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Cine
LA LADRONA SU PADRE Y EL TAXISTA
El precio original era: 16,88 €.15,67 €El precio actual es: 15,67 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia
Grupos
Adaptaciones de Alberto Moravia
Sinopsis
Paolo conduce en su taxi a la encantadora Lina y a sus tres amigos a la playa, pero se da cuenta de que lo que ellos pretenden es robarle su vehículo. Ella le enreda con explicaciones confusas y le lleva a conocer a Sopriano, su padre. Paolo piensa que se trata de una familia honrada, hasta que descubre que la pitillera de oro que ella le ha dado había sido sustraída, que Sopriano se ha apropiado de una maleta en la estación y que padre e hija son carteristas en los autobuses. Paolo los denuncia a la Policía, pero ellos se las arreglan para distorsionar los hechos y parecer que son inocentes. Desesperado, Paolo propone a Lina que abandone la vida de ladrona..
(Alessandro Blasetti, 1954)
CRITICAS
En su época dorada, que podríamos acotar entre finales de los 40 y finales de los 70, el cine italiano alcanzó cotas de brillantez y popularidad inusitadas, que lo hicieron conocido en el extranjero, y de paso también a sus artistas. Una faceta de ese éxito, y en modo alguno menor, cabe atribuirla a la excelente comedia desarrollada por directores como De Sica, Monicelli, Risi, etc. Creo además que los rasgos característicos de estas comedias siempre se han adaptado a la perfección a los gustos de los espectadores españoles, pues no en vano Italia y España comparten no pocos rasgos históricos y culturales; de hecho, muchas de nuestras mejores comedias podrían pasar por italianas, y viceversa, y abundando más en esta apreciación, no puede ser casual que algunos de nuestros títulos humorísticos más considerados se inspiren directamente en modelos italianos («Atraco a las 3» con «I Soliti Ignoti»), o que otros hayan sido realizados por directores de aquél país (pensemos en las películas de Ferreri).
Blasetti, cuya otra obra más conocida es «La Corona de Hierro», logró aquí su película más popular con esta divertida historia de enredo entre un taxista y una peculiar familia de ladrones. Pródiga en situaciones cómicas, algunas muy bien resueltas, como los constantes embotellamientos y accidentes que sufre el taxista en su persecución de los ladrones, o la soberbia secuencia de la comisaría, verdaderamente genial e hilarante. Las virtudes de estos filmes se basan, aparte del humor en sí, en su facilidad para conectar con aspectos populares de la sociedad de su tiempo, y a la hora de concebir personajes a un tiempo entrañables y divertidos, que enganchan absolutamente al espectador.
El trío protagonista, muy bien apoyado por los excelentes secundarios, es de una calidad incuestionable, brillando tanto De Sica, en su papel de ladrón fino, caballeroso y resabiado, como Mastroianni, que encarna a un entrañable y atribulado taxista sobre el que recaen todas las desgracias. En cuanto a Sophia Loren, creo que está correcta, pero temo no ser muy objetivo, pues es de esas actrices cuya belleza desarma al espectador, que queda atontado ante su presencia (como el resto de personajes de la película, por otro lado), circunstancia que también suele ocurrirme con Claudia Cardinale. En todo caso, ninguno hubiera brillado sin el estupendo guión, que crea situaciones siempre divertidas, con algunos diálogos y frases notables, sobre todo aquellas en las que interviene el personaje de De Sica.
Bien realizada, sin perder ritmo, y con un tono que recuerda un poco a «Guardias y Ladrones» de Monicelli y Steno, incluye además un homenaje a un título clasico del género negro («Pick-up on South Street», «Manos Peligrosas», de Samuel Fuller) que toda la familia y el taxista ven en un cine. Un filme muy entretenido, y tristemente, ejemplo de un género hoy en declive, también en Italia.
LA LARGA NOCHE
El precio original era: 13,25 €.12,04 €El precio actual es: 12,04 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro. Drama
Sinopsis
Una noche, el padre de George La Main, de 17 años de edad, es golpeado por un periodista deportivo. Traumatizado por este hecho, e incapaz de entenderlo, el chico busca vengar la afrenta.
(Joseph Losey, 1951)
CRITICAS
George La Main, es un muchacho de baja estatura, poco apuesto y su debilidad de carácter lo hace “apto” para los “juegos” de los abusadores. Su padre, Andy, un hombre alto y fornido, regenta un modesto bar y según le ha dicho a su hijo, la madre murió cuando él era muy chico. Hasta hace poco, su padre tuvo una novia de nombre Frances, a la que no volvió a ver y nada se sabe de ella. Ahora, unidos, y con algunos amigos en el bar, el padre se dispone a celebrar el 16° cumpleaños de George, con quien mantiene una poco comunicativa, pero afectuosa relación… y de repente, un hombre irrumpe en el local en compañía de dos hombres y tras humillar a su padre lo apalea luego.
Resulta esto como si la vida tuviese destinado que, George, debiera hacerse hombre con una prueba de fuego. Como si así lo entendiera, el muchacho se dispone a subir aquella difícil cumbre que el destino ha predispuesto para él, y aquella será una larga noche de odio en la que pasarán muchas cosas.
La novela “Dreadful Summit”, que publicara en 1948, el estadounidense Stanley Ellin (1916-1987), fue la base –fielmente adaptada por el autor y por el director Joseph Losey- para esta película que corrobora el talento de un cineasta que siempre se preocupó por la causa de los desheredados. El conflicto emocional está muy bien plantado y el chico luce con sus contradicciones de una manera que favorece ampliamente el poder empatizar con él.
Más difícil que hacerse mujer, ha sido para muchos hacerse hombres, pues por siglos, la sociedad ha impuesto unos patrones de conducta que, no todos, nacen con la capacidad inmediata que permite asumirlos. Para muchos, es un verdadero trauma mostrar valor, pues, por razones genéticas, formativas y/o experienciales, éste pareciera no hacer parte de su carácter. Por lo general, esta suerte de muchachos se inclina por el arte, las religiones, las humanidades y toda suerte de oficios que reclamen intelecto, sentido crítico, oratoria, manualidades… pero no fuerza.
Se necesita sentirse bajo presión o sensiblemente herido física o emocionalmente, para que el valor, siempre oculto y reprimido en estas personas, consiga salir a flote… ¡y muchos de ellos son de temer cuando se liberan!
Resulta también muy singular y apreciable, la manera como Losey trata aquí el álgido problema del racismo, mostrando primero a un baterista afroamericano que seduce al chico –y a nosotros- con la talentosa manera como manipula las baquetas y contrastándolo luego con el hombre blanco que, con su bastón de madera, golpea sin piedad al señor La Main. Luego, será una bella cantante -también afroamericana- ante la que el chico deberá avergonzarse por conservar aún necios rezagos culturales.
Será siempre una lástima que, esta suerte de películas que son las que nos ponen ante un espejo y nos ayudan a comprender la realidad, no tengan la difusión que se merecen y terminen arrinconadas, mientras que la mediocridad y la basura colman casi todos los espacios.
LA LARGA NOCHE DE LOS BASTONES BLANCOS
El precio original era: 19,30 €.18,09 €El precio actual es: 18,09 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Discapacidad visual. Amistad. Trenes / Metros
Sinopsis
Andrés, joven provinciano que quedó ciego durante su infancia, viene a la capital con posibilidades de hacerse un transplante y recuperar la vista. A su llegada se hospeda en casa de un viejo amigo de la familia, Rogelio Molinos, quien vive con su hija Marisol. Pronto entre los dos jóvenes se establece una relación que hace que Andrés conciba falsas ilusiones. Paralelamente el joven ciego conoce en una taberna a otro invidente, este de nacimiento, y entre ellos nace una profunda amistad que culminará al quedar encerrados en un vagón del Metro que se dirige fuera de servicio a unas cocheras desiertas.
