight, un detective dado por muerto al que dan una nueva cara y una nueva identidad. Su misión, encomendada por la Fundación por la Ley y el Orden: luchar contra el crimen con la ayuda de un coche artificialmente inteligente y hablador con propia personalidad: K.I.T.T.
(Glen A. Larson (Creador), 1982)
CRITICAS
Quien no recuerda esta famosa frase?
El héroe de esta historia, el entrañable y algo hortera, (como podía lucir aquellos peinados?), Michael Knight, solía proferirla en todos y cada uno de los episodios de esta famosísima serie.
Mientras golpeaba a los malos, era disparado, embestido por un potente automóvil, o esquivaba una tremenda explosión, la estrella de la serie, un flamante deportivo negro con multitud de accesorios increíbles, y dotado de inteligencia propia, acudía raudo y solícito a la llamada de su «socio».
Al igual que El Equipo A, o MacGyver, El coche fantástico alegró las tediosas sobremesas estivales de los años 80, con las increibles aventuras de estos peculiares héroes.
Y es que después de todo, quien no ha soñado con tener un coche así?
En el vasto panorama de las series de televisión de la década de 1980, hay una que destaca entre las demás, una producción que fusiona acción trepidante, avances tecnológicos y un icónico protagonista en un conjunto irresistible. Estoy hablando de «Knight Rider» (1982), una obra maestra televisiva que ha dejado una huella imborrable en la cultura popular. En esta crítica, exploraremos por qué esta serie sigue siendo tan apreciada y relevante incluso después de décadas desde su estreno.
Se centra en la historia de Michael Knight (interpretado magistralmente por David Hasselhoff), un valiente y carismático exagente de policía que, tras un encuentro cercano con la muerte, renace como el conductor de un vehículo de alta tecnología conocido como KITT (Knight Industries Two Thousand). Juntos, Knight y KITT luchan contra el crimen, enfrentándose a villanos despiadados y desmantelando conspiraciones en cada episodio.
Lo que distingue a «Knight Rider» de otras series de su época es su combinación única de acción y tecnología. La estrella indiscutible del programa es KITT, un automóvil futurista equipado con inteligencia artificial y habilidades asombrosas. Desde su emblemático diseño exterior hasta su interior lleno de pantallas y luces parpadeantes, KITT es un personaje en sí mismo y se ha convertido en un ícono cultural. Las secuencias de conducción y persecuciones, donde KITT muestra su velocidad sobrehumana y su capacidad para maniobrar en situaciones imposibles, son impresionantes incluso por los estándares actuales.
Sin embargo, «Knight Rider» no se limita solo a efectos especiales llamativos y secuencias de acción emocionantes. La serie aborda temas relevantes como la justicia, la lealtad y la redención personal. Aunque puede parecer un programa de entretenimiento ligero, «Knight Rider» presenta ocasionalmente episodios con tramas más profundas y emocionales que exploran la naturaleza humana y las relaciones interpersonales.
Además, el carisma de David Hasselhoff en el papel principal es indiscutible. Su interpretación de Michael Knight es convincente y carismática, convirtiéndolo en un héroe por derecho propio. La química entre Hasselhoff y la voz en off de William Daniels, quien presta su voz a KITT, es otro punto destacado de la serie. La interacción entre estos dos personajes, a menudo con diálogos ingeniosos y sarcásticos, añade un toque de humor que equilibra perfectamente el tono más serio de la trama.
«Knight Rider» (1982) es una serie de culto que se mantiene como un clásico intemporal de la televisión. Su mezcla de acción emocionante, tecnología futurista y personajes carismáticos ha dejado una huella imborrable en la cultura popular. A pesar de su estreno hace décadas, la serie sigue siendo disfrutada tanto por aquellos que la vivieron en su momento como por todos aquellos a los que pueda llegar en nuestros días.
