Mostrando 193–216 de 552 resultados
TIPO
- CineCine 522
- SeriesSeries 27
FILTRAR POR GÉNERO
- Acción / aventuras / artes marciales 86
- Asiatico 21
- Bélico 46
- Ciencia ficción / SCI FI 15
- CINE MUDO 1
- Clasico 74
- Comedia 35
- Contemporáneo / moderno 20
- CRITICA SOCIAL 5
- DocumentalDocumental 5
- Drama 477
- Erótico / adultos 3
- Europeo 161
- Infantil 4
- Musical 20
- Religioso 22
- RomanceRomance 39
- SATIRA 1
- Social / político 411
- Super héroes y comics 3
- Terror 9
- Thriller/ Policíaco 138
- Western 8
FORMATO
IDIOMA
PRODUCTORA
- 20th Century Fox 17
- A24 3
- ABC Circle Films 1
- Adivina Producciones 1
- Alcina 1
- Allied Artists 3
- Alta Cinematografica 2
- Amblin Partners 1
- America Video Film 1
- American International Productions 3
- American Zoetrope 1
- Anglo Enterprises 2
- Apollo Films 1
- Arandano S.A 2
- Arco Film Roma 1
- Arnold Pressburger Films 1
- Artisan Entertainment 1
- Avenue Pictures 1
- Aver Media 1
- Bandai Visual 1
- BBC 2
- BBC Film 2
- BBC Studios 1
- Black Bear Pictures 2
- Black River Productions 1
- Bluestone Entertainment 1
- British Lion Film Corporation 1
- Brookstreet Pictures 1
- Carlyle Productions 1
- Carolco Pictures 1
- Castle Rock Entertainment 2
- CBS Films 1
- CBS Productions 2
- Chloe Productions 1
- Cineguild 1
- Cinema Entertainment Enterprises 1
- Citadel Entertainment 2
- CJ Entertainment 1
- Claudia Cinematografica 1
- Columbia Pictures 40
- Commonwealth United Entertainment 1
- Compagnia Cinematografica Champion 1
- Constantin Film 2
- Contracorriente Producciones 1
- Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Alemania-Francia-Italia 2
- Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Alemania-Italia 1
- Coproducción Alemania-Marruecos 1
- Coproducción Argelia-Francia 1
- Coproducción Argentina-Canadá 1
- Coproducción Argentina-Francia-Brasil 1
- Coproducción Bélgica-Francia 1
- Coproducción Bélgica-Francia-Italia-Alemania 2
- Coproducción Bosnia y Herzegovina-Francia-Eslovenia 1
- Coproducción China-Hong Kong 1
- Coproducción España-Francia 2
- Coproducción España-Italia-Francia 1
- Coproducción Estados Unidos-Alemania-Israel 1
- Coproducción Estados Unidos-Canadá 1
- Coproducción Estados Unidos-España 1
- Coproducción Estados Unidos-Francia 1
- Coproducción Estados Unidos-Hong Kong-Singapur-Alemania 1
- Coproducción Estados Unidos-Irlanda 2
- Coproducción Estados Unidos-Reino Unido 2
- Coproducción Francia-España-Portugal 1
- Coproducción Francia-Filipinas-Alemania-Reino Unido 1
- Coproducción Francia-Grecia 1
- Coproducción Francia-Italia 5
- Coproducción Francia-Polonia 1
- Coproducción Francia-Reino Unido 1
- Coproducción Hong Kong-China 1
- Coproducción Hungría-Alemania 1
- Coproducción Irán-Francia-Suecia-Alemania 1
- Coproducción Irlanda-España-Reino Unido-Dinamarca 1
- Coproducción Italia-Alemania-Francia 2
- Coproducción Italia-Alemania-Suiza 2
- Coproducción Italia-Bélgica-Francia 1
- Coproducción Italia-Francia 3
- Coproducción Italia-Francia-Alemania 1
- Coproducción Italia-Francia-Alemania del Oeste (RFA) 2
- Coproducción Italia-Francia-Alemania-Hungría 1
- Coproducción Italia-Francia-Bélgica 1
- Coproducción Italia-Francia-Yugoslavia 1
- Coproducción Italia-Reino Unido 1
- Coproducción Japón-Alemania 1
- Coproducción Japón-Francia 1
- Coproducción Reino Unido-Alemania del Oeste (RFA) 1
- Coproducción Reino Unido-Estados Unidos 5
- Coproducción Reino Unido-Estados Unidos-Canadá 1
- Coproducción Reino Unido-Francia 2
- Coproducción Reino Unido-Francia-Polonia-Alemania 1
- Coproducción Reino Unido-Italia 1
- Coproducción Serbia y Montenegro-Italia-Francia 1
- Coproducción Túnez-Francia 1
- Daiei Films 1
- Daiei Studios 1
- Daiichi Eiga 1
- David L. Wolper Productions 1
- David O. Selznick 1
- Detour Filmproduction 1
- Deutsche Vereins-Film 3
- Deva Cinematografica 1
- Dino de Laurentiis Cinematographica 2
- Divisa Home Video 1
- DreamWorks SKG 1
- Edward R. Pressman Film 1
- Elías Querejeta 2
- Embrafilme 1
- Endeavor Content 1
- Enigma Films 1
- Exclusive Media Group 2
- Figaro Films 1
- Film & TV House 1
- Film Polski 2
- Film4 Productions 1
- Filmax 1
- Filmové Studio Barrandov 1
- Fox 2000 Pictures 3
- Fox Television Studios 1
- France 2 (FR 2) 1
- France 3 Cinéma 1
- Frank Capra Productions 2
- Galatea Film 1
- Gary Sanchez Productions 1
- Gasteizko Zinema 1
- Gaumont 1
- Georges-Alain Vuille Production 2
- Goldcrest Films 1
- Goskino 1
- Government of West Bengal 1
- Granada Television 3
- Grupo Kadr 1
- Hammer Productions 1
- HandMade Films 2
- Harbor Productions 1
- HBO 5
- Heimatfilm 1
- Hollywood Media Bridge 1
- Hollywood Pictures 1
- Home Free 1
- ICAIC 1
- Indian Paintbrush 1
- ITC 1
- Ízaro Films 1
- Jesuit Communications Foundation 1
- José Frade P.C. 1
- Jupiter Generale Cinematografica 1
- Kamera Film Unit 2
- Kamera-Film 1
- Le Musée d'Orsay 1
- Leguan Film Berlin 1
- Les Films du Carrosse 2
- Lion International 1
- Lionsgate 1
- London Films 2
- Lord Grade 1
- Lorimar Television 1
- Lux Film 2
- Mandalay Entertainment 2
- Martin Scorsese 1
- Media Films 1
- Melville Productions 1
- Memorial Enterprises 1
- MGMMGM 22
- Millennium Films 1
- Miramar Films 1
- Miramax 2
- Mosfilm 2
- Mundo Ficción 1
- NBC 7
- Netflix 1
- New Line Cinema 3
- New World Pictures 1
- Nordisk Film 1
- Open Road Films 1
- Origen PC 1
- Orion Pictures 3
- Pajemer Productions 1
- ParamountParamount 20
- Paramount Pictures 2
- Paramount Television 1
- Parkfield Entertainment 1
- Participant Media 1
- Pathé Image Production 1
- Paulist Pictures 2
- Penthouse Films International 2
- PHI Films 2
- Ponti-De Laurentiis Cinematografica 1
- Pro Artis Ibérica 1
- Productions Sigma 1
- Produzioni De Sica (PDS) 2
- Projected Picture Works 1
- Projektions-AG Union (PAGU) 1
- Revolution Studios 3
- Rizzoli Film 2
- RKO 3
- RKO Radio Pictures 2
- RTVE 9
- Russ-Arts 1
- Sam Spiegel 1
- Samuel Bronston Productions 1
- Satyajit Ray 1
- Screen Gems 1
- Searchlight Pictures 1
- Sédif Productions 1
- Seven Arts Pictures 2
- Shintoho 2
- Shôchiku 1
- Silver Films 1
- Smokewood Entertainment Group 1
- Sociedad Independiente Filmadora Argentina (SIFA) 1
- Société Générale Des Films 1
- Sogecine 1
- Stanley Kramer Productions 1
- Studiocanal 1
- suevia films 1
- Summit Entertainment 1
- Superior Pictures 1
- Svensk Filmindustri (SF) 3
- T.E.M. Productores S.A. 1
- Thames Television 1
- The Cannon Group Inc 1
- The Mirisch Corporation 1
- The Weinstein Company 3
- Titanus 1
- Toho 7
- Touchstone Pictures 2
- Trastorno Films 1
- Tribeca Productions 3
- Trimark Pictures 1
- TriStar Pictures 2
- TV Tokyo 1
- Two Cities Films 1
- UGC Images 1
- Ultramar Films 1
- United Artists 17
- Universal Pictures 27
- Universalia Film 1
- Unlimited Stories 1
- Vanguard Productions 1
- Vertigo Productions 1
- Warner Bros 51
- Wiedemann & Berg Filmproduktion 2
- Yale Productions 1
- Zentropa Productions 1
- Zeta Cinema 1
- Zoetrope Studios 2
AÑO LANZAMIENTO
Director
- Abel Ferrara 1
- Abraham Polonsky 3
- Adam McKay 1
- Adrian Lyne 1
- Agusti Villaronga 1
- Aisling Walsh 1
- Akira Kurosawa 6
- Alain Tanner 1
- Alan J. Pakula 3
- Alan Parker 4
- Albert Hughes, Allen Hughes 1
- Albert Serra 1
- Alberto Rodríguez 2
