Mostrando 1129–1152 de 1610 resultados
Drama
MAR ADENTRO – EDICION COLECCIONISTA
El precio original era: 29,34 €.28,13 €El precio actual es: 28,13 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Basado en hechos reales. Discapacidad. Biográfico. Años 90
Sinopsis
Ramón (Javier Bardem) lleva casi treinta años postrado en una cama al cuidado de su familia. Su única ventana al mundo es la de su habitación, que da al mar, donde sufrió el accidente que interrumpió su juventud. Desde entonces, su único deseo es morir dignamente. En su vida ejercen una gran influencia dos mujeres: Julia (Belén Rueda), una abogada que apoya su causa, y Rosa (Lola Dueñas), una vecina que intenta convencerlo de que vivir merece la pena. Pero también ellas, cautivadas por la luminosa personalidad de Ramón, se replantearán los principios que rigen sus vidas. Él sabe que sólo quien de verdad le ame le ayudará a emprender el último viaje.
(Alejandro Amenábar, 2004)
Premios
2004: Oscar: Mejor película habla no inglesa. 2 nominaciones
2004: Globos de Oro: Mejor Película de habla no inglesa. 2 nominaciones
2004: Festival de Venecia: León de Plata – Premio Especial del Jurado, Mejor Actor
Basada en hechos reales, «Mar adentro» narra la historia de Ramón Sampedro, un hombre tetrapléjico que durante 25 años luchó para conseguir una muerte digna y cuyo caso desencadenó un gran debate social. Prohibida la eutanasia en España, Sampedro acudió varias veces a los tribunales expresando su deseo de morir legalmente, pero fue inútil.
El joven pero consagrado director Alejandro Amenábar llevó su dramática historia al cine, consiguiendo excelentes críticas, multitud de premios (incluyendo el Oscar a la mejor película de habla no inglesa) y un enorme éxito de taquilla.
MARCO – ANIMACION DE CULTO SERIE INFANTIL COMPLETA
El precio original era: 25,40 €.24,19 €El precio actual es: 24,19 €. *IVA IncluidoGénero
Serie de TV. Animación. Drama. Aventuras. Infantil | Siglo XIX. Infancia
Grupos
Studio Ghibli (y obras relacionadas) | Adaptaciones de Edmondo De Amicis
Sinopsis
Serie de TV (1976). 52 episodios. Ambientada a finales del siglo XIX. Marco es un niño que vive en Génova. La grave crisis económica que atraviesa Italia obliga a su madre a emigrar a Argentina. Pero, pasado cierto tiempo, deja de escribir, por lo que Marco, acompañado de su mono Amedio, decide ir a buscarla y traerla de vuelta a Italia
MARIA ESTUARDO
El precio original era: 35,08 €.33,87 €El precio actual es: 33,87 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Histórico. Siglo XVI
Sinopsis
Inglaterra, siglo XVI. Después de enviudar, María Estuardo abandona Francia y regresa a Escocia, dispuesta a ocupar el trono del que es heredera. Pero los conflictos se acumulan: la nobleza le es hostil, empezando por su hermanastro el conde de Moray, y, además, su apego al catolicismo choca con la fe que predica John Knox, fundador de la Iglesia presbiteriana de Escocia. Por otro lado, su prima Isabel Tudor, hija ilegítima de Enrique VIII, teme que reclame su derecho a la corona inglesa. Su único aliado es el conde Bothwell, comandante de las tropas escocesas, de quien se enamora, aunque por razones de estado tendrá que casarse con Lord Danley, que no tardará en morir asesinado
(John Ford, 1936)
CRITICAS
Reina de Escocia de 1542 a 1567, María Estuardo tuvo un gran peso en la historia de Inglaterra como mujer aguerrida, fiel a sus principios y leal a sus inclinaciones. Hija de Jacobo V de Escocia y de María Guisa, fue reina desde los nueve meses de edad y se cuenta que, en el momento en que el cetro real fue puesto en sus pequeñas manos, ella lo atrapó como si no fuera a soltarlo durante el resto de su vida. Tras muchos días grises con el asedio de Enrique VIII, María es llevada de un lugar a otro para protegerla y así terminará casada con el enfermo delfín Francisco, con el fin de asegurarle la protección del rey de Francia, quien además se encargaría de su educación.
Desde los 5 hasta los 18 años, vivió María Estuardo en la corte de Francia, atendida por dos lores, las cuatro bellas Marías (hijas de nobles familias escocesas), y con la compañía de sus dos hermanastros. Aprendió varios idiomas y finalmente se casó con Francisco en 1558, cuando ella cumplía 16 años. Tras la muerte de Enrique II, se convirtió en reina de Francia, y era sucesora al trono inglés, pues la actual reina, Isabel I, no tenía hijos… María parecía llamada a tener siempre una corona en su cabeza. Muerta su madre, fallecido su esposo Francisco, y tras haberse retirado el ejército francés de Escocia, la joven reina decide regresar a su tierra en 1561, para hacer parte de un gobierno dividido por las religiones.
Y aquí empieza el filme de John Ford, basado en una obra escrita para el teatro por Maxwell Anderson, y con un guión de Dudley Nichols que eliminó las rimas de Anderson, pero que no aportó mucho para hilvanar una historia que se saliera de los aposentos. Así, el filme resulta bastante hablado y con muy poco relieve en los diálogos, las situaciones conservan en mucho su teatralidad y sólo la magnética presencia de una Katharine Hepburn que embellece a un personaje, que físicamente no lo fue tanto, logra mantener el interés por una historia en la que el conflicto es bastante plano y donde se malogra a una figura histórica de grandes magnitudes y que daba para situaciones de enorme fuerza dramática. Fredrich March hace también una aceptable segunda en el rol de Bothwell, pero Isabel I resulta muy sosa y malograda, sabida la fuerza e impetuosidad que tuvo este personaje en la historia.
Ford se cuida de decir claramente entre cuales religiones se da el conflicto; no da razones precisas para que María rechace a Bothwell para casarse con el blandengue de Darnley; le resulta “mágica” la escena en que María arroja a la hoguera la hoja que le dan para que firme, enseguida Ruthven la rescata hecha cenizas, la envuelve entre sus manos, y en el siguiente plano la abre intacta sobre la mesa.
Se le abonan algunos aciertos en la iluminación y la escena del breve juicio que está muy bien lograda. Pero quedamos en deuda, porque Ford tuvo entre sus manos dos intensos personajes y a dos grandes actores, pero el eco de este filme no va más allá de algunos metros.
MARIDOS
El precio original era: 31,45 €.30,24 €El precio actual es: 30,24 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Comedia dramática. Amistad. Cine independiente USA
Sinopsis
El dentista Gus, el publicista Harry y el periodista Archie son tres amigos casados y vecinos de Long Island que se reúnen para asistir al entierro de un amigo, muerto de un ataque cardíaco. Tras el entierro, deciden ir a un club de Manhattan a jugar al baloncesto y a nadar. La ocasión es propicia para que reflexionen sobre sus vidas, sus amores y sus relaciones, cuestiones que no se habían detenido a examinar hasta ese momento; y, de pronto, les asalta la sensación de que la juventud se les ha ido inconscientemente de las manos.