(Javier Elorrieta, 1979)
CRITICAS
Drama protagonizado por dos ciegos, uno de ellos de nacimiento, que construyen una hermosa relación de amistad y reflexionan, entre otras cosas, sobre lo que significaría para los que vemos una ciudad concebida para ciegos. La mayor parte de la película transcurre en un ambiente que resultaría aún más aterrador para mí, contra el cual no dejan de luchar. Despedida del cine del gran actor José Mª Rodero; Enrique San Francisco se complementa muy bien con él.
Dentro del panorama del cine del tardo franquismo (En realidad no se si considerarla como tal es de 1979). Hay cosas interesantes. Directores que con poco dinero sorprendian y hacían películas interesantes. La historia de un joven provinciano ciego que va a la capital para una operación va en casa de unos amigos de su madre y hace amistad con un hombre ciego. (Un inmenso Jose María Rodero). Suyas son las mejores frases y los mejores momentos.
La película se adentra en el mundo del drama para ser en la segunda parte una película con tintes de suspense muy bien llevado te hace meterte en la piel de un ciego. Muy buena
LA LEGION INVENCIBLE
El precio original era: 34,49 €.33,28 €El precio actual es: 33,28 €. *IVA IncluidoGénero
Western | Ejército
Grupos
Trilogía de la caballería
Sinopsis
Las tribus indias planean unirse para una guerra total contra los blancos. Brittles, un veterano capitán de caballería, recibe la orden de evitar las concentraciones de indios, al tiempo que debe escoltar a la esposa y a la sobrina de su comandante. Además, ha de impedir que un traficante venda una partida de armas a los indios. Esta triple misión será la última del capitán antes de su jubilación.
(John Ford, 1949)
CRITICAS
Segunda película de la «Trilogía de la Caballería», de Ford. El título original está tomado de la segunda estrofa del himno que acompaña los créditos iniciales. Obtuvo el Oscar a la mejor fotografía en color.
La acción se sitúa en 1876, unos meses después de la derrota de Custer, en territorio castigado por los indios. Narra la historia de los seis últimos días de vida militar del capitán Nathan Brittles (John Wayne), que realiza su último servicio: conducir a Soudros Weels a la esposa y sobrina Olivia (Joanne Dru) del mayor Mac Allshard (George O’Brien). En el viaje será testigo de la muerte del vendedor de rifles a los indios. Además, tratará de alcanzar el tercer objetivo de su misión.
La obra constituye un homenaje a la caballería, a la importancia de su misión en la creación del país, a los enormes sacrificios asumidos por sus hombres. El protagonista encarna las virtudes del cuerpo: lucha sin tregua, planea las acciones con inteligencia, las ejecuta con precisión, vela por la seguridad de los hombres y practica la constancia hasta sumar 40 años de servicio. Pese a su fuerza, es un ser humano que lleva en el alma el desgarro de la pérdida de su mujer e hijos, cuya sepultura visita con frecuencia. La próxima jubilación será su último calvario: fuera del batallón no tiene nada. La obra combina momentos épicos (salida del batallón del fuerte, dispersión de los indios, galopadas de Ben Johnson), humorísticos (roces de Flint y Pennell, lo que dice y hace el sargento Quincannon, borrachín y pendenciero) y líricos (visitas del capitán al camposanto). El homenaje a la caballería incluye una apuesta clara por la paz. «Somos viejos para hacer la guerra, pero podemos impedirla», dice Brittles a Caballo Loco.
La fotografía, en la que Ford puso especial interés, aporta una narración visual deliciosa, ambientada en «Monument Walley». Ofrece unos celajes magníficos, escenas de acción muy bien construídas y un dibujo bellísimo. Cada fotograma parece un cuadro extraído del museo de Frederic Remington, afamado pintor americano del XIX, inspirador de la estética del film. La dirección de la fotografía corrió a cargo de Winton Hoch («Centauros del desierto»). La música exalta la acción con solemnidad, aporta himnos militares interpretados a coro, melodías suaves (soledad) y festivas (bailes). El guión se basa en el relato «War Party» de James Warner Bellah. La soberbia interpretación de John Wayne, envejecido y encanecido por exigencias del personaje, es una de las mejores de su filmografía. La dirección demuestra sabiduría en el movimiento de actores y en la fluidez de una narración que traspira humanismo.
La película es un antológico western clásico: el que mejor aprovecha las imágenes de las Reservas de Utah.
LA LEY DEL SILENCIO
El precio original era: 24,14 €.22,93 €El precio actual es: 22,93 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Drama judicial / Abogados/as
Sinopsis
Johnny Friendly (Lee J Cobb), el jefe del sindicato portuario, utiliza métodos mafiosos para controlar y explotar a los estibadores de los muelles neoyorquinos. Terry Malloy (Marlon Brando), un boxeador fracasado que trabaja para él, se ha visto involuntariamente implicado en uno de sus crímenes. Cuando Malloy conoce a Edie Doyle (Eva Marie Saint), la hermana de la víctima, se produce en él una profunda transformación moral que lo lleva a arrepentirse de su vida pasada. A través de Edie conoce al padre Barrie (Karl Malden), que trata de animarlo para que acuda a los tribunales y cuente todo lo que sabe
(Elia Kazan, 1954)
CRITICAS
Tanto Elia Kazan como Budd Schulberg, volcaron en la película todo el ostracismo que sufrían por su condición de traidores, se empeñaron en justificar y defender su papel, existen hechos que son justificables y otros no lo podrán ser nunca, pero son el tiempo y la historia, los que quizás lleguen a perdonar.
Considerada por el American Film Institute, como una de las mejores películas de todos los tiempos, “La ley del silencio” es también una clara defensa del individualismo y de la honestidad. Un solo hombre se enfrenta a un enrevesado sistema de corrupción, y al que sabe que no puede derribar, salvo que arriesgue su vida con una delación y así mismo ponga en peligro a su hermano, mano derecha del “jefe” del sindicato de estibadores.
Marlon Brando alcanza definitivamente el estrellato con una portentosa interpretación (para muchos la mejor de su historia), en el papel de “Terry Malloy”, un boxeador fracasado (porqué lo han hecho fracasar), un hombre convertido en la quinta esencia y encarnación de la mediocridad, hará que los cimientos del status de la mafia portuaria se tambaleen como consecuencia de su declaración, fundamental para la resolución de un asesinato del que él ha sido testigo directo.
El reparto estelar lo completan: Eva Marie Saint como “Edie Doyle” hermana de la víctima de los mafiosos, Karl Malden como “el padre Barrie”, Rod Steiger como el hermano de “Terry Malloy” y Lee J. Cobb como el capo “Johnny Friendley”. La excelente fotografía de Boris Kaufman acercan la cinta a esa bella atmósfera neorrealista que describe perfectamente el ambiente portuario y a los propios personajes que lo pueblan. Kazan impone al guion de Malcolm Johnson un tono absolutamente poético como medio para intentar transmitir los motivos que pueden impulsar a una persona a declarar contra otras.
La composición musical de Leonard Berstein es excelente. Sin duda una magistral película, entre las obras maestras de la historia del cine.
La leyenda de la ciudad sin nombre
El precio original era: 30,19 €.28,98 €El precio actual es: 28,98 €. *IVA IncluidoGénero
Western. Musical. Comedia
Sinopsis
Un granjero de Michigan y un buscador de oro se asocian en plena fiebre de este metal en California. Sus aventuras incluirán el comprar y compartir una esposa, apoderarse de un teatro, secuestrar a seis prostitutas y convertir su campamento minero en una auténtica ciudad.
(Joshua Logan, 1969)
CRITICAS
Desternillante comedia en la que dos hombres de personalidades dispares entablan una extraña amistad y consiguen construirse una vida a su medida.