- Alejandro Amenábar 1
- Alex Garland 2
- Alexander Korda 1
- Alfonso Cuarón 1
- Alfred Hitchcock 3
- Andrei Tarkovsky 1
- Andrew Levitas 1
- Andrzej Munk 1
- Andrzej Wajda 3
- Anthony Mann 1
- Antoine Fuqua 1
- Antonio Isasi-Isasmendi 1
- Armando Bo 1
- Arthur Marks 1
- Barry Levinson 1
- Bernardo Bertolucci 2
- Bille August 1
- Blake Edwards 1
- Bob Fosse 2
- Bong Joon-ho 1
- Brad Bird 1
- Bradley Cooper 1
- Brady Corbet 1
- Brian Cooke 1
- Brian De Palma 4
- Brian Kirk 1
- Brillante Mendoza 1
- Bruce Beresford 1
- Carl Erik Rinsch 1
- CARL THEODOR DREYER 1
- Carlos Iglesias 1
- Carlos Saura 2
- Carol Reed 5
- CHANTAL AKERMAN 1
- Charles Laughton 1
- Charles Sturridge, Michael Lindsay-Hogg 1
- Chen Kaige 1
- Chloe Zhao 1
- Chris Gerolmo 2
- Christian Duguay 1
- Christopher McQuarrie 2
- Christopher Monge 1
- Christopher Morahan 2
- Christopher Nolan 2
- Clarence Brown 1
- Claude Autant-Lara 1
- Claude Chabrol 1
- Clint Eastwood 3
- Clive Donner 1
- Costa-Gavras 3
- Cyril Frankel 1
- Damiano Damiani 1
- Danis Tanovic 1
- Danny Boyle 2
- Darren Aronofsky 1
- David Cronenberg 2
- David Fincher 2
- David Greene 1
- David Hemmings 1
- David Lean 1
- David Mackenzie 1
- David Schwimmer 1
- David Simon 1
- Denis Villeneuve 4
- Dennis Hopper 2
- Dolph Lundgren 1
- Don Siegel 1
- Eddie Romero 1
- Edmund Goulding 1
- Edouard Molinaro 1
- Edward Berger 1
- Edward Dew 1
- Edward Dmytryk 3
- Elaine May 1
- Elia Kazan 3
- Eliseo Subiela 1
- Eloy de la Iglesia 1
- Emir Kusturica 1
- Enrique Gabriel 1
- Éric Rohmer 1
- Ermanno Olmi 1
- Ernst Lubitsch 1
- Ettore Scola 1
- Euzhan Palcy 1
- Eva Libertad 1
- Federico Fellini 1
- Fernando Fernán Gómez 1
- Fernando Pérez 1
- Florestano Vancini 1
- Florian Henckel von Donnersmarck 1
- Francesco Rosi 1
- Francis Ford Coppola 3
- Franco Zeffirelli 1
- François Truffaut 5
- Frank Capra 2
- Frank Darabont 3
- Frank Marshall 1
- Fred Zinnemann 2
- Fritz Lang 2
- Gabriel Le Bomin 1
- Georg Wilhelm Pabst 1
- George Cukor 4
- George Roy Hill 1
- George Stevens 1
- George Tillman Jr. 1
- Gérard Corbiau 2
- Geza Beremenyi 1
- Géza von Radványi 1
- Gillo Pontecorvo 2
- Giuseppe Tornatore 2
- Gus Van Sant 1
- H.C. Potter 1
- H.G. Clouzot 1
- Héctor Babenco 1
- Henri Verneuil 1
- Henry Hathaway 1
- Herbert Ross 1
- Herbert Wilcox 1
- Hermanas Wachowski 1
- Hirokazu Koreeda 1
- Hiroshi Inagaki 2
- HOWARD HAWKS 1
- Howard W. Koch 1
- Hugh Hudson 1
- Hugo Fregonese 1
- Ingmar Bergman 4
- Irwin Allen 1
- J. Lee Thompson 1
- Jack Clayton 1
- Jack Gold 1
- Jack Smight 1
- Jacques Rivette 1
- Jacques Tourneur 2
- Jaime Camino 1
- James Bridges 4
- James Clavell 2
- James L. Brooks 1
- James Mangold 3
- James Vandervilt 1
- James Whale 1
- Jane Campion 1
- Javier Elorrieta 2
- Jean Renoir 1
- Jean-Jacques Annaud 1
- Jean-Pierre Dardenne 1
- Jean-Pierre Melville 1
- Jerry London 1
- Jerry Schatzberg 3
- Jerzy Kawalerowicz 1
- Jerzy Skolimowski 1
- John Cassavetes 1
- John Davies 1
- John Duigan 2
- John Ford 3
- John Francis Daley 1
- John Frankenheimer 4
- John Huston 6
- John M. Stahl 1
- John Mackenzie 1
- John Milius 1
- John N. Smith 1
- John Sayles 2
- John Schlesinger 1
- Jon Avnet 2
- Jonathan Kaplan 1
- Jose Luis Garci 1
- José Ramón Larraz 1
- Josef Rusnak 1
- Josefina Molina 1
- Joseph L. Mankiewicz 1
- Joseph Weisberg 1
- Juanma Bajo Ulloa 1
- Julie Taymor 1
- Julien Colonna 1
- Julien Duvivier 1
- Julio Quintana 1
- Kaouther Ben Hania 1
- Kathryn Bigelow 1
- Keisuke Kinoshita 1
- Ken Hughes 1
- Ken Russell 3
- Kenji Mizoguchi 4
- Kevin Reynolds 3
- King Vidor 1
- Lars von Trier 1
- Lasse Hallström 1
- Laura Poitras 1
- Lee Daniels 1
- Lewis Milestone 1
- Lindsay Anderson 1
- Liv Ullman 1
- Louis Malle 1
- Luc Besson 3
- Luchino Visconti 9
- Luis Buñuel 1
- M. Night Shyamalan 1
- Manuel Gutiérrez Aragón 2
- Marc Rocco 2
- Marcel Carné 1
- Marco Bellocchio 1
- Marcos Zurinaga 1
- Margarethe von Trotta 1
- Mario Bava 1
- Mario Camus 1
- Mark Rydell 1
- Martin Campbell 1
- Martin Scorsese 15
- Marvin J. Chomsky 1
- Maryam Moghadam 1
- Mathieu Kassovitz 1
- Matteo Garrone 1
- Maura Delpero 1
- Maurice Cloche 1
- Mervyn LeRoy 1
- Michael Audley 1
- Michael Caton-Jones 1
- Michael Cimino 1
- Michael Landon 7
- Michael Ritchie 1
- Michel Poulette 1
- Miguel Courtois 1
- Mike Leigh 1
- Mike Newell 1
- Milos Forman 10
- Mira Nair 1
- Mitchell Leisen 2
- Morten Tyldum 1
- Neil Jordan 1
- Nicholas Hytner 1
- Nicholas Meyer 1
- Nicholas Ray 2
- Nigel Finch 1
- NORMAN JEWISON 1
- Nunnally Johnson 1
- Oliver Hirschbiegel 1
- Oliver Stone 1
- Orson Welles 1
- Otto Preminger 3
- Pablo Moreno 1
- Paul Greengrass 1
- Paul Haggis 1
- Paul Schrader 2
- Paul Thomas Anderson 5
- Pedro Masó 1
- Penny Marshall 2
- Per Fly 1
- Peter Hyams 1
- Peter Landesman 2
- Peter Markle 1
- Peter Medak 1
- Peter Watkins 1
- Peter Weir 2
- Peter Yates 2
- Philip Kaufman 1
- Pier Paolo Pasolini 1
- Rafael Moreno Alba 1
- Rainer Werner Fassbinder 1
- Ramón Menéndez 1
- Raoul Walsh 1
- René Clément 2
- Richard Attenborough 2
- Richard Fleischer 3
- Richard Linklater 1
- Richard Thorpe 1
- Ridley Scott 3
- Rob Reiner 2
- Robert Bresson 2
- Robert De Niro 3
- Robert Redford 2
- Robert Rossen 1
- Robert Schwentke 1
- Robert Wise 1
- Roberto Rossellini 1
- Rod Serling 1
- Rodrigo Sorogoyen 1
- Roland Joffé 1
- Roman Polanski 3
- Ron Howard 2
- Ronald Neame 1
- Rouben Mamoulian 1
- Sam Mendes 1
- Sam Taylor-Johnson 1
- Sam Wood 4
- Samuel Fuller 1
- Santiago A. Zannou 1
- Santiago Mitre 1
- Satyajit Ray 2
- Saverio Costanzo 1
- Scott Derrickson 1
- Sean Durkin 1
- Sean Penn 2
- Sergei Bondarchuk 2
- Sergei M. Eisenstein 1
- Sergio Leone 1
- Sidney Lumet 3
- Simon Verhoeven 1
- Spike Lee 2
- STANLEY KUBRICK 4
- Stephen Chbosky 1
- Stephen Poliakoff 1
- Steve McQueen 1
- Steven SpielbergSteven Spielberg 5
- Stuart Burge 1
- Terrence Malick 1
- Terry Gilliam 1
- Terry Jones, Terry Gilliam 1
- Terry Zwigoff 1
- Thomas Vinterberg 1
- Tim Fehlbaum 1
- Tim Hunter 1
- Tim Robbins 1
- Tinto Brass 2
- Todd Phillips 2
- Tom Gries 1
- Tom McCarthy 1
- Tony Richardson 1
- Uli Edel 1
- Ulu Grosbard 1
- Vadim Perelman 1
- VARIOS 1
- Vera Chytilová 1
- Víctor Erice 5
- Victor Fleming 3
- Vincente Minnelli 1
- Vittorio De Sica 4
- Walter Hill 4
- Walter Ruttmann 3
- Waris Hussein 1
- William Wyler 1
- Wim Wenders 1
- Wojciech Has 2
- Wolfgang Petersen 1
- Wong Jing 1
- Xavi Giménez 1
- Yasujirō Ozu 1
- Yōjirō Takita 1
Price
CATEGORÍAS
- Accessories 3
- GÉNERO 3118
- Acción / aventuras / artes marciales 1028
- Animación / Anime 123
- Asiatico 109
- Bélico 190
- Ciencia ficción / SCI FI 333
- Clasico 809
- Comedia 640
- Contemporáneo / moderno 127
- Documental 24
- Drama 1610
- Erótico / adultos 23
- Europeo 701
- Infantil 174
- Musical 144
- Religioso 69
- Romance 418
- Social / político 552
- Super héroes y comics 74
- Terror 474
- Thriller/ Policíaco 1069
- Western 149
- IMPORTACIÓN 71
- NOVEDADES 667
- PREVENTA 106
Social / político
EL SILENCIO DEL MAR
Género
Drama | Nazismo. II Guerra Mundial
Sinopsis
Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Durante la ocupación de Francia por las tropas alemanas, un anciano y su sobrina deben compartir alojamiento y convivir con un afable oficial nazi.