EL CODIGO DA VINCI – EDICION METALICA 4K UHD
El precio original era: 73,75 €.72,54 €El precio actual es: 72,54 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga. Thriller | Religión. Matemáticas
Grupos
Adaptaciones de Dan Brown
Sinopsis
El catedrático y afamado simbologista Robert Langdon (Tom Hanks) se ve obligado a acudir una noche al Museo del Louvre, cuando el asesinato de un restaurador deja tras de sí un misterioso rastro de símbolos y pistas. Con la ayuda de la criptógrafa de la policía Sophie Neveu (Audrey Tautou) y poniendo en juego su propia vida, Langdon descubre que la obra de Leonardo Da Vinci esconde una serie de misterios que apuntan a una sociedad secreta encargada de custodiar un antiguo secreto que ha permanecido oculto durante dos mil años…
(Ron Howard 2006)
CRITICAS
Increíble, esa es la palabra para definir como han criticado la película los críticos y increíble para definir en si este impresionante film.
Vayamos por partes me leí el libro cuando salió y me encantó. Cuando me enteré que iban hacer la película me quedé entusiasmado, pero cuando descubrí que su director iba a ser Ron Howard (un director que siempre ha apostado por el cine familiar más bien malillo: Dulce hogar… a veces, El Grinch, Willow y de hacer unas americanadas estúpidas: Rescate, Apolo 13) francamente me desilusioné un poco.
El día que se estrenó la película fui a verla con miedo por las duras críticas de Cannes, salí del cine indignado por la vergonzosas criticas hacía esta película…
Simplemente decir que si aun no has visto esta película, a que esperas para disfrutas de un excelente thriller que ya ha pasado a la historia del cine al menos para mí.
Y analizando la película pues en si genial (puesta en escena, fotografía, montaje, actores, con mención especial de Tom Hanks y Ian McKellen, la música de Hans Zimmer maravillosa y el clímax final de la película que por solo ver esa escena ya vale la pena pagar por ver esta película.
EL COLECCIONISTA
El precio original era: 40,23 €.39,02 €El precio actual es: 39,02 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Drama psicológico. Secuestros / Desapariciones
Sinopsis
Freddie Clegg, un empleado del Banco de Londres, es un hombre introvertido y triste que se dedica a coleccionar mariposas. Su vida cambia bruscamente cuando le toca la lotería, pues entonces decide secuestrar a Miranda Grey, una joven estudiante de arte por la que se siente atraído desde hace tiempo. Compra una casa en las afueras de Londres y retiene a la chica en el sótano un mes. Durante ese tiempo afloran en los dos personajes sentimientos encontrados.
(William Wyler, 1965)
Premios
1965: 3 nominaciones al Oscar: Mejor director, actriz (Samantha Eggar ), guión
1965: Globos de Oro: Mejor actriz – Drama (Eggar). 4 nominaciones
«Wyler emprende un encargo muy complicado y lo saca adelante con una destreza única»
Variety Staff: Variety
«Una película seductora y en muchas ocasiones, deslumbrante y cautivadora»
EL COLECCIONISTA
El precio original era: 25,40 €.24,19 €El precio actual es: 24,19 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Drama psicológico. Secuestros / Desapariciones
Sinopsis
Freddie Clegg, un empleado del Banco de Londres, es un hombre introvertido y triste que se dedica a coleccionar mariposas. Su vida cambia bruscamente cuando le toca la lotería, pues entonces decide secuestrar a Miranda Grey, una joven estudiante de arte por la que se siente atraído desde hace tiempo. Compra una casa en las afueras de Londres y retiene a la chica en el sótano un mes. Durante ese tiempo afloran en los dos personajes sentimientos encontrados.
(William Wyler, 1965)
Premios
1965: 3 nominaciones al Oscar: Mejor director, actriz (Samantha Eggar ), guión
1965: Globos de Oro: Mejor actriz – Drama (Eggar). 4 nominaciones
CRITICAS
Esta película basada en la genial novela de John Fowles refleja perfectamente dos mundos:
El mundo de Miranda, lleno de elitismo (algo camuflado en la película y bastante llamativo en el libro), sensibilidad artística y cultura, y el mundo de Freddy en el que vemos su sociopatía, patetismo e ignorancia.
La obsesión de Freddy Por Miranda llega a ser tan enfermiza que ambos son objeto de compasión. El necesita que Miranda le corresponda a su amor incondicional y ella necesita ser libre a toda costa.
Freddie es un hombre muy inteligente, maniático, ambicioso y detallista, que busca la perfección absoluta, que no es otra que la que vive en su mente. Por eso se fija en Miranda, una como otra cualquiera, con la diferencia, la gran diferencia, de que es preciosa.
