Mostrando 1–24 de 325 resultados
TIPO
- CineCine 309
- SeriesSeries 13
FILTRAR POR GÉNERO
- Acción / aventuras / artes marciales 98
- Animación / Anime 5
- Asiatico 14
- Bélico 21
- Ciencia ficción / SCI FI 29
- Clasico 92
- Comedia 65
- Contemporáneo / moderno 7
- DocumentalDocumental 1
- Drama 176
- Erótico / adultos 2
- Europeo 72
- Infantil 7
- Musical 15
- Religioso 9
- RomanceRomance 50
- Social / político 56
- Super héroes y comics 8
- Terror 35
- Thriller/ Policíaco 115
- Western 10
FORMATO
IDIOMA
PRODUCTORA
- 18hz production 1
- 20th Century Fox 19
- Agata Film 1
- Alive Films 1
- Allied Artists 1
- Allied Filmmakers 1
- Alta Cinematografica 1
- Amblin Partners 1
- Annapurna Pictures 1
- Apollo Films 1
- Aquila Cinematografica 1
- Arandano S.A 1
- Arco Film Roma 1
- Arnold Pressburger Films 1
- Artistry Limited 2
- AS Films Producciones 1
- Aubrey Schenck Productions 1
- Aver Media 1
- Avon Productions 1
- BBC 2
- Belisarius Productions 1
- Bert Marcus Productions 1
- Bing Crosby Productions 1
- Black Bear Pictures 1
- Blinding Edge Pictures 1
- Blumhouse Productions 3
- Cambridge Productions Inc 1
- Canal+ 1
- Canal+ España 1
- Cardinal Pictures 1
- Carolco Pictures 2
- CBS Films 1
- CBS Productions 2
- Ce Qui Me Meut 1
- Ciné-Alliance 1
- Cinema 7 Film Group 1
- Cinema Center Films 1
- Columbia Pictures 18
- Contagious Entertainment 1
- Copperheart Entertainment 1
- Coproducción España-Francia 1
- Coproducción España-Italia-Francia 1
- Coproducción Estados Unidos-Canadá 3
- Coproducción Estados Unidos-China-Canadá-Japón 1
- Coproducción Estados Unidos-España 1
- Coproducción Estados Unidos-Francia 1
- Coproducción Estados Unidos-Hungría-España-Serbia 1
- Coproducción Estados Unidos-Reino Unido 2
- Coproducción Francia-Bélgica 1
- Coproducción Francia-Dinamarca 1
- Coproducción Francia-España-Portugal 1
- Coproducción Francia-Irán-Alemania del Oeste (RFA) 1
- Coproducción Francia-Italia 2
- Coproducción Hong Kong-China 1
- Coproducción Hungría-Alemania 1
- Coproducción Irlanda-Reino Unido-Canadá-Corea del Sur-Estados Unidos 2
- Coproducción Italia-España-Alemania del Oeste (RFA) 2
- Coproducción Italia-Francia 5
- Coproducción Italia-Francia-Alemania 1
- Coproducción Italia-Reino Unido 1
- Coproducción Noruega-Dinamarca-Rumanía-Polonia 1
- Coproducción Reino Unido-Estados Unidos 3
- Coproducción Reino Unido-Francia 1
- Coproducción Reino Unido-Francia-Hungría-Estados Unidos 1
- Coproducción Serbia y Montenegro-Italia-Francia 1
- Curtis Enterprises 1
- David L. Wolper Productions 1
- DC Entertainment 1
- De Grunwald Productions 1
- De Laurentiis Entertainment Group 1
- Demitri Samaha Productions 1
- Documento Film 1
- Dolores Pictures 1
- DreamWorks SKG 1
- Empire Pictures 1
- Encyclopedia Pictura 1
- Film Workshop 1
- Filmax 1
- First National Pictures 1
- Fox 2000 Pictures 2
- Fox Searchlight 1
- France 2 (FR 2) 1
- Frank Capra Productions 1
- Fuji TV 3
- Galatea Film 2
- Gaumont 2
- Glen A. Larson Productions 1
- Golan-Globus Productions 1
- Golden Harvest Company 2
- Goskino 1
- Grovas-Oro Films 1
- Hammer Productions 1
- HandMade Films 1
- Harbor Productions 1
- HBO 1
- Hill Valley 1
- Hughes Entertainment 1
- Imagine Entertainment 1
- International Films 1
- ITC 1
- Ízaro Films 1
- Jeonwonsa Film 1
- Kennedy Miller Productions 1
- Kopelson Entertainment 1
- Lava Bear Films 1
- Lea Film 1
- Les Films du Carrosse 3
- Lionsgate 2
- London Films 1
- Magnolia Pictures 1
- Marvel Studios 1
- Mediacorp Raintree Pictures 1
- Mediaworks 1
- Memorial Enterprises 1
- Mervyn LeRoy 1
- Messidor Films 1
- Meteorito Films 1
- MGMMGM 16
- Michael Todd Company 1
- Mosfilm 1
- Mutual Film Company 1
- New Line Cinema 1
- Nordisk Film 1
- Origen PC 1
- Orion Pictures 1
- Pajemer Productions 1
- ParamountParamount 1
- Paramount Pictures 15
- Pedro Masó Producciones Cinematográficas 1
- Personafilm GmbH Munich 1
- PHI Films 1
- Philip A. Waxman Productions Inc 1
- Polygram Filmed Entertainment 2
- Raimi Productions 1
- RKO Radio Pictures 3
- RTVE 2
- Sam Spiegel 1
- Samuel Goldwyn Company 2
- Scotti Brothers Pictures 1
- Screen Gems 1
- Selznick International Pictures 1
- Shôchiku 1
- Shochiku 2
- Sixty Six Pictures 1
- Ska Films 1
- Smokewood Entertainment Group 1
- Sony Pictures 2
- Sony Pictures Classics 1
- Stanley Kramer Productions 1
- Stephen J. Cannell 2
- Studio Chizu 1
- Studio Ghibli 1
- Summit Entertainment 1
- Svensk Filmindustri (SF) 1
- The Cannon Group Inc 1
- The Mirisch Corporation 1
- The Rank Organisation 1
- Titanus 1
- Toei 1
- Toho 1
- Touchstone Pictures 2
- Trastorno Films 1
- Tribeca Productions 1
- Trimark Pictures 1
- TriStar Pictures 2
- UGC Images 1
- United Artists 7
- Universal International Pictures 3
- Universal Pictures 16
- Universal Pictures Television 1
- USA Films 1
- Warner Bros 24
- Wiedemann & Berg Filmproduktion 1
- William Castle Productions 1
- Zebra Producciones 1
- Zoetrope Studios 1
AÑO LANZAMIENTO
Director
- Aaron Norris 3
- Adrian Lyne 1
- Alain Corneau 1
- Alan J. Pakula 1
- Albert Serra 1
- Alberto Rodríguez 1
- Alessandro Blasetti 1
- Alfred Hitchcock 4
- Anatole Litvak 1
- Andrew V. McLaglen 1
- Andy Wilson 1
- Annabel Jankel 1
- Anthony Mann 2
- Anthony Scott Burns 1
- Antoine Fuqua 1
- Arthur Lubin 1
- Artie Mitchell 1
- Basil Dean 1
- Bernard McEveety 1
- Billy Wilder 1
- Bob Rafelson 1
- Bradley Cooper 2
- Brian De Palma 1
- Brian Klugman 1
- Bruce Lee 1
- Carlo Lizzani 1
- Carlos Brooks 1
- Carlos Saura 3
- Cédric Klapisch 1
- Cesc Gay 1
- CHANTAL AKERMAN 1
- Charles Burmeister 1
- Charles Crichton 1
- Chloe Zhao 1
- Christopher Canaan 1
- Christopher Nolan 4
- Chuck Russell 2
- Clint Eastwood 2
- Curtis Harrington 1
- Damien Chazelle 1
- Dan O'Bannon 1
- Dan Trachtenberg 1
- Daniel Petrie 1
- Danny Cannon 1
- David Fincher 2
- David Mackenzie 1
- David R. Losada 1
- David Twohy 1
- David Yates 1
- Denis Villeneuve 3
- Dino Risi 1
- Don Chaffey 1
- Don Siegel 1
- Donald P. Bellisario 1
- Douglas Jackson 1
- Duncan Jones 1
- Edward Buzzell 1
- Edward Dmytryk 2
- Elliot Silverstein 1
- Emerald Fennell 1
- Emilie Blichfeldt 1
- Emir Kusturica 1
- Emma Tammi 3
- Enrique Gabriel 1
- Ermanno Olmi 2
- Ernesto Sevilla 1
- Federico Fellini 1
- Fernando Fernán Gómez 2
- Fernando Palacios 1
- Florian Henckel von Donnersmarck 1
- Francesco Rosi 1
- Franco Zeffirelli 1
- François Truffaut 3
- Frank Capra 1
- Frank Darabont 1
- Frank Lloyd 1
- Frank Marshall 1
- Franklin J. Schaffner 1
- Fred M. Wilcox 1
- Fritz Lang 2
- George Cukor 2
- George Marshall 1
- George Roy Hill 1
- George Seaton 1
- George T. Miller 1
- Gérard Kikoïne 1
- Gerry Anderson 1
- Geza Beremenyi 1
- Gillo Pontecorvo 1
- Glen A. Larson 1
- Gordon Douglas 1
- Gregory Hoblit 1
- Guy Ritchie 2
- Hayao Miyazaki 1
- Henry Hathaway 1
- Henry King 1
- Herbert Ross 1
- Herbert Wilcox 1
- Hermanas Wachowski 1
- Hong Sang-soo 1
- Howard Deutch 1
- HOWARD HAWKS 1
- Ingmar Bergman 2
- Ira Parker 1
- Isaiah Saxon 1
- Isao Takahata 2
- Ivan Reitman 1
- J. Lee Thompson 1
- Jack Arnold 2
- Jack Conway 1
- James Fargo 2
- James L. Brooks 1
- James Mangold 1
- James McTeigue 1
- James V. Kern 1
- Jan de Bont 1
- Jason Reitman 1
- Javier Aguirre 1
- Javier Elorrieta 2
- Jeannot Szwarc 2
- Jerry Lewis 1
- Jim Sharman 1
- Joaquín Reyes 1
- Joel Coen 1
- Johannes Roberts 1
- John Carpenter 1
- John Cornell 1
- John Cromwell 2
- John Farrow 1
- John Ford 1
