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Social / político

Manon

El precio original era: 21,72 €.El precio actual es: 20,51 €. *IVA Incluido

Sinopsis

Tras la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), en una ciudad de Normandía (Francia), la joven Manon es acusada públicamente de haber colaborado con los nazis durante la ocupación. Un activista de la Resistencia la libera y escapan juntos a París, pero su relación se vuelve tormentosa cuando Manon cae víctima de las maquinaciones de su propio hermano, con quien se enfanga en negocios oscuros: estraperlo, prostitución y asesinato.

Premios

1949: Festival de Venecia: León de oro

1950: Sindicato Francés de Críticos de Cine: Mejor película

1949: Premios del Sindicato de Críticos de Cine Franceses: Mejor película.

CRITICAS

Cuarto largometraje de Henri-Georges Clouzot y su primer éxito. Escrito por él y Jean Ferry, se basa en la novela breve «L’Histoire du Chevalier des Grieux et de Manon Lescaut» (1731), de Antoine François Prévost, más conocido como abate Prévost. Se rueda en estudio y en escenarios naturales, con un presupuesto muy ajustado. Gana el León de oro (Venecia). Producido por Paul Edmond Decharme, se estrena el 9-III-1949 (Francia).

La acción dramática tiene lugar en una población normanda, París, un carguero que hace la travesía por mar entre Marsella y Alejandría y en tierras de Palestina, a partir de junio de 1944, durante varios meses. Robert Dégrieux (Auclair), militante de la Resistencia, tras la ocupación aliada de una pequeña localidad normanda, salva a la joven Manon Lescaut (Aubry) de la furia popular, que quiere castigarla cortándole el cabello por considerarla colaboracionista. Ambos se trasladan a Paris, donde León (Reggiani), hermano de Manon, trafica en el mercado negro con la ayuda de Paul, discapacitado mental. Manon es ingenua, inconsciente, inexperta, amoral y aficionada al lujo y las comodidades. León es corrupto y carece de escrúpulos. Robert es ingenuo y débil de carácter.

El film es una obra de cine negro, que combina drama, crimen y romance. Se aproxima notablemente a los parámetros del cine negro americano clásico. Crea atmósferas opresivas de gran fuerza, la mujer protagonista acarrea desgracias a los que la rodean y en especial al amante, la relación de pareja de ella y éste se basa en un amor disfuncional, obsesivo y casi patológico, hace uso del flashback, la acción se desarrolla mayoritariamente en escenarios oscuros y claustrofóbicos. El realizador imprime al relato un ritmo tenso y vibrante, construye personajes negativos con eficacia y presenta un descripción de la vida parisina de la primera Posguerra que sobresale por aguda, detallada, acerada e inquietante. Aporta a la historia densidad argumental, fuerza dramática y una notable riqueza estética.

La visión de Clouzot es pesimista y desesperanzada. El mundo es para él un espacio de corrupción, explotación, robos, abusos, extorsiones y asesinatos. La guerra ha destruido el paisaje y las ciudades y ha destrozado moralmente a los ciudadanos. Tras la liberación, la supervivencia depende de personajes que trafican con la desesperación de los que huyen del país, la salud pública, el contrabando, la prostitución y la explotación de los débiles. El ambiente se hace asfixiante e irrespirable: invita a la huida, a la búsqueda de nuevas patrias (EEUU, Israel, Sudamérica…) y a la persecución de nuevos horizontes en mundos nuevos incontaminados. Pero, las odiseas no conducen a Itaca. En el mundo de hoy Itaca no existe

-4% PrecintadoBlu rayRTVESogecine

MAR ADENTRO – EDICION COLECCIONISTA

El precio original era: 29,34 €.El precio actual es: 28,13 €. *IVA Incluido

Género
Drama | Basado en hechos reales. Discapacidad. Biográfico. Años 90
Sinopsis
Ramón (Javier Bardem) lleva casi treinta años postrado en una cama al cuidado de su familia. Su única ventana al mundo es la de su habitación, que da al mar, donde sufrió el accidente que interrumpió su juventud. Desde entonces, su único deseo es morir dignamente. En su vida ejercen una gran influencia dos mujeres: Julia (Belén Rueda), una abogada que apoya su causa, y Rosa (Lola Dueñas), una vecina que intenta convencerlo de que vivir merece la pena. Pero también ellas, cautivadas por la luminosa personalidad de Ramón, se replantearán los principios que rigen sus vidas. Él sabe que sólo quien de verdad le ame le ayudará a emprender el último viaje.

(Alejandro Amenábar, 2004)

Premios
2004: Oscar: Mejor película habla no inglesa. 2 nominaciones
2004: Globos de Oro: Mejor Película de habla no inglesa. 2 nominaciones
2004: Festival de Venecia: León de Plata – Premio Especial del Jurado, Mejor Actor

Basada en hechos reales, «Mar adentro» narra la historia de Ramón Sampedro, un hombre tetrapléjico que durante 25 años luchó para conseguir una muerte digna y cuyo caso desencadenó un gran debate social. Prohibida la eutanasia en España, Sampedro acudió varias veces a los tribunales expresando su deseo de morir legalmente, pero fue inútil.

El joven pero consagrado director Alejandro Amenábar llevó su dramática historia al cine, consiguiendo excelentes críticas, multitud de premios (incluyendo el Oscar a la mejor película de habla no inglesa) y un enorme éxito de taquilla.

 

-3% PRECINTADABlu rayRKO Radio Pictures

MARIA ESTUARDO

El precio original era: 35,08 €.El precio actual es: 33,87 €. *IVA Incluido

Género

Drama | Histórico. Siglo XVI

Sinopsis

Inglaterra, siglo XVI. Después de enviudar, María Estuardo abandona Francia y regresa a Escocia, dispuesta a ocupar el trono del que es heredera. Pero los conflictos se acumulan: la nobleza le es hostil, empezando por su hermanastro el conde de Moray, y, además, su apego al catolicismo choca con la fe que predica John Knox, fundador de la Iglesia presbiteriana de Escocia. Por otro lado, su prima Isabel Tudor, hija ilegítima de Enrique VIII, teme que reclame su derecho a la corona inglesa. Su único aliado es el conde Bothwell, comandante de las tropas escocesas, de quien se enamora, aunque por razones de estado tendrá que casarse con Lord Danley, que no tardará en morir asesinado

(John Ford, 1936)

CRITICAS

Reina de Escocia de 1542 a 1567, María Estuardo tuvo un gran peso en la historia de Inglaterra como mujer aguerrida, fiel a sus principios y leal a sus inclinaciones. Hija de Jacobo V de Escocia y de María Guisa, fue reina desde los nueve meses de edad y se cuenta que, en el momento en que el cetro real fue puesto en sus pequeñas manos, ella lo atrapó como si no fuera a soltarlo durante el resto de su vida. Tras muchos días grises con el asedio de Enrique VIII, María es llevada de un lugar a otro para protegerla y así terminará casada con el enfermo delfín Francisco, con el fin de asegurarle la protección del rey de Francia, quien además se encargaría de su educación.

Desde los 5 hasta los 18 años, vivió María Estuardo en la corte de Francia, atendida por dos lores, las cuatro bellas Marías (hijas de nobles familias escocesas), y con la compañía de sus dos hermanastros. Aprendió varios idiomas y finalmente se casó con Francisco en 1558, cuando ella cumplía 16 años. Tras la muerte de Enrique II, se convirtió en reina de Francia, y era sucesora al trono inglés, pues la actual reina, Isabel I, no tenía hijos… María parecía llamada a tener siempre una corona en su cabeza. Muerta su madre, fallecido su esposo Francisco, y tras haberse retirado el ejército francés de Escocia, la joven reina decide regresar a su tierra en 1561, para hacer parte de un gobierno dividido por las religiones.