El guión incide con un tino pocas veces visto en el cine en los aspectos más contradictorios de una sociedad machista y puritana. Viene a decirnos que no está de acuerdo con ese modelo como única opción posible para que una comunidad funcione. En la ciudad sin nombre todos son buscavidas, las leyes se van haciendo sobre la marcha, no está mal vista la poligamia si todos los miembros del matrimonio están de acuerdo en compartirse mutuamente, los mamporros pueden servir para arreglar diferencias de manera tan injusta como un juicio, etc.
Si a todo ello le unimos un ritmo narrativo vivo, unos personajes de lo más entrañables, unos decorados impresionantes y un porrón de canciones que hacen que uno se levante del asiento para bailar más de una vez, no es difícil entender por qué muchos la tenemos en varias de nuestras listas de películas preferidas.
LA LEYENDA DE OCHI
El precio original era: 45,92 €.44,71 €El precio actual es: 44,71 €. *IVA IncluidoGénero
Aventuras. Fantástico | Cine familiar
Sinopsis
En una aldea remota de la isla de Carpatia, Yuri, una niña campesina, es criada con el miedo a una especie animal esquiva llamada ochi. Pero cuando Yuri descubre que han abandonado a un bebé ochi herido, emprende una misión para devolverlo a casa.
(Isaiah Saxon, 2025)
CRITICAS
Inspirada en el cine de aventuras clásico, la película logra convencer al posicionarse como un título para todos los públicos y apoyarse en una estética sorprendente por su naturalismo y, al mismo tiempo, por la fantasía de las criaturas que construye: los Ochi. Los paisajes frondosos, los árboles que se alzan imponentes, la noche en su máxima oscuridad, la tierra mojada, la madera de los hogares y el remoto poblado donde vive Yuri con su padre conforman un universo visual muy sugerente. Saxon sabe aprovechar cada imagen para envolver al espectador en una experiencia inmersiva que lo transporta a un mundo paralelo, apasionante y lleno de posibilidades.
En este contexto, el filme articula una trama de redención que se desarrolla en dos planos. Por un lado, la relación de Yuri con su padre, Maxim, un hombre obsesionado con el exterminio de los Ochi, armado con su todoterreno, su escopeta y el apoyo de varios jóvenes -una suerte de Niños Perdidos-, que evocan a los de «Peter Pan». Willem Dafoe ofrece una interpretación sólida y matizada, encarnando a un personaje que acaba reconciliándose con su familia, paradójicamente, gracias a esas mismas criaturas a las que persigue, maldice y desea eliminar a toda costa.
Por otro lado, la película propone una interesante reflexión sobre el lenguaje y la comunicación. Frente al lenguaje humano, articulado a través de palabras, letras y sonidos, se presenta el lenguaje de los Ochi, basado en vocalizaciones escuetas pero repletas de significado. Esta forma de comunicación será aprendida e integrada por Yuri, interpretada con solvencia por Helena Zengel, quien se convertirá en el puente entre dos mundos aparentemente irreconciliables que deja una clara lección de convivencia pacífica con lo desconocido, incluso cuando parece ajeno o amenazante
LA LEYENDA DE TARZAN – EDICION 4K UHD
El precio original era: 36,24 €.35,03 €El precio actual es: 35,03 €. *IVA IncluidoGénero
Aventuras | Naturaleza. Animales. 3-D
Grupos
Tarzán | Adaptaciones de Edgar Rice Burroughs
Sinopsis
Ya hace años que Tarzán (Alexander Skarsgård) abandonó la jungla africana para llevar una vida aburguesada como John Clayton III, Lord Greystoke, junto a su esposa Jane (Margot Robbie). Pero un día le ofrecen el cargo de embajador en el Congo. En realidad, todo forma parte de un plan ideado por un capitán belga (Christoph Waltz), aunque los responsables de llevarlo a cabo no están preparados para ello.
(David Yates, 2016)
CRITICAS
Hay básicamente tres formas de considerar a Tarzan, el original, que es el de las novelas de Edgar Rice Burroughs, el de los comics y el cinematográfico, incluyendo aquí las series de televisión. Si consideramos la segunda, hay varios autores de los que se destacan cuatro, Harold Foster, Burne Hogarth, Russ Manning y Joe Kubert, estos dos últimos basando sus primeras obras en ilustrar las primeras novelas de Burroughs.
La tercera forma contiene también una gran variedad de películas y de actores que han protagonizado la icónica figura de Tarzan de los monos. Ningún comic ni ninguna película ha superado jamás al Tarzan de las novelas, al Tarzan original y en el caso de «La leyenda de Tarzan» y vamos a hablar refiriéndonos al nombre de los actores que lo han protagonizado para referirnos a las películas, la de Alexander Skarsgard es la que más se acerca al espíritu de las novelas pero siempre con desviaciones y particularidades que introducen los guionistas.
Generalmente al hablar de las películas de Tarzan, valen muy poco las opiniones de los periodistas que escriben sus artículos aprovechando el estreno de alguna película del personaje si no conocen la base y también valen muy poco las opiniones de cualquiera que escriba sobre el tema si no lo conoce porque no ha leído al menos, las cuatro primeras novelas de Tarzan, es decir: «Tarzan de los monos», «El regreso de Tarzan, «Las fieras de Tarzan» y «El hijo de Tarzan» que se continúan y forman un todo donde queda construida la base, la esencia de lo que es Tarzan y que después se seguirá desarrollando a través de 23 novelas más de las 27 escritas por Burroughs, aunque la última quedó inacabada por su fallecimiento y fue terminada con permisos oficiales de la familia Burroughs por Jor L. Ransdale y, por supuesto en las innumerables aventuras en los comics y en las decenas de películas oficiales del personaje a través de diversos actores que lo han personificado.
«La leyenda de Tarzan», gracias a los, para mi gusto, imprescindibles «Flash Backs» en los que se insinúan cómo fueron los orígenes, es una película que se podría decir que en espíritu es la más cercana, de todas las que se han hecho, al Tarzan de las novelas, al Tarzán original, aunque aún le falta un, digamos, 40 por ciento. Alexander Skarsgard es muy alto, muy musculado, con un acertado uso de gestos propios de animales como el detalle que explica de sus manos, pero en ningún momento presenta la belleza corporal que describe Burroughs y hablando sólo del cuerpo, para mi gusto es más bello el cuerpo de Miles O’Keefe. Solo hablo del cuerpo no de las expresiones de la cara. La interpretación de Alexander Skarsgard es aceptable aunque aún le falta alma para acercarse al personaje descrito por Burroughs y si bien en esta película se ha usado, como corresponde a la época en que se ha hecho, efectos visuales realizados con ordenador, aunque en un cierto momento Tarzan es vencido por sus enemigos en una lucha desproporcionada por el número de atacantes, el resto de peleas se corresponde con el Tarzan de las novelas, es decir, la superioridad de Tarzan es tan desproporcionada a la del hombre en general por fuerte que sea, que los barre literalmente y ese es un aspecto de fidelidad.
LA LEYENDA DEL INDOMABLE
El precio original era: 8,41 €.7,20 €El precio actual es: 7,20 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Drama carcelario
Sinopsis
Luke Jackson, un joven rebelde e impulsivo, es condenado a dos años de prisión tras causar graves destrozos estando borracho. En la cárcel, su indomable carácter chocará de frente con las rígidas normas de la institución, así como con el de otros presos, especialmente el brutal Dragline, que era el líder de los convictos hasta su llegada. Pero Luke es un veterano de guerra que no está dispuesto a ceder, y tendrá que pagar un alto precio por seguir siendo quien es.
(Stuart Rosenberg, 1967)
CRITICAS
Drama realizado por Stuart Rosenberg («Brubaker», 1980). Se basa en la novela «Cool Hand Luke» (1965), de Don Pearce, autor del guión, de reminiscencias autobiográficas. Nominado a 4 Oscar, obtuvo 1 (actor reparto, G. Kennedy).