- John H. Auer 1
- John Huston 1
- John Irvin 1
- John McTiernan 2
- John Milius 1
- John Sturges 1
- John Woo 1
- Jon Turteltaub 1
- José María Forqué 1
- Joseph L. Mankiewicz 3
- Joseph Losey 1
- Juan Bustillo Oro 1
- Julia Ducournau 1
- Kathryn Bigelow 1
- Katsuhiro Ōtomo 1
- Keisuke Kinoshita 1
- Kenneth Branagh 1
- King Vidor 1
- Kon Ichikawa 1
- Lee Daniels 1
- Lewis Allen 1
- Lilja Ingolfsdottir 1
- Lindsay Anderson 1
- Luc Besson 2
- Luchino Visconti 1
- Luis Buñuel 1
- Luna 1
- M. Night Shyamalan 1
- Mamoru Hosoda 1
- Manuel Gutiérrez Aragón 1
- Marcel Carné 1
- Mario Bava 2
- Mario Monicelli 1
- Mark L. Lester 1
- Mark Sandrich 1
- Mark Steven Johnson 1
- Marvin J. Chomsky 1
- Masahiko Nagasawa 1
- Matt Shakman 1
- Maurice Cloche 1
- Max Makowski 1
- Mervyn LeRoy 1
- Michael Anderson 1
- Michael Corrente 1
- Michael Curtiz 3
- Michael Gordon 1
- Michelangelo Antonioni 2
- Mike Leigh 1
- Mike Newell 1
- Milos Forman 1
- Mitchell Leisen 3
- Neil Burger 1
- Nicolas Winding Refn 2
- NORMAN JEWISON 1
- Norman Taurog 1
- Orson Welles 1
- Peter Collinson 1
- Peter Farrelly, Bobby Farrelly 1
- Peter S. Fischer 1
- Peter Yates 2
- Phil Karlson 1
- Phillip Noyce 1
- Pier Paolo Pasolini 1
- Pietro Germi 1
- Ralph Nelson 2
- Ranald MacDougall 1
- Randall Miller 1
- Raoul Walsh 1
- Ray Nazarro 1
- René Clair 1
- Richard Brooks 2
- Richard Fleischer 1
- Ridley Scott 2
- Robert Altman 1
- Robert De Niro 1
- Robert Stevens 1
- Robert Wise 1
- Robert Zemeckis 2
- Roger Michell 1
- Roland Emmerich 2
- Ron Howard 4
- Ron Shelton 1
- Ronald Neame 1
- Ryan Coogler 1
- Sam Mendes 2
- Sam Raimi 1
- Sam Taylor-Johnson 1
- Sam Wood 1
- Sammo Hung 1
- Scott Cooper 2
- Scott Derrickson 1
- Sergei Bondarchuk 1
- Sergei M. Eisenstein 1
- Sergio Corbucci 1
- Sergio Leone 1
- Sergio Martino 1
- Shuji Terayama 1
- Spike Lee 1
- STANLEY KUBRICK 1
- Stephen Chbosky 1
- Stephen J. Cannell 2
- Steven SpielbergSteven Spielberg 6
- Stuart Gordon 1
- Terrence Malick 1
- Terry Jones, Terry Gilliam 1
- Tim Hunter 1
- Tod Browning 1
- Tom Gormican 2
- Tom Gries 1
- Tony Scot 1
- Ulu Grosbard 1
- VARIOS 1
- Victor Fleming 3
- Vincent Sherman 1
- Vincente Minnelli 1
- Walter Bernstein 1
- Walter Hill 1
- Walter Lang 1
- Waris Hussein 1
- Wes Craven 1
- William A. Wellman 1
- William Castle 1
- William Oldroyd 1
- William Tannen 1
- Wim Wenders 1
- Wolfgang Petersen 1
- Wong Jing 1
- Xavi Giménez 1
- Yasujirō Ozu 1
- Yorgos Lanthimos 2
Price
CATEGORÍAS
- Accessories 3
- GÉNERO 3098
- Acción / aventuras / artes marciales 1016
- Animación / Anime 123
- Asiatico 109
- Bélico 190
- Ciencia ficción / SCI FI 332
- Clasico 796
- Comedia 632
- Contemporáneo / moderno 126
- Documental 24
- Drama 1600
- Erótico / adultos 23
- Europeo 696
- Infantil 174
- Musical 142
- Religioso 69
- Romance 417
- Social / político 550
- Super héroes y comics 74
- Terror 474
- Thriller/ Policíaco 1058
- Western 147
- IMPORTACIÓN 71
- NOVEDADES 645
- PREVENTA 107
Novedades España
¡QUE VIDA ESTA!
Género
Comedia. Romance
Sinopsis
Kay, una cantante famosa, cambia radicalmente de vida al casarse con Chris, un ranchero que tiene dos hijas. Kay pone todo su empeño en conseguir adaptarse a la dura vida del campo. Pero cuando cree que lo ha conseguido, una desavenencia con su marido hace que sus esperanzas se vean truncadas
(George Marshall, 1950)
CRITICAS
23 de febrero de 2023
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Muy entretenida comedia romántica, que tiene todo a su favor para que el/la espectador/a la disfrute.
Y es que tiene de todo, comicidad, con felices gags visuales y verbales, romanticismo… vamos, que no le falta de nada.
Es muy divertida, con las consiguientes cuitas de una urbanita en el campo, casándose con un ranchero viudo con dos hijas pequeñas que añoran a su fallecida madre.
Pero, felizmente, no se toca el drama, siendo un divertimento sin complicaciones.
Gracias a un buen guión, excelentes interpretaciones y una realización, esta vez inteligente y con buenas escenas técnicamente competentes (como el noviazgo de los dos protagonistas, viéndoseles sólo las piernas) del destajista pero siempre eficaz George Marshall.
Lo cierto es que gusta mucho desde el comienzo hasta el final y deja un muy agradable sabor de boca y en la memoria.
Recomendable para olvidar durante casi hora y media los sinsabores de la vida real.
091 POLICIA AL HABLA
Género
Drama. Cine negro | Crimen. Policíaco
Sinopsis
Andrés Martín (Adolfo Marsillach) es un inspector de policía que hace el servicio nocturno desde un coche patrulla que atiende las llamadas de urgencia al 091. En una noche de patrulla atienden todo tipo de asuntos: desapariciones, peleas, ladrones de poca monta, accidentes, atracos, urgencias… pero a él una idea le obsesiona continuamente: localizar al coche y al conductor responsables de la muerte de su hija, atropellada por un coche negro que se dio a la fuga.
(José María Forqué, 1960)
CRITICAS
Muy estimable cinta policíaca española de 1.960. Con una estructura de historias diversas que giran en torno a una comisaría de Madrid en dicha época nos encontramos ante un film mucho más que encomiable, muy bien rodado y tratando con mucha asepsia la labor de una comisaria nacional en aquellos años.
La dirección de José María Forqué es sobria y eficaz, hay que tener en cuenta que el género policiaco y de acción lo trató muy bien en algunas películas como » De espaldas a la puerta » ó » Un hecho violento «.
En lo que concierne a este film, hay que volver a destacar lo bien tratado que está tanto a nivel cinematográfico y de narrativa al igual que como ya he dicho antes a nivel de asepsia con un toque naturalista bastante eficaz.
Dentro del cine español de la época e incluso un poco con respecto a otras cinematografías cabe destacar como se adelanta a una especie de sub-género como pueden ser los films que tratan varias historias más ó menos entrelazadas como es aquí el caso, saliendo esta película bastante airosa en ese aspecto.
También sirve a su vez como un cierto fresco del Madrid de aquella época.
Tampoco cae en sentimentalismos baratos ni en paternalismos como podría haber sucedido dado algunas de las escenas y situaciones que se dan.
A nivel interpretativo la película funciona bastante bien, todos los actores estan muy sobrios y aportan mucha credibilidad a sus papeles, en especial Adolfo Marsillach y López Vázquez en sus respectivos papeles de comisario y ayudante. Curiosamente Tony Leblanc realiza un trabajo muy parecido al que había hecho y hará posteriormente en otros films ( un pequeño estafador gracioso aunque aquí bastante sobrio dadas las características de la historia ).
En resumidas cuentas, interesante y estimable cinta, muy bien tratada y muy bien ambientada, con una sobria y efectiva fotografía acompañada también en algunos momentos por ciertos toques musicales de tipo jazzístico muy acordes para esta clase de films.
Muy digna y recomendable.
1917 – EDICION 4K UHD
Género
Bélico. Drama | I Guerra Mundial
Sinopsis
En lo más crudo de la Primera Guerra Mundial, dos jóvenes soldados británicos, Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman) reciben una misión aparentemente imposible. En una carrera contrarreloj, deberán atravesar el territorio enemigo para entregar un mensaje que evitará un mortífero ataque contra cientos de soldados, entre ellos el propio hermano de Blake.