Y aquí empieza el filme de John Ford, basado en una obra escrita para el teatro por Maxwell Anderson, y con un guión de Dudley Nichols que eliminó las rimas de Anderson, pero que no aportó mucho para hilvanar una historia que se saliera de los aposentos. Así, el filme resulta bastante hablado y con muy poco relieve en los diálogos, las situaciones conservan en mucho su teatralidad y sólo la magnética presencia de una Katharine Hepburn que embellece a un personaje, que físicamente no lo fue tanto, logra mantener el interés por una historia en la que el conflicto es bastante plano y donde se malogra a una figura histórica de grandes magnitudes y que daba para situaciones de enorme fuerza dramática. Fredrich March hace también una aceptable segunda en el rol de Bothwell, pero Isabel I resulta muy sosa y malograda, sabida la fuerza e impetuosidad que tuvo este personaje en la historia.

Ford se cuida de decir claramente entre cuales religiones se da el conflicto; no da razones precisas para que María rechace a Bothwell para casarse con el blandengue de Darnley; le resulta “mágica” la escena en que María arroja a la hoguera la hoja que le dan para que firme, enseguida Ruthven la rescata hecha cenizas, la envuelve entre sus manos, y en el siguiente plano la abre intacta sobre la mesa.

Se le abonan algunos aciertos en la iluminación y la escena del breve juicio que está muy bien lograda. Pero quedamos en deuda, porque Ford tuvo entre sus manos dos intensos personajes y a dos grandes actores, pero el eco de este filme no va más allá de algunos metros.

Proximamente...

MASACRE VEN Y MIRA

El precio original era: 64,74 €.El precio actual es: 63,53 €. *IVA Incluido

Género

Bélico. Drama | II Guerra Mundial. Nazismo. Holocausto. Drama psicológico. Basado en hechos reales. Película de culto

Sinopsis

Película de encargo para celebrar el 40 aniversario de la victoria aliada en la Segunda Guerra Mundial. Relata, a través de los ojos de un niño progresivamente endurecido por el sufrimiento, la matanza sistemática de los habitantes de las aldeas bielorrusas, más de 600, durante la guerra.

(ELEM KLIMOV, 1985)

CRITICAS

Ver Masacre: ven y mira es, sin duda alguna, una experiencia única. Contemplar ante tus ojos cómo desfilan los horrores de la guerra, las miserias del ser humano sin un ápice de exageración y con un realismo desmesurado y, sí, rozando lo puramente morboso, acercándose a lo simplemente grotesco. Pero hay maneras y maneras de ir concediéndole puntos a lo morboso y Klimov las conoce y aplica todas.

En la presentación, se muestra cómo Floryan cava en busca de un rifle para unirse a los partisanos bielorrusos -pieza clave, por cierto, en la desocupación de esta, por aquel entonces, república soviética de poético nombre: la Blanca Rusia- mientras es ayudado por un niño que viste un casco alemán y un largo abrigo militar.

Un acercamiento al morbo con primeros planos del niño mientras alecciona a Flor para poder encontrar el fusil, un pequeño atisbo de la locura en que todos los civiles se van a ver sumidos. De ahí en adelante, el ambiente sólo puede crecer en dureza, en horror, en tristeza y en dolor. De ahí en adelante, la puta guerra.

Fundamental para la creación de ese ambiente cruel y de apocalipsis individual que azota al espectador es el sonido, no sólo la música, sino el excelente manejo que se realiza del sonido mientras acompaña a la imagen.

El sonido marca la pauta en la película, en los momentos cumbre introduce al espectador en la perspectiva del protagonista y eleva su grado de implicación a límites difícilmente alcanzables, con el consiguiente sufrimiento que éste padece. Sufrimiento que muta en insania.

El progresivo envejecimiento de Floryan nos da una idea de la dureza de lo vivido y más sabiendo que, algún día y en algún lugar, todo eso fue real. Tras acabar la película debe comprobarse delante de un espejo si las balas que silbaban por encima de nuestra cabeza han provocado en nosotros el mismo resultado.

-17% Nuevo IMPECABLEDVDPakula-Mulligan Production

MATAR A UN RUISEÑOR

El precio original era: 7,20 €.El precio actual es: 5,99 €. *IVA Incluido

Género

Drama | Drama judicial / Abogados/as. Drama sureño. Racismo. Infancia. Vida rural (Norteamérica)

Sinopsis

Adaptación de la novela homónima de Harper Lee. En la época de la Gran Depresión, en una población sureña, Atticus Finch (Gregory Peck) es un abogado que defiende a un hombre negro acusado de haber violado a una mujer blanca. Aunque la inocencia del hombre resulta evidente, el veredicto del jurado es tan previsible que ningún abogado aceptaría el caso, excepto Atticus Finch, el ciudadano más respetable de la ciudad. Su compasiva y valiente defensa de un inocente le granjea enemistades, pero le otorga el respeto y la admiración de sus dos hijos, huérfanos de madre.

(Robert Mulligan, 1962)

Posición en rankings FA

9 Mejores películas de los años 60

28 Mejores películas estadounidenses de todos los tiempos

31 Mejores películas de drama

40 Mejores películas de la historia del cine

Premios

1962: 3 Oscars: Mejor actor (Gregory Peck), guión adap., dirección artística. 8 nominaciones

1962: 3 Globos de Oro: Entendimiento internacional, actor (Peck) y BSO. 5 nom.

1963: Premios BAFTA: Nominada a Mejor película y actor extranjero (Gregory Peck)

CRITICAS

Perfecta adaptación de la novela de Harper Lee, sobre la vida en el Profundo Sur de los EE.UU. durante la Depresión de 1929, vista a través de los ojos de unos niños, hijos de un padre viudo, interpretado admirablemente por Gregory Peck en la mejor interpretación de su carrera, que le supondría ser galardonado con el Oscar al mejor actor de 1962, por su creación del íntegro abogado Atticus Finch, que acomete la defensa en el juicio de un hombre negro, falsamente acusado de violar a una mujer blanca.

Todo el film supone una conmovedora y sublime aproximación al mundo de la infancia, a través de cuyos ojos, percibimos su descubrimiento del mundo y su forja como seres humanos comprometidos y responsables.

A través de las ávidas y curiosas miradas de los hijos de Atticus, se nos muestra la intolerancia social sureña con toda la carga de desprecio, odio y prejuicios hacia la comunidad negra.

La integridad y la admiración por la figura paterna, en la calurosa noche en que reciben la magistral lección de principios, por parte de su padre en el porche del hogar.

El descubrimiento del auténtico valor, que no supone ignorar el miedo, sino aprender a controlarlo y a dominarlo, tanto el miedo subjetivo (la casa vecina que se supone maldita), como el miedo objetivo (el sobrecogedor enfrentamiento a la multitud que pretende linchar al acusado).

El respeto, mantenido por encima de la consecución de las justas pretensiones, expresado por la comunidad negra al ponerse respetuosamente en pie en la sofocante galería del juzgado, para rendir homenaje al hombre que tuvo el valor de defender sus ignorados derechos.

En definitiva un excelente modelo de adaptación literaria que sabe, a través de una sobria dirección y una excelente actuación, efectuar con rigor y sin paternalismos hipócritas, una cruda reflexión sobre una realidad social claustrofóbica y excluyente, vista con la sencillez y la ternura de los ojos de un niño.

Yo me pregunto si por un momento todos fuéramos como Atticus. Cómo sería el mundo.