Consciente del mundo que le rodea, y en una acción que corresponde a su inteligencia innata, le aisla de la contaminación, intentando que de una vez por todas se atisbe esa luz entre su mente y lo real, sin percatarse de la confrontación entre su mundo idílico de evasión y el mundo social y actual. Ese fue su único fallo.
Miranda, por el contrario, es una pseudointelectual, en la que influyen multitud de corrientes. Con bases y pilares ya creados de lo que es y lo que no es. Sin embargo tiene ingenio y es perspicaz, aunque estas habilidades frente a las de nuestro amigo Freddie son secundarias, invenciones.
Ella fue comprendiendo que nunca de otra forma se hubieran conocido, algo evidente. Freddie se hubiese vuelto alcohólico en un mes de haber entablado amistad con sus allegados, sentados en un bar hablando de vacuidades o simplemente intentando formar parte de ese mundo. A Miranda, infectada, inocente de todos los cargos por otra parte, le afectó demasiado la bocanada de aire puro.
Una vez entendidos los personajes, las acciones, las miradas y los hechos son cosa del espectador. Ese amplio abanico de observaciones y estimaciones personales es lo que le da una profundidad a la obra que la hace diferente. Tú eres el invitado y juez final, el del veredicto inapelable.
William Wyler, uno de los cineastas más trascendentales de la historia del cine, después de haber regalado a la humanidad en 1961 una de las mejores películas jamás vistas, “La calumnia”, decidió volver al color cuando retornó al cine cuatro años después con “El coleccionista”, una cinta influida, como tantas otras, por el punto y aparte definitivo en dicha temática que significó “Psicosis” de Alfred Hitchcock, que había sido estrenada en 1960.
La gran aportación al género de tan excelso cineasta como fue Wyler está en el tratamiento de la relación que se establece entre secuestrador y secuestrada, donde la parte de thriller afortunadamente se diluye totalmente para centrarse en el análisis de comportamientos y sentimientos divergentes que se produce en una simbiosis imposible entre víctima y verdugo conforme transcurre el tiempo de cautiverio.
EL COMISARIO MAIGRET
El precio original era: 16,93 €.15,72 €El precio actual es: 15,72 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga. Thriller | Crimen. Policíaco. Asesinos en serie. Polar francés
Grupos
Adaptaciones de Georges Simenon | Jules Maigret
Sinopsis
El célebre detective francés inmortalizado en decenas de novelas de George Simenon, se enfrenta a un peligroso psicópata adicto al asesinato de mujeres. Después de duros interrogatorios y de una meticulosa investigación a la vieja usanza, el comisario Maigret destapará al criminal…
(Jean Delannoy, 1958)
CRITICAS
Estamos ante un caso claro de “confusión” de identidades. A pesar de haber interpretado tan solo en 3 ocasiones el personaje de Maigret, la identificación de Gabin con el comisario creado por Simenon es palmaria. Y uno se pregunta si las facciones y el carácter escénico del actor francés le venían bien al personaje o si en el fondo todo fue un montaje con el consentimiento del escritor. Esta última es la versión que tiene más adeptos lo cual no deja de ser un reconocimiento a la diversidad de registros de un actor al que recordamos también por sus interpretaciones en La bête humaine o La grande ilusión, entre muchas otras.
Sea como fuere, el “traje Maigret” le sienta de perlas a Jean Gabin y resulta totalmente creíble e identificable para quienes leímos algunas de esas novelas donde con un par de dedos de frente, algo de cultura preferentemente rural, ciertas medidas de inconformismo y cabezonería y unas cuantas gotas, sabiamente distribuidas, de mala leche cuando la ocasión lo requiere o el presunto se pone bravo, se resuelven todos los casos que en la Sureté han sido. Incluso suple con la experiencia de quien las ha visto de todos los colores la carencia de tratados freudianos, tal es el caso de este film que se tituló en España con un genérico “El comisario Maigret” aunque la traducción literal era Maigret tiende una trampa, mucho mas acorde y revelador con un argumento donde los proteccionismos maternos y otros traumas desembocan en situaciones psicóticas.