(John Cassavetes, 1970)
CRITICAS
Quinto largometraje del neoyorquino John Cassavetes, una obra que me ha maravillado, con un mensaje único, con un mensaje con el que le he encontrado una similitud con «Los inútiles» de Federico Fellini. La película parece un drama «Coming of age» en plena crisis de los 40, una tragicomedia sobre la vida con una dirección única y unas actuaciones increíbles. John Cassavetes está demasiado bien, Peter Falk en su línea, saliéndose (Este señor no solo es «Colombo») y para destacar entre los tres, la soberbia actuación de Ben Gazzara, que se come la escena en cuanto se le ve por el encuadre.
No quiero adentrarme en aspectos técnicos, quiero hablar de ella más como la obra artística que es.
John Cassavetes decía que lo que le intereseba en sus películas era que los personajes experimentasen realmente lo que es el amor aunque para ello fuese necesario que se odiasen o se machacasen enre ellos.
En «Shadows», su primer film, comienza a trabajar sobre ello con un resultado notable y en «Faces» consigue transmitir esa sensación de multidimensionalidad del amor a través de la relación tortuosa de la pareja protagonista, hasta el punto de la humillación y de la vejación delante de la cámara.
En «Husbands» el director norteamericano de carácter más europeo se centra en el tema de la amistad aunque también toca tangencialmente el del amor.
La premisa argumental es bien sencilla: tres amigos, los tres casados, con empleo y con hijos, ante la muerte de un amigo común de toda la vida, deciden irse de jarana, escapar de la realidad que les oprime y emprender un loco viaje a Londres en donde se encontraran a sí mismos.
Mientras que cualquier otro director hubiese fracasado estrepitosamente ante semejante argumento, Cassavetes, con la cámara como un bisturí, disecciona el alma de estos tres amigos durante las dos horas de metraje.
Cassavetes coloca a Peter Falk y a Ben Gazzara en el abismo. Su viaje les haces replantearse su existencia hasta el punto que uno de ellos decide romper con todo y quedarse en Londres.
Al igual que sucede con «Faces», logramos identificarnos tanto con los personajes que al acabar el film uno se pregunta: «¿Y Ben Gazzara se quedará realmente en Londres o volverá cuando se le pase el venazo?». ¿Con que película actual salimos del cine padeciendo por el futuro de un personaje?
«Husbands» es una reflexión muy seria sobre el agobio que debe producir el tener una vida ordenada, llevar muchos años casado y haber formado una familia. La expresión «echar una canita al aire» se analiza desde una perspectiva seria y el espectador llega a la trágica conclusión de que sí, en ocasiones hay que mandarlo todo a la mierda y pegarte una escapada con tus colegas. Sino la opresión y las obligaciones de la vida conyugal y familar pueden acabar por volverte loco.
Aparte de buen director, Cassavetes era un estupendo actor. El documental «Intimo Cassavetes» nos acerca su manera de trabajar. Sus películas pueden parecernos improvisadas o rodadas de cualquier manera, nada más lejos de la realidad. Lo único que Cassavetes dejaba «en el aire» era lo que cada actor/actriz podía aportar a la secuencia; tenía la cámara y el sonido instalado de tal forma que el encuadre siempre recogiese ese movimiento, esa expresión o esa frase que el actor, siempre metido en su papel, aportaba a la peli. Y eso siempre las enriquecía mucho.
Una obra sobre la vida, la falta de ella y para que te marque para toda ella.
MARILYN SUS COMIENZOS
El precio original era: 64,07 €.62,86 €El precio actual es: 62,86 €. *IVA IncluidoEDICIÓN CON LIBRETO EXCLUSIVO
6 PELICULAS EN 3 DVD’S
V.O.S.E
MARRUECOS
El precio original era: 42,35 €.41,14 €El precio actual es: 41,14 €. *IVA IncluidoGénero: Drama
Sinopsis
En una ciudad marroquí donde está la Legión extranjera, Amy Jolly (Dietrich), una cantante de cabaret que por problemas económicos se ve obligada a cantar en un café de segunda fila, tiene como novio a un rico pintor (Menjou), pero se enamora del apuesto legionario Tom Brown (Cooper).
(Josef Von Sternberg, 1930)
Premios
1930: 4 nominaciones al Oscar: Director, actriz (Marlene Dietrich), direcc. artíst., fotografía
1930: National Board of Review (NBR): 10 mejores films
Críticas
«Gracias a unas inteligentes interpretaciones y a una hábil producción, se dota de gran interés dramático a una historia de amor corriente en Marruecos».
«Los retratos, llenos de matices, de un hombre y una mujer atrapados entre los códigos por los que viven y sus impulsos más profundos y secretos, siguen siendo muy conmovedores y cien por cien modernos».
MARTIN
El precio original era: 7,20 €.5,99 €El precio actual es: 5,99 €. *IVA IncluidoGénero
Terror. Drama | Vampiros. Drama psicológico
Sinopsis
Martin (John Amplas) es un adolescente que cree ser un vampiro. Su primo Cuda (Lincoln Maazel) se convence del hecho, a pesar que Martin no teme al ajo, o a los crucifijos, y que puede salir a la luz del sol. Cuda cree que Martin es víctima de una maldición familiar, y que la única solución es salvar su alma. Más que una película de terror, «Martin» es un drama psicológico con ribetes muy particulares, como la necesidad de Martin de tranqulizar a sus potenciales víctimas, de manera que estas no sientan temor o pánico o las compulsivas llamadas telefónicas que efectúa a un programa de radio para explicar la auténtica naturaleza del vampirismo. Pero cuidado, el chico no es un mero alienado o un joven inadaptado. Carece de colmillos, pero utiliza hojas de afeitar para cortar la piel de las personas y beber su sangre
(George A. Romero, 1977)
CRITICAS
Martín es un joven al que al comienzo de esta película vemos viajando en tren camino a Pittsburgh a mudarse a casa de un pariente. Allí vivirá en casa de su primo Cuda y de su hija y les ayudará en el negocio familiar como chico de los recados. El caso es que ya en este comienzo, en una estupenda escena en el viaje en tren, descubrímos cual es la base de la personalidad de Martín: él se ve a si mismo y se cree un vampiro, pero no el típico vampiro al que estamos acostumbrados por las películas que duerme de día y vive de noche con ataúdes y demás. Martín es un chico normal y corriente, inadaptado y solitario, que no parece encontrar su lugar en la sociedad, incluso sus parientes le definen como retrasado. Su primo Cuda está convencido de que existe una maldición en la familia, una tara con la que nacen algunos y es quizás el único que está convencido de quien es en realidad Martin, un vampiro. Pero aquí es donde a mi me parece que existe la premisa más interesante de la pelicula… aunque veamos a Martin en ciertas escamaruzas vampíricas (terroríficas algunas)… ¿es de verdad Martin un vampiro, o es todo resultado de una personalidad desequilibrada?? Es cierto que Martin podría ser un vampiro pero George Romero juega a la ambigüedad reinventando el género de alguna forma con nuevos detalles que nos hacen dudar continuamente debido al entorno represivo y social en el que vive Martin.