(Sam Mendes, 2019)
CRITICAS
Pensaba que Sam Mendes era un director muy sobrevalorado hasta que he saboreado esta película rodada en plano secuencia entera. Vale, hay truco con algún fundido a negro, pero da igual. Aunque en pleno siglo XXI es posible hacerlo todo en el cine, y esto tiene menos mérito que cuando Hitchcock hizo su soga con James Stewart, ello no quita que como cinéfilo, disfrute extraordinariamente de esta técnica cinematográfica.
Gracias a esta forma de rodar, estamos hombro con hombro con estos soldados en su épica peregrinación bélica. Lo único que tienen que hacer es ir del punto A al punto B, pero por el camino pasa de todo. Y Mendes lo hace tan bien, que nos mete en la película como pocos son capaces de hacer.
Además, la intensidad de la historia es fuerte. El género bélico permite disfrutar del cine de forma proporcional a lo mal que lo pasan los personajes. En este sentido, “1917” puede codearse perfectamente con el soldado Ryan y otros grandes clásicos como “Apocalypse now”. Puede que las secuencias de guerra pura no sean las más espectaculares de la historia, pero el conjunto, que no deja de lado tampoco el estilo particular de Sam Mendes, es francamente satisfactorio.
El cineasta tiene tiempo de contarnos una aventura que puede gustar a espectadores casuales, pero también de explayarse en una fotografía impecable, que es pura poesía visual. Curiosamente los momentos de mayor impacto en esta línea, son los más tranquilos y silenciosos. Aunque también hay otros dignos de estudiarse en escuela de cine, como por ejemplo la escena nocturna iluminada con bengalas.
El otro gran pilar de esta maravilla lo forman sus actores, especialmente el protagonista, el casi desconocido George MacKay, que claramente va a dejar de serlo para labrarse un gran futuro, si no tiene muy mala suerte. Su interpretación es descomunal, y a la altura de las circunstancias de tener una cámara que prácticamente no deja de seguirle en todo el metraje.
Quizás peca Mendes en algunos tiempos muertos, donde se le va la mano con los silencios y a veces se llega a romper totalmente la tensión, como por ejemplo con esa canción religiosa o en algún otro cierto momento más. Tampoco me ha parecido gran cosa la banda sonora original. Pero eso son fallos muy menores dentro de una película excelente.
2013: Rescate en L.A. – EDICION METALICA 4K UHD
Género
Ciencia ficción. Fantástico. Acción | Futuro postapocalíptico. Distopía. Secuela
Sinopsis
Año 2013. Un gigantesco terremoto ha arrasado Los Ángeles y lo ha separado del continente. En la «Nueva América Moral», los ciudadanos indeseables que no obedecen las leyes (no fumar, no comer carne roja, no ser musulmán…) son deportados a Los Ángeles, que se ha convertido en una colonia penitenciaria. La hija del Presidente, después de robar un arma letal, ha huido allí con su amante, un peligroso revolucionario que pretende usarla. A Serpiente Plissken le encomiendan la misión de rescatar a la chica y recuperar el arma.
(John Carpenter, 1996)
CRITICAS
Una película entrañable, que no hay que tomarse en serio, remake (más que continuación) de la película de 1980 »1997:Escape from New York». Los personajes: Serpiente Plissken, Cuervo Jones, Mapa a las Estrellas Eddie son muy carismáticos. La chulería de Serpiente es un clásico. El argumento es bastante calcado al de la película de 1980, sólo que en esta los personajes están mucho más caricaturizados. De manera colateral la película critica/se mofa de un gobierno autoritario recortador de las libertades, del populismo, de la cirugía estética..
Una misión suicida. Un héroe macarra, melenudo, parcheado, armado hasta los dientes y mal afeitado. Un malo peruano con nombre zoológico (Cuervo Jones) con menos carisma que Matthew Broderick. Una historia tremendamente friki (aunque menos que Ovejas Asesinas). Steve Buscemi como «Mapa de las Estrellas» Eddie. Duelos al estilo de Bangkok. Escenas de surf en un entorno postapocalíptico. Asaltos con armamento variado haciendo parapente. Y a él le llaman Serpiente… (Guitarreo country de fondo).
Esta es una película esencialmente friki, sólo apta para amantes del cine de acción. Ya se queda algo anticuada con respecto a los efectos especiales y tal, pero sigue rezumando un inconfundible olor a cine de culto made in John Carpenter. La trama está plagada de escenas inverosímiles, bastante divertidas a mi parecer, je. Y, esto es obvio, Kurt Russell es Serpiente Pliskin. Simplemente nació para el papel. La forma en la que interpreta al antihéroe más carismático del cine (ojo, para mí, que conste esto en acta) es sencillamente genial.
Lo mejor: Pista: Repta por el suelo y sisea con la lengua. Ah, sí, ¡¡¡Y la hernió protagonizando Death Proof!!!
Lo peor: La verdad, nada. O la amas, o la odias. Así de simple.
21 DIAS JUNTOS
Género
Drama. Cine negro. Intriga | Crimen
Sinopsis
Larry Durrant (Laurence Olivier) mata accidentalmente al marido chantajista de su amante Wanda (Vivien Leigh). La policía detiene a un sospechoso, que es condenado a muerte. Larry y Wanda sólo tienen tres semanas para estar juntos y decidir si Larry debe entregarse o dejar que muera un inocente
(Basil Dean, 1940)
CRITICAS
Film dirigido por Basil Dean («Lorna Doone», 1934) y escrito por él en colaboración con el novelista Graham Greene. Se basa en la pieza teatral breve, en 3 escenas, «The First And The Last», de John Galsworthy. Se rueda en los estudios Denham (Denham, RU), salvo algunas tomas directas de la ciudad, con un presupuesto modesto. Producido por Alexander Korda, se estrena el 7-I-1940 (RU), cuatro meses después del comienzo de la IIGM.
La acción tiene lugar en Londres y alrededores en 1938/39. Plantea las dudas de un homicida ante el arresto, prisión y juicio de un inocente acusado por error de unos hechos en los que no ha participado. La obra, algo artificiosa y de desenlace poco convincente, se enmarca en el conjunto de films de intriga y «thrillers» de bajo presupuesto que proliferan en el RU al amparo del éxito de las cintas de Hitchcock. Son excelentes las interpretaciones de Laurence Olivier y Janet Leigh, que en 1940 contraen matrimonio. La atmósfera que envuelve la acción está bien construida, con momentos tan logrados como la breve secuencia del parque de atracciones y la secuencia más larga de la noche de autos. El punteado de humor alcanza un punto culminante en la cena de magistrados y fiscales, en la que cada uno de ellos confiesa infracciones leves de la ley (no pagar el billete del autobús, usar una moneda extranjera en un dispensador de chocolatinas, etc.). El austríaco casado con una inglesa, con su locuacidad y dificultades lingüísticas, crea situaciones cómicas que, vistas con los ojos actuales, resultan menos felices y un tanto anacrónicas. Es interesante el estudio que hace de conceptos complejos como la ambición, la resignación, la duda, la incertidumbre, la suerte y la desgracia. Utiliza con eficacia la elipsis y el sobreentendido (empeño del icono).
Graham Green, convertido al catolicismo 14 años antes, deja en el guión huellas de su fervor religioso: citas bíblicas (Noé), invocaciones divinas, imágenes de la Última Cena (pared) y de la Virgen con el niño (icono) y defensa de las posiciones antidivorcistas. La figura del pastor anglicano atormentado recuerda al personaje de su obra «El poder y la gloria».
La fotografía, de Jan Stallich («Éxtasis», 1932), combina negros saturados, blancos puros y una gama amplia de grises. Proyecta sombras expresionistas, que crean sentimientos de inseguridad y zozobra, como las de Keith cuando interroga a Larry en el despacho. Refleja imágenes en espejos para dar amplitud y aplicar un toque de misterio al escenario. Ofrece encuadres de cámara subjetiva (Larry visto por Keith).
La música, de John Greenswood («Torbellino de la vida», 1950), incorpora varias canciones populares inglesas a una partitura de acompañamiento que subraya la acción con movimientos reiterativos que en ocasiones se confunen con el sonido ambiental (ruido de los motores del barco).
Película algo desigual, pero con buenos momentos, que cuenta con el aliciente de las notables interpretaciones de Olivier y Leigh.
A STAR IS BORN
Género
Drama. Comedia | Cine dentro del cine
Grupos
A Star is Born
Sinopsis
Esther Blodgett, una ambiciosa e inteligente chica de pueblo, llega a Hollywood. En una fiesta en la que trabaja como camarera conoce a Norman Maine, un famoso actor en decadencia. Para sorpresa de Esther, Norman le ofrece un papel en una película y, tras realizar una prueba, el productor queda impresionado y decide convertirla en una estrella. Norman y Esther se casan, pero la felicidad se ve empañada por el declive del actor y el fulgurante éxito de Esther.
(William A. Wellman, Victor Fleming, 1937)
CRITICAS
Esta es la primera versión de la película que en los años 50 dirigió George Cukor, que seguramente sea más conocida.
La historia del ascenso al estrellato de una joven aspirante a actriz, mientras que el reconocido actor que se casa con ella cae en picado hacia el más sangrante de los olvidos, es a grandes rasgos la historia que cuenta la película.
William A. Wellman dirige con absoluta profesionalidad una película que, aunque previsible en su desarrollo, resulta equilibrada y llena de ritmo. La película tiene el tono adecuado, ya que resulta tan comedida en los momentos dramáticos como contenida en los más emotivos, y siempre con las justas dosis de ligereza.
