Mostrando 25–48 de 128 resultados
TIPO
- CineCine 116
- SeriesSeries 9
FILTRAR POR GÉNERO
FORMATO
IDIOMA
PRODUCTORA
- 20th Century Fox 1
- 21 Century Shengkai Film 1
- ACEMAKER movieworks 1
- Akira Committee Company Ltd. 1
- Bandai Visual 1
- BBC Film 1
- Beijing Forbidden Films 1
- Cinema City 1
- Cinema City Film Productions 1
- CJ Entertainment 4
- Cloud Production Committee 1
- CoMix Wave Films 1
- Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Alemania-Francia-Italia 1
- Coproducción China-Francia-Japón 1
- Coproducción China-Hong Kong 2
- Coproducción Hong Kong-China 3
- Coproducción Hong Kong-Corea del Sur 1
- Coproducción Hong Kong-Taiwán 1
- Coproducción Hong Kong-Taiwán-Alemania 1
- Coproducción Japón-Estados Unidos 2
- Coproducción Japón-Francia 3
- Coproducción Taiwán-Estados Unido 1
- Coproducción Taiwán-Japón 1
- Daiei Films 1
- Daiei Studios 4
- Daiichi Eiga 1
- Film Workshop 2
- Fuji TV 3
- Golden Harvest Company 3
- Government of West Bengal 1
- J-Movie Wars 1
- Jeonwonsa Film 1
- Kim Ki-Young Production 1
- Kurosawa Production Co. 1
- Machi Xcelsior Studios 1
- Milestone Pictures 1
- Moho Films 3
- New Line Cinema 1
- Next Entertainment World 1
- Nikkatsu 2
- Ninjin Club 1
- Nintendo 1
- Nippon Animation 1
- Opus Pictures 1
- Satyajit Ray 1
- Shin Cine Communications 1
- Shintoho 2
- Shochiku 5
- Shôchiku 4
- Studio Chizu 1
- Studio Ghibli 1
- Super Bullet Pictures 1
- Tatsunoko Production 1
- TMoment 1
- Toei 4
- Toei Animation 5
- Toei Company 1
- Toei Tokio 1
- Toho 24
- TV Tokyo 1
- Warner Bros 3
- Xi 'an Motion-Picture 1
AÑO LANZAMIENTO
Director
- Akira Kurosawa 21
- Akira Toriyama 3
- An Tae-jin 1
- Ang Lee 1
- Atsushi Muroga 1
- Benny Chan 1
- Bong Joon-ho 2
- Brett Ratner 1
- Bruce Lee 1
- Chen Kaige 2
- Ching Siu-Tung 1
- Clarence Fok 1
- Elichi Kudo 1
- Fritz Lang 1
- Hayao Miyazaki 1
- Hirokazu Koreeda 1
- Hiroshi Inagaki 4
- Hiroshi Shidara 1
- Hong Sang-soo 1
- Hou Hsiao-Hsien 1
- Isao Takahata 3
- Jae-Hoon Choi 1
- Jang Sun-woo 1
- Jia Zhangke 1
- John Woo 4
- Jung Woo-sung 1
- Junya Sato 1
- Kao Pao-Shu 1
- Katsuhiro Otomo 1
- Keisuke Kinoshita 1
- Kenji Mizoguchi 6
- Kenji Tanigaki 1
- Kenneth Bi 1
- Kim Ki-young 1
- Kinji Fukasaku 2
- Kiyoshi Kurosawa 1
- Kon Ichikawa 3
- Kunio Watanabe 1
- Kunitoshi Manda 1
- Makoto Shinkai 1
- Mamoru Hosoda 1
- Mamoru Oshii 1
- Masahiko Nagasawa 1
- Masakazu Hashimoto 1
- Masaki Kobayashi 2
- Masayuki Hayashi 1
- Mikio Naruse 2
- Na Hong-jin 1
- Nagisa Ôshima 1
- Osamu Kasai 1
- Park Chan-wook 5
- Ping Lumpraploeng 1
- Rob Jabbaz 1
- Robert Clouse 3
- Sammo Hung 1
- Satyajit Ray 2
- Seiji Maruyama 1
- Shuji Terayama 1
- Takumi Furukawa 1
- Tomoharu Katsumata 1
- Tōru Murakawa 1
- Toshiharu Ikeda 1
- Toshiya Fujita 1
- VARIOS 1
- Wang Quan'an 1
- Wong Jing 1
- Wong Kar-Wai 1
- Yasujirō Ozu 6
- Ying Da 1
- Yōjirō Takita 1
- Yoshitaro Nomura 1
- Zhang Yimou 1
Price
CATEGORÍAS
- Accessories 3
- GÉNERO 3865
- Acción / aventuras / artes marciales 1219
- Animación / Anime 135
- Asiatico 128
- Bélico 234
- Ciencia ficción / SCI FI 389
- Clasico 1083
- Comedia 821
- Contemporáneo / moderno 136
- Documental 29
- Drama 2018
- Erótico / adultos 32
- Europeo 916
- Infantil 196
- Musical 184
- Religioso 83
- Romance 559
- Social / político 720
- Super héroes y comics 87
- Terror 566
- Thriller/ Policíaco 1314
- Western 184
- IMPORTACIÓN 103
- NOVEDADES 1237
- PREVENTA 283
Asiatico
EL BANQUETE DE BODA
Género
Drama. Comedia | Homosexualidad. Bodas. Familia
Sinopsis
Simon y Wai-Tung son dos gays que viven juntos en Manhattan. Para disipar las sospechas de los padres de Wai-Tung, Simon sugiere que organice una boda de conveniencia con Wei-Wei, una joven inmigrante que necesita la carta verde de inmigración para poder permanecer en los Estados Unidos. Pero cuando los padres de Wai-Tung llegan a Nueva York insisten en organizar el banquete, lo que traerá muchas complicaciones.
(Ang Lee, 1993)
CRITICAS
Fulgurante aparición de Ang Lee en Estados Unidos con un film, mitad comedia mitad drama, en torno a los prejuicios raciales y culturales y a la homosexualidad. El director oriental afronta la complicada temática sin tapujos, pero a la vez de una manera sutíl, e incluso tierna, que deja al espectador con una sensación de hallarse ante una especie de fábula contemporánea.
Ahora que Ang Lee se ha puesto merecidamente en lo más alto de la fama, quiero recomendar esta película, que fue la primera suya que yo vi.
La trama, con una pareja interracial y homosexual como protagonista, trata sobre todo de lo tradicional frente a lo nuevo, o más que frente a su lado, pues creo que en todo momento respeta ambas ideas.
Está planteada como una comedia suave, pero muy divertida en algunos momentos, que en su parte final se pone seria. La sonrisa es prácticamente constante en dicha primera mitad y en la segunda el efecto es diferente, pero el interés no decae lo más mínimo.
La sensación que transmite Ang Lee con sus personajes es de gran afecto hacia ellos y esto se contagia en el espectador.
En el banquete que da título a la película muestra una cara de los chinos muy diferente a lo conocido y, cuando uno de los invitados dice que él pensaba que éstos eran más tranquilos, otro, el que creo es el propio Lee, le responde: «Es el resultado de 5000 años de represión sexual».