Romero se centra de alguna forma en esta historia sobre vampiros en el estudio de caracteres, y la convierte en una metáfora social en la cual los personajes se enfrentan a problemas cotidianos continuamente: Pittsburg es una ciudad en pleno ocaso, con gente que tiene que emigrar a otras ciudades, no hay trabajo y quizás ninguno de los personajes que vemos vive de una forma estable o feliz. Todo esto se refleja en la película de una forma que a mi me parece muy atractiva enfrentando continuamente al personaje de Martín, un chico que vagabundea y que reflexiona sobre su condición. No por ello deja de ser una película de terror y lo es con algunas escenas realmente demoledoras de Martín acechando y atrapando a sus presas y con algunos flashbacks en blanco y negro, muy atractivos, que de alguna manera podrían aclaranos más de la verdadera condición de Martin.
Película creo que muy desconocida aunque tampoco soy una experta en pelis de terror ni en George Romero pero reconozco que mi ha fascinado porque la esencia de esta película de terror está en la intriga que puede suponernos saber si realmente es o no Martín un vampiro o sólo un joven con problemas de adaptación. De alguna forma tambien reinventa y se toma muy en serio un tema mil veces tratado como es el mito vampírico, y el resultado es una bizarra pelicula a caballo entre la pelicula de suspense, el terror y el drama psicológico; os la recomiendo fervientemente a quien no la conozca todavía.
Marty
El precio original era: 26,02 €.24,81 €El precio actual es: 24,81 €. *IVA IncluidoGénero
Romance. Drama | Drama romántico. Remake
Sinopsis
Marty es un carnicero solterón que todavía vive con su madre. Suele salir con frecuencia con sus amigos por la noche, intentando encontrar a alguna chica con la que compartir su vida y hacer planes para el futuro.
(Delbert Mann, 1955)
CRITICAS
Entrañable e inolvidable película sobre todos esos sentimientos y situaciones que parecen tan pequeños, pero que forman parte de nuestra vida y condicionan nuestro bienestar. La familia, el matrimonio, los hijos, el noviazgo son tratados de manera magistral con grandes diálogos e interpretaciones magistrales. Memorable actuación de Ernest Borgnine, dirección muy acertada y una muy bien lograda fotografía en blanco y negro. Personajes creíbles y un brillante guión. Necesitamos mas valores en nuestras sociedades actuales, necesitamos mas Martys.
El talento de Delbert Mann nunca ha sido lo suficientemente reconocido por los estudiosos, su estilo casi invisible y su especial sensibilidad a la hora de abordar las historias no son del gusto de los sesudos defensores de Bergman o Pasolini (realizadores mucho más agradecidos a la hora de impresionar en las tertulias de eruditos). Sin embargo, todo amante del cine capaz de diferenciar entre el «pastel» y el glorioso melodrama disfrutará de las mieles que el texto de Paddy Chayefski nos ofrece, una gozada, una historia de amor inolvidable entre dos seres maravillosos, marginados y cercanos al espectador sensible.
La historia ya había sido fruto de una versión para televisión con Cliff Robertson en el rol principal; para la puesta de largo, Mann eligió a Ernest Borgnine, un actor poco habituado a interpretar personajes frágiles y simpáticos, pero que consigue crear un Marty impresionante, perfecto.
Poco más se puede decir, una Obra Maestra, injustamente olvidada hoy en día, pero que merece la pena ser revisitada cada cierto tiempo para no olvidarnos de quiénes somos realmente y para qué hemos venido a este mundo.
MAS ALLA DE LAS MONTAÑAS
El precio original era: 28,98 €.27,77 €El precio actual es: 27,77 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Melodrama
Sinopsis
China, a finales de 1999. Tao, una joven de Fenyang, es cortejada por sus dos amigos de la infancia, Zang y Lianzi. Zang, propietario de una estación de gasolina, está destinado a un futuro prometedor, mientras que Liang trabaja en una mina de carbón. Su corazón está dividido entre los dos hombres, y debe tomar una decisión que sellará su destino y el de su futuro hijo.
(Jia Zhangke, 2015)
CRITICAS
Tao (Tao Zhao) es una chica que vive en la ciudad china de Fenyang. Liangzi ( Jing Dong Liang) y Zhang (Yi Zhang) son dos amigos que están enamorados de ella. El primero es humilde y trabaja en la mina, mientras que el segundo ha hecho fortuna y es cada vez más rico. Obviamente, Tao decide casarse con Zhang. Liangzi, con el corazón roto, decide abandonar la ciudad. Tao y Zhang tienen un hijo, al que ponen de nombre Dollar (Zijian Dong). Pero las cosas no son como Tao imaginaba, y la pareja termina separándose y, de común acuerdo, deciden que Dollar se vaya a vivir con su padre, para que tenga más medios y vaya a mejores colegios. Inevitablemente, el futuro de Dollar se verá determinado por la situación de sus padres.
Se trata de la última película de Jia Zhang-Ke, el director de “Naturaleza muerta” y “Un toque de violencia”. Con su peculiar estilo, el director chino realiza este melodrama en tres actos. El primero transcurre en 1999, con el cambio del milenio, el segundo en 2014 y el tercero en 2025. Pasado, presente y futuro en las vidas de los personajes de esta película llena de emociones que transcurren en los habituales escenarios de las películas de Zhang-Ke, ciudades frías, paisajes desolados, minas, arena, obras y zonas nada pintorescas.
La película se inicia con el “Go west” de los Pet Shop Boys y un grupo de chicos y chicas bailando. No hay títulos iniciales. Estos aparecen a los 50 minutos, cuando ha acabado la primera historia (la del pasado) y comienza la segunda (la del presente). Ahí aparecen los créditos iniciales, de manera sorprendente, en uno de los habituales toques peculiares de este director.
Los tres actos de la película, bien delimitados, hacen que veamos con claridad el contraste ocasionado por el paso del tiempo. Este es el principal asunto que trata la película, el paso del tiempo y las consecuencias que tienen en el futuro las decisiones del presente. También se pone énfasis en la importancia del factor económico, tanto en las personas individualmente como en la sociedad en general. El dinero determina demasiadas cosas, desgraciadamente. El detalle de poner de nombre a su hijo Dólar, ya es suficientemente significativo.
Zhang-Ke también da un toque respecto al problema de la comunicación, algo que va creciendo a medida que pasa el tiempo. En el tercer capítulo, en el año 2025, el padre y el hijo hablan más a través de la tablet que con sus propias palabras, y cada uno lo hace en un idioma. El hijo ya no sabe hablar chino y apenas recuerda a su madre.
El ritmo es lento, como uno espera del cine asiático, pero la película no es tediosa en absoluto. Es el ritmo que corresponde. Incluso diría que quizá le habría venido mejor algo más de pausa, hay situaciones que se resuelven con excesiva celeridad, y subtramas que desaparecen sin saber por qué. El director apela a las emociones del espectador y la película tiene un tono triste y melancólico, incluso en la primera parte de la misma, en la que casi todo son risas, alegría y optimismo.
El contraste entre la alegría y la tristeza viene marcado por las dos canciones que suenan varias veces en la película: Por un lado “Go west”, y por otro “Take care”, una vieja canción en cantonés interpretada por Sally Yeh que es pura melancolía. Fuera de las canciones, hay escenas en las que suena música de piano y poco más.
Si la primera parte es alegría, optimismo y toma de decisiones, la segunda es puro dolor. Es el presente. Oscuro, sombrío, doloroso. Las personas queridas se van, están lejos. Los reencuentros no son como los imaginábamos. Como dicen en la película, “Nadie está en tu vida para siempre”.