Vistas así las cosas se entiende porqué un “monsieur” algo anodino, aparentemente, como Gabin, encaja en el rol de Maigret. Esta película es ilustrativa al respecto. En ella el comisario está de forma casi permanente pidiendo excusas a los encausados. Maigret, bajo el maquillaje de la simplonería bobalicona, esconde seis sentidos alertas (el sexto también cuenta). Ese es el pego y la imagen que da Gabin. Un actor mas joven no hubiese resultado creíble. La voz de la experiencia habla en la imagen de Jean Gabin. La meticulosidad, el raciocinio y la lógica deductiva visten con gabardina, fuman en pipa y caminan siempre hacia delante de forma lenta pero inflexible. No es un personaje fácil. Maigret tiene un alma pública y gracias a Jean Gabin tiene también una imagen pública.
Hablando de imágenes no estaría de mas echarle un vistazo a la interpretación que del famoso policía realizó Laughton. Seguro que, como todo lo del gran Charles, merecerá la pena.
Se agradece la presencia de Annie Girardot, una de esas actrices que siempre dejan el cine francés y el europeo a buenísima altura.
También Desailly y Lino Ventura añaden carácter a este seudo polar de una cinematografía que, antes de vagues o no vagues, tenía sus buenos índices de calidad e interés.
EL CORAZON DEL ANGEL
El precio original era: 16,88 €.15,67 €El precio actual es: 15,67 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga. Thriller. Fantástico. Cine negro. Terror | Años 50. Neo-noir. Drama sureño. Película de culto. Religión. Vudú
Sinopsis
A Harry Angel (Mickey Rourke), un detective privado que está pasando una mala racha, lo contrata en Nueva York un peculiar y enigmático personaje, Louis Cyphre (Robert De Niro), para que encuentre a un hombre desaparecido. Durante la investigación Harry conoce a la joven Epiphany Proudfoot (Lisa Bonet), hija de un sacerdote vudú, y poco después comienzan a suceder extrañas muertes que parecen estar relacionadas con la magia negra y que implican a Harry de una manera cada vez más personal.
(Alan Parker, 1987)
CRITICAS
Alan Parker logró con una mezcla de cine negro, fantástico e intriga, la que en mi opinión es su mejor obra, una película casi perfecta. Con una atmósfera inquietante y sucia muy lograda, que muestra primero el misterio oculto en un escenario urbano y después los campos sureños de Estados Unidos poblados por fanáticos religiosos, Parker desarrolla con maestría un descenso a los infiernos apoyado en una fluida narración que va deshaciendo la intriga poco a poco mientras se suceden una serie de hechos paranormales hasta llegar a un final que revela el significado de elementos metafóricos como los ascensores y los ventiladores, aunque quizás su precipitación sea uno de los pocos lunares del film, junto a cierta escena en la que creo que Parker enseña más de lo que debería….
Otro de los puntos fuertes es su excelente reparto. Enormes Mickey Rourke, luchando por su alma frente al inevitable destino, y Robert de Niro, frío y aterrador, que se lucen sobre todo en el sorprendente final. Destaca también una sensual Lisa Bonet, que protagoniza un polvazo memorable junto a Rourke.
Habría que mencionar también la música de Trevor Jones, que ayuda a crear ese misticismo religioso con un gran score mezclado con canciones antiguas.
EL CRACK – EDICION COLECCIONISTA BLU RAY
El precio original era: 18,09 €.16,88 €El precio actual es: 16,88 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga. Cine negro | Neo-noir. Película de culto
Grupos
El crack
Sinopsis
Areta, un antiguo policía que trabaja como detective, recibe el encargo de encontrar a la hija de un empresario de Ponferrada. Gracias al novio, averigua que la chica estaba embarazada y huyó de casa. A partir de ese momento, empieza a sufrir todo tipo de presiones para que abandone el caso, pero Areta seguirá investigando hasta el final.
(José Luis Garci, 1981)
CRITICAS
Estamos ante una de las mejores películas policíacas y de cine negro de nuestro cine español. Una película que acopla muy bien el thriller norteamericano a realidades “nacionales”. Es una película que bebe mucho del cine negro norteamericano y también del estilo de Dashiell Hammelt, al que el propio director le dedica la película.