Los protagonistas son dos de las estrellas de la época, Fredric March y Janet Gaynor, y ambos hacen notables interpretaciones en dos personajes que son de auténtico lucimiento. Destacar también el entrañable personaje de la veterana May Robson, como la abuela de la protagonista.
Ha nacido una estrella no va a descubrir la pólvora, se le ve venir prácticamente desde el principio, pero aun así es una buena y digna película.
A STAR IS BORN – EDICION METALICA
Género
Drama. Romance | Música. Alcoholismo. Remake
Grupos
A Star is Born
Sinopsis
Jackson Maine (Bradley Cooper) es una estrella consagrada de la música que una noche conoce y se enamora de Ally (Lady Gaga), una joven artista que lucha por salir adelante en el mundo del espectáculo. Justo cuando Ally está a punto de abandonar su sueño de convertirse en cantante, Jack decide ayudarla en su carrera hacia la fama. Pero el camino será más duro de lo que imagina.
(Bradley Cooper, 2018)
CRITICAS
Puede que al leer que Lady Gaga va a protagonizar una película te imagines que va a ser la típica película «petarda» y superficial sobre una estrella del pop, donde la cantante solamente se interpreta a sí misma. ‘Ha nacido una estrella’ no es ese tipo de película.
‘Ha nacido una estrella’ es una película sobre música, sí. Con una historia que ya hemos visto varias veces, sí. Incluso con un guion bastante trillado, puede que sí. Pero es más que eso. Dos personas que se encuentran en el momento oportuno y en el lugar adecuado. (Si se os ha venido a la cabeza La La Land, sí, hay algunas similitudes, salvando las distancias).
La química en pantalla entra Bradley Cooper y Lady Gaga se percibe desde el primer segundo, desde el primer encuentro. Una complicidad que solo podrá arrancarte sonrisas. Probablemente estemos ante la mejor interpretación de Bradley Cooper y posiblemente obtenga un buen puñado de nominaciones por ella.
La cantante hace un trabajo excepcional interpretando a Ally, actuando de manera natural y nada forzada. Resulta creíble en todo momento, incluso cuando vemos a la estrella de pop acostumbrada a llenar estadios, en la piel de la protagonista subir al escenario por primera vez, nerviosa al cantar frente a miles de personas, buscando complicidad y aprobación en el ‘experimentado rockero’, Bradley Cooper, que debería plantearse un futuro como cantante. En ningún momento ves a Gaga por ningún lado, es simplemente Ally.
La BSO de la película, como era de esperar, es espectacular. Habría que destacar los temas ‘Shallow’, himno ya de la película, y muy probablemente ganadora del Oscar a Mejor Canción, ‘Always remember us this way’ y la desgarradora ‘I’ll never love again’, que hará que te cueste contener la lagrimilla.
El debut de Bradley Cooper como director es sobresaliente. Cooper ha estado inmerso en la preparación de esta película durante 4 años, y se nota. Bradley se ha preocupado hasta del último detalle. Rodar en festivales de verdad (Coachella) y, por supuesto, cantar en directo a lo largo de toda la película ha sido un acierto mayúsculo. Esto último tenemos que agradecérselo a Gaga, ya que Bradley no se sentía seguro de poder hacerlo.
Las excelentes críticas que ha obtenido la película en los festivales en los que se ha estrenado, no han sido en vano. Cuando termine, probablemente tardes un rato en digerir todo lo que has visto y experimentado. El amor incondicional, su precio, la ambición, los egos…
A STAR IS BORN – EDICION METALICA 4K UHD
Género
Drama. Romance | Música. Alcoholismo. Remake
Grupos
A Star is Born
Sinopsis
Jackson Maine (Bradley Cooper) es una estrella consagrada de la música que una noche conoce y se enamora de Ally (Lady Gaga), una joven artista que lucha por salir adelante en el mundo del espectáculo. Justo cuando Ally está a punto de abandonar su sueño de convertirse en cantante, Jack decide ayudarla en su carrera hacia la fama. Pero el camino será más duro de lo que imagina.
(Bradley Cooper, 2018)
CRITICAS
Puede que al leer que Lady Gaga va a protagonizar una película te imagines que va a ser la típica película «petarda» y superficial sobre una estrella del pop, donde la cantante solamente se interpreta a sí misma. ‘Ha nacido una estrella’ no es ese tipo de película.
‘Ha nacido una estrella’ es una película sobre música, sí. Con una historia que ya hemos visto varias veces, sí. Incluso con un guion bastante trillado, puede que sí. Pero es más que eso. Dos personas que se encuentran en el momento oportuno y en el lugar adecuado. (Si se os ha venido a la cabeza La La Land, sí, hay algunas similitudes, salvando las distancias).
La química en pantalla entra Bradley Cooper y Lady Gaga se percibe desde el primer segundo, desde el primer encuentro. Una complicidad que solo podrá arrancarte sonrisas. Probablemente estemos ante la mejor interpretación de Bradley Cooper y posiblemente obtenga un buen puñado de nominaciones por ella.
La cantante hace un trabajo excepcional interpretando a Ally, actuando de manera natural y nada forzada. Resulta creíble en todo momento, incluso cuando vemos a la estrella de pop acostumbrada a llenar estadios, en la piel de la protagonista subir al escenario por primera vez, nerviosa al cantar frente a miles de personas, buscando complicidad y aprobación en el ‘experimentado rockero’, Bradley Cooper, que debería plantearse un futuro como cantante. En ningún momento ves a Gaga por ningún lado, es simplemente Ally.
La BSO de la película, como era de esperar, es espectacular. Habría que destacar los temas ‘Shallow’, himno ya de la película, y muy probablemente ganadora del Oscar a Mejor Canción, ‘Always remember us this way’ y la desgarradora ‘I’ll never love again’, que hará que te cueste contener la lagrimilla.
El debut de Bradley Cooper como director es sobresaliente. Cooper ha estado inmerso en la preparación de esta película durante 4 años, y se nota. Bradley se ha preocupado hasta del último detalle. Rodar en festivales de verdad (Coachella) y, por supuesto, cantar en directo a lo largo de toda la película ha sido un acierto mayúsculo. Esto último tenemos que agradecérselo a Gaga, ya que Bradley no se sentía seguro de poder hacerlo.
Las excelentes críticas que ha obtenido la película en los festivales en los que se ha estrenado, no han sido en vano. Cuando termine, probablemente tardes un rato en digerir todo lo que has visto y experimentado. El amor incondicional, su precio, la ambición, los egos…
A TRAVES DE LA NOCHE
Género
Comedia. Thriller. Acción | Crimen. Espionaje. Nazismo
Sinopsis
Gloves Donahue y su banda se dedican a las apuestas. Un día el panadero muy querido por la madre de Donahue aparece muerto en su tienda. Personado en el lugar del crimen, Donahue ve salir a una mujer del establecimiento y la empieza a seguir. Ella resulta ser la cantante de una sala de fiestas propiedad de una banda rival. Atraído por la mujer, se involucrará en seguir la pista del asesinato del panadero teniendo en cuenta que ello le hará enfrentarse a la banda rival, a la policía y a una misteriosa organización.
(1941, Vincent Sherman)
ABISMO
Género
Aventuras. Acción. Intriga | Aventuras marinas
Grupos
Adaptaciones de Peter Benchley
Sinopsis
Gail Berke y David Sanders están pasando unas idílicas vacaciones en las Bermudas. Mientras practican submarinismo, de repente, se topan con los restos del naufragio de un buque de carga de la segunda Guerra Mundial, en cuyo interior hallan miles de ampollas de morfina. Este descubrimiento los lleva a ponerse en contacto con un traficante haitiano y un buscador de tesoros.
Se trata de una historia de aventuras subacuáticas a la caza de tesoros arqueológicos, mezclada con una subtrama de tráfico de drogas, ambientada en las Bermudas.
(Peter Yates, 1970)
CRITICAS
El guión es muy somero debido a la abundancia de escenas bajo el agua que impiden los diálogos. El reparto es de campanillas, con protagonistas como Jacqueline Bisset (una de las mujeres más hermosas que jamás ha actuado ante una cámara), el siempre solvente Nick Nolte y el genial (y prematuramente fallecido) Robert Shaw, en un papel que recuerda vagamente (menos malhumorado, eso sí) al Capitán Quint de dos años antes en “Tiburón”. En roles más secundarios destacan Louis Gossett Jr. (el oscarizado sargento de “Oficial y caballero”) y el legendario Eli Wallach (sí, el feo de “El bueno, el feo y el malo”). La película tuvo un presupuesto $9 millones y genero por venta de taquillas la cantidad de $50,6 millones en EE.UU. solamente, más $31,3 millones por la venta de alquiler en los videoclubes, además recibió tres nominaciones, una al Oscar por mejor sonido, a los “BAFTA Awards” por mejor cinematografía y a los “Golden Globe” por mejor canción original, «Down Deep Inside», interpretada por Donna Summer.
Robert Shaw (1927-1978) fue un actor británico, guionista y escritor. Su primer papel importante fue el del agente secreto, Red Grant, en la película de James Bond “From Russia with Love” (1963), junto a Sean Connery y Daniela Bianchi.
Su actuación en esta película cimentó su carrera como un sólido actor de carácter. De hecho, este estilo de personajes inmisericordes y duros serían la especialidad actoral de Shaw. En “A Man for All Seasons” (1966), fue nominado como mejor actor de reparto para los “Golden Globes” y los premios Óscar.