MAS DURA SERA LA CAIDA
El precio original era: 24,81 €.23,60 €El precio actual es: 23,60 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro. Drama | Deporte. Boxeo. Periodismo
Sinopsis
Eddie Willis (Humphrey Bogart), un veterano periodista, es contratado como agente de prensa por Nick Benko (Rod Steiger), un hombre sin escrúpulos, para que consiga hacer popular a Toro Moreno, un gigantesco pero torpe aspirante a boxeador, a quien hacen creer que es un gran campeón a base de amañar sus combates.
(Mark Robson, 1956)
Posición en rankings FA
41 Mejores películas de cine negro
Premios
1956: Nominada al Oscar: Mejor fotografía (Blanco & Negro)
CRITICAS
Un veterano periodista deportivo llamado Eddie Willis, eventualmente sin empleo, acepta una propuesta de un amigo suyo, Nick Benko, que domina un grupo de promotores de boxeo, para que actúe como agente de prensa de la operación que piensa montar con un gigante argentino que ha encontrado, llamado Toro Moreno, al que pretende hacer boxear para enriquecerse a su costa.
Película perteneciente al cine negro de finales de los años cincuenta. El argumento de Más dura será la caída aborda un tema poco tratado en el celuloide de aquellos tiempos; el boxeo, un deporte duro y poco gratificante en beneficios y en salud, no tanto para el que lo dirige, como para el que lo practica, o al menos así lo plantea la cinta.
Siguiendo la tónica del boxeo, este título no tratara de sumergirse en el deporte en sí, si no más bien en lo que se cuece detrás de él, un negocio muy productivo para los managers que mueven la batuta en este mundo de corrupción y amaños. La estructura narrativa gira entorno al personaje de Bogart, un hombre aparentemente falto de sentimientos, pero que no soportara el trato dado a Toro Moreno, un falso gigante del ring que vera en apenas un combate como su sueño de conseguir el título de los pesos pesados se hace añicos. En este aspecto me gustaría recalcar el espíritu moralizante que desprende la obra, con un final abierto que apela a la justicia en un universo movido únicamente por el dinero.
En lo visual el largometraje resulta bastante convincente. Mark robson se desenvuelve con aparente facilidad tanto en los interiores, con unos planos largos combinados con unos encuadres dirigidos al diálogo en mayor medida, como en los exteriores con unas magníficas vistas urbanas. La fotografía y el montaje, también deben ser resaltados, Burnett Guffey y Jerome Thorns realizan un brillante trabajo; el primero ante la imposibilidad de contraponer el espacio campo ciudad, emplea sabiamente la combinación de interiores y exteriores para lograr el mismo resultado, mientras que el segundo lleva a cabo una fantástica recreación de los combates de boxeo
MASADA LOS ANTAGONISTAS – MINISERIE
El precio original era: 38,42 €.37,21 €El precio actual es: 37,21 €. *IVA IncluidoGénero
Serie de TV. Aventuras. Drama | Miniserie de TV. Histórico. Antigua Roma
Sinopsis
Flavius Silva, comandante de las tropas romanas en Palestina, quiere establecer un pacto con los judíos y retirar sus legiones. Sin embargo, ciertas circunstancias y la influencia de algunos políticos de Roma lo obligan, por el contrario, a asediar la fortaleza de Masada.
(Boris Sagal, 1981)
Premios
1981: Emmy: mejor actor sec. (David Warner) y música. 13 nominaciones
1981: Globos de Oro: 3 nominaciones incluyendo Mejor miniserie o telefilm
MASH – TEMPORADA 1
El precio original era: 28,98 €.27,77 €El precio actual es: 27,77 €. *IVA IncluidoGénero
Serie de TV. Bélico. Drama. Comedia | Comedia dramática. Guerra de Corea. Medicina. Sátira
Sinopsis
Serie de TV (1972-1983). 11 temporadas. 251 episodios. Serie que se basa en la película homónima de Robert Altman sobre las andanzas de un equipo médico en la Guerra de Corea (1950-1953). Los médicos y enfermeras tienen que trabajar en un hospital de campaña curando los heridos de guerra, siempre intentando no perder su sentido del humor
(Richard Hooker (Creador, 1972)
CRITICAS
Esta comedia dramática narra el día a día en el MASH 4077 del ejército norteamericano en la guerra de Corea. Sus médicos, enfermeras y demás personal han de hacer uso del humor como medio y remedio para sobrevivir al horror de la guerra. Es curioso observar como a medida que discurren los capítulos y las temporadas, el dolor y la amargura por el absurdo de la guerra se hace más agudo y logra, en ocasiones, imponerse al humor.
Al contrario que los últimos ejemplos de Hollywood, (como «Los ángeles de Charlie» o «SWAT (Los hombres de Harrelson») primero fue la película y más tarde se rodó la serie. En 1970 Robert Altman rodó el filme «MASH». El director se basó en el libro que el doctor Richard Hornberger escribió bajo el seudónimo de Richard Hooker, novelando sus años en el MASH 8055 en Corea (el personaje de Hawkeye tiene mucho de él mismo). Robert Altman dirigió el filme, que estuvo protagonizado por Donald Sutherland y Elliot Gould. La película se estrenó en 1970 cuando el sentimiento contra la guerra de Vietnam era muy fuerte, y obtuvo un éxito inmediato. (De hecho, a pesar de que la película y la serie se sitúan en Corea, es una crítica feroz al conflicto de Vietnam).
Fue William Self (presidente de la Twentieth Century Fox) quien decidió convertir el filme en una serie de televisión. Con los decorados y los platós de la película aún sin desmontar y con la posesión de los derechos por parte de la Fox, Self pensó que producir esta serie no resultaría caro. Para sacar el proyecto adelante contó, entre otros, con Larry Gelbart para escribir episodios. (Gelbart conocía bien Corea, país al que había viajado mientras trabajaba como guionista de los «gags» de Bob Hope durante la guerra).
El primero en obtener un papel en la nueva serie fue Gary Burghoff, el único actor de la película presente además, con el mismo personaje.
El personaje de Hawkeye fue el último en adjudicarse, porque Alan Alda «no quería dar la imagen de que la guerra no tenía importancia y era un jolgorio estar allí; quería mostrar que la guerra era un mal lugar donde estar». Por ello y para mostrar todo su horror, el actor neoyorquino exigió en el contrato que cada episodio debería contener, al menos, una escena en el quirófano mientras se realizaran operaciones.
MASH – TEMPORADA 2
El precio original era: 31,40 €.30,19 €El precio actual es: 30,19 €. *IVA IncluidoGénero
Serie de TV. Bélico. Drama. Comedia | Comedia dramática. Guerra de Corea. Medicina. Sátira
Sinopsis
Serie de TV (1972-1983). 11 temporadas. 251 episodios. Serie que se basa en la película homónima de Robert Altman sobre las andanzas de un equipo médico en la Guerra de Corea (1950-1953). Los médicos y enfermeras tienen que trabajar en un hospital de campaña curando los heridos de guerra, siempre intentando no perder su sentido del humor
(Richard Hooker (Creador, 1972)
CRITICAS
Esta comedia dramática narra el día a día en el MASH 4077 del ejército norteamericano en la guerra de Corea. Sus médicos, enfermeras y demás personal han de hacer uso del humor como medio y remedio para sobrevivir al horror de la guerra. Es curioso observar como a medida que discurren los capítulos y las temporadas, el dolor y la amargura por el absurdo de la guerra se hace más agudo y logra, en ocasiones, imponerse al humor.
