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NOVEDADES

-3% Nuevo PRECINTADABlu raySvensk Filmindustri (SF)

EL SEPTIMO SELLO

El precio original era: 35,03 €.El precio actual es: 33,82 €. *IVA Incluido

Género

Drama | Siglo XIV. Edad Media. Religión. Ajedrez. Pandemias. Película de culto

Sinopsis

Suecia, mediados del siglo XIV. La Peste Negra asola Europa. Tras diez años de inútiles combates en las Cruzadas, el caballero sueco Antonius Blovk y su leal escudero regresan de Tierra Santa. Blovk es un hombre atormentado y lleno de dudas. En el camino se encuentra con la Muerte que lo reclama. Entonces él le propone jugar una partida de ajedrez, con la esperanza de obtener de Ella respuestas a las grandes cuestiones de la vida: la muerte y la existencia de Dios.

(Ingmar Bergman, 1957)

CRITICAS

Bergman era un auténtico genio y esta película es sin duda una de las mejores de la historia del cine.

A Antonius Block (Max Von Sydow) se le presenta la muerte (Beng Ekerot) en la playa en la primera escena de la película para llevarselo. Sin embargo Antonius le propondrá jugar una partida de ajedrez para así ganar tiempo. Aquí Bergman hace gala de su particular sentido del humor (el cual está presente en toda la película de manera sutil), cuando a la hora de elegir las fichas, la muerte le responde: «Negras, creo que es lógico, ¿no?».

Bien, ese es el punto de partida, ahora comienza la película.

Para no hacer esta crítica algo interminable, destacaré una sola escena de las miles que que hay sobre las que poder hablar. El momento en el que la muerte se acerca a una bruja que es condenada a ser quemada viva por haber visto al diablo. Mirándola fijamente y con cierto tono de angustia la muerte le pregunta: «¿Es verdad que has visto al Diablo?, ¿Cómo es?». Y , ante la cara de la mujer (porque con Bergman no hace falta hablar, sus personajes hablan hasta cuando están callados)la muerte dice con cierta decepción : «Tú solo estás muerta de miedo» Y se va. Brillante metáfora sobre como hasta la muerte tiene dudas sobre su fe y la existencia de si hay vida después de la muerte. Impresionante.

Cuando el cine aún te dejaba pensar por tí mismo…

-2% PRECINTADA4K UHD + BLU RAY Edición metálicaHollywood Pictures

El Sexto Sentido – Ed. Metalica Limitada 4K UHD+ BLURAY

El precio original era: 52,21 €.El precio actual es: 51,00 €. *IVA Incluido

Género
Terror. Intriga. Drama | Sobrenatural. Fantasmas. Película de culto
Sinopsis
El doctor Malcom Crowe es un conocido psicólogo infantil de Philadelphia que vive obsesionado por el doloroso recuerdo de un joven paciente desequilibrado al que fue incapaz de ayudar. Cuando conoce a Cole Sear, un aterrorizado y confuso niño de ocho años que necesita tratamiento, ve que se le presenta la oportunidad de redimirse haciendo todo lo posible por ayudarlo. Sin embargo, el doctor Crowe no está preparado para conocer la terrible verdad acerca del don sobrenatural de su paciente: recibe visitas no deseadas de espíritus atormentados.

(M. Night Shyalaman,1999)

Posición en rankings FA
7 Ranking de terror sobrenatural
18 Mejores películas de terror
62 Mejores películas de los años 90
68 Mejores películas de intriga

Premios
1999: 6 nominaciones al Oscar, incluyendo película, director, montaje, guión original
1999: 2 nominaciones al Globo de Oro: Mejor actor secundario, guión

 

Críticas
Con su tercera película, el estadounidense de origen indio M. Night Shyamalan irrumpe en el panorama cinematográfico mundial con una fuerza inusitada, en su momento casi comparable a la de Tarantino -que, aunque evidentemente revolucionó más los códigos cinematográficos, nunca recaudó tanto dinero-. Dirigida con una potencia visual y una atmósfera casi hipnótica, de ritmo elegante y un argumento que empuja al espectador al borde de la fascinación, «The Sixth Sense» no sólo fue un gran éxito de crítica; consiguió colarse nada menos que entre las películas más taquilleras de la historia. Cine comercial con sello de autor, un renovador aire fresco dentro de los trillados terrenos del cine «mainstream». Mención aparte merece su final, un remate tan inesperado como perfecto que redondea una gran demostración de talento estético y narrativo.