-18% Nuevo IMPECABLEDVDCode Entertainment

MATAR AL IRLANDES

El precio original era: 6,66 €.El precio actual es: 5,45 €. *IVA Incluido

Género

Acción. Thriller. Drama | Crimen. Mafia. Basado en hechos reales. Años 60. Años 70

Sinopsis

Basada en una historia real. Danny Green es un gángster de origen irlandés que protagonizó en los años 70 los episodios más turbios de la ciudad de Cleveland. Su tendencia a meterse en toda clase de problemas lo convierte en una figura conflictiva e incómoda dentro del mundo de la mafia. Son muchos los que querrían eliminarlo, pero no les resultará nada fácil.

(Jonathan Hensleigh, 2011)

CRITICAS

Nada sabía yo de este Danny Greene, irlandés abstemio. Todo un ejemplo de cómo mantener la calma.

La película cuenta con los ingredientes necesarios para que te guste. Lo mejor, la ambientación, puros setenta, los coches, los peinados y el estilo de los atentados. El elenco de actores cumple con creces. Cierto es que a Val Kilmer ya hay que barnizarlo antes de cada toma, está al límite el pobrecillo.

Jonathan Hensleigh es un guionista y adaptador de guiones destacado dentro del mundo de Hollywood, films como “Duro de matar 3” (1995), “Jumanji” (1995), “El santo” (1997) y “Armageddon” (1998) lo avalan. En la dirección la historia es distinta, su debut en 2004 fue con “The Punisher” (Thomas Jane, John Travolta y Samantha Mathis), una película olvidable, y luego (mas allá de un video denominado “Welcome to the Jungle” en 2007) quedó en el reposo hasta este año, con “Kill the Irishman”.

En el plano del contenido, “Mata al irlandés” es una historia basada en hechos reales que retrata la guerra entre las distintas bandas del crimen organizado (la mafia) en Cleveland (USA) durante la década del 70, tomando como punto de fuga a uno de los personajes más controvertidos de estos hechos, el irlandés Danny Greene.

El film toma como centro a este personaje y lo desglosa en distintos planos, más como una descripción que haciendo juicio de valor. Podemos ver al líder sindical mafioso, corrupto y violento a la vez que al hombre leal, bondadoso y carismático pero, sobre todo, la historia se acentúa en la leyenda que cobró este hombre por el hecho de haber sobrevivido a 8 atentados, es decir, en el plano mítico.

En este último sentido, el film muestra a Greene como un creyente poseedor de una herencia guerrera proveniente de sus ancestros irlandeses, jugando todo el tiempo con comentarios y símbolos que dan cuenta de esto.

Realizada con eficacia y con respeto. Se destila, y crea un aura agradable alrededor del personaje. Como en todas las películas de mafia que se precien, empezando por «El Padrino», todos son malos pero se les coge cariño, ¿será posible?.

Relato donde se combinan de forma acertada, la parte humana con la trepidación de cuanto acontece, no se dejan demasiados respiros. La acción fluye.

De las que hay que ver.

-2% 4K UHD + BLU RAYPrecintadoWarner Bros

MEAN STREETS – Malas calles

El precio original era: 65,34 €.El precio actual es: 64,13 €. *IVA Incluido

«Obra maestra de Scorsese que muestra los bajos fondos y el interior de los estercoleros de una ciudad»

Género
Drama | Mafia. Cine independiente USA

Sinopsis

Nueva York, 1972. Charlie (Harvey Keitel) es un joven italoamericano de 27 años que trata de ascender en la mafia de Nueva York, pero dicho ascenso se ve obstaculizado por su sentimiento de responsabilidad hacia su imprudente amigo, Johnny Boy (Robert De Niro).

CRITICAS

La historia incorpora trazos autobiográficos, que Scorsese explica con fervor y una calidez que trasmiten al discurso proximidad y verosimilitud. La narración se desarrolla a partir del recuerdo nostálgico de una experiencia vital entrañable, exenta de sentimentalismos y de complacencia. Presenta el barrio de infancia y juventud con exuberancia y humor. Retrata una comunidad que se siente singular y cultiva sus costumbres, fiestas y celebraciones, como la de San Gennaro. Las calles de la zona se muestran depositarias de sonidos, ruidos, rumores, voces y armonías, que identifican al colectivo que las habita.

El tema principal viene dado por las relaciones entre sexo y pecado, pecado y perdón, transgresión y culpa, religión y conducta humana. El protagonista, abrumado por los escrúpulos, desarrolla comportamientos ansiosos que le llevan a jugar con el fuego que purifica, la abstinencia sexual y la generosidad que cree que le aporta méritos para descargar las culpas. Adicionalmente explora cuestiones relativas a la violencia de los adolescentes, al espíritu destructivo de los jóvenes, a la redención y al perdón, a las relaciones entre insatisfacción y violencia, etc. Presta especial atención a los personajes que protagonizan la historia, por lo que algunos atribuyen al film la condición de obra de personajes.

Premios
1973: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion original drama

-7% Hollywood PicturesDVDIMPECABLE

MENTES PELIGROSAS

El precio original era: 18,09 €.El precio actual es: 16,88 €. *IVA Incluido

Género

Drama | Adolescencia. Colegios & Universidad. Enseñanza

Sinopsis

Una inexperta maestra es contratada como profesora de un grupo de chicos difíciles, cada uno de los cuales es un problema social en sí mismo. Pero, aunque la tarea es difícil y la rigidez de la dirección del centro no ayuda, la voluntariosa maestra intentará que los chicos lleguen a graduarse.

«Pfeiffer ofrece una interpretación peleona y divertida, que te implica en el teson de un profesor comprometido a marcar la diferencia»

(John N. Smith, 1995)

La película esconde abundantes mensajes morales como luchar para conseguir lo que deseas, no rendirse ante lo que parece imposible y la convicción de que la represión no es la solución ante la gente conflictiva. Tiene bastante similitud con Los chicos del coro, con la diferencia de que no tienen la misma edad los chavales y por lo tanto no padecen los mismos problemas y obligaciones.

-4% PRECINTADABlu rayCoproducción Irán-Francia-Suecia-Alemania

MI POSTRE FAVORITO

El precio original era: 33,82 €.El precio actual es: 32,61 €. *IVA Incluido

Género

Drama. Romance. Comedia | Vejez / Madurez. Drama romántico

Sinopsis

Mahin, de 70 años, vive sola en Teherán desde que murió su marido y su hija se mudó a Europa. Desde su independencia, Mahin desafía las expectativas de su entorno conservador. Más aún cuando inesperadamente conoce y empieza una relación amorosa con un taxista llamado Faramarz.

(Maryam Moghadam, Behtash Sanaeeha, 2024)

CRITICAS

Sinopsis. Mahin es una mujer quien vive sola en su casa en Teheran bajo el régimen teocrático islámico (creo que de la rama chiíta), en un momento, ella decide cambiar su vida y arriesgarse a tomar decisiones diferentes, incluso se decide a conseguir una pareja sentimental.

La película se me hace bastante interesante, ya que a mi parecer tiene tramas complejas que hace interesante su seguimiento y genera diferentes preguntas. Empezando por lo protagonistas: Mahin y Faramarz, quienes son don abuelos de 70 años que toda su vida vivieron solos, la primera porque su marido falleció y el segundo porque su esposa le pidió el divorcio por ser estéril.

Lo que complica más la trama es que se encuentran en una sociedad profundamente ortodoxa y represiva, representado a través de una de las rama más radicales del islam, quienes a través de la religión inspiran a otras personas a cuidar que se cumplan los deberes y que mantienen un estamento de orden por parte de la policía de la moral de ese país. Por lo que el hecho que de que dos personas lleguen a tener una relación es muy difícil.