Al contrario que los últimos ejemplos de Hollywood, (como «Los ángeles de Charlie» o «SWAT (Los hombres de Harrelson») primero fue la película y más tarde se rodó la serie. En 1970 Robert Altman rodó el filme «MASH». El director se basó en el libro que el doctor Richard Hornberger escribió bajo el seudónimo de Richard Hooker, novelando sus años en el MASH 8055 en Corea (el personaje de Hawkeye tiene mucho de él mismo). Robert Altman dirigió el filme, que estuvo protagonizado por Donald Sutherland y Elliot Gould. La película se estrenó en 1970 cuando el sentimiento contra la guerra de Vietnam era muy fuerte, y obtuvo un éxito inmediato. (De hecho, a pesar de que la película y la serie se sitúan en Corea, es una crítica feroz al conflicto de Vietnam).
Fue William Self (presidente de la Twentieth Century Fox) quien decidió convertir el filme en una serie de televisión. Con los decorados y los platós de la película aún sin desmontar y con la posesión de los derechos por parte de la Fox, Self pensó que producir esta serie no resultaría caro. Para sacar el proyecto adelante contó, entre otros, con Larry Gelbart para escribir episodios. (Gelbart conocía bien Corea, país al que había viajado mientras trabajaba como guionista de los «gags» de Bob Hope durante la guerra).
El primero en obtener un papel en la nueva serie fue Gary Burghoff, el único actor de la película presente además, con el mismo personaje.
El personaje de Hawkeye fue el último en adjudicarse, porque Alan Alda «no quería dar la imagen de que la guerra no tenía importancia y era un jolgorio estar allí; quería mostrar que la guerra era un mal lugar donde estar». Por ello y para mostrar todo su horror, el actor neoyorquino exigió en el contrato que cada episodio debería contener, al menos, una escena en el quirófano mientras se realizaran operaciones.
MATADERO 5
El precio original era: 26,56 €.25,35 €El precio actual es: 25,35 €. *IVA IncluidoGénero
Ciencia ficción. Drama. Bélico | II Guerra Mundial
Sinopsis
En Dresde vive Billy Pilgrim (Michael Sacks), un joven tranquilo, sin pasiones ni curiosidad por el mundo que lo rodea, a pesar de que le ha tocado vivir la Segunda Guerra Mundial. Vive tan absorto, tan fuera de la realidad, que ni siquiera se percata del terrible bombardeo de su ciudad… Adaptación de la novela de 1969 de Kurt Vonnegut.
(George Roy Hill, 1972)
CRITICAS
Se cumplen ya 60 años del bombardeo de la bonita ciudad de Dresde, que por cierto fue la mayor masacre de civiles de todo el siglo XX (sí, el ranking estuvo disputado, pero parece que en número de muertos superó incluso a lo de Hyroshima!).
Matadero Cinco no es tan sólo la dramática biografía de un autor como Kurt Vonnegut, que fué en vida uno de los prisioneros norteamericanos que sobrevivió al bombardeo de la cuidad alemana de Dresde a finales de la segunda guerra mundial.
La novela fué un modo de poder narrar de un modo liberador para la conciencia de su autor aquel terrible suceso aportando una visión con elementos de comedia y ciencia-ficción, una critica feroz no sólo a la inutilidad de la guerra en si, sino también contra la estupidez del hombre como bien han sido los políticos y los dictadores genocidas que han hecho uso de ella como excusa para resolver sus diferencias ideológicas y políticas.
Pero no sólo es una critica a la guerra y a todas las gueras que se muestran en si misma a lo largo de la película, también es una visión de la America de aquel entonces y del futuro de su protagonista encerrado en un lejano planeta, las tres partes que forman en su conjunto la estructura de esta maravillosa película.
La novela fué publicada en 1969 cuando Estados Unidos estaba en guerra con Vietnam y dado que su contenido era puramente anti-militar, no tardó en convertirse en uno de los libos más leídos por la juventud de aquella época revidicativa que entre otras cosas, pedía a gritos el fin y la retirada de las tropas enviadas al país asiático y que posteriormente y gracias al guión de Stephen Heller, esta se convertiría en película en 1972 por parte de un convencido George Roy Hill que con la suficiente experiencia para llevarla a la gran pantalla, y con un gran equipo consiguió con ello esta fascinante y sorprendente producción que debe verse.
Matadero Nº 5 nos muestra la absurdidad de tal carnicería y lo hace con cierta gracia.
Su principal virtud es no convertir la cosa en un previsible y aburrido dramón antibélico con música de violines sinó en un lisérgico viaje protagonizado por un buen hombre que, tras ser exhibido en un zoo extraterrestre del Planeta Tralfamadore, se ve arrastrado al abismo de un infundíbulum cronosinclástico que le desajusta la flecha del tiempo y hace que su vida deje de ser lineal para convertirse en una montaña rusa con saltos hacia el pasado y el futuro.
Los retazos históricos se mezclan con la ciencia ficción y con un humor negrísimo, pero en el fondo yo diría que sí que es un drama… y algún que otro violín sí que se oye en alguna escena… y claro que la moraleja es antibelicista (mira tú por dónde, aunque la mayoría de civiles muertos en el bombardeo fuesen alemanes!), pero las palabras «previsible» y «aburrido» no son las que más definen esta pequeña joya.
MATADOR
El precio original era: 51,97 €.50,76 €El precio actual es: 50,76 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Intriga. Thriller | Crimen. Melodrama. Asesinos en serie. Toros. Thriller psicológico. Comedia negra
Sinopsis
Un torero que se ha visto forzado a retirarse prematuramente debido a una cogida, se da cuenta de que su obsesión por matar no desaparece, solo que ahora su objetivo serán las mujeres. Hacer el amor y matar en el último instante es lo más parecido al inefable placer de una tarde en la plaza de toros. El problema se agrava cuando conoce a María, una mujer con tendencias similares a las suyas.
(Pedro Almodóvar, 1986)
CRITICAS
He aquí una de las películas más desconocidas de Pedro Almodóvar. Se da la circunstancia además de que es quizás la más difícil de encontrar en los puntos de venta, puesto que si mal no recuerdo su autor no tiene los derechos sobre ella. No es de extrañar, por tanto, que, tras esta cinta, decidiera fundar, junto a su hermano Agustín la productora «El Deseo»
En su quinto largometraje, Almodóvar decidió dar una vuelta de tuerca y ofrecer al espectador algo nuevo, alejado de los que en ese momento comenzaba a denominarse «almodovariano». Y es que «Matador» no es una obra sencilla de ver. Es compleja en su planteamiento y otorga al espectador pocos momentos para la empatía con unos personajes excesivamente fríos. Y esto no es por otra razón que por la premeditada intención del director de ofrecer una obra conceptual, alejada del tono prosaico de sus primeras creaciones. La historia de un aprendiz de torero, de las relaciones de éste con su madre, con las mujeres en general o con su maestro abren paso a una historia dominada por las pasiones en las que el título hace referencia tanto al oficio de torero como a las propia naturaleza de algunos de los personajes principales.