EL CASTILLO EN EL CIELO
Género
Animación. Fantástico. Aventuras | Steampunk. Piratas. Amistad. Cine familiar. Película de culto
Grupos
Studio Ghibli (y obras relacionadas)
Sinopsis
Una aeronave se desliza sobre un mar de nubes, en una noche de luna llena. Muska, un agente secreto del gobierno, acompaña a una chica llamada Sheeta a la fortaleza de Tedis. Repentinamente la nave es atacada por los piratas que, al igual que el gobierno, buscan el secreto de la piedra mágica de levitación que Sheeta lleva alrededor del cuello. La piedra es la llave que abrirá las puertas de La Fortaleza celeste, una isla flotante en medio del cielo creada por una misteriosa raza que hace mucho tiempo desapareció del planeta. Pazu, un joven muchacho, se hace amigo de Sheeta, le ayuda a escapar de sus seguidores y juntos se disponen a resolver el misterio de la Fortaleza Celeste. Cuando Sheeta y Pazu inician su viaje hacia la Fortaleza Celeste, ponen en marcha una cadena de acontecimientos irreversibles. En este misteriosos lugar encontrarán un tesoro mucho más grande que el poder de gobernar el mundo.
(Hayao Miyazaki, 1986)
CRITICAS
Aunque mi película favorita de Miyazaki siga siendo la sobresaliente «La Princesa Mononoke», hay que reconocer que este director ha convertido en oro todo lo que ha tocado. «El Castillo en el Cielo» es un ejemplo de ésto: Tenemos una historia simple que nos presenta a Shita, una preciosa joven, y a Pazu, un muchacho trabajador que se cruza con la fémina por casualidad. Resulta que Shita tiene una piedra con poderes especiales que podría estar relacionados con Laputa, un castillo volador, cuna de una civilización milenaria mucho más avanzada que los hombres. Esto ha llevado a Shita a ser perseguida, por lo que con la ayuda de Pazu tendrá que escapar…
La trama es simple, muy simple, tanto que en manos de otro estudio que no fuese Ghibli habría acabado en absolutamente nada. Pero los chicos de Miyazaki consiguieron imprimir al relato un nuevo enfoque, tirando por lo artístico para regalarnos una auténtica maravilla a nivel visual. Aunque técnicamente sea calcada a Heidi/Marco, lo cierto es que las secuencias de acción y vuelo son impresionantes, sencillamente. Las explosiones, la caída de las rocas… pese a ser animación de hace casi 20 años, es impresionante incluso hoy en día.
La calidad de la animación va acompañada con una BSO impresionante, que en momentos concretos -el descubrimiento de Laputa con el robot de piedra en la entrada- llegan a emocionar.
¿Y los personajes? Adorables. Shita es tierna e inocente, Pazu nos contagia con su valor, los piratas nos arrancan una sonrisa, y Muska llega a producir empatía con muchas de sus apariciones, algo meritorio teniendo en cuenta que es el «malo» de la historia. La fauna de Miyazaki y la factura técnica vueven a ser seña de identidad.
Aunque lo que más sorprende, son las solventes escenas en el aire, gran pasión de Miyazaki -o eso se da entender en todas sus películas-. Los enfrenamientos entre las naves o el torbellino de humo cubriendo la Isla Flotante son un buen ejemplo.
Lo mejor es que El Castillo en el Cielo es una película para todos los públicos que gustará a cualquiera que la vea, con seis, veinte o setenta años. Preciosísima historia «made in Ghibli». Sin duda, de lo mejor del estudio. De lujo, aunque personalmente por debajo de «Mononoke».
EL DEMONIO
Género
Intriga. Drama | Familia
Sinopsis
La antigua amante de un hombre se presenta un día en casa de éste y de su actual mujer, con sus tres hijos y desaparece, abandonando así a los tres niños. Para ella, es una venganza y una forma de darle una lección a este hombre que considera irresponsable. Esta situación inesperada no le gusta nada a la esposa legítima, que empieza a sentir un odio incontrolable hacia los niños y piensa hacerlos desaparecer del todo..
(Yoshitaro Nomura, 1978)
CRITICAS
Siniestra y brutal. Estos son los primeros calificativos que se me vienen a la cabeza después de ver esta película.
Un humilde trabajador de imprenta recibe en su casa la visita de su amante y sus tres hijos, en medio de la noche la madre se marcha y deja a los niños con su padre. La mujer de este, uno de los personajes más tétricos y pérfidos que he visto nunca en el cine, los repudia desde un principio y termina por convencer al marido de que son una carga y ha de hacerlos desaparecer.
La cinta es descarnada y dolorosa, duele ver como un padre olvida su labor como tal y lleva a cabo una tarea tan aterradora. Desasosiego, tensión y rabia contenida es lo que he sentido durante todo el metraje, que se desarrolla enteramente dentro de una atmósfera oscura y claustrofóbica. Esta película me ha impresionado profundamente, a destacar un par de escenas que ponen los pelos de punta, cuando la veas las reconoceras en seguida.
Técnicamente la cinta posee el espíritu propio de los 70, representado en este caso por un uso del zoom abusivo, que abre y cierra plano sin ningún pudor, pero que le dota de un poderoso encanto.
La actuación de los niños es sobrecogedora, sobre todo la del mayor, que acapara toda la atención del film.
Mención especial para la gran banda sonora, intensa y perfecta para un film de estas características, en ocasiones parece que hubiera inspirado al mismísimo John Williams.
EL EXTRAÑO
Género
Thriller. Intriga. Terror | Crimen. Policíaco. Sobrenatural. Vida rural. Folk Horror
Sinopsis
La vida de un pueblo coreano se ve alterada por una serie de asesinatos, salvajes y misteriosos, que azota a la pequeña comunidad rural. Los rumores y las supersticiones se propagan a causa de la presencia, desde hace poco tiempo, de un anciano extranjero que vive como un ermitaño. Ante la incompetencia de la policía para encontrar al asesino y sin tener una explicación racional, algunos habitantes del pueblo buscan a un chamán. Jong-Gu, un policía cuya familia está directamente amenazada, también cree que se trata de crímenes sobrenaturales.
(Na Hong-Jin,2016)
Posición en rankings FA
41 Ranking de terror sobrenatural
96 Mejores películas coreanas de todos los tiempos
Premios
2016: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes (fuera de concurso)
2016: Festival de Sitges: Mejor película asiática y mejor fotografía
CRITICAS
Tercera y última película de Na Hong-jin, desarrollada sobre la misma línea que sus anteriores trabajos: el thriller de intriga, pero a diferencia de su extraordinario debut The Chaser (2008) o The Yellow Sea (2010) –ganador al premio como Mejor Director en Sitges 2011–, el tema sobre el cual se estructura The Wailing no es la inmigración, el crimen o la amenaza de un asesino en serie como tal, sino el folclor japonés, imbuido de magia y misticismo.
No hay nada más aterrador que no tener claro a qué le estás teniendo y a qué debes tenerle miedo. The Wailing inicia con el descubrimiento de una serie de misteriosas y horribles muertes ocurridas en la tranquila jurisdicción de Gokseong (sin razón aparente los crímenes son cometidos por un miembro de la familia quien permanece bañado en sangre como si estuviese en trance). Pero las investigaciones pronto apuntarán hacía una dirección más peligrosa: lo sobrenatural. ¿Cómo investigar, perseguir y detener a un demonio?