Esto sumado a la edad de los protagonistas, que dado que el encanto o el atractivo físico que tuvieron en algún momento se les acabó, hace que sea más difícil llegar a conocer otras personas. Mahin ya sufre de la cadera e incluso le duele subir o bajar escaleras y Faramarz sufre de disfunción eréctil.

Además que se evidencia la independencia de la hija de Mahin, quien para escapar del régimen represor tuvo que salir a vivir a otro país (Alemania); pero también miramos el arraigo y cariño que Mahin tiene de su tierra y su casa, por lo que no se va a vivir con la hija (o de pronto porque la hija ya tiene una familia y no puede hacerse cargo de su madre anciana que simplemente sería un estorbo).

Miramos como Mahin sufre de su soledad, dado que vive emociones a través de terceros, mirando sus novelas turcas y también como Faramarz sufre de esta misma soledad como cuando sus compañeros se burlan de él que solo come afuera porque al parecer no tiene a nadie quien se preocupe por él y le prepare sus alimentos. Ellos con la edad que tienen son conscientes de que su muerte se encuentra cerca, e incluso Faramarz le comenta a Mahin que su principal miedo es llegar a morir solo y que a nadie le va a importar. Sienten la necesidad a esa edad de acompañamiento mutuo y de cuidarse el uno al otro. En una sola noche miramos como entre ellos empatizan y tienen química, por lo que uno se alegra de verlos juntos.

La película está en la línea de otras películas iraníes, a saber que pasan en un tramo del día donde se desarrolla toda la trama y que carece de soundtrack para realzar ciertas escenas (ya que o usan música diegética o aparece al final), de esta manera se prioriza los diálogos y las interacciones entre los personajes. En cuanto a la fotografía realizan encuadres abiertos, como cuando Mahin o Faramarz están solos para acentuar esa soledad; y el ritmo de la película es lenta si se comparan con películas de occidente, pero adecuado si uno ya conoce películas de este país.
-2% PRECINTADA4K UHD + BLU RAYParamount

MICKEY AND NICKY

El precio original era: 73,75 €.El precio actual es: 72,54 €. *IVA Incluido

Género

Drama | Amistad

Sinopsis

Nick es un matón judío que ha empezado en el oficio hace poco pero ya tiene problemas y su vida corre peligro. Para intentar solucionarlo llama a su mejor amigo, Mikey, para que le ayude a ocultarse y averiguar la identidad del individuo que debe matarle.

(Elaine May, 1976)

CRITICAS

Esta sublime y olvidada joya de los 70 ayer me proporcionó uno de los mayores orgasmos cinematográficos que ha sacudido mi retina en los últimos tiempos. Por lo espléndida y por que, sinceramente, no la vi venir. No supe de ella hasta hace unos meses, cuando la encontré dragando la vida y obra de Cassavetes, aprovechando el maravilloso ciclo que le estoy dedicando al maestro, me decidí a verla y el impacto fue mayúsculo.
Elaine May, la sorprendente artífice de esta joya, no sólo la dirige con mucha clase, con un estilo que bebe tanto de Cassavetes, en la manera de drenar las emociones, como del primer Scorsese, si no que escribe su memorable guión, plagado de drama, comedia, diálogos impagables y escenas maravillosas. Y luego están Cassavetes y Peter Falk cuajando dos actuaciones para el recuerdo, con una complicidad atronadora que perfora el celuloide, tejida, cómo no, del material con el que se fabrican los sueños.

El análisis que realiza de la amistad masculina, esa relación superior, ese tesoro a defender con puños, armas y garras, me parece emocionantísimo. No escatima en diseccionar su grandeza y sus demonios, claro. Y la sensación de peligro y riesgo que acecha cada secuencia, acentuada por un personaje de Cassavetes lindando la locura en todo momento, imprime mucha fuerza y pasión a la película, y transmite la adorable sensación de que todo puede saltar por los aires en cualquier momento.

Obra maestra, pero de las pequeñas, de las especiales, de la raza de títulos como El Espantapájaros, Afterhours o Fat City.
De verdad, arranca la película y, tras quince minutos, presentí que estaba ante algo grande, muy grande. Y cuando tras uno de los finales más abrumadores que recuerdo cayó el telón, la sospecha tornó en absoluta certeza y yo me levanté del sofá y aplaudí, y aplaudí. Pues sí, una película reivindicable hasta el éxtasis.
El caso es que mientras ayer esta película me calzaba un directo con la guardia baja, no paraba de repetirme; «pero hay que ver, hay que ver lo grande que es el cine».

-2% PRECINTADABlu rayUniversal Pictures

Miedo y asco en Las Vegas

El precio original era: 67,75 €.El precio actual es: 66,54 €. *IVA Incluido

Género

Comedia | Comedia negra. Road Movie. Drogas. Periodismo. Película de culto. Surrealismo. Años 70

Sinopsis

Un periodista y un misterioso abogado que viajan en un descapotable rojo se dirigen, a través del desierto, a Las Vegas. El maletero del coche es una auténtica farmacia: dos bolsas de marihuana, 75 pastillas de mescalina, 5 hojas de ácidos y muchas otras drogas.

(Terry Gilliam, 1998)

CRITICAS

Obra transgresora y originalísima, que por algunos críticos y espectadores cortos de miras ha sido comparada con comedias de desmadre y sin más fondo, como «Dos colgaos muy fumaos» u otros subproductos semejantes.
No se narran las travesuras de dos adolescentes vagos y descerebrados: los irreconocibles Depp y Del Toro personifican el desencanto y el nihilismo destructivo de toda una generación que pretendió cambiar el rumbo de la humanidad y no pudo.
Además de todo ello es, obviamente, todo un escaparate de las drogas más variopintas y de los modos de administración de las mismas que eran usuales entonces, pudiendo resultar una buena guía para aquellos que se intenten adentrar en el mundo de los ácidos, la marihuana, el éter y un largo etc.
En resumen, un film polémico y sorprendente no carente de reflexiones procedentes del libro homónimo del recientemente fallecido Hunter S. Thompson que inspiró al ex-python Gilliam para hablar de un mundo que sin duda también le era familiar.

Otra gran obra de Terry Gilliam que encierra más de lo que la gente ve. Esta es una de esas buenas películas, que por marketing o por causas del destino, es visionada por un gran publico, que lo que mas consume es cine comercial. Muchas películas ya corrieron su misma suerte, y el tiempo la puso en su lugar o las convirtió en películas de culto.

La historia encierra mucho más. Todos recordamos docenas de películas sobre lo que les paso a los soldados que volvieron de la guerra del Vietnam, sus experiencias vividas hicieron que no pudieran adaptarse de nuevo a la sociedad.
En esta película podemos ver que fue de esa generación hippie en contra de la guerra y muchas otras cosas, y a favor de la libertad, el amor libre, las drogas, etc. Este movimiento termino pasándose de moda y llegando a su fin. Dejando a mucha gente en una época que ya no era la suya y perdidos en una sociedad que no los comprendía.
He aquí el relato de dos personas que no pudieron adaptarse de nuevo a la sociedad.

-4% PRECINTADABlu rayProduzioni De Sica (PDS)

MILAGRO EN MILAN

El precio original era: 28,98 €.El precio actual es: 27,77 €. *IVA Incluido

Género

Comedia. Drama. Fantástico | Pobreza. Neorrealismo. Realismo mágico

Sinopsis

Totó es un bondadoso huérfano que vive, igual que otros muchos desharrapados, en un mísero barrio de chabolas en las afueras de Milán. Cuando en los terrenos donde viven se descubre petróleo, Totó, tan ingenuo como bienintencionado, decide enfrentarse al poderoso señor Mobbi, el dueño del suelo. Aunque contiene elementos fantásticos, constituye con «Ladrón de bicicletas» y «Umberto D.» la gran trilogía neorrealista de De Sica

(Vittorio De Sica, 1951)

CRITICAS

Emblemática película del brillante Vittorio de Sica. Es mi preferida de todas las del genial director italiano por que transmite una esperanza y una candidez adorables. Totó el niño, es el catalizador para mostrar un optimísmo pocas veces visto en de Sica, tiene mágia, pureza y unos efectos especiales de una precariedad que hacen aún más tierno el film.