Una de las razones por las que esta película puede resultar fría reside en el hecho de que la narrativa queda supeditada al propio concepto. No es, digamos, una obra objetual, sino conceptual. Y el concepto es la muerte. La muerte como catarsis. Almodóvar filma así una obra insólita, sin juzgar en ningún momento a sus obsesionados personajes. Sólo son, en el fondo, un vehículo para abordar una idea. Esta idea viene complementada mediante unos medios expresivos basados en un inteligente uso de la luz y el color, sin dejar de lado la música, consiguiendo una obra que plásticamente ofrece una belleza inusitada y algunos planos que por sí solos ya merecen el visionado. El resultado es el de una obra turbadora y absolutamente maravillosa. Oscura, macabra si se quiera. Algo distinto.
Además del apartado técnico, que brilla con luz propia, habría que hacer mención al buen hacer de Antonio Banderas, que lleva el peso de la película a pesar de su juventud. Todos los demás actores y actrices quedan a su merced, y aunque Eusebio Poncela, Carmen Maura, Chus Lampreave y Julieta Serrano están convincentes en sus apariciones, otros como Nacho Martínez y Assumpta Serna quedan eclipsados ante el talento del famosos actor malagueño. La intervención de Eva Cobo es, sin lugar a dudas, el mayor defecto de la película.
Aún con sus errores, recomiendo con pasión esta «rara avis» de nuestro cine.
MATAHARI AGENTE
El precio original era: 44,71 €.43,50 €El precio actual es: 43,50 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Romance. Bélico | I Guerra Mundial
Sinopsis
París 1917. Mientras se habla de una guerra que no termina, Mata Hari, un espía con un gran poder de seducción, utilizará sus encantos para conseguir arrebatar importantes secretos militares. Su principal objetivo: seducir a un capitán francés…
(Jean-Louis Richard, 1964)
CRITICAS
Sobre un guión de Truffaut, Jean-Louis Richard dirigió en 1964 a la gran Jeanne Moreau en esta entretenida película sobre la vida de la famosa bailarina/espía Mata-Hari.
Es una película más bien ligera pese a sus resonancias trágicas, y moderadamente libertina teniendo en cuenta lo licencioso de la vida de la verdadera Mata-Hari. Aún así se conoce que no se estrenó en España (o al menos es lo que deduzco de la inexistencia de la versión doblada en el DVD).
Se potencia sobre todo la parte romántica (la historia de amor de la protagonista con uno de los militares al que debe seducir por trabajo, interpretado por Jean-Louis Trintignant), mientras que la parte de intriga y espionaje, algo esquemática, está en un segundo plano (aunque reserva un par de buenos momentos de nervios y suspense).
El duro final está suavizado por una dirección distantemente respetuosa, y amortiguado por la excelente música (entre épica y romántica), que suena cada dos por tres sin cansar nunca.
Jeanne Moreau sale bellísima y recrea una Mata-Hari muy humana, picarona y bondadosa, independiente pero vulnerable al amor, alejada del tópico de espía fría y calculadora (ésa es, de hecho, su perdición).
MAX’S BAR
El precio original era: 13,25 €.12,04 €El precio actual es: 12,04 €. *IVA IncluidoGénero
Drama
Sinopsis
Rory (Savage) regenta el Max, un bar de Oakland. Uno de sus mejores amigos es Jerry, el camarero del local, que pudo haber llegado a ser un gran jugador de baloncesto, pero se lo impidió una lesión de tobillo
(Richard Donner, 1980)
CRITICAS
Un bar en Estados Unidos es el leit – motiv, el medio a traves del cual se desarrolla la trama de este film.
Film medianamente coral ( no hay un exceso de personajes ), en el cual interaccionan una serie de personas, que son básicamente perdedores, gente anónima, sin gran lustre, pero con ilusiones, anhelos, y ante todo muchas ganas de vivir.
La trama se desarrolla de una manera sencilla, eficaz, así la muestran tanto el guión, como la sobria dirección de Donner, que sin florituras estilísticas, ni grandes giros argumentales, hacen de dicha película un modesto fresco sobre la vida de una serie de personajes que pasan desapercibidos, pero que merecen tener su consideración.
Es una de esas rarezas que ves por casualidad, me encantaba John Savage por «El cazador» «Hair» y «El campo de cebollas» y viendo Max’s Bar descubrí a David Moses. Esta película creo que a todo el mundo le puede decir algo ya que en algún momento hemos querido desaparecer y nos hemos sentido pisoteados. Era una historia cruda de los 80 que a lo mejor por desgracia no es entendida ahora, pero para mi es un clásico.
Las interpretaciones, naturales y sencillas nos acercan más a estos seres humanos.
No es » Fat city » de John Huston ó » Tallo de hierro » de Hector Babenco ó por ejemplo, » Chevrolet » de Javier Maqua, pero tiene su encanto, es sencilla, ciertamente conmovedora y hasta un punto entrañable.
Buena música de John Barry y colaboración en el guion del también director de cine responsable de películas como «Rain Man», Barry Levinson.
Mc VICAR, el enemigo público número 1
El precio original era: 21,72 €.20,51 €El precio actual es: 20,51 €. *IVA IncluidoGénero
Thriller | Drama carcelario. Basado en hechos reales
Sinopsis
A John McVicar le han caído 23 años en una prisión inglesa por atraco a mano armada. Pero no es un tipo conformista y no está dispuesto a cumplirlos. Tras ser trasladado a otro penal, en Newcastle, pronto organizará una fuga e intentará volver a sus actividades delictivas. Sin embargo, las cosas no siempre resultan tan sencillas.
(Tom Clegg, 1980)
CRITICAS
Thriller en clave biográfico sobre algunos de los momentos más intensos de la vida del delincuente y fugitivo John McVicar, que se dedicó al periodismo después de su última estancia en prisión y que fue considerado por Scotland Yard como el “enemigo público numero uno” en un país que todavía no había recibido la sacudida del golpe que perpetraría Ronald Biggs al tren correo de Glasgow. McVicar ya estaba fichado como un problema para la policía y sus golpes efectivos y violentos le llevaron a la mala fama.
El film se centra en una de sus detenciones y el intento de huida en prisión donde, ya convertido en una celebridad, McVicar (Roger Daltrey) entabla amistad con otros presos como Walter Probyn (Adam Faith) y Ronnie Harrison (Steven Berkoff) mientras planea huir.
Conscientes de que su carrera ya no iría muy lejos tras la muerte del batería Keith Moon en 1978, la banda británica The Who produjo ésta adaptación, en que también ponen música, de las memorias del famoso fugitivo.
MEAN STREETS – Malas calles
El precio original era: 65,34 €.64,13 €El precio actual es: 64,13 €. *IVA Incluido«Obra maestra de Scorsese que muestra los bajos fondos y el interior de los estercoleros de una ciudad»
Género
Drama | Mafia. Cine independiente USA
Sinopsis
Nueva York, 1972. Charlie (Harvey Keitel) es un joven italoamericano de 27 años que trata de ascender en la mafia de Nueva York, pero dicho ascenso se ve obstaculizado por su sentimiento de responsabilidad hacia su imprudente amigo, Johnny Boy (Robert De Niro).
CRITICAS
La historia incorpora trazos autobiográficos, que Scorsese explica con fervor y una calidez que trasmiten al discurso proximidad y verosimilitud. La narración se desarrolla a partir del recuerdo nostálgico de una experiencia vital entrañable, exenta de sentimentalismos y de complacencia. Presenta el barrio de infancia y juventud con exuberancia y humor. Retrata una comunidad que se siente singular y cultiva sus costumbres, fiestas y celebraciones, como la de San Gennaro. Las calles de la zona se muestran depositarias de sonidos, ruidos, rumores, voces y armonías, que identifican al colectivo que las habita.