(Jean-Pierre Melville, 1949)
CRITICAS
En el cine, al igual que en la literatura, la figura del intruso que irrumpe en una comunidad, familia u hogar, ha tenido muchas versiones y perspectivas, si bien de entre todas ellas pueden destacarse dos, de carácter moral; así, en ocasiones el intruso es vehículo del bien, y su llegada anuncia tiempos mejores, esperanza o salvación (muy habitual en los westerns, como «Raíces profundas»). Sin embargo, en otras tantas, el intruso trae el mal consigo, o bien es el mal encarnado (¿qué otra cosa es Robert Mitchum en «La noche del cazador», por ejemplo?).
En el filme que nos ocupa el intruso es un oficial alemán que se aloja como huésped indeseado en una casa habitada por un tío y su sobrina, situada en una zona rural francesa durante la ocupación nazi en la segunda guerra mundial. La película explora los sentimientos de los dos pobladores de la casa hacia el oficial, en el que concentran el odio y el desprecio que en ellos, y por extensión en gran parte de la sociedad francesa, genera la ocupación. Lo llamativo es que ese desprecio se materializa en incomunicación; el intruso es concebido como una bestia, como un ser inhumano, natural prolongación de la barbarie nazi, y por tanto no merece que se le dirija la palabra. Pero aún más importante que esto es la reacción del oficial, un hombre sensible, culto y educado, que en los «solitarios» discursos que pronuncia en presencia de sus mudos «anfitriones», expresa su esperanza en un futuro de paz y de entendimiento entre franceses y alemanes, al tiempo que deja ver la atracción amorosa que en él provoca la sobrina.
La película carece prácticamente de diálogos, estructurándose en torno a la voz en off del tío, que recuerda la estancia del oficial, y en los ya mencionados discursos que este último realiza en el acogedor salón de la casa, en los que la única respuesta que recibe es la del tiempo que pasa, materializado en el constante y omnipresente tic tac de un reloj. El escenario sólo cambia con el eventual viaje del oficial a París, viaje que constituye una fatal toma de conciencia para este personaje, que constata entonces su soledad, tanto física como espiritual.
Pese a tratarse de una opera prima, el talento de Melville, tantas veces glosado en otras obras suyas, está ya presente; es impresionante su facilidad para transmitir emociones y estados de ánimo con primeros planos y planos de detalle (las manos), y lo natural que en su forma de filmar resulta esto, cuando en otros realizadores parece forzado. Si a ello unimos buenas interpretaciones, una magnífica fotografía y el interés de lo narrado, sólo queda disfrutar de esta estupenda película.
Fascinante ópera prima del iconoclasta Jean-Pierre Melville. Una obra que es casi teatro y en la que apenas dos personas hablan, es una extraña cinta que nos habla del entendimiento de los pueblos en las condiciones más adversas. Se desarrolla en una casa de una villa a las afueras de París durante la ocupación nazi, esta vivienda está ocupada por un francés (buen Jean-Marie Robain) y su sobrina (correcta Nicloe Stephane), en ella se instala a la fuerza un teniente alemán, un idealista Werner von Ebrennac (Soberbio Howard Vernon), que en la vida civil era músico, la forma de combatir al invasor del tío y la sobrina es no dirigirle la palabra, a pesar de esto todas las noches va a la salita donde están ellos, y se esfuerza, de modo muy educado, por hacerles entender que los alemanes no son el enemigo, les suelta soliloquios sobre la forma de entender el mundo que tiene, habla de cómo la cultura puede unir a las naciones, les dice que ellos no han venido a destruir si no a sumar y hacer renacer Francia.
El film está basado en una novela de Jean Marcel Bruller publicada en 1942 en Francia bajo la ocupación, lo hizo con el seudónimo Vercors, cuento un hecho real que le ocurrió al escritor, como curiosidad está rodada en el interior de su casa, donde sucedieron los acontecimientos. Melville dota al relato de una atmósfera asfixiante, impregnada de un sórdido pesimismo, donde los monólogos de Werner poseen en eco doloroso, nos penetra su pasión, su sentimiento, sus argumentos rebosan emoción y están inundados de un optimismo utópico.
La cinta te deja huella por el uso del silencio, te angustia el no escuchar al tío y sobrina, de, el que no hablen a alguien tan amable y que la única respuesta que tenga sea el doloroso tic tac del reloj, esta forma de que el invasor sea el agredido por el invadido resulta turbador, como se puede sentir lástima por un nazi, sentimos su conmovedora soledad, esto hace que nos cause empatía, pues parece ser puro de corazón que no sabe realmente en que está metido.
Es una cinta donde se le da la vuelta al estereotipo de nazi, no se le caricaturiza, se le dota de sentimientos para de esta forma poder confrontarlo con la desgarradora realidad y de este modo el mensaje llega diáfano.
Reseñable para entender la personalidad del teniente es su analogía que hace con la situación al contar la historia de Bella (Francia) y Bestia (Alemania), el autoengaño de muchos alemanes.
Recomendable a todos los que gusten de un notable drama original y minimalista antibélico.
El Síndrome de China
Género
Intriga | Periodismo. Catástrofes. Holocausto nuclear
Sinopsis
Al hacer un reportaje rutinario sobre el funcionamiento de una central nuclear, una reportera de televisión y su fotógrafo descubren un posible accidente que puede poner en peligro la seguridad de la planta y de la ciudad de Los Angeles.
(James Bridges, 1979)
Premios
1979: Oscars: 4 nom., a Mejor actor (Lemmon), actriz (Fonda), guión y dir. artística
1979: Globos de Oro: 5 nominaciones, incluyendo mejor película – Drama
1979: Premios BAFTA: Mejor actor (Lemmon) y mejor actriz (Fonda). 4 nom.
1979: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director
Críticas
«Excelente intriga catastrofista sobre las centrales nucleares. Dirigida con suma corrección y con unas interpretaciones realmente excelentes. Con mucha imaginación y suspense»
El Síndrome de China
Género
Intriga | Periodismo. Catástrofes. Holocausto nuclear
Sinopsis
Al hacer un reportaje rutinario sobre el funcionamiento de una central nuclear, una reportera de televisión y su fotógrafo descubren un posible accidente que puede poner en peligro la seguridad de la planta y de la ciudad de Los Angeles.
(James Bridges, 1979)
Premios
1979: Oscars: 4 nom., a Mejor actor (Lemmon), actriz (Fonda), guión y dir. artística
1979: Globos de Oro: 5 nominaciones, incluyendo mejor película – Drama
1979: Premios BAFTA: Mejor actor (Lemmon) y mejor actriz (Fonda). 4 nom.
1979: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director
Críticas
«Excelente intriga catastrofista sobre las centrales nucleares. Dirigida con suma corrección y con unas interpretaciones realmente excelentes. Con mucha imaginación y suspense»
EL SUR
Compañías
Coproducción España-Francia; Chloe Productions, RTVE, Elías Querejeta P.C.
Género
Drama | Familia. Infancia. Adolescencia. Posguerra española. Vida rural
Sinopsis
“La Gaviota” es un caserón situado en las afueras de una ciudad del norte de España. En ella viven Agustín, médico y zahorí, su mujer, maestra represaliada por el franquismo, y su hija Estrella. La niña, desde su infancia, sospecha que su padre oculta un secreto. (Víctor Erice, 1983)
Posición en rankings FA
10 Mejores películas españolas
31 Mejores películas de los años 80
Premios
1983: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
1983: Festival de Chicago: Hugo de Oro – Mejor película
Críticas
«Sinfonía inacabada, está bien como está, es una obra maestra de recorrido interior, de sensaciones, de emociones, tristezas y alegrías»
«El Sur» es una película que cala en el alma, máxime si uno es español. Se refiere a la soledad y pesadumbre del ser humano en general, al matrimonio insoportable que se soporta por los hijos o por acobardamiento, al amor perdido que siempre está ahí clavado en los recuerdos y que no hay manera de volverlo a vivir ni a rectificar los errores que con él se cometieron, a la vida monótona sin horizontes de amplitud o verdadera satisfacción, a los deseos insatisfechos de utopía o de «Sur». Todo ello contado con imágenes bellísimas, con una música sobrecogedora y con actuaciones inmensas como la de Icíar Bollaín y sobre todo la de Omero Antonutti (que aquí hizo el papel por excelencia, la mejor actuación de su vida, la que jamás puede superarse por haber alcanzado el no va más).
Película de enorme nostalgia, poéticamente expresada que cala hasta las células. Se vuelve a ver las veces que hagan falta, quince, treinta o cien; siempre por el gusto, el respeto y la autoridad de su contenido como filme, aun sabiendo que deja el cuerpo amorosamente entristecido.
«El Sur» es una película de culto cinematográfico, impresionante, la mejor que se ha hecho en España hasta el día de hoy.