Hong-jin se basa en las tradiciones chamánicas del yamabushi y algunos símbolos religiosos occidentales para evocar un reino oscuro y primitivo que arroja su violencia en la naturaleza y en el seno de los hogares. Una exploración al mundo de los espíritus a través del razonamiento y el esfuerzo de quizá no el mejor policía (eficaz y deductivo) pero si de un buen padre, un padre dispuesto a hacer todo por salvar a su hija. Una carrera contra el tiempo en medio de una fantasía alucinatoria que sumergirá al protagonista en un infierno de dudas e impotencia.
Un filme entretenido en sus más de dos horas, de tensión y, tan propios de la histeria escenificada (común en el cine coreana o japonés), destellos de comedia negra. Superstición y lógica. Posiblemente una metáfora sobre los fantasmas que aún hoy día necesita expiar la Corea del Sur rural, xenofóbica y herida por el pasado (el colonialismo japonés, la guerra civil, la partición).
El furor del dragón (WAY OF THE DRAGON, 1972) Ed. 4K UHD +BLU RAY
EDICION COLECCIONISTA 4K UHD +BLU RAY
Género
Acción | Artes marciales
Sinopsis
Tang Lung (Bruce Lee) llega a Roma para ayudar a una amiga de la familia, Chen Ching Hua (Nora Miao), amenazada por unos gangsters locales que quieren apropiarse de su restaurante. Poco después de la llegada de Tang, los criminales irrumpen en el restaurante con la intención de obligar a Chen a firmar la venta de su propiedad. Después de que se burlen del estilo de combate de su país natal, un furioso Tang reta a los matones y les derrota en una excelente exhibición de artes marciales. Tras fracasar en su afán de asesinar a Tang, el cerebro de la banda contrata a Colt (Chuck Norris), un campeón mundial de karate de Estados Unidos, en un último intento de acabar con él. Tang se verá las caras con el americano en el mítico Coliseo Romano en el que lucharán como gladiadores en un legendario combate a muerte
Escrita, dirigida, coreografiada e interpretada por Bruce Lee, “El furor del Dragón” pasará a los anales de la historia del cine como una de las obras culminantes del género de las artes marciales
«Puramente memorable por su escena del Coliseo entre Lee Y Chuck Norris. Además, ofrece la mejor secuencia de combate jamás rodada»
El guardián de acero
Género
Acción
Sinopsis
Tres maestros de la espada se encuentran entre sí por diferentes motivos. Tae-Yul (Jang Hyuk) es un espadachín que se propone encontrar a su hija tras perder uno de sus ojos. Min Seung-Ho (Jeong Man-shik), el mejor samurai de la dinastía Joseon, decide abandonar su oficio para dedicarse a la contemplación de la naturaleza tras percibir un tipo de energía trascendental en ella. Por otro lado, Gurutai (Joe Taslim), el miembro más temido de la dinastía Qing, aspira a convertirse en el maestro supremo del dominio de la espada, incluso por encima de la dinastía Qing.
(Jae-Hoon Choi, 2020)
El hijo único
Sinopsis
Una campesina se esfuerza al máximo para que su hijo pueda recibir en Tokio una buena educación. Algunos años después, lo va a visitar, dando por supuesto que será feliz y tendrá una buena posición social. Pero, nada más llegar, se encuentra con la triste realidad: su hijo, que está casado, es profesor de la escuela nocturna y vive sumido en la miseria.
(Yasujirō Ozu, 1936)
Posición en rankings FA
41 Mejores películas de los años 30
La película me parece una fiel representación del sino japonés. Ozu tiene la capacidad de no filmar una película sino retratar la historia de unas personas reales, que efectivamente vivieron lo que vivieron y él estaba ahí para filmarlo.
Maravilloso guión, historia y actuaciones.
El hijo único
Género
Drama | Pobreza. Familia
Sinopsis
Una campesina se esfuerza al máximo para que su hijo pueda recibir en Tokio una buena educación. Algunos años después, lo va a visitar, dando por supuesto que será feliz y tendrá una buena posición social. Pero, nada más llegar, se encuentra con la triste realidad: su hijo, que está casado, es profesor de la escuela nocturna y vive en un estado de semipobreza
(Yasujirō Ozu, 1936)
Posición en rankings FA
41 Mejores películas de los años 30
CRITICAS
La película me parece una fiel representación del sino japonés. Ozu tiene la capacidad de no filmar una película sino retratar la historia de unas personas reales, que efectivamente vivieron lo que vivieron y él estaba ahí para filmarlo. Dicho de otra manera, maravilloso guión, historia y actuaciones.
La historia y las actuaciones te acarician profundamente, aunque es difícil entrar a la película por esta costumbre occidental de hablar demasiado y moverse tanto, una vez que uno entiende ese modo japonés de contener el cuerpo y guardar silencio, de esperar y reflexionar antes de hablar y actuar, entonces uno puede dejarse ir por la película. De una sutileza y contundencia maravillosa. Una verdadera obra de arte. Me hizo sentir el mismo vacío en el alma como cuando termine de ver “Ladrón de bicicletas” de Vittorio de Sica, “Nosotros los pobres” de Ismael Rodríguez o “Las tortugas también vuelan” de Bahman Ghobadi. La recomiendo encarecidamente, pero también recomiendo cambiar el reloj interno de occidental a japonés para poderse dejar cautivar. No es que la película sea muy larga (87 minutos), pero sus minutos pasan a lo japonés.
La historia que nos cuenta el Sr. Ozu en este filme conmovedor —realizado allá en Japón mientras acá en España andaban los españoles desatando sus odios fraternos— es la de una mujer trabajadora, sola y con un único hijo en un pequeño pueblo japonés. Ella trabaja y se sacrifica por obtener algo de dinero para que el muchacho vaya a la capital y haga estudios superiores, todo esto en 1923.
Pasan el tiempo y la acción se traslada al año 1935, cuando la madre viaja desde el pueblo hasta Tokio para visitar a su hijo, al que cree estar gozando de un estatus superior conforme a los estudios que realizó. Pero una vez in situ contempla la cruda realidad de su vástago; descubre que éste sólo alcanzó ser un maestro pobretón en una escuela periférica para muchachos en horario nocturno.
EL HOMBRE DEL CARRITO
Género
Drama | Japón feudal. Remake
Sinopsis
Matsugoro, un pobre conductor de carro en el Japón del periodo Meiji, devuelve a un niño perdido, Toshio, a su casa. Sus padres se muestran con él muy agradecidos. Tras la muerte del padre, la madre, Yoshiko, muy preocupada por su hijo, le pide a Matsugoro que le ayude a educarlo. Él acepta encantado. Con el paso del tiempo le coge mucho cariño, al niño y a la madre. Pero Toshio crece, y se marcha a estudiar a la universidad de Tokio, y Matsugoro se siente abandonado y triste…
(Hiroshi Inagaki, 1958)
CRITICAS
Japón, principios del siglo XX. Matsu se gana su pan transportando personas en un jinrikisha, un cochecito de dos ruedas, del que tira con la sola fuerza de sus piernas. Aunque su oficio es de inveterada tradición en la sociedad japonesa suele topar con clientes altivos que se conducen ante él con manifiesta desconsideración. Matsu es muy popular entre sus convecinos, que le apodan el salvaje por su pronto pendenciero, por su enorme expresividad física (en este aspecto, Mifune se siente como pez en el agua) y, tal vez, por su carencia de ambición.