EL SUEÑO ETERNO

El precio original era: 19,06 €.El precio actual es: 17,85 €. *IVA Incluido

Género

Cine negro. Intriga | Policíaco. Crimen

Grupos

Adaptaciones de Raymond Chandler

Sinopsis

Un general millonario y excéntrico tiene dos hijas que están involucradas en asuntos más bien turbios. Decide entonces llamar al detective privado Philip Marlowe para que resuelva sus problemas familiares. Cuando Marlowe empieza a investigar, descubre muy pronto que las diversas ramificaciones del asunto lo convierten en una auténtica maraña.

( Howard Hawks, 1946)

Posición en rankings FA

14 Mejores películas de cine negro

25 Mejores películas sobre el mundo criminal

Críticas

Poco más se puede pedir: el maestro Howard Hawks en la dirección, Sid Hickox encargado de la fotografía, una banda sonora del gran Max Steiner… y Bacall y Bogart en la pantalla. A partir de la brillante novela de Raymond Chandler -sembrada de diálogos insuperables-, tres de los mejores guionistas de Hollywood -entre ellos William Faulkner- adaptaron esté clásico que se echó a dormir en la cima del género negro. El sueño todavía le dura. Un par de años antes casi el mismo equipo -todos en la Warner- habían creado ya otra obra maestra: «Tener y no tener».

«Los personajes de Brittle Chandler han sido transferidos a la pantalla con fuerza por la producción y la dirección de Howard Hawks, proporcionando una buena dosis de acción áspera y tensa durante la mayor parte de la película.

-6% PRECINTADADVDChloe Productions

EL SUR

El precio original era: 19,30 €.El precio actual es: 18,09 €. *IVA Incluido

Género

Drama | Familia. Infancia. Adolescencia. Vida rural. Posguerra española. Franquismo

Sinopsis

“La Gaviota” es un caserón situado en las afueras de una ciudad del norte de España. En ella viven Agustín, médico y zahorí, su mujer, maestra represaliada por el franquismo, y su hija Estrella. La niña, desde su infancia, sospecha que su padre oculta un secreto

(Víctor Erice, 1983)

CRITICAS

Víctor Erice y Stanley Kubrick, son dos geniales directores de cine con proceder muy similar, creadores profundos que crean poca producción, de cuando en cuando, pero que lo que brota de su originalidad son auténticas obras de arte, especie de diamantes asombrosos e imperecederos, inolvidables.

«El Sur» es una película que cala en el alma, máxime si uno es español. Se refiere a la soledad y pesadumbre del ser humano en general, al matrimonio insoportable que se soporta por los hijos o por acobardamiento, al amor perdido que siempre está ahí clavado en los recuerdos y que no hay manera de volverlo a vivir ni a rectificar los errores que con él se cometieron, a la vida monótona sin horizontes de amplitud o verdadera satisfacción, a los deseos insatifechos de utopía o de «Sur». Todo ello contado con imágenes bellísimas, con una música sobrecogedora (¡qué maravilla la conversación en el restaurante entre el padre y la hija mientras suena «En er mundo», ese pasodoble tan entrañable a los oídos o sentimientos de los habitantes de España) y con actuaciones inmensas como la de Icíar Bollaín, luego convertida en directora de cine, pero sobre todo la de Omero Antonutti (que aquí hizo el papel por excelencia, la mejor actuación de su vida, la que jamás puede superarse por haber alcanzado el no va más).

Película de enorme nostalgia, tanta y tan poéticamente expresada que cala hasta las células. Se vuelve a ver las veces que hagan falta, quince, treinta o cien; siempre por el gusto, el respeto y la autoridad de su contenido como filme, aun sabiendo que deja el cuerpo amorosamente entristecido. «El Sur» es una película de culto cinematográfico, impresionante, la mejor que se ha hecho en España hasta el día de hoy.