EL SUR
Género
Drama | Familia. Infancia. Adolescencia. Vida rural. Posguerra española. Franquismo
Sinopsis
“La Gaviota” es un caserón situado en las afueras de una ciudad del norte de España. En ella viven Agustín, médico y zahorí, su mujer, maestra represaliada por el franquismo, y su hija Estrella. La niña, desde su infancia, sospecha que su padre oculta un secreto
(Víctor Erice, 1983)
CRITICAS
Víctor Erice y Stanley Kubrick, son dos geniales directores de cine con proceder muy similar, creadores profundos que crean poca producción, de cuando en cuando, pero que lo que brota de su originalidad son auténticas obras de arte, especie de diamantes asombrosos e imperecederos, inolvidables.
«El Sur» es una película que cala en el alma, máxime si uno es español. Se refiere a la soledad y pesadumbre del ser humano en general, al matrimonio insoportable que se soporta por los hijos o por acobardamiento, al amor perdido que siempre está ahí clavado en los recuerdos y que no hay manera de volverlo a vivir ni a rectificar los errores que con él se cometieron, a la vida monótona sin horizontes de amplitud o verdadera satisfacción, a los deseos insatifechos de utopía o de «Sur». Todo ello contado con imágenes bellísimas, con una música sobrecogedora (¡qué maravilla la conversación en el restaurante entre el padre y la hija mientras suena «En er mundo», ese pasodoble tan entrañable a los oídos o sentimientos de los habitantes de España) y con actuaciones inmensas como la de Icíar Bollaín, luego convertida en directora de cine, pero sobre todo la de Omero Antonutti (que aquí hizo el papel por excelencia, la mejor actuación de su vida, la que jamás puede superarse por haber alcanzado el no va más).
Película de enorme nostalgia, tanta y tan poéticamente expresada que cala hasta las células. Se vuelve a ver las veces que hagan falta, quince, treinta o cien; siempre por el gusto, el respeto y la autoridad de su contenido como filme, aun sabiendo que deja el cuerpo amorosamente entristecido. «El Sur» es una película de culto cinematográfico, impresionante, la mejor que se ha hecho en España hasta el día de hoy.
El tigre de Esnapur/ La tumba india Edic. FNAC 2 DVD
SINOPSIS
Para su vuelta al cine europeo, Fritz Lang se enfrentó por primera vez al género de aventuras con este magnífico díptico compuesto por «El tigre de Esnapur» y «La tumba india». En ambas partes asistimos a las relaciones entre un triángulo compuesto por un arquitecto europeo, el maharajá del ficticio reino de Esnapur y el objeto del amor de ambos, una bella bailarina. Cuando ésta elige al arquitecto, el maharajá entra en cólera y ordena que ambos sean perseguidos en su huida por el desierto del que difícilmente saldrán con vida.
Dos de los títulos más fundamentales del genio de Lang. El tigre de esnapur
Género
Aventuras. Romance. Drama
Sinopsis
Harald es un afamado arquitecto cuyos servicios han sido demandados por el maharajá Chandra del reino de Esnapur. De camino, Harald salva a la bella bailarina Seetha de las fauces de un tigre. El flechazo entre los dos es instantáneo, pero el maharajá, dominado por los celos, no está dispuesto a que esta relación siga adelante.
Tuvo una secuela titulada «La tumba india»
La tumba india
Sinopsis
Continuación de «El tigre de Esnapur«. El arquitecto europeo Harald Berger y la bailarina Seetha son capturados por los hombres de Chandra. Mientras tanto, Ramigani planea arrebatarle el poder a su hermano, sirviéndose de sus aliados en palacio. Cuando Chandra se entera de la relación amorosa entre Seetha y Berger, hace llamar al doctor Rhode para encargarle la construcción de una enorme y lujosa tumba destinada a los dos enamorados.
El tormento y el extasis
Género
Drama | Siglo XVI. Pintura
Sinopsis
Renacimiento italiano, principios del siglo XVI (Cinquecento). Cuando el papa Julio II (Rex Harrison) encarga a Miguel Ángel (Charlton Heston) que pinte el techo de la Capilla Sixtina, el artista rechaza el trabajo. El Papa lo obliga a aceptarlo, pero Miguel Ángel destruye su obra y huye de Roma. Cuando, por fin, reanuda el proyecto, éste se convierte en un enfrentamiento de férreas voluntades, avivado por constantes diferencias artísticas y temperamentales.
Drama histórico basado en un bestseller de Irving Stone.
(Carol Reed, 1965)
Premios
1965: 5 Nominaciones al Oscar: dirección art., vestuario, fotografía, bso, sonido
1965: Globos de Oro: Nominada a Mejor actor – Drama (Harrison) y Guión
«Entretenida adaptación de la novela de Irving Stone. Un reparto con garantías, encabezado por Heston dando vida al mítico artista, le da todavía más aliciente a la historia.»
El tormento y el extasis
Género
Drama | Siglo XVI. Pintura
Sinopsis
Renacimiento italiano, principios del siglo XVI (Cinquecento). Cuando el papa Julio II (Rex Harrison) encarga a Miguel Ángel (Charlton Heston) que pinte el techo de la Capilla Sixtina, el artista rechaza el trabajo. El Papa lo obliga a aceptarlo, pero Miguel Ángel destruye su obra y huye de Roma. Cuando, por fin, reanuda el proyecto, éste se convierte en un enfrentamiento de férreas voluntades, avivado por constantes diferencias artísticas y temperamentales.
Drama histórico basado en un bestseller de Irving Stone.
(Carol Reed, 1965)
Premios
1965: 5 Nominaciones al Oscar: dirección art., vestuario, fotografía, bso, sonido
1965: Globos de Oro: Nominada a Mejor actor – Drama (Harrison) y Guión
«Entretenida adaptación de la novela de Irving Stone. Un reparto con garantías, encabezado por Heston dando vida al mítico artista, le da todavía más aliciente a la historia.»
EL TREN – EDICION 4K UHD + BLU RAY
Género
Intriga. Bélico. Drama | II Guerra Mundial. Trenes / Metros. Nazismo. Pintura
Sinopsis
El Coronel Franz Von Waldheim se encuentra destacado en París con una misión muy concreta: hacerse con las modernas pinturas francesas, las mismas calificadas de «degeneradas» por los nazis, y cargarlas en un tren con destino a Alemania para el Tercer Reich. Eso sí, ha de tener mucho cuidado de no dañar la carga y, además, tiene de tiempo límite lo que tarden los aliados en reconquistar la ciudad, es decir, poco margen ya que cada vez están más cerca.
(John Frankenheimer, 1964)
CRITICAS
Magnífico trabajo de director John Frankenheimer, que recoge un episodio sobre el expolio que Alemania quería someter a Francia a finales de la segunda guerra mundial. Basada en el libro “Le front de l´Art” de Rose Valland, responsable del museo Jeu de Paume, lugar donde se almacenaban las obras de arte que los alemanes habían saqueado de Museos y colecciones privadas de Francia antes de su traslado a Alemania, guionizada por Franklin Coen y Frank Davis (consiguieron un Oscar en el apartado de Mejor guión adaptado), espléndida música del malogrado Maurice Jarre y con la excelente fotografía de Jean Tournier & Walter Wottitz.
Como en otras películas bélicas, Frankenheimer utilizó el rodaje en blanco y negro para transmitir la idea del tono documental. En cuanto a la ambientación es más que aceptable, aunque mucho del material pesado que podemos ver es norteamericano.
Sin duda se trata de la mejor película de su director, y cuenta con un gran reparto: Burt Lancaster, en el papel “Labiche” inspector de trenes y que intentará recuperar el botín. Paul Scofield, como el coronel alemán “Von Waldheim” que intentará por todos los medios hacer llegar el tren a Berlín. Michel Simón “Papa Boule”, Jeanne Moreau “Christine”, Suzanne Flon “Miss Valland”, Wolfgang Preiss, Albert Remy, etc.
La película es una obra imprescindible de ritmo vivísimo y precisión casi matemática, el magnífico trabajo de dirección y la enorme capacidad de Frankenheimer para sugerir emoción y riesgo con una gran limitación de medios. Con unas interpretaciones sobresalientes y una acción magníficamente rodada, que junto con un guión espléndido y un estilo vibrante y emocionante que no da respiro. Incluso vista hoy, cuarenta y pico años después de su rodaje, es imposible no resaltar la espectacularidad e impresionante magnitud de la película.
En suma, una obra maestra imperecedera, recomendable al cien por cien, sobre todo por las múltiples lecturas humanas, políticas e históricas que abre.
EL TRUCO DEL MANCO
Género
Drama | Hip Hop. Drogas. Discapacidad. Drama social. Música
Sinopsis
Quique Heredia, El Cuajo, es un payo agitanado, un buscavidas con medio cuerpo afectado por una parálisis cerebral que le impide andar con facilidad. El Cuajo convence a su amigo Adolfo, un mulato que vive en un barrio dormitorio y tiene un padre alcohólico y enfermo, para montar un estudio musical para ganarse la vida usando el talento y la pasión que los une: el Hip Hop. El reparto está formado por actores no profesionales; entre ellos destaca Juan Manuel Montilla «El Langui», líder del grupo musical de hip hop gitano «La Excepción», galardonado en 2006 por MTV Europa como el mejor grupo europeo en lengua española
(Santiago A. Zannou, 2008)
CRITICAS
El truco del Manco» es una pequeña joya de arte. Personajes bizarros que escupen diálogos con una espontaneidad desmesurada y se comportan en ocasiones como personajes de Kusturica, película de buenos y malos si se quiere donde los buenos son los amigotes (al revés que en Trainspotting) y los malos… ¡la familia! (que dirá de esto la Conferencia Episcopal…), descarnada obra social en tono documental donde se demuestra que sí, el que la sigue la consigue, pero… ¡qué jodido es quitarse la etiqueta de perdedor y esquivar los revese y trampas de la puta vida!
Esta peli es esto y más, porque aún encima se oye bien (cosa que no pasa ni de lejos en todas las pelis españolas) y dura lo ideal para ni amargarnos de más ni empezar a aburrirnos con penurias.