La acción tiene lugar en una prisión sureña de carretera en los primeros años 60. Narra la historia de Luke «Cool Hand» Jackson (Paul Newman), héroe condecorado de la 2ª Guerra mundial, con dificultades de adaptación, que es detenido por la policía tras romper, en estado de embriaguez, varios contadores de aparcamiento. Condenado a 2 años de trabajos forzados, es recluido en la Road Prison 36 (Florida). De carácter solitario y luchador, es un espíritu libre, inconformista e indomable. Es recibido con frialdad por los compañeros y con hostilidad por el ingenuo y bravucón Dragline «Drag» (George Kennedy), líder natural de los reclusos.
La película desarrolla una contundente fábula antiautoritaria, que denuncia la crueldad del despotismo, la violencia del abuso de poder, los caprichos del mando totalitario y el sadismo de unos jefes incompetentes. Como primera tarea, Luke se ha de ganar la simpatía de los compañeros. Lo hace demostrando su capacidad de resistencia en un combate informal de boxeo, que prolonga más allá de su derrota y de su agotamiento. Su participación en una partida de pócker demuestra su impasibilidad y frialdad. Huye del campo con reiteración, pese a ser capturado y castigado con severidad creciente.
Desafía la tortura y las amenazas de muerte. Las imágenes sugieren paralelismos entre la lucha agotadora de Luke y la Pasión: en una escena, tras una sesión de castigo, es colocado sobre una mesa del barracón como un crucifijo. Su lucha contra la injusticia no es del todo inútil: gana la admiración de los compañeros, debilita al mando y consigue que se rompan las gafas de sol de Godfrey (Morgan Woodward), símbolo de la infamia del verdugo sin rostro y del hombre sin mirada. Son escenas destacadas el combate de boxeo, la apuesta de ingerir 50 huevos y la intervención fugaz e inusitadamente sensual de Joy Harmon lavando un coche.
La música ofrece composiciones coloristas de guitarra, banjo y viento, que obtuvieron gran éxito. Añade canciones populares, en boca de Harry Dean Stanton («The Midnight Especial», «Cotton Field»). La fotografía aporta una narración potente y sobrecogedora, apoyada en una estética realista, sazonada de simbolismo. El guión construye un relato sencillo, que seduce y conmueve. La interpretación de P. Newman es antológica y muy meritorias las de G. Kennedy y otros secundarios. La dirección trabaja con convicción y entrega.
Obra clásica de la lucha por la libertad y contra la opresión. Es además un drama carcelario emblemático y atípico.
LA LEYENDA DEL INDOMABLE – EDICION 4K UHD
El precio original era: 37,50 €.36,29 €El precio actual es: 36,29 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Drama carcelario
Sinopsis
Luke Jackson, un joven rebelde e impulsivo, es condenado a dos años de prisión tras causar graves destrozos estando borracho. En la cárcel, su indomable carácter chocará de frente con las rígidas normas de la institución, así como con el de otros presos, especialmente el brutal Dragline, que era el líder de los convictos hasta su llegada. Pero Luke es un veterano de guerra que no está dispuesto a ceder, y tendrá que pagar un alto precio por seguir siendo quien es.
(Stuart Rosenberg, 1967)
CRITICAS
Drama realizado por Stuart Rosenberg («Brubaker», 1980). Se basa en la novela «Cool Hand Luke» (1965), de Don Pearce, autor del guión, de reminiscencias autobiográficas. Nominado a 4 Oscar, obtuvo 1 (actor reparto, G. Kennedy).
La acción tiene lugar en una prisión sureña de carretera en los primeros años 60. Narra la historia de Luke «Cool Hand» Jackson (Paul Newman), héroe condecorado de la 2ª Guerra mundial, con dificultades de adaptación, que es detenido por la policía tras romper, en estado de embriaguez, varios contadores de aparcamiento. Condenado a 2 años de trabajos forzados, es recluido en la Road Prison 36 (Florida). De carácter solitario y luchador, es un espíritu libre, inconformista e indomable. Es recibido con frialdad por los compañeros y con hostilidad por el ingenuo y bravucón Dragline «Drag» (George Kennedy), líder natural de los reclusos.
La película desarrolla una contundente fábula antiautoritaria, que denuncia la crueldad del despotismo, la violencia del abuso de poder, los caprichos del mando totalitario y el sadismo de unos jefes incompetentes. Como primera tarea, Luke se ha de ganar la simpatía de los compañeros. Lo hace demostrando su capacidad de resistencia en un combate informal de boxeo, que prolonga más allá de su derrota y de su agotamiento. Su participación en una partida de pócker demuestra su impasibilidad y frialdad. Huye del campo con reiteración, pese a ser capturado y castigado con severidad creciente.
Desafía la tortura y las amenazas de muerte. Las imágenes sugieren paralelismos entre la lucha agotadora de Luke y la Pasión: en una escena, tras una sesión de castigo, es colocado sobre una mesa del barracón como un crucifijo. Su lucha contra la injusticia no es del todo inútil: gana la admiración de los compañeros, debilita al mando y consigue que se rompan las gafas de sol de Godfrey (Morgan Woodward), símbolo de la infamia del verdugo sin rostro y del hombre sin mirada. Son escenas destacadas el combate de boxeo, la apuesta de ingerir 50 huevos y la intervención fugaz e inusitadamente sensual de Joy Harmon lavando un coche.
La música ofrece composiciones coloristas de guitarra, banjo y viento, que obtuvieron gran éxito. Añade canciones populares, en boca de Harry Dean Stanton («The Midnight Especial», «Cotton Field»). La fotografía aporta una narración potente y sobrecogedora, apoyada en una estética realista, sazonada de simbolismo. El guión construye un relato sencillo, que seduce y conmueve. La interpretación de P. Newman es antológica y muy meritorias las de G. Kennedy y otros secundarios. La dirección trabaja con convicción y entrega.
Obra clásica de la lucha por la libertad y contra la opresión. Es además un drama carcelario emblemático y atípico.
LA LEYENDA DEL SAMURAI (47 Ronin)
El precio original era: 25,35 €.24,14 €El precio actual es: 24,14 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga. Drama | Comedia negra. Vida rural. Familia. Película de culto
Sinopsis
En un pequeño pueblo de provincias, cercano a la capital, vive una familia compuesta por tres hermanos: la dominante y severa Ignacia y los tímidos y retraídos Paquita y Venancio. La monotonía de la vida del pueblo sólo se rompe los sábados cuando llega un conjunto musical de Madrid para amenizar con sus canciones el fin de semana. Un sábado de tormenta, Paquita y Venancio, que son muy miedosos, oyen ruidos y van buscando protección a la habitación de su hermana. Allí ven a alguien, pero Ignacia lo niega rotundamente.
(Carl Erik Rinsch, 2013)
CRITICAS
Décimo largometraje realizado por Fernando Fernán-Gómez (1921-2007), considerado por algunos especialistas como uno de los 10 mejores del cine español del s XX. El guión, de Pedro Beltrán (1927-2007), desarrolla un argumento de Manuel Ruiz Castillo y del propio Pedro Beltrán, basado en una idea de Luis García Berlanga, inspirada en hechos reales (el llamado “crimen de Mazarrón”). Se rueda en escenarios naturales del pueblo de Loeches (Madrid) y de la playa de Santa Pola (Alicante) y en los platós de los estudios de rodaje Ballesteros, con un presupuesto modesto, en los meses de abril y mayo de 1964. Producido por José López Moreno y Francisco Molero para Izaro Films, Pro Artis Ibérica e Impala, se estrena el 10-VIII-1964 (España).