El tema principal viene dado por las relaciones entre sexo y pecado, pecado y perdón, transgresión y culpa, religión y conducta humana. El protagonista, abrumado por los escrúpulos, desarrolla comportamientos ansiosos que le llevan a jugar con el fuego que purifica, la abstinencia sexual y la generosidad que cree que le aporta méritos para descargar las culpas. Adicionalmente explora cuestiones relativas a la violencia de los adolescentes, al espíritu destructivo de los jóvenes, a la redención y al perdón, a las relaciones entre insatisfacción y violencia, etc. Presta especial atención a los personajes que protagonizan la historia, por lo que algunos atribuyen al film la condición de obra de personajes.
Premios
1973: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion original drama
MEMORIA DE UNA GEISHA
El precio original era: 9,62 €.8,41 €El precio actual es: 8,41 €. *IVA IncluidoGénero
Romance. Drama | Drama romántico. Drama de época. Años 30
Sinopsis
Japón, 1929. Chiyo, una niña de nueve años, es vendida por sus padres para trabajar en la casa de Geishas de Nitta Okiya. Su hermana mayor Satsu no es aceptada y es enviada a un prostíbulo. En la casa Chiyo conoce a Pumpkin, otra niña que va a ser instruida para ser geisha, así como a las famosas geishas Hatsumomo (Gong Li) y su rival Mameha (Michelle Yeoh). Los comienzos de Chiyo (Zhang Ziyi) son duros, pero un encuentro con el que será el amor de su vida, el Presidente (Ken Watanabe), hará que desde ese momento sólo desee convertirse en una famosa geisha para estar más cerca de él. Adaptación del famoso best-seller de Arthur Golden.
(Rob Marshall, 2005)
CRITICAS
Memorias de una Geisha da exactamente lo que cabe esperar de ella: un recital de imágenes y música de una belleza y exquisitez mayúscula, y un drama romántico de resonancias folletinescas tan clásico y antiguo como el propio origen del cine. Aceptando el hecho de que estamos ante una fábula, un cuento (una «Cenicienta» japonesa, de hecho), y no un documental, podemos disfrutar de un fílm cuya narrativa cinematográfica es aplastante, cuyo pulso no decae a lo largo de las más de dos horas de película.
Mérito de esto cabe atribuírselo al director, principalmente, y al compositor de la banda sonora, el dios John Williams, quien nos regala otra Obra de Arte hecha música, y que complementa a las imágenes con una fuerza similar a cuando trabaja para su colega Spielberg (no casualmente productor de esta cinta).
Pero todo ello acabaría por ser un mero y hermoso videoclip de dos horas si no fuera porque hay un guión que -pese a ser un compendio de lugares comunes y de arquetipos de probada eficacia entre el gran público- atrapa al espectador, y sobre todo un elenco de actrices que convierten este fílm en una master class de interpretación.
Todas ellas (aunque tambien ellos) estan impresionantes y con su sóla presencia convierten este fílm en un festín para los sentidos. Poco importa que sean en realidad unas mujeres chinas, haciendo de japonesas, y hablando en inglés, lo que importa es que ellas y sólo ellas consiguen crear unos personajes humanos con entidad propia, y hacen creíble lo increíble, gracias al desbordante carisma que desprenden. La película es una sinfonía de imágenes, de música y de interpretaciones, y como tal, me parece impecable. una verdadera Obra de Arte.
MEMORIA DE UNA GEISHA – EDICION METALICA
El precio original era: 9,62 €.8,41 €El precio actual es: 8,41 €. *IVA IncluidoGénero
Romance. Drama | Drama romántico. Drama de época. Años 30
Sinopsis
Japón, 1929. Chiyo, una niña de nueve años, es vendida por sus padres para trabajar en la casa de Geishas de Nitta Okiya. Su hermana mayor Satsu no es aceptada y es enviada a un prostíbulo. En la casa Chiyo conoce a Pumpkin, otra niña que va a ser instruida para ser geisha, así como a las famosas geishas Hatsumomo (Gong Li) y su rival Mameha (Michelle Yeoh). Los comienzos de Chiyo (Zhang Ziyi) son duros, pero un encuentro con el que será el amor de su vida, el Presidente (Ken Watanabe), hará que desde ese momento sólo desee convertirse en una famosa geisha para estar más cerca de él. Adaptación del famoso best-seller de Arthur Golden.
(Rob Marshall, 2005)
CRITICAS
Memorias de una Geisha da exactamente lo que cabe esperar de ella: un recital de imágenes y música de una belleza y exquisitez mayúscula, y un drama romántico de resonancias folletinescas tan clásico y antiguo como el propio origen del cine. Aceptando el hecho de que estamos ante una fábula, un cuento (una «Cenicienta» japonesa, de hecho), y no un documental, podemos disfrutar de un fílm cuya narrativa cinematográfica es aplastante, cuyo pulso no decae a lo largo de las más de dos horas de película.
Mérito de esto cabe atribuírselo al director, principalmente, y al compositor de la banda sonora, el dios John Williams, quien nos regala otra Obra de Arte hecha música, y que complementa a las imágenes con una fuerza similar a cuando trabaja para su colega Spielberg (no casualmente productor de esta cinta).
Pero todo ello acabaría por ser un mero y hermoso videoclip de dos horas si no fuera porque hay un guión que -pese a ser un compendio de lugares comunes y de arquetipos de probada eficacia entre el gran público- atrapa al espectador, y sobre todo un elenco de actrices que convierten este fílm en una master class de interpretación.
Todas ellas (aunque tambien ellos) estan impresionantes y con su sóla presencia convierten este fílm en un festín para los sentidos. Poco importa que sean en realidad unas mujeres chinas, haciendo de japonesas, y hablando en inglés, lo que importa es que ellas y sólo ellas consiguen crear unos personajes humanos con entidad propia, y hacen creíble lo increíble, gracias al desbordante carisma que desprenden. La película es una sinfonía de imágenes, de música y de interpretaciones, y como tal, me parece impecable. una verdadera Obra de Arte.
MENTES PELIGROSAS
El precio original era: 18,09 €.16,88 €El precio actual es: 16,88 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Adolescencia. Colegios & Universidad. Enseñanza
Sinopsis
Una inexperta maestra es contratada como profesora de un grupo de chicos difíciles, cada uno de los cuales es un problema social en sí mismo. Pero, aunque la tarea es difícil y la rigidez de la dirección del centro no ayuda, la voluntariosa maestra intentará que los chicos lleguen a graduarse.
«Pfeiffer ofrece una interpretación peleona y divertida, que te implica en el teson de un profesor comprometido a marcar la diferencia»
(John N. Smith, 1995)
La película esconde abundantes mensajes morales como luchar para conseguir lo que deseas, no rendirse ante lo que parece imposible y la convicción de que la represión no es la solución ante la gente conflictiva. Tiene bastante similitud con Los chicos del coro, con la diferencia de que no tienen la misma edad los chavales y por lo tanto no padecen los mismos problemas y obligaciones.