Jacqueline Bisset (1944-) actriz británica que en 1967 fue elegida para interpretar el papel protagonista en “Two for the Road” (1967), recibió críticas muy positivas, luego intervino en la comedia satírica, “Casino Royale” (1967). Sus siguientes películas fueron “The Detective” (1968) con Frank Sinatra y “Bullitt” (1968) junto a Steve McQueen.
“The Deep” (1977) con la que participación también de Robert Shaw y Nick Nolte, le valió el calificativo de «actriz más atractiva de todos los tiempos» que le dio la revista “Newsweek” a raíz de unas escenas en las que Bisset nada en el agua vestida únicamente con una camiseta. John Barry, que es el «inventor» de la música de Bond firma esta banda sonora y para más inri la mitad del reparto estuvo en una del agente secreto.
Tanto Jacqueline Bisset como Robert Shaw fueron chica Bond en Casino Royale 1967 y villano Bond en Desde Rusia con amor en 1963. Además el director Peter Yates trabajó con Roger Moore en la serie en Santo.
ACCATONE
Género
Drama | Prostitución. Neorrealismo
Sinopsis
Mientras que Accattone se pasa el día metido en las tabernas, Maddalena, la mujer con la que vive, debe ejercer la prostitución para mantenerlo. Cuando Maddalena es detenida y encarcelada, Accatone, privado de su medio de subsistencia, se ve condenado a llevar una vida miserable. Incluso debe pedir ayuda a su esposa legítima, Ascenza, a la que hace años abandonó.
(Pier Paolo Pasolini, 1961)
Criticas
Ópera prima de Pier Paolo Pasolini, inspirada en su novela «Una vita violenta» (1959). Se rodó entre abril y julio de 1961 en exteriores de los barrios marginales de Roma. Fue nominado a un BAFTA (actor extranjero, F. Citti). Producido por Alfredo Bini y Cino Del Duca para Arco Film, se presentó en el Festival de Venecia en septiembre de 1961.
La acción tiene lugar en los suburbios periféricos de Roma, a lo largo de los meses de primavera y verano de 1961. Vittorio «Accattone» Cataldi (Franco Citti) es el líder de un grupo de muchachos desocupados y ociosos, que no quieren trabajar. Pasan el tiempo conversando en la terraza de un bar, cometen hurtos y hacen trapicheos. Accattone (mendigo), separado de Ascenza (Paola Guidi), la madre de su hijo de 2 años, convive con Magdalena (Silvana Corsini), que trabaja para él como prostituta callejera. Detenida y condenada a prisión por falso testimonio, deja a Accattone sin su fuente de ingresos. Stella (Franca Pasut) es una muchacha inegnua, inocente y manejable, que Accattone trata de convertir en su nueva protegida, pero no sirve para el oficio. Enamorado de ella, busca un trabajo honrado, que no soporta, por lo que decide dedicarse al robo.
La película presenta una amplia descripción de la vida de grupos de jóvenes de la periferia romana, desarraigados por el paro, la miseria, la falta de oportunidades y la desestructuración familiar, en los años de la Posguerra. El paro es el dentino de unos jóvenes sin habilidades sociales, sin formación y sin expectativas, abocados a la delincuenica para poder sobrevivir. Las imágenes de la ciudad muestran una urbe desolada, árida y deprimente, de calles vacías, casas míseras y personajes excéntricos y egoistas. Sólo la figura del hijo de Accattone, que juega solo en la calle con botellas, piedras y fango, aporta una nota de ternura y humanidad. Pasolini no pretende agradar al público. De ahí que su estética realista, inspirada en el neorrealismo, transite más allá de éste para situarse en las proximidades del realismo expresionista. Los cuadros que dibuja extán exentos de sentimentalismo, juicios morales y de explicaciones
El autor busca que la realidad provoque en el expectador sentimientos primarios de horror, repugnacia, ansiedad.
ADIOS MR. CHIPS
Género
Musical. Drama | Remake. Siglo XIX
Grupos: Adaptaciones de James Hilton
Sinopsis
Mediados del siglo XIX. A la escuela de Brookfield, llega el joven profesor Mister Chips, que pasará allí toda su vida como maestro de varias generaciones, hasta la Primera Guerra Mundial. Nueva adaptación musical de la novela de James Hilton que supuso el debut como director de Herbert Ross.
(Herbert Ross, 1969)
Posición en rankings FA
104 Mejores remakes de la historia
139 Mejores películas musicales
Premios
1969: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actor (Peter O’Toole), bso (Comedia o Musical)
1969: Globos de Oro: Mejor actor musical/comedia ( O’Toole). 3 nominaciones
1969: Premios David di Donatello: Mejor actor extranjero (Peter O’Toole)
CRITICAS
Herbert Ross dirigió su primer trabajo para el cine haciendo una nueva versión del clásico de los años 30 que protagonizó Robert Donat, esta revisión describe los estrictos ambientes escolares británicos en contraposición con la banalidad y artificiosidad que rodea el mundo del espectáculo, que él debía conocer muy bien pues fue bailarín y coreógrafo en Broadway.
En la parte técnica proliferan los planos generales, aéreos y movimientos de grúa, sus composiciones estéticas a veces tienen un tufillo kitsch, pero son encantadoras y se hace un abundante y logrado uso de la elipsis.
Aunque hay algunas canciones que interpreta Petula Clark son pocas y aisladas ( London is London es la más conocida) para considerar la obra como un musical, es más bien una historia romántica que también incide en la vocación como algo que da sentido a la vida.
Muy bien dirigido y contenido, Peter O’Toole ofrece una buena actuación, quedando los méritos de Ross revelados en las secuencias finales, donde no se regodea en la emoción hacia la que conduce el guión, sino que la expone con suave delicadeza.
ADORABLE
Género
Drama. Romance | Maternidad. Familia
Sinopsis
María hace malabarismos con cuatro hijos y una carrera exigente mientras su segundo marido, Sigmund, viaja todo el tiempo. Un día se enzarzan en una fea discusión que lleva a Sigmund a pedirle el divorcio
(Lilja Ingolfsdottir, 2024)
CRITICAS
La intención de la directora Lilja Ingolfsdottir era desafiar la narrativa convencional sobre el amor y las rupturas. Según la directora, «quería explorar cómo las experiencias pasadas y los traumas de la infancia influyen en nuestras relaciones adultas». También buscaba mostrar a los personajes como seres humanos complejos, evitando caer en estereotipos de víctimas o villanos. Lo ha conseguido.
La historia trata sobre el declive de una pareja que tras siete años del inicial embriagador romance, ella se encuentra agobiada por todo: los dos hijos en común y dos otros hijos de una pareja anterior, las continuas y largas ausencias de él por su trabajo que, aunque cariñoso y algo atento, tiene una gran falta de implicación. Una vez llegado el colapso de la pareja plantea muchos temas muy interesantes, como el resentimiento, la culpa y la búsqueda de la identidad personal en medio de las responsabilidades familiares, el deseo de tener razón, el “machacar” al otro para que se sienta culpable, la falta de autoestima y la poca confianza. No se limita a mostrar los conflictos, sino que también invita a reflexionar sobre la intención de manipulación, las expectativas en las relaciones modernas.
La originalidad de la película, que fue lo que más me gustó, es que presenta situaciones angustiosas de pareja, momentos de incomunicación e intenciones de dañar al otro o de autovictimizarse y lo hace repasando la misma escena desde diferentes momentos anímicos y de comprensión de qué está pasando en ese desamor. La escena ocurre, luego viene el declive y después se repiten desde un planteamiento interior de los sentimientos, emociones y pensamientos de ella y más adelante se vuelve a repetir desde una perspectiva de cómo debería pasar para no provocar un malestar que, por acumulación, termine en una ruptura. Ese repaso de situaciones o escenas en las que hubo conflicto y por qué ocurrió es un descubrimiento del propio yo para la protagonista y también para nosotros mismos.
Es muy interesante la proposición que hace la película sugiriendo que los problemas matrimoniales pueden provenir en la personalidad y el control de la ira. Ver cómo María, la protagonista, pasa a ser consciente de que, a pequeñas dosis, ha contribuido al colapso de la pareja. Ella tiene una ira en la que estalla a menudo por cualquier inconveniente o disparidad de opinión tanto con su marido como con su hija mayor, ya adolescente y con criterio propio, con la que tiene una relación cada vez más hostil y provoca una tensión constante.
Esa ira proviene de una falta de autoestima, de su sensación de ineptitud, del resentimiento hacia los demás, a los que quiere hacer sentir culpables. La historia incluye un lenguaje de terapia de pareja reseñable, que acompasa muy bien con la actuación intensa y convincente de Helga Guren, cuyo personaje no genera precisamente mucha empatía, no hay alianzas con el espectador, debido a esa furia que aporta en las discusiones de pareja, intensificando tanto una disputa habitual de bajo riesgo en una enorme confrontación difícil de dejar pasar.
En Dinamarca, las relaciones de pareja suelen estar marcadas por una fuerte igualdad de género y un enfoque práctico hacia la vida en común. El clima frío y oscuro puede influir en la dinámica emocional, fomentando tanto la cercanía como la introspección. Según estudios culturales, los daneses valoran la honestidad y la comunicación abierta, lo que se refleja en las interacciones de los personajes en Adorable, una vez que acuden a terapia de pareja…. Aunque quizás el momento ha llegado ya demasiado tarde.
En la sociedad en la que vivimos no se sensibiliza ni se nos educa para relacionarnos ni con las diferencias, ni con la diversidad, ni con las discapacidades. Sin embargo, esta película muestra, de una forma práctica, emotiva, sincera, cercana y veraz, cómo podemos ser mejores y ayudar a una convivencia más fácil.