Lejos del pesimísmo y el dolor lascerante de Ladrón de bicicletas, acá todo es pobreza y miseria propia de la post guerra, pero con un mensaje tan lleno de esperanza y alegría que el corazón agradece. Una de las grandes películas del cine y la mejor de ése mago talentoso e irrepetíble que fué Vittorio de Sica. Joya absoluta. Para emocionarse y disfrutar.

La visión de esta película siempre me ha transmitido una extraña sensación relacionada con los sentidos del olfato y el frío. Viendo las desoladas aceras de las calles milanesas en un ambiente postbélico, la oscuridad de sus farolas, parece como si el frio imperante calase en los huesos y llegara hasta nuestro olfato aromas de chimenea, de cartón quemado, de lumbre sin puchero o con puchero sin chorizo…
Este «cuento de Navidad» logra crear una instantánea simpatía con el protagonista huérfano prácticamente desde el comienzo.

Su inocencia, su ingenuidad, su bondad, su visión de un mundo frío, cínico y duro a través de una mente limpia que no ha logrado ser echada a perder por su paso por un orfelinato, se convierte en el arma que logra enfrentarse a la codicia de una sociedad vieja, caduca y acabada a través de una lucha de clases incruenta y sin odio, un conflicto social lleno de azúcar que más quisiera para sí cualquier gobernante ante ghetos de inadaptados y excluidos de la sociedad.

Tal vez lo más destacable del film, teniendo en cuenta que la historia en sí no da para más, sea el retrato descarnado de las ciudades europeas sumidas en la crisis más absoluta tras la contienda bélica. Ciudades y personajes sobrevivientes al horror, a la carencia, al vacío, cuyo único asidero es la fábula en forma de personajes mágicos con poderes para poner las cosas en su sitio y sobre todo para darles a los poderosos su medicina.
Película para pasar un rato muy divertido y pensar sobre el valor de la sinceridad y la bondad.

 

-11% Nuevo IMPECABLEDVDProduzioni De Sica (PDS)

MILAGRO EN MILAN

El precio original era: 10,83 €.El precio actual es: 9,62 €. *IVA Incluido

Género

Comedia. Drama. Fantástico | Pobreza. Neorrealismo. Realismo mágico

Sinopsis

Totó es un bondadoso huérfano que vive, igual que otros muchos desharrapados, en un mísero barrio de chabolas en las afueras de Milán. Cuando en los terrenos donde viven se descubre petróleo, Totó, tan ingenuo como bienintencionado, decide enfrentarse al poderoso señor Mobbi, el dueño del suelo. Aunque contiene elementos fantásticos, constituye con «Ladrón de bicicletas» y «Umberto D.» la gran trilogía neorrealista de De Sica

(Vittorio De Sica, 1951)

CRITICAS

Emblemática película del brillante Vittorio de Sica. Es mi preferida de todas las del genial director italiano por que transmite una esperanza y una candidez adorables. Totó el niño, es el catalizador para mostrar un optimísmo pocas veces visto en de Sica, tiene mágia, pureza y unos efectos especiales de una precariedad que hacen aún más tierno el film.

Lejos del pesimísmo y el dolor lascerante de Ladrón de bicicletas, acá todo es pobreza y miseria propia de la post guerra, pero con un mensaje tan lleno de esperanza y alegría que el corazón agradece. Una de las grandes películas del cine y la mejor de ése mago talentoso e irrepetíble que fué Vittorio de Sica. Joya absoluta. Para emocionarse y disfrutar.

La visión de esta película siempre me ha transmitido una extraña sensación relacionada con los sentidos del olfato y el frío. Viendo las desoladas aceras de las calles milanesas en un ambiente postbélico, la oscuridad de sus farolas, parece como si el frio imperante calase en los huesos y llegara hasta nuestro olfato aromas de chimenea, de cartón quemado, de lumbre sin puchero o con puchero sin chorizo…
Este «cuento de Navidad» logra crear una instantánea simpatía con el protagonista huérfano prácticamente desde el comienzo.

Su inocencia, su ingenuidad, su bondad, su visión de un mundo frío, cínico y duro a través de una mente limpia que no ha logrado ser echada a perder por su paso por un orfelinato, se convierte en el arma que logra enfrentarse a la codicia de una sociedad vieja, caduca y acabada a través de una lucha de clases incruenta y sin odio, un conflicto social lleno de azúcar que más quisiera para sí cualquier gobernante ante ghetos de inadaptados y excluidos de la sociedad.

Tal vez lo más destacable del film, teniendo en cuenta que la historia en sí no da para más, sea el retrato descarnado de las ciudades europeas sumidas en la crisis más absoluta tras la contienda bélica. Ciudades y personajes sobrevivientes al horror, a la carencia, al vacío, cuyo único asidero es la fábula en forma de personajes mágicos con poderes para poner las cosas en su sitio y sobre todo para darles a los poderosos su medicina.
Película para pasar un rato muy divertido y pensar sobre el valor de la sinceridad y la bondad.

 

-3% PRECINTADABlu rayWiedemann & Berg Filmproduktion

MILLI VANILLI: Girl You Know It’s True

El precio original era: 43,50 €.El precio actual es: 42,29 €. *IVA Incluido

Género

Drama | Basado en hechos reales. Música. Años 80. Años 90

Sinopsis

Milli Vanilli, el dúo formado por el alemán Rob Pilatus y el francés Fab Morvan, se convirtió en un fenómeno musical a finales de los 80 y principios de los 90. Con canciones enormemente populares, arrasaron en las listas de éxitos de todo el mundo. Fab y Rob parecían tener una gran carrera por delante, hasta que la verdad fue revelada: no eran ellos quienes cantaban sus canciones. Lo que siguió fue uno de los mayores escándalos en la historia de la música. Su ascenso meteórico a la fama acabó siendo eclipsado por su devastadora caída

(Simon Verhoeven, 2023)

CRITICAS

Lo mejor de la película sin duda es el trabajo de caracterización y las actuaciones sobresalientes de los dos protagonistas. Merece la pena verla tan sólo por esto.

Cuenta la historia en un estilo similar a, por ejemplo, “Yo Tonya”. Lo que ocurre es que aquí el dúo Milli Vanilli lo hacen desde el punto de vista de narradores de su película y eso lleva a una situación al final que parece un poco absurda y sacada de contexto.

Este grupo creó un fenómeno fan directamente proporcional al ensañamiento que se produjo posteriormente con ellos. Pero no hay que olvidar que en aquella época había muchos “productos de marketing” prefabricados y se estilaba mucho utilizar la imagen de un(a) modelo como imagen para la MTV, y luego era otro(a) cantante quien ponía la voz.

En esas mismas fechas, muchos recordarán éxitos como por ejemplo “Pump up the Jam” de Tecnnotronic, o el “Ride on Time” de Black Box; en ambos aparece una modelo haciendo lip-sinc de las letras tanto en los videos musicales como en las actuaciones en todo tipo de programas. Technotronic al menos “lo solucionó” poco después, en el caso de Black Box las cantantes originales ni siquiera fueron pagadas.