Tiene una historia que engancha y un ritmo muy apropiado. Pero lo que más llama la atención son sus personajes, especialmente el protagonista. Es todo un antihéroe, alguien que lleva escrito en la cara la desilusión de la vida, una especie de amargura, de tristeza, un pasado que le pesa y el cual desconocemos completamente. Pero a la vez es alguien de mirada dura y penetrante. Y es alguien que en medio de la soledad de su vida, a empezado a encontrar ilusión por algo.
La interpretación de Landa es del todo portentosa, es algo completamente fuera de serie, algo nuevo en su filmografía y donde él demuestra que no es un actor encasillado, sino todo un actor de pies a cabeza. Lo mismo le sucede a María Casonota que es una extraordinaria actriz. Y destacar la especial aparición de José Bodalo, uno de los mejores y más grandes actores que ha tenido nunca nuestro cine español.
Es una película que reflexiona sobre la soledad, la desilusión, la traición, la amistad, la búsqueda de la felicidad… Hay escenas realmente maravillosas, por ejemplo toda la parte de Nueva York, en plena Navidad, y Areta andando por sus calles, solo, y con esa mirada suya. También esta la escena del arranque en el bar, una de las mejores tarjetas de presentación para un ex policía. Y toda la escena de los títulos de crédito, cuando sale del bar y se dirige en la soledad de la noche hacia Madrid, con una mirada que lo dice todo sin ni siquiera hablar.
Destacar la música de Jesús Gluk, sobre todo esa portentosa adaptación de “Merci Cherie”, una melodía que va tan bien con el personaje, y con esa mirada de tristeza y de desilusión que transmite.
En definitiva estamos ante uno de los mejores trabajos de J.L Garci, una pequeña gran obra que no pueden perderse los amantes de este género, ni a todos aquellos que les guste una buena película.
El crepúsculo de los dioses
El precio original era: 7,20 €.5,99 €El precio actual es: 5,99 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro. Drama | Cine dentro del cine. Literatura. Vejez / Madurez. Nochevieja / Año nuevo. Película de culto
Sinopsis
Joe Gillis es un joven escritor de segunda fila que, acosado por sus acreedores, se refugia casualmente en la mansión de Norma Desmond, antigua estrella del cine mudo, que vive fuera de la realidad, acompañada únicamente de su fiel criado Max. A partir de ese momento, la actriz pretende que Joe corrija un guion que ella ha escrito y que va a significar su regreso al cine.
(Billy Wilder, 1950)
CRITICAS
Una película desoladora, cruel, en la que el humor siempre presente en la obra de este autor queda descartado o, cuando aparece, lo hace acompañado de la amargura. Ficción y realidad (son numerosos los cameos, algunos crueles como el de Keaton, N. Olson –el Jesús de C.B. DeMille-, otros irónicos como el de Cecil. B. DeMille o el de H. Hooper) se dan aquí la mano para mostrarnos la historia de una antigua estrella del cine muda recluida en su anacrónica mansión y olvidada por ese público fiel que algún día la idolatró.
A esa mansión llega un guionista perseguido por sus acreedores que comenzará a establecer una relación vampírica (será primero el guionista de “Salomé”, el “comeback” con el que quiere retornar la diva; pero acabará convertido en gigoló en un ciudad donde los sueños se mueven por dinero).
Este argumento servirá para que Wilder y Brackett (será su última colaboración juntos y la mejor junto con “Ninotchka”; todo un hallazgo que la película sea narrada por un muerto) pasen revista con todo lujo de detalles y sin ahorrar en crueldades la naturaleza de esta industria de los sueños, que hace vivir a sus protagonistas en pos de una demanda siempre perpetua de carne fresca, auténticas pesadillas.
Como no podía ser de otra forma en las películas del maestro, los diálogos sublimes, de esos que te quedan grabados en la memoria (“Yo soy grande, es el cine el que se hizo pequeño”; “No hay nada trágico en tener 50 años; a no ser que intente tener 25”; “Sr. De Mille, cuando quiera estoy lista”); pero aquí también cuidara en extremo la imagen, siempre más secundaria para autor como él.
La secuencia de la piscina, la del rodaje de “Sansón y Dalila” con ese foco que la ilumina, o la secuencia final de la bajada de escaleras es una prueba de que nunca como en esta película Wilder cuido tanto la imagen, quizá por acercarse a las espléndidas estrellas del cine mudo (“figuras de cera”) que tan certeramente retrata.