Muhomatsu no issho es un melodrama de tomo y lomo: desigualdades sociales, amores no confesados, muertes… pero a veces no lo parece por el tono sencillo, incluso cómico, que predomina en muchas de las secuencias que vertebran el filme (como en la escena de la carrera popular en la que Matsu participa con su peculiar estilo de correr, como si tirase de un carrito pero sin carrito) o por la sobriedad narrativa que priva a la historia de cualquier arranque de afectación (como el uso de la elipsis con la muerte del capitán Kotaro, padre de Toshio, de una efectividad fulminante).
¡Ay, hombre que trabaja tirando de un carrito con personas o con enseres! Hay que ser muy fuerte para desempeñar un oficio como ese, tener una buena salud y no avergonzarse de formar parte del estrato trabajador más bajo de la sociedad. Pero además, este humilde tiene más virtudes maravillosas hay que descubrir conociéndole de cerca, alguna incluso guardada tan en secreto que nadie puede imaginarse.
¡Toda una lección de estética, elegancia sopesada y compostura japonesa la que Hideko Takamine nos enseña con su actuación!
EL IDIOTA
Género: Drama
Grupos: Adaptaciones de Fiódor Dostoievski
Sinopsis
Adaptación de la novela homónima de Dostoievski. Kameda, condenado a muerte por crímenes de guerra, en el último momento se salva de ser fusilado. La conmoción le provoca durante cierto tiempo fuertes ataques epilépticos; pero, al mismo tiempo, se produce en él una profunda transformación que algunos consideran «idiotez», pero que no es más que sencillez, bondad y una gran capacidad de amar. En un viaje a Hokkaido conoce a la joven Taeko. Cuando Akama, su enamorado, descubre que ella quiere en realidad a Kameda, no podrá dominar sus instintos asesinos
(Akira Kurosawa, 1951)
CRITICAS
En “El Idiota”, Dostoievski quiso dibujar un ideal de hombre positivo, excelso, de alma pura e inocente, abierta y compasiva, sin cerrazón egoísta.
Con el príncipe Mishkin cuajó un arquetipo como el Quijote, Don Juan, Hamlet o Edipo. En la tradición rusa de los ‘iurodivi’, los locos santos, Dostoievski le situó al final de un linaje aristocrático cuyo refinamiento contrastaba con la corrupción de una nobleza entregada al afán de lucro. Enfermo de epilepsia, el antiguo ‘mal sagrado’, antes de regresar a una vida normal había pasado varios años en un sanatorio suizo. Ya en el tren coincide con un joven temperamental y violento, el primero de los personajes apasionados que lo buscarán como testigo de sus inflamados actos; que lo reverenciarán, detestarán, amarán y odiarán por celos, en un constante vaivén de turbulencias muy apropiadamente comparable a una montaña rusa.
Dostoievski conocía en primera persona la epilepsia y supo transferir a su personaje el momento singular de la enfermedad, los culminantes instantes de lucidez previos al ataque, semejantes a un éxtasis o iluminación, y también la terrible fragilidad por la vecina locura.
Aun siendo larga la película (hay dos versiones, y la breve dura casi tres horas), Kurosawa sintetizó mucho el argumento, repleto de incidencias, y reflejó con acierto lo esencial, si bien el perfil del protagonista sufre radicales modificaciones: no es un exquisito príncipe ruso sino un soldado japonés, Kameda, que tras la IIGM es devuelto a casa desde un hospital americano. El trauma de un simulacro de fusilamiento le provocó epilepsia y lo volvió aparentemente idiota, en el sentido de inocente y falto de malicia más que en el de deficiente.
(Este detalle del fusilamiento fingido lo tomó Kurosawa de la vida de Dostoievski quien, como prisionero político, padeció la experiencia y sufrió por ello la enfermedad epiléptica de por vida.)
Ya en el tren, Kameda va encontrando a los equivalentes japoneses del reparto novelesco: el ya mencionado joven temperamental, la cortesana que esclaviza corazones, los parientes influyentes, el secretario bobo de solemnidad, el burócrata servil, la joven de espíritu ardiente… personajes todos que abren el alma en llamaradas emocionales.
Kurosawa, el más occidental de los directores orientales, busca un terreno común a ambos mundos. Rusifica el paisaje, un insólito Japón bajo nieve continua por el que se circula en trineo, y añade corales eslavas y pasajes de Mussorgsky. La devoción por John Ford es patente al describir la vida familiar. La madre parece estar prestando colaboración desde cualquier película fordiana.
Lo oriental es perceptible en el ritmo parsimonioso. En consonancia con las tormentas pasionales, hay circulación e intercambio de miradas que se prolongan durante minutos, con carga eléctrica.
El ahondamiento del director consigue mostrar palpitante ese corazón puro que despierta en los demás la conciencia de que la bondad no es una quimera.
EL IMPERIO DE LOS SENTIDOS
Género
Romance. Drama | Erótico. Basado en hechos reales. Película de culto
Sinopsis
Una pareja de amantes vive una historia de amor llevada hasta límites inimaginables. La pasión se ha adueñado de ellos. El sexo ha pasado a ser lo único importante de sus vidas. Las ansias de la mujer por poseer a su hombre parecen inagotables y crecen cada día más hasta llegar a confundir el placer con el dolor.
(Nagisa Ôshima, 1976)
CRITICAS
Una gran película centrada en los encuentros sexuales de dos amantes y la pasión irreprimible que se apodera de ellos, y que merece un visionado más atento y una reflexión más profunda. En realidad estudia la pasión y las obsesiones humanas de manera muy sensible y valiente.
La obra más reconocida de Nagisa Oshima es que sea un hecho real en el Japón de la década de los años 30. Normal que en aquellos tiempos y en una cultura históricamente tan “moral” como la nipona, esta película tuviese un impacto tan grande como el que tuvo unido a una controversia que aún perdura. De hecho, a pesar de exhibirse y comercializarse, hoy en día, la censura sigue presente en el país del Sol naciente.
El imperio de los sentidos va más allá de lo erótico, no tildaría sus escenas más duras de pornográficas por un simple matiz: las relaciones sexuales que se muestran en las películas X tratan de excitar al espectador, mientras que Oshima compone sus escenas a modo de narración para mostrar la desenfrenada relación entre la pareja protagonista. Dicha relación basa su razón de ser en el sexo en medio de una espiral de autodestrucción donde nadie puede ni quiere poner fin. A pesar de todo, si el guión se preocupó en acercarse fielmente a las personalidades de los protagonistas, Sada Abe tenía un serio problema emocional mucho más allá del sexo y, su amante, no sé muy bien en qué punto situarlo entre la cordura y la fantasía, pero que al hombre le iba la marcha aún sabiendo de sus consecuencias, no me cabe la menor duda.
Rompió todos los moldes por fecha de realización como por ser la película “normal” que más muestra de todas las que he visto. Y sin saber muy bien por qué, no considero la película como una gran obra del mejor cine de calidad, pero tampoco es una mala película.