La acción dramática tiene lugar en un pequeño pueblo rural castellano y en Cabo de Palos (Cartagena), en la primavera de 1964. Los hermanos Venancio (Franco) y Paquita Vidal (Aparicio), de escasas luces, media edad, solteros, ingenuos y asustadizos, viven en el antiguo caserón familiar junto con la hermana mayor, Ignacia (Alba), soltera, huraña, amargada, autoritaria y dominante. Los tres proyectan un viaje al extranjero, lugar que conciben como el paraíso de la libertad, la superación de la educación represiva que ha marcado sus vidas y la libración del alto control social que se da en el pueblo. Ignacia tiene amistad con Fernando (Larrañaga), miembro de la orquesta “Los Guacamayos”, que alegra con su música el baile de los fines de semana del pueblo. Fernando es novio de Beatriz (Canalejas), dependienta de la corsetería “La Parisien”, de Teresa (Ponte).
El film suma comedia, drama, crimen, terror y análisis costumbrista. Desarrolla dos líneas de acción paralelas: un relato de comedia negra y una intriga del mejor suspense. La narración hace uso de numerosos giros, acciones simultáneas, intervenciones vistas desde dos puntos de vista, situaciones extravagantes y de humor negro con apelaciones a lo trágico y lo macabro. Mantiene un tono hilarante y surrealista, amargo y divertido, que se explica a través de unos personajes limitados, de escasas habilidades, ruines y mezquinos.
La escena de la tormenta vista desde el interior de la casa no desmerece de un buen film de terror. La presencia en la casa de animales disecados y de insectos prendidos de agujas en cuadros de estudio, cumplen funciones simbólicas de la muerte interior de los hermanos Vidal y aportan un apunte fetichista buñueliano. El cartel sobre la lujuria que pende de las paredes de la casa delata la educación represiva de los hermanos y justifica sus aspiraciones de liberarse de un pasado y un presente opresivo mediante una salida al extranjero. La acción se desarrolla mayoritariamente en escenarios oscuros, angustiosos y tenebrosos, que guardan similitudes con la estética propia del cine negro americano clásico.
LA LEYENDA DEL SANTO BEBEDOR
El precio original era: 39,87 €.38,66 €El precio actual es: 38,66 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Pobreza
Sinopsis
Andreas (Rutger Hauer) es un vagabundo más de los muchos que viven bajo los puentes de París. Cuando recibe de un desconocido la suma de doscientos francos, con la única condición de devolverlos como ofrenda a la imagen de una santa, emprende un peregrinaje de carácter fundamentalmente espiritual para ser digno del favor recibido. Fábula sobre la redención y la dignidad personal.
(Ermanno Olmi, 1988)
CRITICAS
Bellísima película que se ciñe fielmente al magistral relato de Joseph Roth que, con el mismo titulo, escribió en París en los años treinta, poco antes de su muerte en la misma ciudad en 1939.
Sin entrar en el análisis técnico del film, que no sabría hacer, la historía discurre entre dos orillas, la aventura fantastica de un honorable «clochard» que intenta cumplir con su palabra a pesar de las innumerables absentas, mujeres y viejos amigos que se cruzan en su camino impidiendole llegar a su destino…Y París, un París desolado, intemporal pero increiblemente bello, ese París querido que llevamos en el corazón todos los que amamos a Europa.
Pero, ante todo, la película y el cuento, es una apología del alcohol, un alcohol que ofrece a los hombres una suprema y única lucidez, que hace a los hombres generosamente disponibles, ajenos y por encima de cualquier interés que no sea el acto sagrado de beber…Personalmente creo que es absolutamente cierto lo que dice Carlos Barral en el magistral prólogo del libro «de como el vino transforma el mundo, cambia sus leyes, todas, incluso la virtud de los santos, para hacerlo habitable y agradable a los que creen en él».
Sin el vino la vida no sería igual, sería quizás mas formal, mas ordenada, mas productiva, pero mucho mas triste y deshabitada. No deseo que se me note demasiado mi odio a los abstemios y mi incapacidad para penetrar en su amistad; pero, en fin, que Dios les perdone…
LA LIGA DE LOS HOMBRES EXTRAORDIARIOS
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Fantástico. Acción. Ciencia ficción | Steampunk. Superhéroes. Cómic. DC Comics. Vampiros. Submarinos
Grupos
Adaptaciones de Alan Moore
Sinopsis
Inglaterra, siglo XIX. En plena Era Victoriana, el gobierno inglés vive dominado por el pánico porque no sabe cómo frenar un diabólico plan, cuyo objetivo es conseguir el dominio del mundo. La única solución para desmantelar el maquiavélico proyecto es contratar a los más grandes aventureros: Allan Quatermain, el doctor Henry Jekyll, el Capitán Nemo y Dorian Gray. Basada en una serie de cómics fantásticos de Alan Moore.
(Stephen Norrington, 2003)
CRITICAS
Adaptando de la clásica novela gráfica de Alan Moore y Kevin O’Neill y tomando referencias de diferentes personajes clásicos de diferentes novelas y universos, se crea «La liga de los hombres extraordinarios» la cuál está dirigida por Stephen Norrington (uno de los directores más talentosos de Hollywood en el terreno de la aventura y los cómics) y capitaneada, en el reparto, por un Sean Connery IMPRESIONANTE cuya interpretación definió su última actuación en una película de Hollywood.
A la manera de Los Vengadores, la Liga de los Hombres Extraordinarios está compuesta por personajes muy conocidos de la literatura universal. Hawley Griffin, el hombre invisible de H.G. Wells; el capitán Nemo, de las 20.000 leguas de viaje submarino de Julio Verne; Allan Quatermain, de las Minas del rey Salomón de H. Rider Haggard; Mina Murray, del Drácula de Bram Stoker; y Henry Jekyll, de El extraño caso del Doctor Jekyll y Mr. Hyde de Robert Louis Stevenson.!!
NO os la podéis perder.
LA LISTA DE SCHINDLER – EDICION METALICA
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Drama | Nazismo. Holocausto. Basado en hechos reales. II Guerra Mundial
Sinopsis
Oskar Schindler (Liam Neeson), un empresario alemán de gran talento para las relaciones públicas, busca ganarse la simpatía de los nazis de cara a su beneficio personal. Después de la invasión de Polonia por los alemanes en 1939, Schindler consigue, gracias a sus relaciones con los altos jerarcas nazis, la propiedad de una fábrica de Cracovia. Allí emplea a cientos de operarios judíos, cuya explotación le hace prosperar rápidamente, gracias sobre todo a su gerente Itzhak Stern (Ben Kingsley), también judío. Pero conforme la guerra avanza, Schindler y Stern comienzan ser conscientes de que a los judíos que contratan, los salvan de una muerte casi segura en el temible campo de concentración de Plaszow, que lidera el Comandante nazi Amon Goeth (Ralph Fiennes), un hombre cruel que disfruta ejecutando judíos.
(Steven Spielberg, 1993)
Posición en rankings FA
1 Mejores películas basadas en hechos reales
1 Mejores películas y series sobre la Segunda Guerra Mundial
1 Mejores películas de los años 90
CRITICAS
¿ Cómo puede una niña pequeña perdida entre la multitud ejemplificar de una manera tan perfecta el puro horror ante la masacre ? Spielberg logró que el espectador se sintiera, al igual que Oskar Schindler en su caballo, abrumado al ver cómo una pequeña niña caminaba sola por el guetto en medio de la masacre, y con el paso del tiempo, dicha secuencia ha permanecido grabada a fuego en el subconsciente colectivo como una de esas imágenes de un poder visual único. Spielberg calló las bocas de aquellos que le tachaban de mero director de productos ultracomerciales con esta película necesaria, soberbia, hermosa, y demostrando a todo el mundo que si se pone serio, no pierde ni un ápice de calidad.
Su origen judío y el nazismo han sido elementos que siempre han obsesionado al genio americano, y para comprobarlo sólo hay que ver la reciente Munich y la primera y tercera parte de Indiana Jones. Pero con esta película, Spielberg realizó su obra más catártica, el fin de una etapa en su carrera, y la muestra de que sus miedos y obsesiones habían madurado, y que en cierto modo se enfrentaba a ellos. Spielberg dirige la cinta con una maestría insuperable, con un control y una planificación totalmente hitchcockiana. Realizó el retrato más duro del mayor crimen cometido por el ser humano, y sale airoso de ello.