Sinceramente hacía muchísimo tiempo que el visionado de una película no me dejaba con las tripas rotas, pero así ocurrió con El Truco del Manco. Cuando los créditos finales hicieron acto de presencia yo era un manojo de piel y huesos que se estremecían en la butaca.
Como un puñetazo en el estómago, sin ninguna concesión al cine comercial, durísima y sobrecogedora historia de perdedores olvidados y malditos pero al mismo tiempo llenos de vida, con el sueño de poder echar a volar entre tanta miseria en una Barcelona que no existe en las guías turísticas, donde el día a día es un manual de supervivencia.
La escena inicial ya nos avisa de que el viaje que nos mostrará Zannou en su excelente ópera prima será tan duro como tú quieras que sea, un combate cuerpo a cuerpo entre nuestra acomodada vida y el infierno en el que se mueven las personas que ha retratado en este film.
Es imposible no empatizar durante todo el metraje deseando que las cosas les salgan bien al dúo protagonista que intenta abrirse camino en medio del desolador escenario en el que trascurre su existencia. Pero no quiere Zannou mostrarse optimista cuando la realidad es otra optando por dejarnos con el alma rota y los sentimientos a flor de piel una vez que decide bajar el telón.
EL ULTIMO BAILARIN DE MAO
Género
Drama | Biográfico. Baile. Política
Sinopsis
Basada en hechos reales. Li Cunxin fue rescatado a los once años de una aldea china por delegados culturales de Mao y enviado a estudiar ballet a Pekín. Después de años de durísimo aprendizaje, se convirtió en uno de los mejores bailarines del mundo. Aclamado al principio como un héroe de la China comunista, acabó siendo acusado de traición porque, durante un intercambio cultural con Texas, se enamoró de una norteamericana e intentó quedarse en los Estados Unidos.
(Bruce Beresford, 2009)
CRITICAS
La película es mas interesante de lo que parece. No se pierde demasiado en la danza. Tiene equilibrio entre el sentido artístico del baile, el trasfondo histórico de la narración y la historia particular del protagonista. Todo se compenetra muy bien y capta la atención del espectador en las tres vertientes. Yo creo además que la película es benevolente con el régimen chino y amortigua un poco el orgullo americano. Tiene algunos giros que sorprenden, rompiendo con ideas preconcebidas sobre la situación de la época. Y sobre todo, es capaz de emocionar, y mucho. Deja muy, pero que muy buen sabor de boca.
La película está basada en la autobiografía del bailarín chino de Li Cunxin. Un drama que de pronto parece previsible, pero es que cuando se tiene talento y se cuenta con un buen samaritano, las cosas previsibles tienen que darse. Este es un film ejemplo sobre aquellas personas que aprovechan las oportunidades que la vida les ofrece. Claro que este excelente artista luego fue llamado traidor por el régimen comunista.
Bruce Beresford (director de la galardonada “Paseando a la señora Daisy”) logra entonces un film lleno de momentos magistrales, emotivos y con la idea quizá (según la lectura particular de cada espectador) de quienes son los buenos y quienes son los malos, aunque la parte política es lo que menos trasciende en el film. De todas formas, la recreación de la China post-maoísta de los años ochentas, está muy bien lograda.
No me gustaría terminar sin dejar de comentar la partitura de esta película, que estuvo a cargo de Christopher Gordon. El desarrollo tímbrico, es decir, la contraposición entre lo magnánimo y lo austero (instrumentos chinos, como erhu, guzheng o yangqin), aparecen bellamente fusionados con una orquesta sinfónica, generando colores de pronto no imaginados antes por mi. Y no es una exaltación desmedida, es que la música es así.
EL ULTIMO GANGSTER
Género
Drama | Histórico. Guerra Chino-Japonesa (II). Años 1900 (circa)
Sinopsis
Chow Yun Fat interpreta al personaje histórico Du Yuesheng, un jefe de la mafia china que creó un imperio histórico en Shanghai entre los años 20 y 30, hasta que al comienzo de la Segunda Guerra Mundial se complicaron las cosas, y acabó implicándose en la política, hasta tal punto que fue una figura de gran importancia en la Segunda Guerra Sino-Japonesa. La película relatará la lucha de poder entre diversas e influyentes figuras locales de la época, por medio de mucha acción.
(Wong Jing, 2012)
CRITICAS
Dirigida por uno de los mejores directores de la industria cinematografica de Hong Kong , Wong Jing y protagonizada por uno de sus actores fetiches el carismatico Chow Yun Fat, quien añade otra memorable interpretacion a su carrera, arropado por un elenco de secundarios de lujo como Francis Ng o el legendario Sammo Hung, ademas de nuevas promesas como Xiaoming Huang, quien esta impresionante interpretando la versión joven de Fat, tranformandose literalmente en el. Completan el reparto las bellas, Quan Yuan, Li Yuan y Monica Mok.
Esta película ha superado con creces mis expectativas en ella, convirtiéndose en una de mis favoritas de su realizador, amo cada fotograma del filme y me atrevo a considerarla una obra maestra.
El filme cuenta la historia del ascenso de Cheng Daiqi al mundo del crimen en el Sanghai de los años treinta y su imposible historia de amor con Zhiqiu, una joven aspirante a cantante de opera China, además de contar los esfuerzos de Daiqi de defender Sanghai contra la invasión Japonesa.
La película navega con mucho por variedad de generos desde el melodrama, al cine negro pasando por el cine de acción, dividiéndose claramente en dos partes.
En el primer segmento del film, Wong Jing, a base de flashbacks, nos explica los orígenes del personaje, usando magistralmente movimientos de cámaras y travellings para llevar al espectador en un viaje en el tiempo , acompañadao por una bonita banda sonorora que es clave para emocionar al espectador en algunos pasajes mas emotivos del film y una bella fotografía que recrea la epoca haciendo al espectador sentirse parte de ella.
Escenas como la que un joven Daiqi, interpretado por Xiaoming Hua, llega a Sanghai y se detiene frente al rascacielos mas alto de la ciudad intentando buscar con su mirada el final de este en donde la cámara asciende hasta llegar al balcón en el que la versión adulta de Daiqi, interpretada por Chow Yun Fat, esta asomado contemplando la ciudad y la posterior escena en donde un travelling nos muestra a un joven Daiqi sentado frente a sus hombres tras haberse ganado la confianza del jefe del crimen en Sanghai, interpretado por Sammo Hung, para después tras el final del travelling transformarse en la versión adulta del personaje ya interpretado por Fat, es un perfecto y efectivo ejercicio visual que unifica de manera magistral el presente y el pasado de la historia y su personaje protagonista.
El primer segmento del filme culmina con las estremecedoras escena de la invasión Japones de Sanghai que al llegar al climax se convierte en pura poesía.
En la segunda parte del film, los personajes ya han sido presentado y se centra en elos esfuerzos del protagonista para defender Sanghai de la invasión Japonesa llevándonos hacia un emotico y épico desenlace.
Uno de los mejores productos provenientes de la excolonia Britanica, de impecable factura y superior con creces a cualquier producto hecho en Hollywood en los últimos años.
Altamente Recomendable para verdaderos apasionados en el séptimo arte
EL VALLE DEL FUGITIVO
Género
Western
Sinopsis
En una América todavía llena de pioneros, un sheriff (Redford) persigue a un indio que huye de la justicia. Western de argumento sencillo que destacó por reflejar el punto de vista de los indios.
(Abraham Polonsky, 1969)
CRITICAS
Cuenta la historia que, Willie Boy, era un indio paiute-chemehuevi de 26 años, quien sostenía un intenso romance con Ioleta (Carlota) Boniface, pero, por el hecho de ser primos, el padre de Ioleta se oponía a dicha relación, así que, los chicos acordaron fugarse… y al ser sorprendidos por aquel, el 26 de septiembre de 1909, en el acto de defenderse, Willie mata al padre de su novia y luego huye con ella por el desierto de California.
Su persecución y cacería -la cual coincidió con la visita del presidente William H. Taft a Riverside, hecho que atrajo a un buen número de periodistas- causó tanto revuelo en todo el Estado y motivó tantas mentiras y tergiversaciones que, luego, serían desacreditadas, que, el drama de Willie Boy pasaría a la historia como La Última Cacería del Viejo Oeste y sería el tema de dos libros: “Willie Boy: A Desert Manhunt” (1959) de Harry Lawton y “The Hunt for Willie Boy” (1994) de James Sandos y Larry Burgess.
El primero de estos libros, fue el resultado de tres años de investigaciones que, Lawton, llevó a cabo conviviendo con los indios morongo en su reservación, mientras trabajaba como corresponsal de The Press-Enterprise. Lawton (1927-2005) fue un humanista opuesto a la guerra, a los prejuicios y a la intolerancia, y pasó gran parte de su vida luchando por la preservación de las comunidades indígenas americanas. El caso de, Willie Boy, lo sensibilizó a tal punto que quiso saber toda la verdad sobre los hechos, y por esto, su libro es quizás el más objetivo que hasta ahora se haya publicado.
“Willie Boy: A Desert Manhunt”, fue la base de la que partió, Abraham Polonsky, para escribir y dirigir la que sería su segunda película… y presiento que, el motivo de haber elegido este tema, está asociado a la relación que puede hallarse entre la persecución del indio paiute y la que él mismo sufriera por el Comité de Actividades Antiestadounidenses (HUAC) que, en definitiva, fueron dos atropellos por el hecho de ser y pensar distinto.
Como es de suponerse, <<EL VALLE DEL FUGITIVO>> también generó resistencias, pero, para quienes pensamos un poco a la manera de Lawton y de Polonsky, el personaje de Willie Boy nos llega al alma por los tristes hechos que rodearon su vida, por su integridad al enfrentarse al enemigo, y porque, de nuevo, se demuestra cómo la sociedad, en su ignorancia, se ha ensañado contra todo aquel que “subvierta” el orden establecido.