Una película que es poesía corporal, sexual, pasional hasta el extremo, biología básica, arte nudista femenino-masculino que apreciarán sobre todo quienes no temen ni les da asco la gran necesidad de una mujer por un hombre y viceversa, de abrazarse desnudos y jugar sexualmente a lo que sus hormonas, células y microcosmos internos les piden, les ordenan o les empujan.
El intendente Sansho
Género
Drama | Japón feudal. Siglo XII. Esclavitud
Sinopsis
A finales de la Época Heian en el siglo XII, el gobernador de un pueblo es enviado al exilio. A pesar de que su familia quiere ir con él, ninguno podrá acompañarle, pues, engañados por una vieja que se hace pasar por sacerdotisa, son vendidos como esclavos por separado: la madre por un lado y los hijos por otro.
(Kenji Mizoguchi, 1954)
CRITICAS
Excelente melodrama sobre la esclavitud, de guión recio e imagen bellísima –¡menudos exteriores, parecen sacados de las ilustraciones de un cuento!–
Al que haya tenido, como yo (hace ya un tiempo), la suerte de haberla visto por primera vez sin saber nada del argumento, le resultará imposible olvidar el inesperado giro que dan los acontecimientos en la escena de las barcas. La presentación es un pelín lenta, pero a partir de ahí ya no habrá descanso en una narración casi perfecta que se mantiene así hasta el emotivo final.
Actores que no actúan, sino que viven. Una cámara que no es cámara, sino universo. Una historia que no se conforma con tenernos de espectadores, sino que nos agarra del corazón y nos arrastra dentro.
No sé que tenía este director japonés, que hacía de la imagen un prodigio de sencillez visual y narrativa tan potente que deja sin aliento sin necesidad del menor delirio ni exceso. Una lección inigualable de sutileza. De saber desgarrar con la belleza del plano de una madre que reclama a sus hijos bajo sus alas protectoras, y que confía al viento una canción de búsqueda.
La esencia del Japón feudal en dos horas. La esencia de la maldad, del dolor, del amor, de la esclavitud, de la bondad, del coraje y de la persecución de los sueños. La esencia del mundo.
Y la esencia de lo mejor del cine universal que se pueda filmar jamás.
Sin duda alguna, una de las mejores películas japonesas de todos los tiempos.
EL LATIDO DE LA MONTAÑA
Género
Drama. Thriller | Crimen. Yakuza & Triada. Música
Sinopsis
Sid, hijo de un importante jefe mafioso de Hong Kong, se ve obligado a huir a las montañas de Taiwán. Allí entra en contacto con los miembros de una pequeña comunidad que vive entregada a perfeccionar la mente y el cuerpo mientras se entrenan con dureza y disciplina. Son además, consumados músicos de los tambores zen, un arte milenario que procede de China. Sid llega a ser uno más de esta comunidad, hasta que un día llegan noticias de Hong Kong: su familia está inmersa en una lucha entre bandas y lo necesitan. Sid tendrá que elegir entre la lealtad a los suyos y el sistema de valores recién aprendido
(Kenneth Bi, 2007)
CRITICAS
drama aderezado con tintes de humor, que explora los caminos insospechados recorridos por el hijo de un mafioso, después de que éste decide como destino el exilio para proteger a su vástago de un destino marcado por la desfortuna ante los constantes errores cometidos en un contexto los suficientemente radical como la mafia.
El multi-nominado trabajo de Keneth Bi sigue las peripecias de Sid, un chico desubicado e irreverente que consigue las cosas materiales con solo pedirlas; no obstante aprenderá que para obtener otras, tendrá que aprender a ganarlas con trabajo, paciencia y disciplina. El latido del tambor también presenta una introspección del personaje principal originado por el aislamiento, donde se comprende su proceder, así como el de otros personajes importantes para el desarrollo de la trama.
Película lineal que recobra valor no solo por su guión, también por fotografía, ambientación y sobre todo música; elemento que hace honor y revitaliza la espiritualidad con que los orientales suelen invadir sus trabajos artísticos. Es placentero salir del cine y ver cosas hechas por convicción y superiores a las que conciben las formulas para generar dinero. En esta ocasión se supera el recurso de las artes marciales tan auspiciadas por el cine chino.
Notable.
EL MAS ALLA
Género
Fantástico. Terror. Drama | Sobrenatural. Fantasmas. Yokais. Folk Horror. J-Horror. Samuráis. Película de episodios
Sinopsis
Filme basado en cuatro historias del escritor Lafcadio Hearn.
– «Pelo negro»: Un samurái no soporta a su mujer y la abandona por una princesa; y años después vuelve a casa para realizar un terrible descubrimiento.
– «La mujer en la nieve»: Dos leñadores se refugian de una tormenta de nieve en una especie de cobertizo abandonado.
– «Hoichi»: El fantasma de un samurái le pide a un músico ciego que toque una balada en la tumba de su señor.
– «En la taza de té»: Un samurái se asusta ante la visión de un hombre reflejado en su taza.
(Masaki Kobayashi, 1964)
Criticas
Este cine de Masaki Kobayashi es pura estética y delicadeza. De cine de terror o de miedo, nada de nada. Hay más miedo en cualquiera de los partidos de futbol que se ven constantemente en las televisiones, ahí si que hay miedo del de la peor especie.
En realidad, de lo que trata esta película es de espíritus, en concreto de los espíritus de las personas muertas. Mas las cuatro historias que la integran son a cual más deslumbrante y hermosa. Preferentemente me quedo con las dos centrales: «La mujer de la nieve» y «Hoichi». En ambas los espíritus tienen piedad, son considerados e incluso pagan la generosidad de relacionarse con ellos ya con inmenso amor ya con riqueza.
Genial y magistral, no se puede decir menos de Masaki Kobayashi, después de haber visto sus obras: LA CONDICIÓN HUMANA (I,II y III), HARAKIRI, EL MÁS ALLÁ y SAMURAI REBELLION donde borda el no va más del mito y la tradición japonesa. Magnífico director, menos conocido de Akira Kurosawa, entre otras cosas porque no llegó a filmar tantas películas como Akira, pero de la misma talla excepcional que él.
EL PROFESOR LAYTON Y LA DIVA ETERNA
Género
Animación. Intriga. Aventuras | Videojuego
Grupos
Nintendo | Level-5 | Professor Layton (Saga)
Sinopsis
Adaptación anime de la saga de videojuegos del mismo nombre. El Profesor Layton y Luke reciben una invitación para asistir a la ópera de Londres enviada por la cantante Jenice Kaitly. Por lo visto, la mujer se encontró con una antigua amiga que había vuelto a convertirse en una niña pequeña y que le aseguraba que había encontrado una forma de conseguir la vida eterna.
(Masakazu Hashimoto, 2009)
CRITICAS
Los juegos del Profesor Layton de la Nintendo-DS, y me pregunté: ¿existirá alguna película? Busqué en la base de datos de FilmAffinity y me salió esta ficha, así que la busqué para verla y la encontré, aunque en japonés pero subtitulada en castellano. Debo decir que la películame enganchó de principio a fin, la calidad de la animación es fiel al videojuego, al igual que el espíritu y objetivo del videojuego: la resolución de puzzles (o enigmas) hasta llegar a la solución final.