Que yo recuerde nadie hizo quemas de discos ni nada parecido con estos grupos, que vendieron millones de copias (también en EEUU), y que eran productos de marketing al igual que Milli Vanilli (modelo que tampoco defiendo).

Hay un período en la película en el cual no han querido profundizar mucho, que es el período que transcurre después del Grammy hasta la muerte de Rob, en el cual ellos intentaron presentar su fallido proyecto “Rob & Fab” con sus propias voces. Hay un documento en Youtube que muestra esta etapa en una entrevista en España, un fragmento del periodista Ángel Casas en su programa “Un día es un día” del día 03/01/1991.

No solamente recomendada a quienes vivieron aquella época; sino que también es una historia muy interesante que cuenta lo que ocurría en aquél entonces no sólo con Milli Vanilli, sino con muchos otros productos diseñados únicamente bajo parámetros de rentabilidad, éxito inmediato y cero escrúpulos.

-4% Precintado4K UHD + BLU RAY Edición metálicaParamount

MISION IMPOSIBLE 4 / Misión imposible: Protocolo fantasma

El precio original era: 31,76 €.El precio actual es: 30,55 €. *IVA Incluido

Género

Acción. Thriller | Espionaje. Secuela
Grupos
Misión imposible

Sinopsis

Cuarta entrega de la serie cinematográfica Misión imposible.

El agente Ethan Hunt, acusado de un atentado terrorista con bombas contra el Kremlin, es desautorizado junto con toda la organización, al poner en marcha el Presidente el “Protocolo Fantasma”. Abandonado a su suerte y sin recursos, el objetivo de Ethan es rehabilitar el buen nombre de su agencia e impedir un nuevo ataque

Pero Ethan emprende esta misión con un equipo formado por fugitivos, cuyos motivos personales no conoce bien.

(Brad Bird,  2011)

«Las mejores «set pieces» del filme son ampliaciones de un campo de batalla que Cruise había pisado en otras ocasiones. Poco importa, porque funcionan a pleno pulmón, demostrando que Hunt, junto a Bourne, es digno heredero de los héroes del cine de acción de los ochenta»
-3% Precintado4K UHD + BLU RAY Edición metálicaParamount

MISION IMPOSIBLE 5 / Misión imposible: Nación Secreta

El precio original era: 36,91 €.El precio actual es: 35,70 €. *IVA Incluido

Género
Acción. Thriller | Espionaje. Secuela
Grupos
Misión imposible

Sinopsis

Con la FMI disuelta y Ethan Hunt (Tom Cruise) abandonado a su suerte, el equipo tiene que enfrentarse contra el Sindicato, una red de agentes especiales altamente preparados y entrenados. Estos grupos están empeñados en crear un nuevo orden mundial mediante una serie de ataques terroristas cada vez más graves. Ethan reúne a su equipo y une sus fuerzas con la agente británica renegada Ilsa Faust (Rebecca Ferguson), quien puede que sea o no miembro de esta nación secreta, mientras el grupo se va enfrentando a su misión más imposible hasta la fecha…

Quinta entrega de la saga Misión Imposible

(Christopher McQuarrie, 2015)

«El dulce placer de lo improbable. ‘Misión imposible: Nación secreta’ renueva las claves de la serie en un desprejuiciado, febril y simpático ejercicio de entretenimiento puro.»

-3% Precintado4K UHD + BLU RAY Edición metálicaParamount

MISION IMPOSIBLE 6 / Misión imposible: Fallout

El precio original era: 39,33 €.El precio actual es: 38,12 €. *IVA Incluido

ED. METALICA 4K ULTRA HD BLU RAY

Compañías
Paramount Pictures, Cruise-Wagner Productions
Género
Acción. Thriller | Espionaje. Secuela
Grupos
Misión imposible

Sinopsis
Sexta entrega de la saga.

En esta ocasión presenta a Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo IMF (Alec Baldwin, Simon Pegg, Ving Rhames), con algunos aliados conocidos (Rebecca Ferguson, Michelle Monaghan), en una lucha contrarreloj después de que una misión salga mal

(Christopher McQuarrie, 2018)

«Cumple con el reto de ser una superproducción de acción irreprochable, en la que se equilibran las siempre hiperbólicas escenas de acción con unas someras notas de humor (…) y con unos trazos emocionales»
-4% PRECINTADABlu rayBlack River Productions

MISSISSIPPI MASALA

El precio original era: 27,77 €.El precio actual es: 26,56 €. *IVA Incluido

Género

Drama. Romance | Racismo. Años 70. Años 90

Sinopsis

Expulsados por la dictadura de Uganda en 1972, un matrimonio hindú y su pequeña hija Mina emigran a los Estados Unidos donde, después de varios años de tranquilidad, la pasión de la hermosa Mina por un hombre de color les hace revivir el odio racial, la angustia y el amor de sus vidas pasadas

(Mira Nair, 1991)

CRITICAS

Cuando Denzel Washington hizo esta película, aún no había triunfado en el cine como el actor negro sucesor de Sidney Poitier, apuntaba maneras pero no tantas como para sospechar que iba llegar tan alto.

La que sí es una auténtica delicia consagrada, que aparece en esta película, es la maravillosa actriz del cine hindú, Sharmila Tagore (haciendo de madre de la muchacha protagonista que inicia amores con un joven afroamericano). En verdad es gratísimo ver a Sharmila, aquella inolvidable, bella y carismática muchachita con tan solo 13 años de edad, que hizo la tercera parte fílmica de la Trilogía de Apu, es decir del filme titulado «El mundo de Apu» y un año más tarde «La diosa» (ambas dirigidas por el mítico Satyajit Ray, India 1959 y 1960), donde nos encantó a todo el mundo por su delicadeza y encanto eternizado en la historia del cine, verla ahora acá en «Mississippi Masala», en una película norteamericana, haciendo un papel también de mujer hindú, pero occidentacilada, por supuesto ya madura, no en vano han pasado treinta y dos años entre aquella interpretación y ésta, donde tendría ya 45 ó 46 años reales de edad, pero igual de atractiva, impresionante y dando enorme soltura y calidad a todas las escenas donde aparece. Todo un regalo para los ojos del espectador y para la mítica cinematográfica, observar en la pantalla el paso del tiempo en la gran e inmortal Sharmila Tagore.

Mira Nair, hace una película preciosa, no sólo en las tomas fotográficas, sino sobre todo en la historia que nos narra, el amor entre un hombre y una mujer y sus complicaciones con las respectivas familias, cuando éstas pertenecen a culturas muy diferentes, en este caso tan distintas como es la de origen hindú y es la de origen negro afroamericano.

Una película de las que van directamente encausadas al corazón y a la mente de los que la contemplen, tratando de flexibilizar nuestros convencionalismos petrificados y hacer que entendamos que el amor es una fuerza esplosiva cósmica imparable y no hay negatividades antigravitatorias que puedan ponerle puertas al campo de este misterio.

Proximamente...
-2% PRECINTADAEDICION COLECCIONISTA 4K UHD+BLURAYHandMade Films

MONA LISA – EDICION COLECCIONISTA 4K UHD

El precio original era: 54,39 €.El precio actual es: 53,18 €. *IVA Incluido

Género

Thriller. Cine negro | Prostitución. Mafia. Neo-noir

Sinopsis

George, además de ser el chófer de Simone, una elegante prostituta negra cuyos clientes son hombres de negocios y árabes millonarios, está locamente enamorado de ella, Por eso, acepta el encargo de buscar a una vieja amiga de Simone que se ha metido en un lío, aunque tenga que enfrentarse a un chulo mafioso y a un obseso rey del porno. Pero pronto descubrirá algo que podría destruir su propia vida.