AHI ESTA EL DETALLE – CANTINFLAS
Género
Comedia | Drama judicial / Abogados/as
Grupos
Cantinflas
Sinopsis
La confusión entre el perro «Bobby» y un gángster del mismo nombre desencadena una serie de enredos entre un celoso marido, su nerviosa esposa, una pícara criada, una esposa abandonada con ocho hijos y el singular Cantinflas
(Juan Bustillo Oro, 1940)
CRITICAS
Realmente esta película sí me hizo reír. Los gestos las palabras y las situaciones contribuyen a un gran entretenimiento para todos los que somos de habla hispana. Este cómico mexicano sí me hizo olvidarme de mis problemas en el lapso que duró la película. Todas las situaciones y enredos en esta comedia son muy divertidos.
Puedo asegurar que me ha hecho reír más que una película de Chaplin, (otro grande de la actuación). Cantinflas es el personaje del arrabal que trata de defenderse mediante su palabrería que al final no dice nada, pero lo hace de una manera tan graciosa que resulta genial.
Ahí está el detalle” es una película mexicana de la época de oro. Considerada por la crítica como la mejor del cómico Cantinflas su director basó la escena final de la película en acontecimientos reales de 1925. Las «primeras» cantinfladas del cine fueron inspiradas por las declaraciones del criminal Álvaro Chapa.
“Ahí está el detalle” es la película más importante de Cantinflas porque gracias a ella se hizo famoso por su singular actuación, porque el cómico desarrolló hasta sus últimas consecuencias el tipo de personaje urbano que lo había lanzado a la fama durante su trayectoria como un pícaro y vagabundo, con una verborrea incoherente y una vestimenta notoriamente estrafalaria.
Tras la presentación de héroe cómico, dado a la glotonería, la lujuria y a toda suerte de placeres carnales, la cinta comienza a poblarse de una serie de personajes muy divertidos, cuyas respectivas motivaciones van generando una serie de situaciones absurdas, las cuales desembocan en un juicio que marca el punto climático del relato.
El vago Cantinflas, novio de una sirvienta de una lujosa mansión, se ve inmerso en una trama en la que impera el equívoco y la gracia en torno a un crimen del que resulta injustamente acusado. Al final, el asunto se resuelve de forma satisfactoria para todos y cada uno de los implicados.
La comicidad sintetizada en la indumentaria y habla de Cantinflas termina por imponerse y contagiar no sólo a todos los personajes, sino a la película misma.
AHORA SI ANTES NO
Género
Drama. Romance
Sinopsis
Un director de cine independiente está de visita en la ciudad de Sueño, donde se proyecta una película suya, y dando un paseo en un palacio se encuentra con una joven pintora. A partir de ese instante, las cosas empezarán a cambiar.
(Hong Sang-soo, 2015)
CRITICAS
En la primera imagen de «Right now, wrong then» vemos a una chica cruzando el umbral de un palacio antiguo que muestra en su fachada el «taijitu», el diagrama del yin y el yang; un brusco reencuadre nos muestra que esa imagen era en realidad subjetiva: nuestra mirada se superponía con la de un hombre que está mirando a la chica. Luego sabremos que ese hombre (Jeong Jae-yeong) es un director de cine que ha acudido a una ciudad de provincias a presentar una película, pero se ha equivocado de día y no tiene nada que hacer durante el resto de la jornada.
Al cabo de un rato, decide entrar él también en el palacio, donde en un patio llamado “de las bendiciones” encontrará a la chica después de echar una cabezada, como un sueño materializado.
La leve y geométrica trama se desenvuelve en torno al posible ligue del director. Con más o menos timidez y temor al ridículo, estas cosas suceden igual en todas partes: él invita a la chica a un café; luego ella lo lleva al taller en el que pinta; él la invita a un restaurante, donde bebe más de la cuenta y trata de que ella haga lo mismo; y ella lo lleva a una reunión con un grupo de amigos; finalmente, él la acompaña a casa, donde ella vive con su madre que la espera bajo la sombra de una gran figura dorada del Buda (según wikipedia, la ciudad de Suwon, en la que la acción tiene lugar, es conocida tradicionalmente en Corea como la “ciudad de la piedad filial”); al día siguiente, asistimos a la presentación de la película por parte del director, y a su marcha de la ciudad.
Entonces la película se interrumpe y vuelve a comenzar: vemos de nuevo el título y la música que lo acompaña; Kim Min-hee vuelve a entrar al palacio, nuevamente seguida por la mirada de Jeong Jae-yeong; aunque el plano es ahora ligeramente distinto, asimétrico. La segunda parte es como la segunda estrofa de un poema que mantiene los elementos de la primera, con sutiles variaciones en los diálogos, situaciones, puntos de vista… El primer cineasta que repitió una misma escena en diferentes versiones fue Ingmar Bergman, al final de «Persona», que se estrenó hace ahora 50 años: el procedimiento dista, por tanto, de ser nuevo, pero el cine ha avanzado tan poco desde entonces que sigue llamando la atención.
AL BORDE DE LA LOCURA
Género
Terror. Intriga | Siglo XIX
Grupos
Jack el Destripador | Adaptaciones de Robert Louis Stevenson
Sinopsis
Los experimentos del doctor Henry Jekyll con la cocaína a veces le hacen perder el control sobre sí mismo. Entonces emerge su personalidad oculta, el horripilante Jack Hyde, que, en las frías noches de Londres, deambula por las calles buscando a sus víctimas en los lugares más degradados, como los locales de prostitución o los fumaderos de opio. Por más que lo intenta, la policía no consigue atraparlo
(Gérard Kikoïne, 1989)
CRITICAS
Otra mas del Doctor Jekyll, o al menos eso parece. Aqui tenemos a un Perkins
que hace un papelazo donde creo que despues de Psicosis esta es la mejor interpretacion de su vida. Los
escenarios tienen un tono de videoclip. Aunque esten muy bien ambientados y muy bien iluminados no dejan de ser
unos escenarios muy artificiales, pero el caso es que tienen su gracia y creo que es de lo mejor del film. La historia
es la de siempre, personajes de epoca (actores gays que me da la sensacion que tuvieron que ser amigos de Perkins),
muchas fulanas, asesinatos no graficos pero reales por supuesto experimentos, pero sinceramente de experimentos nada, aqui lo que pasa es que Perkins va toda la peli de farlopa hasta los ojos, pero en grandes cantidades, eh.
Una malograda pelicula que se tenia que haber merecido mas pero es que el
argumento no daba para mucho. Aun asi, la recomiendo, muy buena.
AL FINAL TODOS MUEREN
Género
Comedia. Thriller. Acción. Romance | Fin del mundo. Película de episodios
Sinopsis
Cuatro episodios sobre el fin del mundo desde distintos puntos de vista: con humor o acción, desde el thriller, al drama o al romance. En uno de ellos el protagonista es un asesino psicópata que necesita finalizar su plan maestro. Una encarnizada batalla por lograr el acceso a unos búnkeres que ofrecen la salvación es el argumento de otro. Una invasión de románticos empedernidos a la caza desesperada del amor de su vida y el caso de una embarazada a punto de dar a luz al último bebé del planeta son los temas de los demás episodios.
(Javier Fesser, Javier Botet, Roberto Pérez Toledo, ….ETC , 2013)
CRITICAS
Presentada como última película en la sección Zonazine del 16 Festival de Cine de Málaga y dirigida por Javier Fesser (Camino, El Milagro de P.Tinto), Javier Botet, David Galán Galindo, Roberto Pérez Toledo (Seis Puntos sobre Emma) y Pablo Vara. Todos ellos, realizaron con menos de 9000 euros y pagando de su bolsillo, ésta obra que puede ser dividida en fragmentos, entre los cuales rozan diversos géneros. Se podrían dividir de la siguiente forma:
«Eternos» sería el prólogo y el epílogo de Al Final Todos Mueren. Dirigido por Javier Fesser, dándole su toque surrealista e hilarante para tomar como inicio una conversación entre dos astronautas que van a vivir el impacto del meteorito con la tierra. Fesser declara que su versión es un remake de uno de los cortos ganadores del notodofilmfest y como siempre, su toque es magistral dejándonos una sonrisa de oreja a oreja.
Los siguientes cortes se rigen por el tiempo que le queda al planeta. Así el segundo de ellos (o primero según se mire) es la historia del psicópata. Está dirigido y protagonizado por Javier Botet, actor que recordaremos por su terrorífico papel como «La niña Medeiros» en la saga Rec. Aquí tiene en sus manos un papel escalofriante, dándole a la película un toque terrorífico muy logrado, cuando trata de acabar con la víctima numero 100 para conseguir su propósito Tiene que hacerlo lo antes posible pues la cuenta atrás para la destrucción del planeta se acerca.
El siguiente corte, «Los románticos del fin del mundo» ocurre en un pabellón deportivo, en las piscinas. Allí se hablará sobre la prisa que le ha entrado al género masculino por estar con una chica para acabar abrazados junto a ella y declararles su amor. Al final encontraremos un mensaje muy profundo donde comprenderemos ciertos valores que se les da a momentos que parecen cambiar cuando la vida está a punto de acabar. No quiero desvelar nada.
Otro corte ocurre en una reunión de amigos, donde uno de ellos, tras salir de un coma, no para de pensar en su novia a la que perdió en un accidente. En plena cena, llega una chica herida a la que cura y encuentran en su bolso cinco entradas para un refugio. Todos se cuestionan si dejarla morir y ocupar su lugar, pero saben que no es lo correcto. Un imprevisto de última hora será la clave de todo.