Las canciones, la música de fondo, la historia, la conexión de todos los hechos que van sucediendo en la historia, los gags humorísticos, el protagonismo repartido entre Layton y Luke, la duración adecuada de la película, la introducción a la película, los créditos finales, …Todo ha sido elaborado con interés, de manera excelente y coherente, ajustándose al videojuego. Lo que no entiendo es por qué no se ha estrenado en el cine en España cuando el videojuego es de los más vendidos de Nintendo.
Al igual que en su día ocurrió con Pokémon, podría atraer mucho merchandising gracias a estos personajes, que son un ejemplo a seguir, y cuyo videojuego ayudar a desarrollar la creatividad y el pensamiento lógico, y la película también a medida que avanzan los puzzles. Lo único que veo negativo es que, en algunas escenas, no se curraron demasiado el 3-D en relación con los avances que tenemos actuales.
Se la recomiendo a todos los fans y a otros que puedan engancharse. Ni Sherlock Holmes puede superar Herschel Layton. Un 9.
EL SABOR DEL SAKE
Género
Drama | Familia
Sinopsis
Shubei Hirayama es un viudo que vive con una hija de veinticuatro años. Sintiéndose viejo y acabado, se da cuenta de lo injusto que es que la joven viva única y exclusivamente para cuidarlo y decide casarla.
(Yasujirō Ozu, 1962)
CRITICAS
El cine de Yasujiro Ozu no es espectacular, ni sorprendente. Siempre sé que me va a transportar sin prisas por su universo familiar, tan común y corriente como mi ropa de diario, como las gafas para la miopía que uso todo el día y a las que estoy tan acostumbrada que ni siquiera recuerdo que las llevo puestas.
Tan cómodo como mis pijamas, tan llano como el agua del grifo, y al mismo tiempo tan sutil y profundo como esas heridas del alma que no se pueden ver pero que se sienten.
Tan delicado como una caricia, tan elegante como un quimono de seda, y un observador que mira y escucha en silencio, permitiendo que todo se deslice suavemente hacia esa parte de nosotros en la que anida la emotividad.
Cada vez que veo una película suya, sé perfectamente que no me va a desmarcar con giros inesperados.
Y de todos modos, no me importa. Vuelvo a caer una y otra vez en la magia de su cine.
Porque él remonta lo cotidiano hacia lo sublime. Tiene ese don de transmutar lo prosaico en hermoso.
Ozu es un analista que ejerce una comedida neutralidad. Hace pasar ante sus cámaras, sin la menor estridencia, el espíritu del Japón de posguerra. Cicatrices de una guerra devastadora. La veloz recuperación de un país hasta hace poco destrozado, pero que ya va mostrando un floreciente avance hacia una calidad de vida cada vez más en alza.
Costumbres del pasado e influencias de Occidente que conviven en armonía. Tradición y apertura buscan su pacífico acomodo en la sociedad.
La realidad de las películas de Ozu es la de unas calles por donde soplan los vientos del porvenir, trayendo aires cargados de promesas. Edificios con la ropa tendida en los balcones, callejones repletos de carteles anunciando en japonés y en inglés las especialidades de los comercios, transeúntes circulando hacia sus puestos de trabajo, hacia las tiendas, hacia los bares y restaurantes, hacia un destino que casi siempre es el mismo.
Luces de colores que destellan en la noche, componiendo una oda a la modernidad y a la belleza de la mediocridad. Una ciudad que despierta cada día con ilusión, oyendo una música alegre que se acompasa con el ritmo de nuestros latidos.
Y en esa ciudad, familias y amigos que nada tienen de particular. Hombres maduros que cada anochecer, al salir del trabajo, se reúnen alrededor de una mesa baja, sentados en sendos cojines y compartiendo una cena regada con sake, vino y cerveza.
Hablando de lo que todos los hombres de familia probablemente hablan: de sus esposas presentes o fallecidas, de sus hijos e hijas, del problema de ser viudos y tener a alguna hija soltera que no se casa por quedarse abnegadamente cuidando a su padre, de los posibles pretendientes para ella, de los hijos e hijas ya casados, los empleos de éstos y sus perspectivas de pronta paternidad o maternidad…
Conversaciones distendidas en las que el sake es uno de los protagonistas, porque el alcohol es una de las maneras socialmente reconocidas de hacer más llevaderas las penas.
EL SABOR DEL TE VERDE CON ARROZ
Género
Drama. Romance
Sinopsis
Takeo, una mujer caprichosa de la alta sociedad de Tokio, se aburre con su marido, un hombre tranquilo, que se ha educado en el campo, aunque ahora es ejecutivo de una empresa
(Yasujirō Ozu, 1952)
CRITICAS
Esta película no es de las más demostrativas de Ozu: como un koan, mantiene su secreto a costa del riesgo de resultar trivial para un espectador apresurado.
Pero las imágenes destacan por encima de la levedad de la anécdota que van mostrando: podemos descubrir paralelismos insospechados con obras de autores que nunca coincidieron con Ozu y que, por otra parte, no tienen nada que ver: la belleza de algunas de sus composiciones abstractas (torres metálicas, pasillos con estantes, calles con postes y cables de la luz, la ladera de una montaña y unas banderas superpuestas, la copa de un árbol que llena el encuadre) recuerda las imágenes de fotógrafos posteriores, como Robert Adams; los retratos de personajes solitarios pueden traernos ecos de algunos cuadros de Hopper y la presencia misteriosa de los objetos (lámparas, cubos alineados en un pasillo, jarros y cuencos) evoca quizá a Morandi. Muchas de estas imágenes podrían sostenerse como fotografías en una exposición, desgajadas de su contexto narrativo.
El salto de eje puede quizá concebirse como una filosofía vital: ser capaz de mirar las cosas desde puntos de vista enfrentados, sin temor al principio de contradicción. Y ello no con una voluntad direccional y hegeliana, ya que aquí la única conclusión es el sentimiento, tan oriental, de la futilidad de todos los deseos, de todos los pesares. Como dice un personaje, vistos en la calle desde lo alto de un edificio, todos los humanos nos parecemos.
La película supone una dramatización, dentro de unos márgenes de enorme discreción, de lo cotidiano: historias mínimas, pequeños detalles como el sabor (que viene desde la infancia, como en Proust) del arroz con té verde, que al final son lo único que tenemos.
El tigre de Esnapur/ La tumba india Edic. FNAC 2 DVD
SINOPSIS
Para su vuelta al cine europeo, Fritz Lang se enfrentó por primera vez al género de aventuras con este magnífico díptico compuesto por «El tigre de Esnapur» y «La tumba india». En ambas partes asistimos a las relaciones entre un triángulo compuesto por un arquitecto europeo, el maharajá del ficticio reino de Esnapur y el objeto del amor de ambos, una bella bailarina. Cuando ésta elige al arquitecto, el maharajá entra en cólera y ordena que ambos sean perseguidos en su huida por el desierto del que difícilmente saldrán con vida.
Dos de los títulos más fundamentales del genio de Lang. El tigre de esnapur
Género
Aventuras. Romance. Drama
Sinopsis
Harald es un afamado arquitecto cuyos servicios han sido demandados por el maharajá Chandra del reino de Esnapur. De camino, Harald salva a la bella bailarina Seetha de las fauces de un tigre. El flechazo entre los dos es instantáneo, pero el maharajá, dominado por los celos, no está dispuesto a que esta relación siga adelante.