(Neil Jordan, 1986)

Premios

1986: Nominada al Oscar: Mejor actor (Bob Hoskins)

1986: Globos de Oro: Mejor actor drama (Bob Hoskins). 4 nominaciones

1986: Premios BAFTA: Mejor actor (Hoskins). 6 nominaciones

 

CRITICAS

La película toma el título del cuadro de Leonardo da Vinci, porque para el protagonista George, la prostituta a la que sirve como chófer es hermosa, enigmática, intocable e inalcalzable. La relación entre George y Simone se desarrolla en un doble plano: por un lado George se va enamorando de Simone, mientras ésta le utiliza para la obtención de sus fines. La película ofrece una descripción detallada y bien matizada de la personalidad de George, un expresidiario recién salido de la cárcel, rechazado por su mujer, buena persona, honesto a carta cabal, que encuentra un trabajo de chófer de la mano de un antiguo colega, por cuenta del que ha pagado una pena de prisión que no le correspondía.

La ingenuidad de George y la fascinación que siente por Simone le llevan a recorrer la ciudad en busca de Kate, una joven compañera de Simone, perdida en el submundo londinense. George realiza su cometido con limpieza, con dignidad y sin prestar atención a las fáciles y atractivas oportunidades que el mundo de la delincuencia le ofrece.

Tras jugarse la vida para satisfacer los deseos de su Mona Lisa, llega la sorpresa de una verdad inesperada, que le hará tomar una decisión coherente y liberadora. La canción «Mona Lisa», dedicada a la figura seductora y enigmática de la protagonista del cuadro, acompaña el inicio de la obra a modo de apunte explicativo para el espectador. La excelente interpretación de Bob Hoskins en el papel principal le valió una nominación al Oscar al mejor actor.

Proximamente...
-13% Nuevo IMPECABLEDVDCanal+ España

MONOS COMO BECKY

El precio original era: 9,62 €.El precio actual es: 8,41 €. *IVA Incluido

Género

Documental | Biográfico. Medicina

Sinopsis

Mientras los enfermos mentales de la Comunidad Terapéutica de Martutene preparan una representación sobre la vida del psiquiatra portugués António Egas Moniz, que desarrolló el procedimiento quirúrgico conocido como lobotomía para tratar la esquizofrenia en 1935, los cineastas Jordá y Villazán (que fueron enfermos mentales alguna vez en su vida) reflexionan sobre las terapias psiquiátricas modernas. El título hace referencia a la chimpancé Becky, a la que los fisiólogos estadounidenses John Fulton y C.F. Jacobsen extirparon los lóbulos frontales para modificar su conducta agresiva en la década de 1930.

(Joaquim Jordà, Núria Villazán, 1999)

CRITICAS

Extraño documental realizado por uno de los documentalistas más importantes que ha dado el cine catalán, Joaquin Jordà (que nos dejó en 2006 tras dirigir su última gran película, “Más Allá del Espejo”).

Monos como Becky, narrado con un particular y sutil sentido del humor y con una mirada absolutamente sana y desprejuiciada, pone a dos polos opuestos sobre la mesa; por un lado, los descubrimientos que hizo el Premio Nobel Egas Moniz en los 60, siendo el primer neurocirujano en practicar una nueva técnica (la lobotomía) a pacientes con trastornos mentales que consistía en perforar y dañar el lóbulo frontal de sus cerebros para eliminar aquellos impulsos incontrolados o inesperados (precisamente aquello que nos hace ser humanos y vivir de las emociones).

Por otro lado, Jordà nos sitúa en medio de un grupo de pacientes con problemas psicológicos varios y nos muestra sus inquietudes, pensamientos y sentimientos, contrastándolos con las polémicas prácticas del dr Moniz.

El documental plantea el conflicto desde el punto de vista más puramente ético y humanista y se puede leer como una limpia defensa de la imperfección humana. Los defectos psicológicos nos dan un atractivo como personas, todas diferentes y cada una con sus particularidades. Y aquellas personas que viven por debajo de los límites estandarizados de lo que se considera como “normalidad”, están llenas de emociones especiales que transmitir al exterior y que, de aplicárseles la lobotomía de Moniz, serían totalmente aniquiladas y extirpadas de su interior.

Brillante es el momento en que uno de los pacientes del grupo, que padece de esquizofrenia, elabora un monólogo claro y directo de cómo hay que tratar a un enfermo como él, y de la inutilidad e hipocresía de los métodos utilizados por la psiquiatría en general (estando presente junto a él un psiquiatra, que se lo mira sorprendido). Hasta el propio director se convierte en un paciente y colega más del grupo de personas “especiales”, con quien comparte momentos de mucha empatía.

Un documental interesante en su concepto y en la forma en que está narrado, que puede llegar a despistar por momentos, dado que algunos pasajes dedicados a explicar la figura de Moniz, pueden llegar a hacerse pesados. No obstante, un film recomendable.

MONSIEUR VINCENT

El precio original era: 10,83 €.El precio actual es: 9,62 €. *IVA Incluido

Género

Drama | Biográfico. Religión. Clero. Pobreza. Siglo XVII

Sinopsis

Europa, siglo XVII. Biografía de San Vicente de Paul, sacerdote católico francés que dedicó su vida a paliar las miserables condiciones de vida de los campesinos pobres, sobre todo después de la guerra de la Fronda (1648-1653), que dejó asolado el país.

(Maurice Cloche, 1947)

CRITICAS

Pierre Fresnay, aquel cura «Renegado» que tanto me impactó en mi juventud. Luego la localicé. Le habían dado un óscar y se lo merecía.

Es la vida muy realista de las dificultades de Vicente de Paúl, un francés preocupado por los pobres, que siempre estarán ahí, y que acabó siendo fundador de ordenes religiosas y él santificado, en un época, que aunque fuera en el siglo XVII, se parece mucho a la actual, pobres necesitados sin trabajo y nobles ricos sin escrúpulos, donde sólo se salvan las buenas personas que dan su vida por los demás.

El principal problema que tiene una película que trata de la vida de un cura es que por lógica vamos a ver crucifijos a patadas, iglesias y toda la palabrería relacionada con la religión cristiana. Es decir, un ateo debería salir corriendo, pero como hay que ver de todo y uno nunca sabe qué sorpresas te da el cine, creo que no ha sido mala idea ponerme «Monsieur Vincent», que es la vida de un cura, sí, pero no es un cura cualquiera. La espectacular interpretación de Fresnay hay que verla para opinar sin equivocarse. Porque se sale, si la película vale la pena es por ver a un monstruo que se merienda la pantalla. La película puede que se haga larga y que sea previsible, pero vale la pena por Fresnay. Y además, que no es poco importante, se trata de un religioso con vocación social que vuelca su vida por ocuparse de los marginados. El retrato de la pobreza en la Francia del S.XVII es tremenda.

Por ello, por Fresnay y por las imágenes de esa gente tan sumamente miserable, me encuentro defendiendo una película de temática religiosa. Yo, que veo un cura y salgo corriendo. Las primeras escenas del cura Vincent llegando al pueblo desierto en el que le empiezan a tirar piedras los habitantes invisibles suponen un arranque portentoso. Luego la peli da vueltas y vueltas a lo mismo. Sin embargo, insisto, lo de Fresnay no tiene nombre. He leído unas breves anotaciones sobre la vida del actor, acusado de colaboracionismo durante la ocupación alemana y encarcelado… Y dos años después dándolo todo delante de la cámara. Muy pocos como él.