Polonsky, consigue un filme altamente equilibrado, en el que muestra a seres humanos creíbles, debidamente matizados, y exponiendo los hechos sin afanes de condena alguna y más con un firme propósito de reconciliación, como puede adivinarse en los principios que manejan personajes tan valiosos como el sheriff Cooper, la doctora Elizabeth Arnold y el joven Charlie Newcombe quienes, con su talante, dignifican a la raza blanca.
Robert Blake (el inolvidable Perry de “A Sangre Fría”), logra otra magnífica caracterización y Willie Boy luce con una potencia lejos de toda sensiblería, dispuesto a demostrar que la raza india posee un ímpetu inmortal. También, Robert Redford, logra tal carisma, que motivó a que otras páginas se añadieran a su personaje en el guion; y Susan Clark, con la belleza y el carácter que toda mujer debería irradiar.
Lo sucedido en el monte Rubí de California, es un hecho que nunca se puede olvidar.
EL VALLE DEL FUGITIVO
Género
Western
Sinopsis
En una América todavía llena de pioneros, un sheriff (Redford) persigue a un indio que huye de la justicia. Western de argumento sencillo que destacó por reflejar el punto de vista de los indios.
(Abraham Polonsky, 1969)
CRITICAS
Cuenta la historia que, Willie Boy, era un indio paiute-chemehuevi de 26 años, quien sostenía un intenso romance con Ioleta (Carlota) Boniface, pero, por el hecho de ser primos, el padre de Ioleta se oponía a dicha relación, así que, los chicos acordaron fugarse… y al ser sorprendidos por aquel, el 26 de septiembre de 1909, en el acto de defenderse, Willie mata al padre de su novia y luego huye con ella por el desierto de California.
Su persecución y cacería -la cual coincidió con la visita del presidente William H. Taft a Riverside, hecho que atrajo a un buen número de periodistas- causó tanto revuelo en todo el Estado y motivó tantas mentiras y tergiversaciones que, luego, serían desacreditadas, que, el drama de Willie Boy pasaría a la historia como La Última Cacería del Viejo Oeste y sería el tema de dos libros: “Willie Boy: A Desert Manhunt” (1959) de Harry Lawton y “The Hunt for Willie Boy” (1994) de James Sandos y Larry Burgess.
El primero de estos libros, fue el resultado de tres años de investigaciones que, Lawton, llevó a cabo conviviendo con los indios morongo en su reservación, mientras trabajaba como corresponsal de The Press-Enterprise. Lawton (1927-2005) fue un humanista opuesto a la guerra, a los prejuicios y a la intolerancia, y pasó gran parte de su vida luchando por la preservación de las comunidades indígenas americanas. El caso de, Willie Boy, lo sensibilizó a tal punto que quiso saber toda la verdad sobre los hechos, y por esto, su libro es quizás el más objetivo que hasta ahora se haya publicado.
“Willie Boy: A Desert Manhunt”, fue la base de la que partió, Abraham Polonsky, para escribir y dirigir la que sería su segunda película… y presiento que, el motivo de haber elegido este tema, está asociado a la relación que puede hallarse entre la persecución del indio paiute y la que él mismo sufriera por el Comité de Actividades Antiestadounidenses (HUAC) que, en definitiva, fueron dos atropellos por el hecho de ser y pensar distinto.
También generó resistencias, pero, para quienes pensamos un poco a la manera de Lawton y de Polonsky, el personaje de Willie Boy nos llega al alma por los tristes hechos que rodearon su vida, por su integridad al enfrentarse al enemigo, y porque, de nuevo, se demuestra cómo la sociedad, en su ignorancia, se ha ensañado contra todo aquel que “subvierta” el orden establecido.
Polonsky, consigue un filme altamente equilibrado, en el que muestra a seres humanos creíbles, debidamente matizados, y exponiendo los hechos sin afanes de condena alguna y más con un firme propósito de reconciliación, como puede adivinarse en los principios que manejan personajes tan valiosos como el sheriff Cooper, la doctora Elizabeth Arnold y el joven Charlie Newcombe quienes, con su talante, dignifican a la raza blanca.
Robert Blake (el inolvidable Perry de “A Sangre Fría”), logra otra magnífica caracterización y Willie Boy luce con una potencia lejos de toda sensiblería, dispuesto a demostrar que la raza india posee un ímpetu inmortal. También, Robert Redford, logra tal carisma, que motivó a que otras páginas se añadieran a su personaje en el guion; y Susan Clark, con la belleza y el carácter que toda mujer debería irradiar.
Lo sucedido en el monte Rubí de California, es un hecho que nunca se puede olvidar.
EL VIAJE A NINGUNA PARTE
Género
Drama. Comedia | Comedia dramática. Años 40. Teatro. Posguerra española. Franquismo. Cine dentro del cine
Sinopsis
Franquismo, años cuarenta. En una compañía de cómicos de la legua medio emparentados entre sí, aunque no recuerdan con precisión cuál es su parentesco, surgen amores y desamores. Hay separaciones dolorosas y encuentros felices; el trabajo se entremezcla con el amor, los problemas económicos con los familiares, y el hambre con el sueño de alcanzar el triunfo.
(Fernando Fernán Gómez, 1986)
CRITICAS
La filmografía española es pródiga en películas que transcurren entre el golpe de estado de Franco y la posguerra española. La mayoría de ellas son mediocres o, todo lo más, llevaderas pero, aún así, también las hay buenas. Algunas, incluso, excelentes. “El viaje a ninguna parte” pertenece, sin lugar a dudas, a esta última especie.
La considero excelente porque no abundan en el panorama cinematográfico estatal demasiadas pelis tan bien dirigidas, tan bien narradas y tan bien interpretadas. Pero no sólo eso. El gran logro de Fernán-Gómez estriba, fundamentalmente, en haber sabido transferir el espíritu de su novela a la gran pantalla. Un sentido homenaje, literario y cinematográfico, a esa farándula mesetaria que, desgraciadamente, terminaría desapareciendo ante la implacable dictadura del fútbol y el cine. Me gustaría subrayar, por otro lado, la contundencia lírica y simbólica del título: “El viaje a ninguna parte”. Igual os parece una chorrada pero…¡Menudo título! Me encanta, en serio. Es poético, melancólico, desolador… No es nadie este Fernán-Gómez: actor, director, guionista, dramaturgo… Nuestro Orson Welles, dicen. Yo lo veo más bien como un humanista del cinquecento. Como un Leonardo da Vinci perpetuamente encabronado. Pero bueno, esa es una impresión subjetiva. Sin más.
Bajo el punto de vista del recuerdo, y no precisamente de la nostalgia, se cuenta este deambular de una serie de gente que iba de pueblo en pueblo, de tasca en tasca, y de batacazo tras batacazo, a leer unos textos con el mayor cariño del mundo, y con un hambre matadora.
Es una auténtica oda dedicada a un oficio jodido: el de actor. Narra la búsqueda de apaciguar el hambre con lo único que saben hacer y lo que han hecho siempre, que es actuar, ya sea bien o mal. Porque aspirar a la gloria es un chiste de mal gusto. Son los últimos eslabones de una cadena que se acerca a su fin, a la definitiva derrota. Al que las películas, los nuevos tiempos, la indiferencia del público, o vete tú a saber qué, han tocado de muerte.
Es una película en la que reina el sentimiento, y un retrato de la amargura formidable, pero muy disperso e irregular, tanto, como la carrera de un actor. Las interpretaciones de Fernando Fernán-Gómez, José Sacristán, Juan Diego y Agustín González son descomunales, sobre todo la del primero. Qué decir de ese señor, ese gran actor, esa presencia delante y detrás de una cámara, ese talento para conversar, bueno, y seguramente para lo que le diese la gana.
Esta película es una muestra de ese inmenso talento, sin ir más lejos una de las escenas más grandes del film es en la que le dan un papel de extra a Fernando, tan desternillante como amarga.
EL VICIO DEL PODER
Género
Drama. Comedia | Biográfico. Años 60. Política
Sinopsis
Explora la historia real sobre cómo Dick Cheney (Christian Bale), un callado burócrata de Washington, acabó convirtiéndose en el hombre más poderoso del mundo como vicepresidente de los Estados Unidos durante el mandato de George W. Bush (Sam Rockwell), con consecuencias en su país y el resto del mundo que aún se dejan sentir hoy en día.
(Adam McKay, 2018)
CRITICAS
Para los Oscars, esta película tiene que ir directa a los Oscars. Ese era el pensamiento que se pasaba por mi cabeza nada mas salir de la sala. Ya no es que Bale haga la interpretación de su vida, ni que los demás secundarios están impecables cada uno en su papel. Es que la historia esta contada con una frescura y valentía impropia de estos tiempos, para ser una película que habla sobre política me ha parecido la mar de entretenida y dinámica, incluso diría que divertida por momentos, con un ritmo endiablado (no hay minuto de la cinta en la que no ocurra algo) y repartiendo cera de la linda, no deja a títere con cabeza. Me ha encantado como se usaban las metáforas para describir lo que ocurría en ciertas escenas.
El mensaje que transmite es brutal, es de esas películas que te hacen pensar y hasta sentir miedo y pavor en ver que el mundo puede estar dominado por personas que toman decisiones de tal importancia como si nada, justificando sus acciones con sus ideales o intereses personales o políticos y sin importarles las consecuencias que ello pueda acarrear. Simplemente brutal, es la mejor palabra para definir la historia que cuenta.
La música de Nicholas Britell me ha parecido magnifica, acompaña en todo momento a la película y a todo lo que ocurre en pantalla. Otro tanto a favor de esta magnífica película.
En definitiva, me ha parecido una película muy necesaria para hacer abrir los ojos a la gente, un mensaje muy necesario para los tiempos que corren, para mostrarnos el lado mas frívolo e hipócrita en el mundo de la política y al mismo tiempo un mensaje de denuncia que nos hace ver por que hemos llegado a la situación actual tanto política como social. Una película que resulta divertida y terrorífica al mismo tiempo, que arranca sonrisas y escalofríos en una misma escena y al mismo tiempo. Simplemente una película imprescindible, una película perfecta. Mi nota final no puede ser otra que la de un 10 sobre 10. Directa a los Oscars.