MENTIRA LATENTE
El precio original era: 27,77 €.26,56 €El precio actual es: 26,56 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Intriga. Cine negro | Crimen. Melodrama
Grupos
Adaptaciones de Cornell Woolrich
Sinopsis
Helen Ferguson (Stanwyck), embarazada y abandonada por su novio, emprende un largo viaje de Nueva York a San Francisco. En el tren conocerá a un joven matrimonio que también espera un hijo y que se dirige a la casa de los ricos padres de él. Pero el tren descarrila
(Mitchell Leisen, 1950)
CRITICAS
Desconocido por unos y directamente olvidado por otros, Mitchell Leisen conoce en 1919, por casualidad, al productor y director Cecil B. De Mille y se convierte en el responsable de vestuario de sus producciones… En 1925 pasa a ser director del departamento artístico de los estudios Paramount y colabora en películas de Allan Dwan, Ernst Lubitsch, Raoul Walsh y otros muchos… Tras trabajar como ayudante de dirección para el propio De Mille, debuta como realizador con ‘Canción de Cuna’ (1933), versión de la obra homónima de Gregorio Martínez Sierra, pero siempre se le relacionó con la más sofisticada comedia, cuyos mejores trabajos se basaron en guiones de Preston Sturges o del mismísimo Billy Wilder con Charles Brackett…
Leisen fue un valioso todoterreno que pisó además el musical, el cine infantil, el melodrama, el drama de época o su mejor aportación al cine negro, ‘Mentira Latente’ (‘No Man of her Own’, 1949), una intrigante película que bascula entre el melodrama romántico y el policíaco siniestro…El material de partida es un relato de Cornell Woolrich ‘Me Casé con un Muerto’, pero el guión original de Sally Benson no le gustó inicialmente a Leisen… Lo que hubiera podido ser un áspero y mordaz film noir, acabó convertido en una perversa variación de la historia de Cenicienta con intercambio de identidades, mujeres embarazadas y chantajes de fondo…
El irónico maestro de la comedia acabó firmando un melodrama siniestro y algo escabroso, aunque también prevalece en la trama la calidez y la ternura de una redención afortunada… La estilizada elegancia de Leisen no impide una narración tenebrosa, plagada de atmósferas turbias y enrarecidas, combinando gélidos paisajes nevados con claroscuros interiores ciertamente desangelados… Un enorme flashback central establece el grueso argumental y dramático de esta rocambolesca historia, un eje narrativo ciertamente ambiguo en el que se concentra el más genuino suspense, salpicado de intrigantes y misteriosas elipsis…Una película cargada de complejidad, en la que nada es lo que parece y donde Barbara Stanwick desarrolla uno de esos personajes que tan bien le sentaban, tan perverso como inocente, tan infortunado como astuto…
La perspectiva de los hechos de la película pertenecen a esta mujer embarazada que usurpa la personalidad de una fallecida en accidente de tren para garantizar el futuro de su vástago, aunque el pasado irrumpirá bajo el rostro del padre desnaturalizado en búsqueda de dinero fácil… La búsqueda esta identidad se revela como el acto más puro y significativo de la cinta, lo que transforma al resto de los personajes en personas puras, muy humanas, cercanas y reconocibles… Mitchell Leisen aborda varios géneros (entre ellos el noir, of course) para constituír un magnífico y atrevido ejemplo de melodrama negro e intimista… Un film extrañamente edificante, que explora los límites más variopintos del género, y que constituye un magnífico y representativo colofón a este ciclo de grandes olvidados del cine negro.
METROPOLIS
El precio original era: 43,50 €.42,29 €El precio actual es: 42,29 €. *IVA IncluidoGénero
Ciencia ficción. Drama | Distopía. Steampunk. Robots. Expresionismo alemán. Película de culto. Cine mudo
Sinopsis
Futuro, año 2000. En la megalópolis de Metrópolis la sociedad se divide en dos clases, los ricos que tienen el poder y los medios de producción, rodeados de lujos, espacios amplios y jardines, y los obreros, condenados a vivir en condiciones dramáticas recluidos en un gueto subterráneo, donde se encuentra el corazón industrial de la ciudad. Un día Freder (Alfred Abel), el hijo del todopoderoso Joh Fredersen (Gustav Frohlich), el hombre que controla la ciudad, descubre los duros aspectos laborales de los obreros tras enamorarse de María (Brigitte Helm), una muchacha de origen humilde, venerada por las clases bajas y que predica los buenos sentimientos y al amor. El hijo entonces advierte a su padre que los trabajadores podrían rebelarse
(Fritz Lang, 1927)
CRITICAS
Superproducción de Fritz Lang, para algunos su mejor obra de cine mudo. El guión, de F. Lang y Thea von Harbou, adapta la novela “Metropolis” (1926), de Thea von Harbou, inspirada en relatos de H. G. Wells, Julio Verne y Villiers de l’Isle-Adam. Se rueda en los estudios UFA (Berlin), durante 310 días y 60 noches, con un presupuesto de 7 M DM. Producida por Erich Pommer para UFA, se proyecta por primera vez en público el 10-I-1927 (Berlin, preestreno).
La acción dramática tiene lugar en 2026, en una gran ciudad futurista, gobernada por su creador y fundador, John “Joh” Fredersen (Abel). La ciudad está dividida en dos sectores: el subterráneo y el exterior. En el primero viven trabajadores manuales esclavizados, que hacen posible el funcionamiento de la ciudad exterior. En ésta habitan personas privilegiadas, acomodadas y ociosas, liberadas de los trabajos manuales y dedicadas a actividades lúdicas.
El film suma drama, acción, aventura, fantasía, romance, Sci-Fi y thriller. La visualidad se inspira en la visión que el realizador recuerda de Manhattan cuando la visitó en 1924. Simboliza la ciudad del futuro, superpoblada, inmensa y compleja, de edificios gigantescos, magníficos jardines que imitan el del Edén y zonas de actividades deportivas amplias y cómodas. Cada una de las dos partes de la ciudad desconoce la existencia de la otra. Según el film, Lang parece concebir el progreso como la suma de explotación, opresión, la locura de los científicos y la ausencia de sentimientos de propiedad. La visión pesimista del progreso choca con las ideas predominantes entre el público, que cree que el progreso es una operación de costes escasos, gran eficacia y resultados satisfactorios para todos.
Los estudios de arquitectura de Lang y su afición a la misma constituyen un punto de apoyo importante para el desarrollo y concepción del paisaje urbano de la ciudad superior. Por lo demás, su rica y ocurrente imaginación le facilita la tarea de concretarla en unas edificaciones grandiosas, maquetas cuidadas y bien acabadas, filmaciones de stop-motion y combinaciones de imágenes basadas en ilusiones ópticas. Mezcla elementos arquitectónicos de los años 20 con elementos medievales, bíblicos y fantasiosos. Le espectacularidad de los decorados se aprovecha al máximo con su utilización para dos funciones: su contemplación y su destrucción.
El film suma ambigüedad y eclecticismo. Combina elementos del Antiguo y del Nuevo Testamento, de la mitología clásica, actitudes revolucionarias e ideas corporativistas. Presta gran atención a las máquinas, a los que atribuye un papel básico en el futuro y de los que destaca el automatismo, la envergadura exagerada y la gran cantidad de energía que las mueve. Junto a las máquinas automáticas, machaconas y ruidosas, símbolo de una visión industrialista maximalista, sitúa otros mecanismos que exigen el concurso humano al ritmo y de acuerdo con las variaciones caprichosas de los artefactos.