MRS. SOFFEL, una historia real

El precio original era: 10,83 €.El precio actual es: 9,62 €. *IVA Incluido

Género

Drama | Años 1900 (circa). Basado en hechos reales

Sinopsis

Pittsburgh, 1901. Los hermanos Ed y Jack Biddle son acusados de asesinato y condenados a morir en la horca, a pesar de que mantienen su inocencia. En la prisión del condado conocen a la señora Soffel, esposa del alcaide que intenta reconfortarles llevándoles la palabra de Dios.

(Gillian Armstrong, 1984)

CRITICAS

Fue conocido como «El Escándalo del Siglo», al menos para los habitantes de Pennsylvania. A finales de un frío Enero de 1902 los hermanos John y Edward Biddle, condenados a la horca, lograron, tras serrar los barrotes de sus celdas durante varios días, escapar de la prisión de Allegheny, a eso de las 4 de la madrugada, fracturando el cráneo a uno de los guardias y disparando a otro en la cadera.

Hasta las 6 no se descubrió la fuga, al entrar los guardias del turno de día…

Esta historia sería una fuga más de unos presos cualquiera de no ser por Kate Soffel, la esposa del alcaide (Peter), quien, enamorada perdidamente de Ed y creyendo en la inocencia de ambos, les proporcionó las sierras, un arma y además huyó junto a ellos, abandonando a su marido y sus cuatro hijos. De todas maneras esta locura que podría servir de inspiración a todas las posteriores parejas de fugitivos de la Historia norteamericana no tuvo un final feliz, de hecho Kate y Ed sólo disfrutaron de su romance fuera de la cárcel poco más de 48 horas, porque policías, detectives y cazarrecompensas les iban buscando por todo el territorio…

Cuando el productor Scott Rudin relató a su amiga, la aclamada directora Gillian Armstrong, esta tragedia romántica que había adaptado el guionista Ron Nyswaner, le fascinó y aceptó dirigirla de inmediato, siendo éste su primer proyecto en EE.UU. con una gran compañía como la MGM.

La reciente y tristemente fallecida Diane Keaton fue su primera opción para encarnar a Kate, y en recientes entrevistas sobre su encuentro hace hincapié en lo poco que le costó quedar cautivada con ella (lógico, a todos nos ha pasado). Y aunque su agente no dejaba de recordarle que a sus fans no les gustaría verla en un papel tan serio y oscuro la actriz tampoco dudó en aceptarlo.

«Había mucho de Annie Hall en Diane: su encantadora excentricidad, esa especie de nerviosismo adolescente y su gran sentido del humor, pero ella estaba dispuesta a desfiarse como artista», recuerda la directora. Tal vez esto, su amor hacia ella, fue un inconveniente para abordar la historia además del propio guión de Nyswaner.

Primero conocemos a la mujer enferma, teniendo una visión por culpa de la fiebre que se revela como un terrible signo de presagio; esta Kate es una madre cariñosa, una esposa resignada al carácter silencioso y poco excitante de su marido y una gran devota de la palabra de Dios.

Armstrong se acoge a un estilo muy «bergmaniano», sobrio, filmado con una recargada puesta en escena principalmente en escenarios interiores llenos de sombras, cuando a poco que se puede Kate tiene su primer encuentro, violento, con los hermanos. Sorprende Mel Gibson en su papel, también un jovencísimo Matthew Modine.

Sin embargo guionista y directora se centran en el melodrama que surge de ese flechazo entre el criminal y la esposa y no lo hacen en nada más. No se profundiza lo suficiente en la intimidad de la familia Soffel aunque se nos muestre directamente el claro hastío que vive Kate, ejemplificado con su negativa a que su hija también se ate al matrimonio.

MUERTE EN GRANADA

El precio original era: 32,61 €.El precio actual es: 31,40 €. *IVA Incluido

Género

Drama. Intriga. Thriller | Biográfico. Años 30. Años 50. Años 60

Sinopsis

Madrid, 1934. Federico García Lorca estrena su obra «Yerma». Entre el público está un niño, Ricardo, gran admirador del poeta. Esa noche, Lorca queda grabado de por vida en su memoria. Años después, Ricardo, obsesionado por el misterio que encierra la muerte de Lorca, regresa a Granada para conseguir las pistas que le conducirán a descubrir la espantosa verdad.

(Marcos Zurinaga, 1996)

Premios

1997: Premios Goya: 2 nominaciones

1996: Festival de Mar del Plata: Sección oficial de largometrajes a concurso

La historia que nos trae Marcos Zurinaga me ha gustado y mucho. Quizás si se hubiese centrado en los últimos días del poeta granadino no me hubiese llamado tanto la atención, pero el hecho de contar unos hechos a lo largo de más de 20 años y con los continuos flash-backs que nos ayudan en gran manera a comprender cada personajes que participa y su importancia en la trama, la convierte en algo muy interesante.

Contada desde el punto de vista de un gran aficionado del poeta y con quien coincidió en el pasado siendo niño, hoy día convertido como no, en escritor, regresa a España con la intención no solo de escribir sobre la vida de su admirado Lorca, sino también de descubrir como lo mataron y lo más difícil, quien lo hizo.

La atmósfera de intriga que consigue el director es para encomiarlo, es desde luego ese toque especial que hace disfrutar de algo que a priori parecería que no tiene gran interés.

-14% Nuevo IMPECABLEDVDCoproducción Italia-Francia

MUERTE EN ROMA

El precio original era: 8,41 €.El precio actual es: 7,20 €. *IVA Incluido

Género

Bélico. Drama | II Guerra Mundial. Histórico. Nazismo. Basado en hechos reales

Sinopsis

En la Roma ocupada por los nazis y en plena guerra civil italiana, el oficial alemán Herbert Kappler se debatirá entre su deber como militar y su amor por Italia, cuando sus superiores le ordenen tomar represalias contra la población civil como respuesta a un atentado de los partisanos contra una compañía de las S.S. El oficial nazi asesinará a 335 civiles italianos como venganza por la muerte de 33 soldados alemanes por un grupo de partisanos comunistas. El padre Antonelli, un experto restaurador de arte y director del Instituto Superior de Restauración, intentará hacer lo posible por impedirlo y defender a su patria. El hecho, conocido como “La masacre de las Fosas Ardeatinas”, es la verdadera historia de cómo este ataque partidista llevó a la ejecución en masa de ciudadanos italianos.

(George Pan Cosmatos, 1973)

CRITICAS

Esta película es una adaptación de una novela homónima de Robert Katz, la que a su vez fue inspirada en la masacre de las fosas ardeatinas, que consistió en una matanza de más de 300 civiles italianos en represalia por la muerte de soldados alemanes en manos de la resistencia.

La película constituye un crudo relato de los hechos. Que un relato sea crudo no necesariamente implica escenas en exceso sangrientas o subidas de tono, sino que los hechos se relatan tal como fueron sin un mínimo intento por suavizarlos.

Sin perjuicio de que cada espectador tiene sus gustos, catalogar el filme como bueno es quedarse corto. Es un filme muy cercano a la obra maestra, sólo unos pequeños desperfectos le impiden ser catalogada como tal.

Richard Burton interpreta al coronel Herber Kappler, quien es retratado como un hombre mesurado y con cierto desencanto por el nazismo. En realidad era más decidido y cruel, además de ser muy entusiasta de la causa nazi.

Marcelo Mastroianni interpreta al padre Pietro Antonelli, personaje ficticio probablemente en otros miembros del Vaticano, especialmente el padre Hugh O’Flaherty. Si bien tiene una buena actuación, su rol es claramente introducido con calzador y su aporte a la trama es escaso o nulo; bien pudo omitirse.

Sobre la actuación de Leo McKern como el oficial Kurt Maelzer, por algunos momentos se desempeña correctamente y en otros sobreactúa en demasía, llegando a niveles caricaturescos.