El trío protagonista está en estado de gracia
El crepúsculo de los dioses – ED. 75 aniversario 4K UHD + BLU RAY – Importacion
El precio original era: 50,76 €.49,55 €El precio actual es: 49,55 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro. Drama | Cine dentro del cine. Literatura. Vejez / Madurez. Nochevieja / Año nuevo. Película de culto
Sinopsis
Joe Gillis es un joven escritor de segunda fila que, acosado por sus acreedores, se refugia casualmente en la mansión de Norma Desmond, antigua estrella del cine mudo, que vive fuera de la realidad, acompañada únicamente de su fiel criado Max. A partir de ese momento, la actriz pretende que Joe corrija un guion que ella ha escrito y que va a significar su regreso al cine.
(Billy Wilder, 1950)
CRITICAS
Una película desoladora, cruel, en la que el humor siempre presente en la obra de este autor queda descartado o, cuando aparece, lo hace acompañado de la amargura. Ficción y realidad (son numerosos los cameos, algunos crueles como el de Keaton, N. Olson –el Jesús de C.B. DeMille-, otros irónicos como el de Cecil. B. DeMille o el de H. Hooper) se dan aquí la mano para mostrarnos la historia de una antigua estrella del cine muda recluida en su anacrónica mansión y olvidada por ese público fiel que algún día la idolatró.
A esa mansión llega un guionista perseguido por sus acreedores que comenzará a establecer una relación vampírica (será primero el guionista de “Salomé”, el “comeback” con el que quiere retornar la diva; pero acabará convertido en gigoló en un ciudad donde los sueños se mueven por dinero).
Este argumento servirá para que Wilder y Brackett (será su última colaboración juntos y la mejor junto con “Ninotchka”; todo un hallazgo que la película sea narrada por un muerto) pasen revista con todo lujo de detalles y sin ahorrar en crueldades la naturaleza de esta industria de los sueños, que hace vivir a sus protagonistas en pos de una demanda siempre perpetua de carne fresca, auténticas pesadillas.
Como no podía ser de otra forma en las películas del maestro, los diálogos sublimes, de esos que te quedan grabados en la memoria (“Yo soy grande, es el cine el que se hizo pequeño”; “No hay nada trágico en tener 50 años; a no ser que intente tener 25”; “Sr. De Mille, cuando quiera estoy lista”); pero aquí también cuidara en extremo la imagen, siempre más secundaria para autor como él.
La secuencia de la piscina, la del rodaje de “Sansón y Dalila” con ese foco que la ilumina, o la secuencia final de la bajada de escaleras es una prueba de que nunca como en esta película Wilder cuido tanto la imagen, quizá por acercarse a las espléndidas estrellas del cine mudo (“figuras de cera”) que tan certeramente retrata.
El trío protagonista está en estado de gracia
El crepúsculo de los dioses – ED. COLECCIONISTA + LIBRETO
El precio original era: 13,25 €.12,04 €El precio actual es: 12,04 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro. Drama | Cine dentro del cine. Literatura. Vejez / Madurez. Nochevieja / Año nuevo. Película de culto
Sinopsis
Joe Gillis es un joven escritor de segunda fila que, acosado por sus acreedores, se refugia casualmente en la mansión de Norma Desmond, antigua estrella del cine mudo, que vive fuera de la realidad, acompañada únicamente de su fiel criado Max. A partir de ese momento, la actriz pretende que Joe corrija un guion que ella ha escrito y que va a significar su regreso al cine.
(Billy Wilder, 1950)
CRITICAS
Una película desoladora, cruel, en la que el humor siempre presente en la obra de este autor queda descartado o, cuando aparece, lo hace acompañado de la amargura. Ficción y realidad (son numerosos los cameos, algunos crueles como el de Keaton, N. Olson –el Jesús de C.B. DeMille-, otros irónicos como el de Cecil. B. DeMille o el de H. Hooper) se dan aquí la mano para mostrarnos la historia de una antigua estrella del cine muda recluida en su anacrónica mansión y olvidada por ese público fiel que algún día la idolatró.