En esta película olvida se encuentran otras de sus obsesiones, como la necesidad de la unión familiar, aunque en ningún momento cae en el sentimentalismo barato que muchos le achacan al resto de su filmografía. Nos narra el viaje al horror de un grupo de personas, nos hace sentirnos dentro de los agobiantes trenes a pleno sol, y en las duchas de los campos, dónde la tensión se mezcla con el miedo y el bochorno, creando en el espectador una sensación de desolación que tienen la suerte de no vivir.
A pesar de ello, Spielberg también piensa en la taquilla, y dulcifica algunas de las secuencias más duras de la película, especialmente en el guetto y en los campos, usando el montaje y la música de una forma que da al traste con sus pretensiones de rodar dichas partes a modo de documental. Otro punto a destacar son las interpretaciones. Siendo un director al que se le critica mucho este aspecto, aquí ofrece un recital de dirección interpretativa, y desde Liam Neeson, hasta Ben Kingsley, pasando por Ralph Phiennes, dan un curso acelerado de interpretación, siendo incomprensible que no ganaran oscar ninguno.
on esta cinta, Spielberg realizó una poesía viviente, una obra totalmente lírica sobre el horror y la demencia del hombre, un maravilloso canto a la vida, a la esperanza en la oscuridad, y le da voz a un pueblo silenciado y humillado durante siglos, que por fin vio cómo su sufrimiento era relatado con manos serias, y todo ello es posible gracias a un hombre, Oskar Schindler, el mayor mecenas del siglo XX, y probablemente de la historia, el mecenas de lo más valioso e importante de este mundo: la vida
LA LLEGADA – EDICION 4K UHD
El precio original era: 36,24 €.35,03 €El precio actual es: 35,03 €. *IVA IncluidoGénero
Ciencia ficción. Drama | Extraterrestres. Ejército. Película de culto
Sinopsis
Cuando naves extraterrestres comienzan a llegar a la Tierra, los altos mandos militares piden ayuda a una experta lingüista (Amy Adams) para intentar averiguar si los alienígenas vienen en son de paz o suponen una amenaza. Poco a poco la mujer intentará aprender a comunicarse con los extraños invasores, poseedores de un lenguaje propio, para dar con la verdadera y misteriosa razón de la visita extraterrestre… Adaptación del relato corto «The Story of Your Life» del escritor Ted Chiang, ganador de los reconocidos premios de ciencia ficción Hugo y Nebula.
CRITICAS
Arrival es una película sumamente compleja incluso para los entendidos en la ciencia ficción, y merece ser explicada. Por lo tanto, aquí va la sinopsis de principio a fin. Pocas experiencias hay en el cine más gratificantes que acudir a la sala con una idea predeterminada de lo que nos espera en su interior y salir descolocados, traspuestos, por la imprevisibilidad de la propuesta.
Porque si uno espera con Arrival una buena historia de ciencia ficción, con la garantía de un director infalible como Denis Villeneuve y estimulado por un tráiler que lleva a engaño, terminará embaucado por un relato mucho más rico en matices que una mera invasión alienígena, por un alud de planteamientos vitales, plenamente filosóficos, desde una perspectiva innovadora e intimista, sin alardes de inteligencia no alcanzable para todos los públicos. Una experiencia mucho más placentera que la que nos hayan podido proporcionar otros grandes exponentes del género.
Villeneuve demuestra que no hay reto que se le resista. Porque sin alterar las reglas de la ciencia ficción, demostrando un sumo respeto por el método científico, consigue perfeccionarla con una gran dosis de sensibilidad. El arranque de la película, en el que parece que la trama personal de la protagonista se cruzará de forma chapucera con la extraterrestre, ya advierte que el principio y el final de las historias nunca son claros.
Lo que sí es evidente es que un planteamiento sugerente, la llegada de doce naves alienígenas al planeta Tierra, se desarrolla con sumo tacto, sin pasos en falso, con un control absoluto del ritmo y del objetivo que se quiere alcanzar, uno de los climax finales más poderosos de la historia del cine.
Esta vez el punto de vista no corresponde ni a un militar ni a un policía ni a un agente de la CIA. Esta vez es una experta lingüista la que se enfrenta a un reto global, demostrando que resulta más fácil la comunicación con seres extraterrestres que entre seres humanos.
Amy Adams representa a la perfección a una protagonista que, en esta ocasión, no es heroína. Es tan sólo una científica, amante de su trabajo y ambiciosa en su carrera, que acepta el reto de intentar mediar entre la clase militar y los recién llegados. Su espíritu curioso, la prudencia con la que sólo una investigadora podría trabajar, se transmite durante buena parte de un metraje que busca crear atmósfera, que sumerge al espectador en un clima de incertidumbre y misterio absolutamente hipnóticos.
Sin recurrir a giros imposibles, a resoluciones aceleradas, Arrival basa su solidez en la fuerza de los sentidos, el de imágenes poderosas, que perdurarán durante largo tiempo, sonidos envolventes, revestidos con una banda sonora impecable, a cargo de Jóhann Jóhannsson y con la delicada aportación de Max Richter, incluso a lo más parecido al tacto que una película en dos dimensiones nos haya podido emular.
Un planteamiento cautivador que no sólo emociona y conmueve, también sitúa al espectador en una disyuntiva moral de lo más interesante. Posiblemente, con permiso de Kubrick, la obra de ciencia ficción más redonda y completa.
LA LOBA
El precio original era: 19,30 €.18,09 €El precio actual es: 18,09 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Melodrama. Drama sureño. Siglo XIX
Sinopsis
A finales del siglo XIX, en una población sureña, la calculadora y despiadada Regina Giddens entabla una lucha sin cuartel contra sus hermanos para quedarse con la herencia familiar. En sus planes no tienen cabida los sentimientos, ni siquiera hacia su marido, un hombre honrado que regresa a casa después de sufrir una grave enfermedad. En medio de la asfixiante atmósfera creada por la desmedida ambición de su esposa, sólo encontrará calor humano en el amor de su hija.
(William Wyler, 1941)
Posición en rankings FA
21 Mejores películas de los años 40
78 Mejores películas estadounidenses de todos los tiempos
Premios
1941: Oscar: 9 nominaciones, incl. mejor película, director y actriz (Bette Davis)
1941: Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a Mejores películas
Críticas
«Melodrama apasionante y atormentado, con la figura de una mujer malvada, ambiciosa y egoista como eje del relato. Davis ofrece un recital interpretativo y la extraordinaria fotografía del insigne Toland redondean esta inolvidable obra maestra»
Es el tercer encuentro de Wyler con B. Davis tras “Jezabel” y “La Carta”. La genialidad de ambos tiene unas alturas prodigiosas que hacen de esta película la más fascinante y severa de estas colaboraciones tan fructíferas que tuvieron, y, sin duda, una de las mejores películas de todos los tiempos.
Grandiosa película sobre las ambiciones humanas, que pone al descubierto mezquinas luchas entre hermanos, la ambición despiadada de una mujer que odia a su esposo, hasta extremos insospechados. Un film que retrata a la perfección, la envidia, la soberbia, la avaricia y la codicia, en un mundo que por suerte no todos ellos están embrutecidos.
LA LOCURA DE PARIS
El precio original era: 19,66 €.18,45 €El precio actual es: 18,45 €. *IVA IncluidoGénero
Musical | Baile. Cine mudo
Sinopsis
La Locura de París es uno de esos singulares film documento en los que una leve trama argumental sirvió como excusa para presentar algunos de los mejores momentos musicales de la temporada teatral… ¡en un film mudo!