EN EL ESTANQUE DORADO
Género
Drama | Familia. Vejez / Madurez. Melodrama
Sinopsis
Ethel y Norman Thayer son un anciano matrimonio que pasa sus vacaciones en un paradisíaco lugar, «el Estanque Dorado», entre los bosques y al lado de un lago. Norman, un hombre muy activo, soporta muy mal las limitaciones de la vejez y la cercanía de la muerte. Inesperadamente, llega de visita Chelsea, la hija de los Thayer, que siempre ha mantenido unas relaciones muy tensas con su padre.
(Mark Rydell, 1981)
Premios
1981: 3 Oscars: Mejor actor (H. Fonda), actriz (Hepburn), guion adaptado. 10 nom.
1981: 3 Globos de Oro, incluyendo mejor película – Drama. 6 nominaciones
1981: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor actor (Henry Fonda)
1981: Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor actor (Fonda)
CRITICAS
Decir que esta película es maravillosa sería quedarse corto. Lo confieso: Me he emocionado con ella, las lágrimas han aflorado a mi rostro tras contemplar una visión tan lúcida y bella de la vejez. Y sin duda alguna el mérito principal es de sus intérpretes. Dos merecidísimos Oscars a dos de los más grandes que ha habido en este oficio. Un precioso homenaje a sus carreras haciendo lo que mejor saben hacer: actuar magistralmente. Henry Fonda me ha recordado a mi abuelo, un hombre que ha sido un cascarrabias toda la vida pero que a pesar de ello ha querido a sus hijos y siempre ha tenido un corazón bondadoso. Katharine Hepburn fue y será la actriz con la mirada más bella que el cine ha dado (Ver Adivina quién viene esta noche y esta película para comprobarlo). Una mujer con una belleza interior desbordante, paciente, comprensiva… Y profundamente enamorada de ese hombre. Una frase preciosa que resume lo que el amor es dice: «Sabes, Norman, eres el hombre más encantador de la tierra. Pero yo soy la única que lo sabe». Pero también hay que destacar la labor de Doug McKeon (el pequeño Billy),
Una lástima que la mayoría tengamos que crecer para comprender lo que los ancianos muchas veces tratan de decirnos, a veces con la mirada, a veces con las palabras. Y para complementar a unas estupendas interpretaciones, Mark Rydell entremezcla con criterio imágenes preciosistas del bello «estanque dorado». Sin duda alguna, me encantaría morir tranquilamente rodeado de tanta belleza. Además, el director consigue no caer en la sensiblería y deja que el guión fluya tranquilamente como las notas que el bello piano (un steiner, quizá) hacer sonar a lo largo de toda la película. Y si por si esto fuera poco, para los recolectores de beldades, sale una Jane Fonda estupenda antes de enfundarse en mallas elásticas y grabar videos de fitness. Una de esas películas que te hace amar el cine. Obra maestra.
En la cuerda floja
32,61 € *IVA IncluidoAutobiografía: Johnny Cash
Canciones: Johnny Cash
Género
Drama. Romance. Musical | Biográfico. Música. Años 50. Años 60. Drogas
Sinopsis
Biopic del gran cantante de música country Johnny Cash y su mujer y compañera June Carter. La historia comienza en Arkansas, en la época de la Gran Depresión. John R. Cash, hijo de un aparcero, no tardará en realizar salvajes giras con los pioneros del rock and roll: Elvis Presley, Carl Perkins, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis y Waylon Jennings, giras que culminan con su inolvidable concierto de 1968 en la Prisión de Folsom. Cash se convirtió en el artista más popular del momento, llegando a vender más discos que The Beatles.
(James Mangold, 2005)
Posición en rankings FA
64 Mejores películas musicales
146 Mejores biopics / films biográficos
Premios
2005: Oscar: Mejor actriz (Reese Witherspoon). 5 Nominaciones
2005: 3 Globos de Oro: Mejor película comedia, actriz (Witherspoon), actor (Phoenix)
CRITICAS
El biopic basado en la autobiografía de Johhny Cash y en el libro “The man in black”, se centra en el período desde su salto a la escena musical (entre recuerdos de su trágica infancia) a la que daría lugar a la mayor de sus obras maestras (“At Folsom Prision”, 1968), pasando por su tortuosa adicción a las drogas como punto de inflexión en su vida. Por cierto son barbitúricos y anfetaminas, aunque en el filme se queden en un simple y autocensurado “pills” (pastillas).
La sensación de “En la cuerda floja” es de filme acertado y complaciente, incluso se podría decir cobarde (John Carter Cash es uno de los productores de la cinta). Pero aún así enormemente necesario para descubrir, redescubrir o seguir admirando a uno de los iconos de la música americana del siglo XX. Cuenta lo que quiere contar y obvia detalles para nada intranscendentes como su violencia contra objetos (en especial coches), sus plantones al público y sobre todo el incendio que provocó en un accidente de coche en una reserva natural de California, exterminando prácticamente la población de cóndores de la zona. Todo provocado por su adicción a las drogas provocada entre otras cosas por sus 300 conciertos anuales.
Nos regala una memorable interpretación de Joaquin Phoenix y otra magnífica de Reese Witherspoon. ¡Ambos cantando los temas originales sin ser doblados! Y nos recuerda la irreprochable y valiosa aportación a la historia de la música de Sun Records con Elvis Presley, Carl Perkins, Roy Orbinson, Jerry Lee Lewis y Johhny Cash entre muchos otros.
Sobradamente entretenida, emocionante en su parte musical y poco explotada, convencional o ligeramente desatinada en su vertiente de drama romántico.
«Es mérito de Mangold y Dennis cazar a lazo los dos o tres instantes clave de la vida de Cash y, sin edulcorar ni exagerar (…) trazar una parábola, quizá demasiado larga, que conduce la historia hacia su emotivo final.
En la cuerda floja (2005)
Autobiografía: Johnny Cash
Canciones: Johnny Cash
Género
Drama. Romance. Musical | Biográfico. Música. Años 50. Años 60. Drogas
Sinopsis
Biopic del gran cantante de música country Johnny Cash y su mujer y compañera June Carter. La historia comienza en Arkansas, en la época de la Gran Depresión. John R. Cash, hijo de un aparcero, no tardará en realizar salvajes giras con los pioneros del rock and roll: Elvis Presley, Carl Perkins, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis y Waylon Jennings, giras que culminan con su inolvidable concierto de 1968 en la Prisión de Folsom. Cash se convirtió en el artista más popular del momento, llegando a vender más discos que The Beatles.
(James Mangold, 2005)
Posición en rankings FA
64 Mejores películas musicales
146 Mejores biopics / films biográficos
Premios
2005: Oscar: Mejor actriz (Reese Witherspoon). 5 Nominaciones
2005: 3 Globos de Oro: Mejor película comedia, actriz (Witherspoon), actor (Phoenix)
CRITICAS
El biopic basado en la autobiografía de Johhny Cash y en el libro “The man in black”, se centra en el período desde su salto a la escena musical (entre recuerdos de su trágica infancia) a la que daría lugar a la mayor de sus obras maestras (“At Folsom Prision”, 1968), pasando por su tortuosa adicción a las drogas como punto de inflexión en su vida. Por cierto son barbitúricos y anfetaminas, aunque en el filme se queden en un simple y autocensurado “pills” (pastillas).
La sensación de “En la cuerda floja” es de filme acertado y complaciente, incluso se podría decir cobarde (John Carter Cash es uno de los productores de la cinta). Pero aún así enormemente necesario para descubrir, redescubrir o seguir admirando a uno de los iconos de la música americana del siglo XX. Cuenta lo que quiere contar y obvia detalles para nada intranscendentes como su violencia contra objetos (en especial coches), sus plantones al público y sobre todo el incendio que provocó en un accidente de coche en una reserva natural de California, exterminando prácticamente la población de cóndores de la zona. Todo provocado por su adicción a las drogas provocada entre otras cosas por sus 300 conciertos anuales.
Nos regala una memorable interpretación de Joaquin Phoenix y otra magnífica de Reese Witherspoon. ¡Ambos cantando los temas originales sin ser doblados! Y nos recuerda la irreprochable y valiosa aportación a la historia de la música de Sun Records con Elvis Presley, Carl Perkins, Roy Orbinson, Jerry Lee Lewis y Johhny Cash entre muchos otros.
Sobradamente entretenida, emocionante en su parte musical y poco explotada, convencional o ligeramente desatinada en su vertiente de drama romántico.
«Es mérito de Mangold y Dennis cazar a lazo los dos o tres instantes clave de la vida de Cash y, sin edulcorar ni exagerar (…) trazar una parábola, quizá demasiado larga, que conduce la historia hacia su emotivo final.
Encadenadas
DESCRIPCION
La estrella del blaxplotation, Pam Grier («Coffy», «Jackie Brown»), protagoniza esta película de persecuciones y mucha acción.
En una cárcel de mujeres situada en una isla, las presas son maltratadas por las guardianas. Dos de las reclusas son trasladadas para ser interrogadas, pero el autobús es asaltado y las dos presas unidas por una cadena huyen. Una es revolucionaria, rubia caucásica, y la otra afro-americana, una prostituta que ha robado mucho dinero a un narcotraficante de la isla. Aunque tienen el propósito común de escaparse, ambas tienen direcciones y objetivos diferentes que las harán enfrentarse entre ellas.