Tuvo una secuela titulada «La tumba india»
La tumba india
Sinopsis
Continuación de «El tigre de Esnapur«. El arquitecto europeo Harald Berger y la bailarina Seetha son capturados por los hombres de Chandra. Mientras tanto, Ramigani planea arrebatarle el poder a su hermano, sirviéndose de sus aliados en palacio. Cuando Chandra se entera de la relación amorosa entre Seetha y Berger, hace llamar al doctor Rhode para encargarle la construcción de una enorme y lujosa tumba destinada a los dos enamorados.
EL ULTIMO GANGSTER
Género
Drama | Histórico. Guerra Chino-Japonesa (II). Años 1900 (circa)
Sinopsis
Chow Yun Fat interpreta al personaje histórico Du Yuesheng, un jefe de la mafia china que creó un imperio histórico en Shanghai entre los años 20 y 30, hasta que al comienzo de la Segunda Guerra Mundial se complicaron las cosas, y acabó implicándose en la política, hasta tal punto que fue una figura de gran importancia en la Segunda Guerra Sino-Japonesa. La película relatará la lucha de poder entre diversas e influyentes figuras locales de la época, por medio de mucha acción.
(Wong Jing, 2012)
CRITICAS
Dirigida por uno de los mejores directores de la industria cinematografica de Hong Kong , Wong Jing y protagonizada por uno de sus actores fetiches el carismatico Chow Yun Fat, quien añade otra memorable interpretacion a su carrera, arropado por un elenco de secundarios de lujo como Francis Ng o el legendario Sammo Hung, ademas de nuevas promesas como Xiaoming Huang, quien esta impresionante interpretando la versión joven de Fat, tranformandose literalmente en el. Completan el reparto las bellas, Quan Yuan, Li Yuan y Monica Mok.
Esta película ha superado con creces mis expectativas en ella, convirtiéndose en una de mis favoritas de su realizador, amo cada fotograma del filme y me atrevo a considerarla una obra maestra.
El filme cuenta la historia del ascenso de Cheng Daiqi al mundo del crimen en el Sanghai de los años treinta y su imposible historia de amor con Zhiqiu, una joven aspirante a cantante de opera China, además de contar los esfuerzos de Daiqi de defender Sanghai contra la invasión Japonesa.
La película navega con mucho por variedad de generos desde el melodrama, al cine negro pasando por el cine de acción, dividiéndose claramente en dos partes.
En el primer segmento del film, Wong Jing, a base de flashbacks, nos explica los orígenes del personaje, usando magistralmente movimientos de cámaras y travellings para llevar al espectador en un viaje en el tiempo , acompañadao por una bonita banda sonorora que es clave para emocionar al espectador en algunos pasajes mas emotivos del film y una bella fotografía que recrea la epoca haciendo al espectador sentirse parte de ella.
Escenas como la que un joven Daiqi, interpretado por Xiaoming Hua, llega a Sanghai y se detiene frente al rascacielos mas alto de la ciudad intentando buscar con su mirada el final de este en donde la cámara asciende hasta llegar al balcón en el que la versión adulta de Daiqi, interpretada por Chow Yun Fat, esta asomado contemplando la ciudad y la posterior escena en donde un travelling nos muestra a un joven Daiqi sentado frente a sus hombres tras haberse ganado la confianza del jefe del crimen en Sanghai, interpretado por Sammo Hung, para después tras el final del travelling transformarse en la versión adulta del personaje ya interpretado por Fat, es un perfecto y efectivo ejercicio visual que unifica de manera magistral el presente y el pasado de la historia y su personaje protagonista.
El primer segmento del filme culmina con las estremecedoras escena de la invasión Japones de Sanghai que al llegar al climax se convierte en pura poesía.
En la segunda parte del film, los personajes ya han sido presentado y se centra en elos esfuerzos del protagonista para defender Sanghai de la invasión Japonesa llevándonos hacia un emotico y épico desenlace.
Uno de los mejores productos provenientes de la excolonia Britanica, de impecable factura y superior con creces a cualquier producto hecho en Hollywood en los últimos años.
Altamente Recomendable para verdaderos apasionados en el séptimo arte
ENCUENTROS EN EL MAS ALLA
Género
Acción. Comedia. Fantástico. Terror | Artes marciales. Wuxia. Vampiros. Zombis
Sinopsis
Cheung, un pobre inculto conductor de carruajes, sospecha que su mujer está teniendo una aventura. Ahora no tiene mucho trabajo debido al Festival de Fantasmas tradicionalmente celebrado cuando las puertas del infierno se abren para dejar salir a las injustas y malignas almas. Cheung se cree muy valiente y acepta desafíos. El primero acaba con la muerte de su amigo y el segundo está orquestado por el amante de su mujer quien ha contratado a un malvado sacerdote.
(Sammo Hung, 1980)
CRITICAS
Otra de estas comedias de terror made in Hong Kong, de las que tantas se hicieron en su época, y que tanto me gustan (las hay mejores y peores, por supuesto, pero son muy disfrutables).
En este caso, además, dirigida y protagonizada por el mismísimo Sammo Hung, uno de los grandes de las artes marciales y la comedia, quizá no tan conocido como Jackie Chan, pero de su quinta, y su estilo.
Una de esas películas que son mucho más de lo que aparentan ser. Pues, si bien en un principio puede resultar una comedia algo näif, en el meridiano del film cobra un dramatismo sin precedentes. Por otra parte, las coreografías de lucha son de lo mejorcito que he visto en mucho tiempo, tan solo igualables por otras cintas de Jackie Chan, Gordon Liu o Donnie Yen, y que para la época no solo no estaban nada mal, sino que a día de hoy cuesta encontrar semejantes proezas de dinamismo y perfección, de esas con las que uno se deleita, divierte, ríe y estremece al mismo tiempo, incluso después de haberlas visionado incontables veces. Para mí, uno de los mejores trabajos de Samo Hung tanto en su faceta de actor como de director.
LO MEJOR: Todo tipo de movidas guapas: zombies, fantasmas, chamanes y kung fu. El protagonista no es ni un héroe, ni un maestro de Kung fu… ni una buena persona. Uno de los planos finales más perturbadores que puedes ver. Efectos visuales y, sobre todo, de sonido, loquísimos. Los rituales de los magos están muy guapos, la primera vez que veo magia en el cine que requiere de una preparación muy en consonancia con el efecto, es decir, que no es tirar un rayo y listo.
ENTER THE DRAGON / Operación Dragón – ED. METALICA 4K UHD + BLU RAY
ED. METALICA 4K UHD + BLU RAY
Género
Acción | Artes marciales
Sinopsis
Hong Kong, años 70. El joven Lee es un miembro del templo Shaolin y experto de las artes marciales que es reclutado por los servicios de inteligencia británicos para infiltrarse en una operación de drogas, durante un torneo de combates promovido por el jefe de la mafia.
(Robert Clouse, 1973)
Posición en rankings FA
30 Mejores películas hongkonesas de todos los tiempos
122 Mejores películas de acción
Críticas
«Enter the Dragon» representa el mayor éxito de Bruce Lee a todos los niveles.