La Locura de París incluía fastuosos números musicales de «La Revue Mistinguett», «Femmes et Sports» y «Un vent de folie» que triunfaban en el Moulin Rouge, el Palace y el Folies Bergère respectivamente.
Para magnificar su espectacularidad, estos números musicales fueron minuciosamente coloreados con el innovador sistema patheColor. En dos de ellos aparece una arrolladora Josephine Baker, la auténtica «locura de París» a finales de los años 20, interpretando decorosamente vestida lo que sólo en escena y en las fotos promociónales dejaba muy poco a la imaginación
LA LUNA ES AZUL
El precio original era: 73,21 €.72,00 €El precio actual es: 72,00 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia | Comedia romántica
Sinopsis
Don Gresham (William Holden), un joven y apuesto soltero, conoce a Patty O’Neill (Maggie McNamara), una aspirante a actriz, en el Observatorio del Empire State Building de New York. Entablan una agradable conversación y deciden ir a cenar, pero una tormenta arruina sus planes. Cuando se disponen a comprar comida para cenar en el apartamento de Don, entra en escena David Slater (David Niven), un vecino que se muestra tan encantado de conocer a Patty que la chica lo invita a unirse a la cena. Don y David habían sido buenos amigos, pero cuando Don rompió su relación con Cynthia, la hija de David, se convirtieron en enemigos irreconciliables. La situación se complica al entrar en escena Cynthia. Divertido vodevil.
(Otto Preminger, 1953)
CRITICAS
“LA LUNA ES AZUL”, es una historia de amor, dulce y divertida, en la que, una muchacha virgen cuyo mayor logro ha sido participar en un comercial de cerveza, decide acompañar a su apartamento a un hombre mayor que ella, tras haberle conocido en una tienda y después de empatizar con él en el mirador del edificio Empire State, donde estuvieron luego. Una tercera persona, el suegro del arquitecto, y luego una cuarta, la novia de este último, entrarán en escena para bordar un simpático enredo amoroso, con el que se desnudará la hipocresía, se demostrará que, cuando se quiere, la dignidad es defendible en cualquier parte, y que un beso efusivo puede darse sin por ello perder la virginidad.
Gratas actuaciones de Maggie McNamara (quien estuvo también un tiempo en la temporada teatral) como la locuaz Patty O’Neil; David Niven, el suegro picarón; y William Holden como el cazador cazado, Donald Gresham.
Comedia romántica teatral con poco silencio, diálogos a discreción, inteligentes, otros no tanto, pero bien hilados sin excepción. No es nada extraordinario, aunque un vodevil no es común en mi lista, pero ver una versión cómica del Tranvia llamado deseo, da para análisis.
Las actuaciones son aceptables comenzando por un cumplidor William Holden, un entretenido David Niven y cerrando con broche de oro con Maggie McNamara. Ella es el eje de la película, con un personaje bastante curioso: ingenua pero no, frágil pero no, libertina pero no, en fin, una mujer indecifrable. Lo que si es obvio, es que es directa a más no poder, de forma imprudente pero graciosa habla de más y no deja lugar a dudas de que podrá ser extraña más es pasible de enamorarse.
Insisto en que no es un gran guión, sin embargo entretiene ver rasgos atípicos en la pantalla grande: atiborrado de diálogos, pocas locaciones y situaciones poco comunes pero divertidas.
Sabemos que el cine como la literatura es ficción; mímesis para ser exacto, imitación de la realidad. Aquí, a primer atisbo, resultan inverosímiles las escenas y las características de los personajes, pero luego de considerar la complejidad de la mente humana, sí, existen este tipo de personas, parejas y relaciones.
LA MADRE
El precio original era: 13,25 €.12,04 €El precio actual es: 12,04 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Histórico. Cine mudo. Revolución Rusa. Propaganda
Grupos
Trilogía de la toma de conciencia
Sinopsis
Adaptación de la novela homónima de Máximo Gorki, está ambientada durante la Revolución rusa de 1905. Narra los trágicos acontecimientos de ese año a través del sufrimiento de una madre por su hijo y su marido, una mujer campesina que tomará conciencia de la lucha social sólo a través del ejemplo y la tragedia.
(Vsevolod Pudovkin, 1926)
CRITICAS
Esta soberbia película de Pudovkin es seguramente, y sólo por detrás del «Acorazado Potemkin» de Eisenstein, la mejor obra que nos ha legado el cine mudo soviético, tanto por la concepción de la historia como por sus interpretaciones y la asombrosa realización, que muestra un absoluto domino del arte de la sugerencia y la emoción a través del montaje.
Como suele ocurrir en este cine revolucionario, la historia cuenta una toma de conciencia, que en este caso se centra en la humilde figura de una madre cuyo hijo ha sido encarcelado por sus actividades subversivas, al instigar una huelga de trabajadores.
La principal virtud del filme consiste en la habilísima regulación del ritmo narrativo que logra Pudovkin haciendo uso de sus particulares teorías de montaje; así, en los momentos puramente descriptivos, en los que no prima la emoción, predominan los planos pausados, atentos a las expresiones y gestos de los personajes. Por el contrario, cuando la acción se desata, la sucesión de planos se acelera, volviéndose analítica e intercalando veloces primeros planos (normalmente centrados en los rostros) con otros más generales, integrando así las experiencias individuales en las colectivas.
De entre todas las brillantes secuencias que contiene la cinta yo destacaría tres; la del juicio, maravillosamente concebida como una crítica a los tribunales zaristas, ejemplificada en los tres jueces, cuyos gestos y miradas contradicen las virtudes que se les atribuyen (una honradez de mirada aviesa, una justicia que dormita y una clemencia que lleva la condena escrita en los ojos). La llegada de la primavera, con deshielo incluido, simboliza la toma de conciencia por parte de los obreros, el nacimiento de un mundo nuevo (eso es, al fin y al cabo, toda primavera) cuya marcha no puede detenerse. Por último, las secuencias finales del filme, con la represión militar de la manifestación y el sacrificio heróico de la madre, poseen un poder emocional a la altura de la famosa secuencia de la escalera de Odessa del «Acorazado Potemkin».
A la espera de nuevas y mejores primaveras, bien está recrearse en esta obra, precioso fruto del arte cinematográfico.
LA MADRE MUERTA- EDICION ESPECIAL
El precio original era: 37,50 €.36,29 €El precio actual es: 36,29 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Crimen. Secuestros / Desapariciones
Sinopsis
Ismael (Karra Elejalde) ha cometido varios asesinatos, pero sólo uno de ellos, por sus consecuencias, continúa obsesionándole. La hija de una de sus víctimas (Ana Álvarez), una niña de corta edad que presenció el crimen, quedó tan impresionada que perdió la razón. Veinte años más tarde, Ismael la secuestra para determinar si ella lo reconoce o no como el asesino de su madre
(Juanma Bajo Ulloa, 1993)
CRITICAS
«La madre muerta» es más que un film: es un estado de ánimo, un sentimiento condensado en celuloide. Una muestra de las posibilidades del medio cinematográfico, al que explota en todas sus facetas: espacio ( localizaciones ), tiempo ( ritmo ), luz ( fotografía ), alma ( actores ), etc.
En definitiva, atmósfera , lograda a pulso de genio y talento, que nos cuenta con un halo poético poderoso algo tan simple como inagotable: la inocencia.
El bien visto desde el mal, el lobo enamorado de caperucita, la pureza contra la corrupción.
Eso es «la madre muerta».
Una película que es más que una película y a la vez, es justo una película, ya que uno no se imagina esta historia contada de otro modo que no sea con una cámara enfocando lo invisible: la imposible recuperación de lo perdido, la unión efímera de los opuestos.
Cruel, Brutal, Impresionante, Arrolladora, Violenta. Para mi gusto una de las películas más dramáticas que he visto en mi vida.