El último corte lleva la firma de David Galán Galindo, quien ganó el notodofilmfest con su cortometraje Rigor y premios por otros muy interesantes como Curvas. Éste fragmento nos sitúa en una tienda de cómic, donde su dueño, fiel amante de Alan Moore, regresa para morir cumpliendo diez normas autoescritas antes de que la tierra sea destruida. Allí se encontrará con una mujer que está a punto de dar a luz. Éste corto es mi favorito, por su cantidad de guiños y homenajes a las grandes historias de superhéroes y al «mago» de la novela gráfica, Alan Moore. Los que sean entendidos del tema se reirán sin parar por el buen uso de sus diálogos y su mezcla de disparatadas comparaciones. Galán Galindo pone la guinda con un hilarante retrato al freak del mundo del cómic y a las películas de ciencia ficción. No os lo podéis perder.
ALGO PASA CON MARY
Género
Comedia. Romance | Comedia romántica
Sinopsis
Ted Strohehmann ha vivido angustiado durante 14 años de su vida. La razón de su desgracia no es otra que la famosa Mary Jensen, la chica a la que todos desean y con la que por fin consigue tener una cita en la fiesta de graduación. Pero un desgraciado accidente con la cremallera del pantalón arruina sus planes. Ahora parece que tendrá otra oportunidad.
(Peter Farrelly, Bobby Farrelly, 1998)
CRITICAS
Hablemos claro: Algo pasa con Mary es divertidísima. La primera vez que la ves, claro. Una vez pasas de ahí, es cierto que las gracias ya no hacen tanta ídem, pero sigue siendo una película ede ésas que da gusto ver en una tarde aburrida. Y algo muy importante: No insulta tu inteligencia ni pone a prueba tu paciencia, o al menos no tanto como en toda la retahíla de comedietas posteriores a las que dio pie (es decir, todo lo que han hecho los propios Farrelly después y sus sucesores, fácilmente identificables). Y es que en el fondo, y como también pasa en Sr. y Sra. Smith, la cosa es una comedia romántica de las de toda la vida, aunque con menos azúcar y más mala leche. Bienvenida sea, pero con moderación. Todo exceso es malo.
Lo mejor: Que consigue que te rías a carcajadas. Y Cameron Díaz, que por primera vez en su carera no hacía de rubia tonta, sino de rubia un poco más lista que de costumbre.
Lo peor: Ciertos chistes de pésimo gusto que son supuestamente graciosos precisamente por ser guarros. Pues vale, pero cuando a mí más gracia me hace el asunto es cuando reina el absurdo y la hilaridad, no la escatología.
AMANECER ROJO
Género
Bélico. Acción. Ciencia ficción | Propaganda. Distopía
Sinopsis
Un ejército formado por tropas comunistas de la Unión Soviética, Cuba y Nicaragua invade y destruye una pequeña localidad del estado norteamericano de Colorado, provocando la III Guerra Mundial. Un grupo de jóvenes con un alto espíritu patriótico consigue huir y preparar un rápido contraataque.
(John Milius, 1984)
CRITICAS
¿Serías capaz de empuñar las armas para defender a tu propio país, en el caso de que éste fuera invadido por una potencia extranjera? O mejor aún, ¿tenemos derecho a defendernos si somos invadidos? No creo que en España muchos respondiesen con un sí al oír estas preguntas tan incómodas, pero, en fin, ésta es la premisa de partida para esta historia, que se sitúa en plena era Reagan (años finales de la Guerra Fría) y propone una Tercera Guerra Mundial en la que los Estados Unidos son invadidos por la URSS y sus aliados comunistas para imponer una ocupación militar y un régimen de terror, que, obviamente, es el único tipo de régimen que pueden imponer: colaboracionistas, delatores, fusilamientos, campos de concentración…
La película tiene un planteamiento apasionante y muy original; el guión está muy bien hecho, plantea cuestiones muy interesantes -cómo uno debe endurecerse si quiere sobrevivir en una situación límite y no prevista- y la dirección de Milius está a la altura.
El tono es serio, duro y amargo, con algunos momentos más distendidos -la carta de amor que le escribe Ron O’ Neal a su esposa, el enamoramiento que siente Lea Thompson hacia Powers Boothe- e incluso sarcásticos y jocosos, como cuando vemos que en el pueblo, ya ocupado por los soviéticos, proyectan en un cine «Alexander Nevsky», de Eisenstein, detalle que muestra la cinefilia del director, o en la secuencia donde unos soldados soviéticos visitan el Parque Nacional Arapaho y el que hace de traductor del inglés al ruso manipula a su antojo la traducción del cartel según sus previsibles prejuicios ideológicos.
Las interpretaciones del reparto no son perfectas, pero también están a la altura, y los actores hacen un gran esfuerzo hablando en idiomas que no son los suyos: William Smith hablando en ruso y Ron O’Neal hablando en español.
Sólo por la majestuosa banda sonora de Basil Poledouris habría que darle un 10 a esta película, que une y mezcla varios tonos y géneros -película de adolescentes de los 80, «survival», política-ficción, cine bélico, «western», paso de la irresponsabilidad de la adolescencia a la responsabilidad de la madurez- y que, si no se ve con prejuicios y anteojeras (sí, como los del soldado ruso que visita el parque nacional y tergiversa el texto del cartel), no sólo es un film muy entretenido sino que puede considerarse perfectamente como una obra maestra con unos increíbles arranques de lirismo.
AMERICAN BUFFALO
Género
Drama | Cine independiente USA
Sinopsis
Donny Dubrow tiene un tienda de objetos de segunda mano que no va demasiado bien; pero, al menos, le sirve para reunir a los amigos y jugar al póker de vez en cuando. A Bobby, el chico de los recados, lo mantiene a su lado más por cariño paternal que por auténtica necesidad. Un buen dia, cuando Donny se da cuenta de que le ha vendido a un cliente, por un precio irrisorio, una moneda con la figura de un búfalo americano, decide no sólo recuperarla, sino también desplumar completamente al tipo. Su cómplice será Bobby, y el robo, casi un rito de iniciación para el muchacho. Pero todo dará un giro inesperado cuando entre en escena Teach amigo y compañero de timba de Donny.
(Michael Corrente, 1996)
CRITICAS
Es incríble cómo a veces el cine nos regala fantásticas historias envueltas de una sencillez tan extrema. Eso es lo que nos ofrece American Buffalo; una historia genial, que engancha desde el primer minuto, y que desprende una sencillez tremenda. Sin grandes decorados, sin explosiones, sin efectos especiales de última generación… pero con un guión excelente, unas interpretaciones bárbaras en un continuo duelo de esos dos monstruos que son Dustin Hoffman y Dennis Franz, un ritmo dinámico y una historia tan interesante como real. Ninguno de los dos actores desmerece frente al otro. Dustin Hoffman es, creo yo, unos de los mejores actores del siglo XX, y Dennis Franz no se queda atrás.
Hoffman está brillante, no para de hablar compulsivamente durante todo el metraje, diciendo tacos continuamente en una suerte de diálogo con Franz.
Destacar, por supuesto, el trabajo del doblador (Ricard Solans, doblador también de, entre otros, Robert de Niro), que consigue dar a Hoffman el carácter y la personalidad que se merece, aunque quizás un poco más ronco que de costumbre. Franz también está que «se sale». Con ese aspecto de bonachón tan entrañable que le caracteriza, consigue sin embargo una interpretación cruda que le aleja de otros papeles algo más simpáticos (no olvidar, por ejemplo, su papel en la más reciente City of angels, donde daba vida a Nathaniel Messinger o Messenger, un angel venido a menos y, como él mismo se definía, «glotón y hedonista»).
En fin, una película más que recomendable que nos hace recordar que, a veces, las grandes historias nacen de la sencillez y el ingenio de un buen guión. Y del gran trabajo de dos grandes actores.
Anaconda (2025)
Género
Comedia. Terror | Comedia de terror. Cine dentro del cine. Animales. Serpientes
Grupos
Anaconda
Sinopsis
Doug y Griff son muy buenos amigos desde que eran niños y siempre han soñado con hacer un remake de su película favorita de todos los tiempos: el «clásico cinematográfico» Anaconda. Cuando una crisis de mediana edad les anima a lanzarse por fin a la aventura, se adentran en la selva amazónica para empezar a rodar. Pero las cosas se ponen serias cuando aparece una anaconda gigante de verdad, convirtiendo su caótico y cómico plató de rodaje en una situación mortal. ¿La película que se morían por hacer, podría ser la que les mate?
(Tom Gormican, 2025)
CRITICAS
Un grupo de amigos cuarentones sin nada que perder tratan de cumplir un último sueño: rodar un remake de Anaconda.
La crisis de la mediana edad les ha llegado a los protagonistas de este filme dirigido por Tom Gormican, en el que cuatro personajes se aventuran en mitad del Amazonas para rodar un reboot a lo indy de la película «Anaconda». Para quién no lo sepa, es una película estrenada en los años noventa y protagonizada por Jennifer Lopez, Ice Cube, Eric Stolz y Jon Voight. Viendo el tráiler del filme que ahora nos ocupa ya apunta a disparate y diversión asegurada, y tras verlo entero, lo puedo afirmar y asegurar. Tal vez no sea para todos los públicos, pero el que esto escribe la ha disfrutado y se agradece mucho.
No será una cinta de diez ni una obra de arte, pero sí es cierto que toca muchos géneros, tales como: los de aventuras, acción, suspense, terror y romance. El reparto está en su salsa, Jack Black y Paul Rudd juntos en la pantalla ya se merece esa oportunidad para su visionado. Me ha gustado ver a la guapa actriz Daniela Melchior, me encantó en El Escuadrón Suicida dirigida por James Gunn, aquí interpreta un personaje suculento y que sorprende.