ESCANDALO
Género
Drama
Sinopsis
Miyako, una famosa cantante de ópera, es fotografiada junto al pintor Aoe, en un balneario de Izu. La foto es publicada algunas semanas después en el periódico sensacionalista Amor, con un texto totalmente falso. El pintor decide demandar a la publicación y contrata a un ambicioso abogado.
(Akira Kurosawa, 1950)
CRITICAS
Un nuevo trabajo comprometido de Kurosawa crítico con varios de los cánceres más poderosos de la sociedad moderna: el periodismo, la abogacía, las drogas y el juego. Lo encontrarán interesante aquellos que vieron en «Ikiru» una gran película, pues el personaje con más importancia es el de Takashi Shimura, que interpreta a un abogado cobarde que sucumbe fácilmente a la corrupción y ahoga sus remordimientos en alcohol.
Me sorprendieron un sentido del humor inesperado, una interesante banda sonora y un montaje bastante eficaz –todo un acierto lo de intercalar los titulares de la prensa de esa manera-. Me volvió a gustar la táctica de «varias películas en una». El juicio del final, bien gracias a los actores, pero no entrará a formar parte de los clásicos del género.
Kurosawa pone en entredicho los valores de la prensa más sensacionalista que existe como es la rosa en donde no importa faltar a la verdad si con eso se venden más revistas. Y por supuesto tampoco importa manchar la imagen de las personas implicadas. No nos estamos refiriendo a personajes de la farándula que ya de por sí tienen su vida manchada a base de venderla porque su ineptitud no les da para más. Sino que hablamos de gente con oficios sanos (un pintor y una cantante) alejados de todo ese circo mediático pero que desgraciadamente su punto de mira apunta directamente a ellos. Esta crítica deja paso a una todavía más grave y no menos actual como es la de la justicia. ¿Es realmente justa la justicia? Si estamos en el mundo y tenemos dos dedos de frente podremos respondernos a esta pregunta.
La extorsión, el chantaje y la difamación son el caldo de cultivo en el que los personajes navegan aparentemente sin un rumbo claro hacia la defensa de su honor. De su verdad. Y en esto, como muchas veces antes y posteriormente siguió demostrando, Kurosawa se maneja perfectamente entre esas aguas embarradas en donde sus personajes pueden salir a flote o perecer. Por algo este señor fue y seguirá siendo recordado como El Emperador del cine. Tocó prácticamente todos los géneros cinematográficos contando historias que perduran en el tiempo tanto por su importancia como por su relevancia en el pasado y el presente y, todo ello, con una técnica inconfundible que siempre le hizo no salir airoso de aquel proyecto en el que se embarcaba sino como un verdadero influyente para generaciones venideras.
Mención especial para las actuaciones de Toshiro Mifune y Takashi Shimura. Dos monstruos de la interpretación del cine japonés. Fieles a las personalidades que suelen caracterizan a sus personajes como el de un hombre más temperamental y seguro de sí mismo en el caso de Mifune o más abatido y sumido en sus pensamientos para Shimura, pero siempre ambos aportando algo fresco y particular a cada nuevo papel.
Ver el cine de Akira no siempre es fácil y, al menos en mi caso, me gusta pensar pasados uno o días en la película que haya visto de él. Y no es porque se requiera de una gran capacidad de compresión para entenderlas, sino que cuando se piensa en ellas pasado un tiempo, uno se da cuenta de lo bien que están contadas la historias y de lo bien hechas que están las películas en cada uno de sus aspectos y a nivel general. Y Escándalo no podía ser menos.
FIEL A SI MISMA
Género
Drama
Sinopsis
Una joven japonesa muy segura de si misma deberá elegir entre estar con una acaudalado hombre de negocios o con un artista de vivir modesto
(Kunitoshi Manda, 2001)
CRITICAS
Se trata de película japonesa –para mi gusto, un poco lenta- que trata sobre las aspiraciones en la vida y las relaciones de pareja del trío protagonista: Una mujer muy segura de sí misma, cuyo destino le lleva a tener que elegir entre vivir con un hombre rico y poderoso o con un hombre en paro e indeciso. Las interpretaciones son bastante contenidas y precisas.
El filme tiene algunas frases y diálogos bastante brillantes y jugosos, he aquí una pequeña muestra de ellos:
¿Nunca te has planteado que tienes defectos?
Es normal que tengamos opiniones distintas y no es nada malo que discutamos por ello. Es normal que cada uno diga lo que piensa, de lo contrario la vida en pareja no tiene sentido…
Te quiero, aunque quizás no como a ti te gustaría.
Te odio, pero te necesito.
Aunque discuta contigo, eso no cambia mi voluntad de querer seguir viviendo juntos.
¿Tanto te importan tus principios? Si sigues viviendo así nadie querrá a estar a tu lado. No dejas que los demás te amen eres así…
Cuando estoy a su lado, puedo ser yo misma: ni el uno ni el otro tiene que fingir lo que no somos”.
“Si ella es capaz de compartir su vida con tu contigo (que eres un pobre), es que no tiene categoría para mí (que soy un hombre rico)”
“No envidies de los demás, lo que jamás podrás conseguir”
En definitiva, estamos ante una película que, pese a su lentitud y modesta puesta en escena, se ve con interés y agrado, interesante, un seis.
GHOST IN THE SHELL – EDICION COLECCIONISTA
Género
Animación. Ciencia ficción. Acción | Crimen. Robots. Animación para adultos. Película de culto. Manga. Cyberpunk. Thriller futurista. Internet / Informática
Grupos
Ghost in the Shell | Adaptaciones de Masamune Shirow
Sinopsis
Año 2029. En una enorme ciudad asiática, una mujer robot policía -cyborg- investiga las siniestras actividades de un misterioso hacker, un supercriminal que está invadiendo las autopistas de la información
(Mamoru Oshii, 1995)
CRITICAS
Ghost in the Shell es en mi opinión, junto con Blade Runner, uno de los máximos exponentes cinematográficos del cyberpunk, subgénero de la ciencia ficción que trata sobre futuros distópicos en los que la tecnología es la protagonista. Y es así en parte porque hereda gran cantidad de elementos de una de las novelas que dio luz a este subgénero: Neuromante, de William Gibson.
Cualquiera que haya leído Neuromante reconocerá referencias como los mercados negros tecnológicos, el ciberespacio, el interface del que disponen los cyborgs para conectarse directamente a él, o incluso las lentes implantadas de Batou.
Pero la herencia más importante está en la dialéctica, pues ambas obras se centran en buscar la esencia del individuo en un futuro en el que la tecnología diluye el concepto de ser humano. Los límites naturales desaparecen: un ser consciente puede ser tanto un ser humano viviendo en un cuerpo artificial (o incluso en el mismo ciberespacio, sin cuerpo físico), como una inteligencia artificial desarrollada por el hombre.
Blade Runner planteó «¿que es la vida?» de un modo plásticamente genial, pero no respondió a la pregunta. Se limitó a tratar el tema de si un replicante es básicamente un ser humano con fecha de caducidad, por el hecho de ser inteligente y poseer emociones (o sea, circuitos de instrucciones instintivas sobre los que se desarrolla la inteligencia), y a pesar de estar construido por otros seres humanos.