La más increíble Ana Álvarez, el mejor Karra Elejalde. Menuda pareja hacían… A ver si alguien se acuerda de ellos y nos proporcionan más joyas de este calibre.
El resto de los actores también a la altura.
La película es violenta y dolorosa hasta el extremo, pero a la vez preciosa y sensible. Es un carrusel de emociones, con momentos dignos de pasar a la historia internacional del cine y convertirse en «culto». Estupendos silencios, Abrumadores alaridos, dolor, incomprensión, frustación. Es una película que le habla directamente al corazón y a las tripas. Los momentos en los que Ana y Karra comparten violencia y explosión por parte de Karra y silencio y temor por parte de Ana para mí no se borrarán de mi mente.
Aconsejo a los que no conozcan este film y adoren actualmente el cine de Egoyam, Von trier, y demás directores de grandes dramas necesarios y humanos (o deshumanos más bien) disfruten y descubran esta película y la anterior película también de Bajo Ulloa que aunque más floja que esta, nada desdeñable «Alas de Mariposa».
LA MALDICION DE DARK LAKE
El precio original era: 22,99 €.21,78 €El precio actual es: 21,78 €. *IVA IncluidoCompañías
Sennet Entertainment. Emitida por: A&E Television Networks
Género
Serie de TV. Drama. Terror | Miniserie de TV
Grupos
Adaptaciones de Stephen King
Sinopsis
Basada en una novela «Un saco de huesos» de Stephen King. Mike Noonan, un escritor que vive en Maine, sufre un bloqueo total tras la muerte de su mujer a causa de un accidente. Entre las cosas que inquietan a Mike está el hecho de que su mujer se había hecho un test de embarazo, pero nunca llegó a revelarle el resultado. Noonan se retirará a un pequeño pueblo en busca de tranquilidad e inspiración para su siguiente obra pero una serie de sucesos y fantasmas del pasado vendrán para atormentarlo
(Mick Garris, 2011)
CRITICAS
Interesante y bastante bien adaptada de la novela de King, con un correcto Pierce Brosnan y con una película que claramente es un telefilm, pero al que se nota un presupuesto y un cuidado algo mayor del que suelen tener este tipo de películas.
Personalmente, ¨Un saco de huesos¨ me parece la novela más terrorífica que he leído de Stephen King hasta el momento. En la película la verdad es que ni de lejos llegas a tener las sensaciones que te produce el libro, pero han sabido llevarlo bastante bien a la pantalla.
La trama es interesante y cuenta con buenos efectos especiales.
LA MALDICION DE FRANKENSTEIN
El precio original era: 44,71 €.43,50 €El precio actual es: 43,50 €. *IVA IncluidoGénero
Terror. Ciencia ficción | Monstruos. Siglo XIX
Grupos
Frankenstein
Sinopsis
Condenado a muerte por una serie de crímenes que no ha cometido, el Barón Victor Frankenstein trata en vano de explicar a sus carceleros que el autor de esas muertes es un monstruoso ser, creado por él en su laboratorio secreto. Su diabólica ambición de crear vida llevó a Frankenstein a desafiar a Dios, fabricando un ser abominable a partir de cadáveres.
(Terence Fisher, 1957)
CRITICAS
El cineasta londinense Terence Fisher encumbró su carrera con este film de terror que inauguró la época dorada de la casa Hammer. Se dieron en la «Maldición de de Frankenstein» todas las pautas que a posteriori identificarían el sello de la productora. Su támden emblemático de actores (Lee/Cushing); la intensa y colorida fotografía. Los decorados, especialmente el del laboratorio, reinventado y alejado del tétrico castillo de la Universal; el maquillaje y efectos especiales, austeros pero muy efectivos (no se pierdan el espectacular maquillaje empleado para la criatura interpretada por Cristopher Lee) y un guión muy bien elaborado.
El auténtico mérito de este film de finales de la década de los años 50 fue que no solamente el plano artistíco se reinventó, sino que la personalidad y psicología del varón encarnado aquí por el siempre magnífico Peter Cushing, era mucho más compleja y oscura que la del interpretado por Colin Clive en aquellas obras maestras de James Whale. Alguna distribuidora debería rescatarla y editarla en condiciones para el mercado DVD. Terence Fisher firmó posteriores secuelas bastante interesantes. En ellas el Varón se acercaba más a un ser de oscuras intenciones. No se pierdán el terrorífico primer plano de la Criatura en su primera aparición.
Primera película sobre Frankenstein del director Terence Fisher y la que más se acerca a la novela de Shelley; eso sí, sin prescindir de ese carácter psicópata e irónico que caracterizará al personaje del Barón Frankenstein a lo largo de toda la saga. En ella se nos cuenta los primeros experimentos del doctor Frankenstein y sus asombrosos descubrimientos, que le llevarán a la locura y posteriormente a ser un fuera de la ley.
Estamos ante una gran película de terror clásico y, a mi juicio, ante una de las mejores películas del a veces algo irregular Terence Fisher, que aquí se muestra más que capaz para competir y superar a los más grandes del cine. Filmada con bajo presupuesto y magníficamente en interiores, La Maldición de Frankenstein no pierde en ningún momento el pulso narrativo, se sigue con mucho interés e inquieta y divierte a partes iguales. Imprescindible para todos los seguidores del cine de terror con mayúsculas, de una forma de hacer cine que ya raramente se estila en este género, elegante y sin artificiales golpes de efecto. En ella todo se insinúa y funciona, sin necesidad de recurrir a litronas de hemoglobina barata y traidoras subidas de sonido para asustar al personal. Y es que nada le falta para ser una estupenda película de terror, una mansión tenebrosa, un pueblito perdido entre montañas, supersticiones, experimentos impíos, doctores excéntricos y monstruos del infierno.
LA MAMA Y LA PUTA
El precio original era: 21,18 €.19,97 €El precio actual es: 19,97 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Romance | Nouvelle vague. Drama psicológico
Sinopsis
Alexandre es un joven burgués cínico y egoísta que vive en París. Se encuentra en un fase nihilista de su existencia: no estudia, no trabaja y apenas se interesa por los libros o por la música. Lo único que le interesa son las mujeres y, además, vive a su costa. Poco a poco va formando con Marie y Veronique, a pesar de la inicial resistencia de ambas, un atípico ‘menage à trois’, que, para él, es absolutamente satisfactorio porque representa un equilibrio entre lo sexual, lo maternal y lo material. Al mismo tiempo, es capaz de mantenerse al margen de los sentimientos de frustración o malestar que su conducta pueda provocar en sus amantes.
(Jean Eustache, 1973)
Posición en rankings FA
13 Mejores películas francesas de todos los tiempos
25 Mejores películas de los años 70
35 Mejores películas románticas de la historia del cine
Premios
1973: Cannes: Premio Especial del Jurado, premio FIPRESCI
Críticas
«La mejor, más audaz y desesperada película del cine francés de los años setenta»
LA MANCHA HUMANA
El precio original era: 22,39 €.21,18 €El precio actual es: 21,18 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga. Drama | Celos
Grupos
Adaptaciones de Philip Roth
Sinopsis
Coleman Silk, un distinguido profesor de una universidad de Nueva Inglaterra, ha sido durante toda su vida un maestro del engaño y la mistificación. Cuando era un prometedor estudiante universitario, destrozó la vida de su primer amor a causa de un secreto. Años más tarde, siendo ya un prestigioso profesor, su carrera se ve amenazada por falsas acusaciones. Al mismo tiempo, mantiene una escandalosa relación con Faunia, una misteriosa mujer que supone para él un despertar erótico que lo devuelve al pasado
(Robert Benton, 2003)
Premios
2003: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año
Críticas
«No puedo apartar los ojos de la poderosa, hipnótica y conmovedora interpretación que realizan el admirable Anthony Hopkins y la cada vez más versátil y creíble Nicole Kidman (…) una dirección de orquesta más esforzada que relumbrante.