CRITICAS:
Interesante propuesta española que sin ser mundialmente conocida tiene el gran logro de superar a la media del cine español. En mi opinión la película tiene un comienzo sobresaliente, en el que se destaca ante todo una excelente interpretación de Darío Grandinetti. El actor cumple a la perfección el papel de asesino y el director logra meter durante el film el «susto» en el espectador gracias a diálogos que no le faltan una caracterización malévola e inteligente apropiada a la historia dada. El guión a priori es bastante bueno y la historia no pierde el interés hasta gran parte de la cinta. Es al final cuando se convierte personalmente en repetitiva y pasa de ser una gran película a quedarse en un film interesante y poco más.
En realidad hablamos de un film que cuenta con escaso reparto y en el que la mayor parte de las actuaciones van de aceptables hacia arriba. Como ya he mencionado se me hace repetitiva y culpa de esto es cuando la historia es contada de una forma entre los policias y el asesino a la par que se nos presentan los hechos del supuesto psicópata, enlazando el momento de los hechos con el interrogatorio policial. Una pena porque además el desenlace no es lo bueno que podría esperarme ya que creo que es demasiado brusco y no se responden a muchos porques de la obra.
En definitiva propuesta interesante, que mantiene la tensión de inicio a fin, con diálogos fenomenales, juegos que llaman la atención, y que es recomendable gracias a una excelente caracterización de un asesino. Recomendable e interesante.
ENRIQUE VIII Y SUS SEIS MUJERES
Género
Drama | Histórico. Siglo XVI
Sinopsis
Enrique VII nació en Londres el 28 de junio de 1491. Tras la muerte de su padre, Enrique VII, accedió al trono en 1509, convirtiéndose en rey de Inglaterra (1509-1547). Durante su reinado modificó la Iglesia y todos aquellos que rechazaron la autoridad eclesiástica de Enrique VIII fueron ejecutados. Durante su reinado Enrique VIII contrajo matrimonio en seis ocasiones con: Catalina de Aragón, hija de los Reyes Católicos, en 1501. Fue la madre de María I Tudor, heredera al trono de Inglaterra en 1553.Ana Bolena, en 1533 contrajo matrimonio en secreto con Enrique VIII. Fue la madre de Isabel I Tudor, heredera al trono de Inglaterra en 1558. Juan Seymor, en 1536 contrajo matrimonio en secreto con Enrique VIII. Fue la madre de Eduardo VI, único heredero varón del rey y heredero al trono a la muerte de su padre en 1547. Ana de Clèves, hermano de Guillermo, duque de Clèves, en 1540. Fue un matrimonio de conveniencia basado en establecer alianzas con estados luteranos alemanes. Catalina Howard, bisnieta de Thomas Howard, en 1540. Fue acusada de adulterio y fue decapitada en 1542.Catalina Parr, en 1543. Fue la sexta y última esposa de Enrique VIII.
(Waris Hussein, 1972)
CRITICAS
Película de interiores casi integra y un predominio un tanto cargante de la presencia del monarca en la mayoría de escenas, provocando monotema y limitación de argumentos.
Sabemos que va dedicado a su vida que duró 55 años, le dieron tiempo a un sin número de tropelias y abusos.
Ha pasado a la historia como un rey tirano, egocéntrico y lujurioso.
Hoy se sabe que tenía una enfermedad genética, que producía abortos en mujeres.
Su época conflictiva, apasionante, ha producido toneladas de libros y películas.
Se agradece la presencia de una joven Charlotte Rampling, a la que casi cuesta reconocer, por la caracterización y vestuario.
En suma una recreación con interés de un momento histórico, que sembró cambios significativos en el engranaje de la historia.
Ambientación, vestuario, maquillaje, meritorios.
Erase una vez en America
Género
Drama | Mafia. Crimen. Amistad. Años 20. Años 30. Años 60. Película de culto
Grupos
Trilogía Once Upon a Time
Sinopsis
Principios del siglo XX. David Aaronson, un pobre chaval judío, conoce en los suburbios de Manhattan a Max, otro joven de origen hebreo dispuesto a llegar lejos por cualquier método. Entre ellos nace una gran amistad y, con otros colegas, forman una banda que prospera rápidamente, llegando a convertirse, en los tiempos de la Ley Seca (1920-1933), en unos importantes mafiosos.
(Sergio Leone, 1984)
CRITICAS
Para ver determinadas películas hace falta encontrarse en circunstancias anímicas muy especiales. Digo esto porque “Érase una vez en América” no se puede ver con prisa ni de soslayo, no. Hace falta estar mentalizado y saber que empiezan casi cuatro horas de cine muy particular.
Por eso a la gente que se acerque sobre todo por primera vez a esta película lo deben hacer o siendo niños (aunque pueda resultar violenta a veces) o sintiendo como un niño, porque Sergio Leone hace la película más infantilmente adulta que se ha rodado jamás. Y el resultado es maravilloso.
La película fue un fracaso en EE.UU, pero no sólo por el montaje, sino porque en el país de la explicación fácil y del plano mascado en vez de la elipsis nunca entenderán como después de tantas horas la película sigue siendo esta un misterio y resulta algo ininteligible.
“Érase una vez en América” tiene algunos problemas, de eso no cabe duda, hay historias y momentos -como la del sindicalista- que no benefician mucho al conjunto, pero el esfuerzo es tan titánico y colosal que no importa en absoluto algún momento de tibieza en una película monumental.
Las interpretaciones son extraordinariamente sinceras y llenas de calidez. Hablar de la calidad de James Woods o de Robert De Niro en esta cinta no sería muy original, por lo que voy a hablar de magnífica Tuesday Weld, que además de sensual y hermosa es capaz de dar respuesta en muchas escenas a los protagonistas comiéndoles incluso algún plano. Por cierto esta es una de esas películas para ver en versión original.
¿Y la música de Ennio? No puedo añadir nada nuevo, lo único que será la primera vez que me levante de mi butaca y aplauda cuando alguien recoge un Oscar. Aunque sea honorífico señor Morricone no se preocupe, tampoco a Borges le dieron el Nobel y es más grande que diez o veinte juntos con premio.
Leone imprime a su trabajo el habitual tono operístico que le caracteriza y que brota de una serie de puntales que siempre le han proporcionado excelentes resultados. El italiano intuye como pocos el efecto estético y emocional de sus movimientos de cámara en el propio espectador y exprime al máximo su rendimiento. No contento con ello, el meticuloso cineasta concede a la puesta en escena la valía que se merece, obteniendo con ello ese empaque lírico que ha forjado su prestigio.
El gran Sergio sabe que esto del cine es un trabajo en equipo y que tanto la música de Ennio Morricone como la fotografía de Tonino Delli Colli son casi siempre garantía de éxito. Por si fuera poco el elenco de estrellas que configuran el reparto es espectacular: Robert de Niro, James Woods, Danny Aiello, Joe Pesci, Elizabeth McGovern, Treat Wiliams, una jovencísima Jennifer Connelly…
Esquilache
Sinopsis
Madrid, Domingo de Ramos de 1766. Cuando el Marqués de Esquilache (Fernán-Gómez) llega a su residencia, la Casa de las Siete Chimeneas, todavía se oyen por las calles los gritos de ¡Muera Esquilache!. Tras comprobar horrorizado los efectos del saqueo a que ha sido sometida su casa, el ministro italiano de Carlos III (1759-1788), acompañado de Fernanda (Ángela Molina) se dirige al Palacio Real al tiempo que evoca sus entrevistas con el rey (Adolfo Marsillach), los enfrentamientos con los nobles españoles, la corrupción de su esposa (Concha Velasco) y, sobre todo, su relación sentimental con Fernanda.
Premios
1989: 2 Premios Goya: Mejor actor sec. (Marsillach) y dir. artística
1989: Festival de Berlín: Sección oficial de largometrajes
Críticas
Esta película es una de las mejores muestras de cine histórico realizadas tanto en España como en la historia del cine.
Con una cuidada ambientación, sin ser excesivamente amanerada y con un toque necesariamente austero Josefina Molina nos brinda una esmerada y acertada reconstrucción del «Motin de Esquilache «.
A todo esto ayuda un elaborado guión, un verismo de gran calidad y unas acertadas interpretaciones en especial la de un Fernan-Gómez inmejorable en su composición de Esquilache.
Hay que destacar también como mérito de este film la equidistancia y neutralidad que en él se reflejan muy alejado ( menos mal ) de tentativas más efectistas pero menos efectivas tipo la reciente » Juana la loca «.
En fin una película muy acertada en su género, en absoluto estereotipada y muy necesaria tanto por su rigor como por acercarnos un episodio importante y curioso en la historia de España.
«Detallado relato de motines, ilustraciones y reformas. (…) correcto drama de época soportado por un reparto decididamente brillante.»
Esta tierra es mia
Género
Drama | II Guerra Mundial. Nazismo
Sinopsis
Albert Lory (Charles Laughton) es un profesor de escuela en una ciudad de un país indeterminado ocupado por el ejército Nazi durante la II Guerra Mundial. Enamorado de su compañera de trabajo y vecina, la también profesora Louise Martin (Maureen O’Hara), Albert se siente frustrado al ser incapaz de declararse por su carácter acobardado. Esta cobardía es también motivo de burla de sus propios alumnos. Para colmo, Louise mantiene una relación con un hombre llamado George Lambert (George Sanders). Cuando una serie de acontecimientos provocan que Albert sea detenido por los soldados alemanes, el Comandante Alemán, Mayor Erich von Keller (Walter Slezak), le propondrá un acuerdo. Pero el carácter de Albert podría haber cambiado debido a los últimos acontecimientos y parece que incluso podría demostrar una sorprendente valentía frente al enemigo invasor.
(Jean Renoir, 1943)
Posición en rankings FA
18 Mejores películas y series sobre la Segunda Guerra Mundial
40 Mejores películas de los años 40
131 Mejores películas estadounidenses de todos los tiempos
Segundo film americano de Renoir. Obtuvo muy buenas críticas.
«Creo que tiene la humanidad y la veracidad de las mejores películas de Renoir. Y Laughton, como siempre, está genial.»