A esa mansión llega un guionista perseguido por sus acreedores que comenzará a establecer una relación vampírica (será primero el guionista de “Salomé”, el “comeback” con el que quiere retornar la diva; pero acabará convertido en gigoló en un ciudad donde los sueños se mueven por dinero).
Este argumento servirá para que Wilder y Brackett (será su última colaboración juntos y la mejor junto con “Ninotchka”; todo un hallazgo que la película sea narrada por un muerto) pasen revista con todo lujo de detalles y sin ahorrar en crueldades la naturaleza de esta industria de los sueños, que hace vivir a sus protagonistas en pos de una demanda siempre perpetua de carne fresca, auténticas pesadillas.
Como no podía ser de otra forma en las películas del maestro, los diálogos sublimes, de esos que te quedan grabados en la memoria (“Yo soy grande, es el cine el que se hizo pequeño”; “No hay nada trágico en tener 50 años; a no ser que intente tener 25”; “Sr. De Mille, cuando quiera estoy lista”); pero aquí también cuidara en extremo la imagen, siempre más secundaria para autor como él.
La secuencia de la piscina, la del rodaje de “Sansón y Dalila” con ese foco que la ilumina, o la secuencia final de la bajada de escaleras es una prueba de que nunca como en esta película Wilder cuido tanto la imagen, quizá por acercarse a las espléndidas estrellas del cine mudo (“figuras de cera”) que tan certeramente retrata.
El trío protagonista está en estado de gracia
El crepúsculo de los dioses / Sunset Boulevard – ED. COLECCIONISTA 4K UHD + BLU RAY
El precio original era: 60,44 €.59,23 €El precio actual es: 59,23 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro. Drama | Cine dentro del cine. Literatura. Vejez / Madurez. Nochevieja / Año nuevo. Película de culto
Sinopsis
Joe Gillis es un joven escritor de segunda fila que, acosado por sus acreedores, se refugia casualmente en la mansión de Norma Desmond, antigua estrella del cine mudo, que vive fuera de la realidad, acompañada únicamente de su fiel criado Max. A partir de ese momento, la actriz pretende que Joe corrija un guion que ella ha escrito y que va a significar su regreso al cine.
(Billy Wilder, 1950)
CRITICAS
Una película desoladora, cruel, en la que el humor siempre presente en la obra de este autor queda descartado o, cuando aparece, lo hace acompañado de la amargura. Ficción y realidad (son numerosos los cameos, algunos crueles como el de Keaton, N. Olson –el Jesús de C.B. DeMille-, otros irónicos como el de Cecil. B. DeMille o el de H. Hooper) se dan aquí la mano para mostrarnos la historia de una antigua estrella del cine muda recluida en su anacrónica mansión y olvidada por ese público fiel que algún día la idolatró.
A esa mansión llega un guionista perseguido por sus acreedores que comenzará a establecer una relación vampírica (será primero el guionista de “Salomé”, el “comeback” con el que quiere retornar la diva; pero acabará convertido en gigoló en un ciudad donde los sueños se mueven por dinero).
Este argumento servirá para que Wilder y Brackett (será su última colaboración juntos y la mejor junto con “Ninotchka”; todo un hallazgo que la película sea narrada por un muerto) pasen revista con todo lujo de detalles y sin ahorrar en crueldades la naturaleza de esta industria de los sueños, que hace vivir a sus protagonistas en pos de una demanda siempre perpetua de carne fresca, auténticas pesadillas.
Como no podía ser de otra forma en las películas del maestro, los diálogos sublimes, de esos que te quedan grabados en la memoria (“Yo soy grande, es el cine el que se hizo pequeño”; “No hay nada trágico en tener 50 años; a no ser que intente tener 25”; “Sr. De Mille, cuando quiera estoy lista”); pero aquí también cuidara en extremo la imagen, siempre más secundaria para autor como él.
La secuencia de la piscina, la del rodaje de “Sansón y Dalila” con ese foco que la ilumina, o la secuencia final de la bajada de escaleras es una prueba de que nunca como en esta película Wilder cuido tanto la imagen, quizá por acercarse a las espléndidas estrellas del cine mudo (“figuras de cera”) que tan certeramente retrata.
El trío protagonista está en estado de gracia