Anaconda (1997) es una de mis películas favoritas. Llevaba años deseando que hicieran un regreso oscuro, épico, terrorífico, que me hiciera sentir lo que me hizo sentir la original.
Resulta que hicieron todo lo contrario: un remake/reboot meta, basado en la comedia más estúpida. No es lo que quería, pero la verdad es que me ha entretenido, he estado sonriendo durante sus 99 minutos de duración, y me he sentido identificado con sus protagonistas, que a pesar de tenerlo todo en contra, su pasión y amor por el cine les hace luchar por sacar adelante el rodaje de la película.
Un regalo para los fans
Anaconda (2025) – EDICION 4K UHD
Género
Comedia. Terror | Comedia de terror. Cine dentro del cine. Animales. Serpientes
Grupos
Anaconda
Sinopsis
Doug y Griff son muy buenos amigos desde que eran niños y siempre han soñado con hacer un remake de su película favorita de todos los tiempos: el «clásico cinematográfico» Anaconda. Cuando una crisis de mediana edad les anima a lanzarse por fin a la aventura, se adentran en la selva amazónica para empezar a rodar. Pero las cosas se ponen serias cuando aparece una anaconda gigante de verdad, convirtiendo su caótico y cómico plató de rodaje en una situación mortal. ¿La película que se morían por hacer, podría ser la que les mate?
(Tom Gormican, 2025)
CRITICAS
Un grupo de amigos cuarentones sin nada que perder tratan de cumplir un último sueño: rodar un remake de Anaconda.
La crisis de la mediana edad les ha llegado a los protagonistas de este filme dirigido por Tom Gormican, en el que cuatro personajes se aventuran en mitad del Amazonas para rodar un reboot a lo indy de la película «Anaconda». Para quién no lo sepa, es una película estrenada en los años noventa y protagonizada por Jennifer Lopez, Ice Cube, Eric Stolz y Jon Voight. Viendo el tráiler del filme que ahora nos ocupa ya apunta a disparate y diversión asegurada, y tras verlo entero, lo puedo afirmar y asegurar. Tal vez no sea para todos los públicos, pero el que esto escribe la ha disfrutado y se agradece mucho.
No será una cinta de diez ni una obra de arte, pero sí es cierto que toca muchos géneros, tales como: los de aventuras, acción, suspense, terror y romance. El reparto está en su salsa, Jack Black y Paul Rudd juntos en la pantalla ya se merece esa oportunidad para su visionado. Me ha gustado ver a la guapa actriz Daniela Melchior, me encantó en El Escuadrón Suicida dirigida por James Gunn, aquí interpreta un personaje suculento y que sorprende.
Anaconda (1997) es una de mis películas favoritas. Llevaba años deseando que hicieran un regreso oscuro, épico, terrorífico, que me hiciera sentir lo que me hizo sentir la original.
Resulta que hicieron todo lo contrario: un remake/reboot meta, basado en la comedia más estúpida. No es lo que quería, pero la verdad es que me ha entretenido, he estado sonriendo durante sus 99 minutos de duración, y me he sentido identificado con sus protagonistas, que a pesar de tenerlo todo en contra, su pasión y amor por el cine les hace luchar por sacar adelante el rodaje de la película.
Un regalo para los fans
ANATOMIA DE UN INSTANTE – MINISERIE DE EXITO
Género
Serie de TV. Drama | Miniserie de TV. Basado en hechos reales. Histórico. Política. Años 80. Ejército. Secuestros / Desapariciones
Sinopsis
Miniserie de TV (2025). 4 episodios. Partiendo del golpe de Estado del 23F, que tuvo lugar en España el 23 de febrero de 1981, ‘Anatomía de un instante’ disecciona uno de los momentos cruciales de la historia reciente española: la transición democrática. Cuando el teniente coronel de la Guardia Civil Antonio Tejero entró en el Congreso pistola en mano, solo tres hombres se mantuvieron sentados en sus asientos mientras el resto se agachaba para ponerse a salvo: Adolfo Suárez, Santiago Carrillo y Gutiérrez Mellado.
(Alberto Rodríguez, Paco R. Baños, 2025)
CRITICAS
Anatomía de un instante es una serie que destaca por un ritmo sorprendentemente alto, capaz de mantener la tensión incluso en los momentos más introspectivos. Cada episodio avanza con precisión, sin relleno, y logra que el espectador se mantenga enganchado de principio a fin.
Las actuaciones son realmente sólidas: el reparto transmite con fuerza la complejidad emocional y política de la historia. Cada gesto y cada mirada tienen peso, lo que eleva el impacto dramático de la serie y aporta credibilidad a cada escena.
Mención especial merece la fotografía, que es sencillamente excelente. La serie juega con luces, tonos y encuadres muy cuidados que refuerzan la atmósfera de tensión histórica. Hay un uso inteligente de sombras y planos cerrados que no solo embellecen la narrativa visual, sino que también potencian la sensación de inmediatez y profundidad.
Tiempo histórico, tiempo político, tiempo cinematográfico
El tiempo histórico no avanza al ritmo de la política, y los tiempos del cine y la televisión directamente funcionan con otra lógica. Pero todo se mezcla —porque todo tiene que ver con todo— y esta serie lo aprovecha para entrelazar esos planos y levantar un gran flashback (en realidad varios que confluyen) en forma de dramatización histórica real a partir del libro de Javier Cercas sobre el 23F. Y no es poca cosa adaptar a la televisión semejante crónica: un ensayo histórico y periodístico enorme, narrado con técnicas de novela, al que aquí se le da sentido y contexto en el medio audiovisual.
Los cuatro capítulos (de unos 45 minutos, sin contar créditos ni intro) se ven de un tirón y funcionan como herramienta para la memoria. Han pasado 44 años y 9 meses desde el 23F —más que la dictadura, la Guerra Civil y los primeros tramos de la Transición juntos— y hay margen para diseccionar sin prisa. No encontraremos revelaciones secretas, pero sí un ejercicio de metamemoria: pensar hoy cómo contamos aquello que creíamos ya sabido (o no tanto). Y en tiempos de algoritmos desbocados, ruido informativo y fake news, frenar un poco para volver a mirar el pasado no es solo un gesto de lucidez: es casi un acto de salud mental.
Pacto entre debilidades
La Transición fue un equilibrio precario entre una oposición democrática demasiado débil para forzar una ruptura y una dictadura ya agotada, un pacto lleno de miedos y contradicciones que aquí se convierte en un thriller político sólido y bien armado. El relato se apoya en la realpolitik —y también en la darkpolitik— de la época, y en los grandes nombres: Suárez, Carrillo, Gutiérrez Mellado, Tejero, Milans, Armada, Juan Carlos I… Ahí, como en el libro, encuentra su eje.
Los personajes están escritos con complejidad y relieve, con sus artistas donde tocan pero sin caer en la caricatura ni el tópico. Son figuras que se retratan en su momentum, en el filo de un país que se tambalea, pero con un pasado que los ha definido y eso se intuye en las interpretaciones: en todo caso, lo contrario de personajes planos.
La recreación histórica está bien construida, pero se echa en falta un descenso más claro a la arena social: que la vida cotidiana, el clima colectivo y las tensiones de la sociedad entren en diálogo directo con la trama institucional. Unas tramas secundarias trabajadas con ese fin habrían aportado esa mirada, aunque tal vez eso ya es otra película —o serie— que va más allá de la adaptación de la crónica de Cercas. En cualquier caso, nunca es tarde para reflexionar, y la serie lo hace: medio siglo después, seguimos siendo consecuencia directa de aquel vértigo compartido.
«Anatomía de un instante» no pretende —ni tampoco podría, aunque quisiera— “desclasificar” nada ni convertirse en la versión definitiva del 23F o de la Transición. No cierra nada ni intenta venderte una tesis, y es lo suficientemente abierta como para que cada cual saque sus propias conclusiones. Usa el cine para volver sobre el tiempo histórico, abrirlo, examinarlo desde el presente y, entre otras cosas, documentar cómo seguimos procesando ese miedo fundacional de la democracia.
APOLO 13 – FILM VAULT – EDIC. METALICA 4K UHD + BLURAY
Compañías: Imagine Entertainment, Universal Pictures
Género
Drama. Aventuras. Thriller | Aventura espacial. Años 70. Basado en hechos reales
Sinopsis
El Apolo XIII inicia su viaje a la Luna en abril de 1970. Cuando está a punto de llegar a su destino, se produce una explosión en el espacio que les hace perder oxígeno y, además, cambia el rumbo de la nave. La situación de los tripulantes se hace desesperada cuando el oxígeno empieza a agotarse. Mientras tanto, el mundo entero vive pendiente del desenlace de tan angustiosa aventura.
(Ron Howard, 1995)
Premios
1995: 2 Oscars: Mejor sonido y mejor montaje. 9 nominaciones
1995: 4 nominaciones al Globo de Oro, incluyendo mejor película – Drama
1995: 2 premios BAFTA: Mejores efectos especiales visuales y montaje. 5 nominaciones
1995: Critics’ Choice Awards: Mejor actor secundario (ex aequo) (Ed Harris)
«Un intenso thriller cuya acción se mueve en la más profunda ingravidez (…) Entretenimiento asegurado.»
«Este viaje impresionante es desgarrador y emocionante (…) Su guion pulcro y eficiente (…) está lleno de la poesía tensa y el humor seco que salen a relucir cuando la gente vive una crisis.»