-4% Nuevo PRECINTADABlu rayCoproducción Francia-Bélgica-Países Bajos (Holanda)-Israel-Rumanía

EL TREN DE LA VIDA

El precio original era: 31,40 €.El precio actual es: 30,19 €. *IVA Incluido

Género

Comedia. Drama | Comedia dramática. II Guerra Mundial. Nazismo. Trenes / Metros. Parodia. Holocausto

Sinopsis

Durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), con el objetivo de huir de los nazis y evitar el exterminio, un grupo de judíos de un pueblo de Europa del Este organiza un convoy simulando que se trata de un tren de prisioneros. Algunos de ellos no tendrán más remedio que hacerse pasar por soldados nazis

(Radu Mihaileanu, 1998)

CRITICAS

Dicen las malas lenguas que antes de que Benigni supiera que iba a hacer “La vida es bella”, recibió un guión firmado por Radu Mihaileanu. A partir de aquí, la historia de Benigni y su correteo por las butacas rojas del Dorothy Chandler Pavilion ya nos lo sabemos de memoria.

“El tren de la vida” es una de esas películas para ver los días grises. Para días de frío como estos y pocas ganas de conocer mundo. Radu Mihaileanu sólo ha realizado de momento dos películas. Pero pocos son los directores del mundo que no desearan tener tan escueto y al mismo tiempo admirable currículum.

Mihaileanu consigue en esta película todo un mundo mágico con el que gozar y reír. Esta película está hecha con sencillez, con muchas ganas, con un guión muy solvente, repleto de momentos muy cómicos, de jubilosa música, del cuerpazo de Agathe de la Fontaine y de una forma modélica de mirar los problemas.

No pretende Mihaileanu, crear de cada plano una escuela, ni buscar el travelling perfecto. No busca la fotografía que nos deje anonadados, lo que quiere, es plasmar algo muy sencillo: la sencilla vida de un pequeño pueblo judío en horas bajas.

La forma en la que su director consigue enlazar escena tras escena, pasando de una estrambótica situación a otra todavía más excéntrica sin que nos preocupe la credibilidad es sinónimo de buen hacer.

“El tren de la vida” a mí, al menos, me dio un empujón, me dejó esa sonrisa bobalicona de que todo puede ser posible. Incluso en los peores momentos.

-3% IMPECABLEDVDEDICION COLECCIONISTA CON LIBRETOMGM

EL TRIO FANTASTICO – EDICION COLECCIONISTA CON LIBRETO

El precio original era: 43,50 €.El precio actual es: 42,29 €. *IVA Incluido

Género

Thriller. Drama | Crimen. Cine mudo

Sinopsis

Tres titiriteros deciden dejar sus miserables vidas y formar «El trío fantástico», una banda en la que cada uno desarrollará sus habilidades: Echo, el ventrílocuo, se hará pasar por una vieja y amable abuela que regenta una tienda de pájaros. Tweedledee, «el hombre de veinte pulgadas», se convierte en su bebé, y el forzudo Hércules es su ayudante. Muy pronto, la pajarería se convierte en el centro de una ola de delitos de increíbles dimensiones.

(Tod Browning, 1925)

CRITICAS

Tod Browning fue un tipo peculiar. Muchas veces se utiliza su pasado, como miembro de un circo (en el que llegó a realizar funciones diversas, desde el cadáver que resucitaba después de estar enterrado, hasta cantante) para justificar sus películas. Y es cierto que el director recurre en muchas ocasiones a sus galerías de Freaks para sus películas, pero quedarnos simplemente en este fenómeno sería a todas luces injusto con la rica personalidad de Browning.

El trío fantástico fue la segunda colaboración con Lon Chaney, el hombre de las mil caras, con quien ya había colaborado en Fuera de la Ley (1920), pero de cara a su relación futura, podríamos decir sin miedo a equivocarnos que es aquí donde empieza a forjarse la leyenda. El trío fantástico es la primera película en la que Browning empieza a mostrar su singularísima personalidad, en la que deja el mundo comercial de Hollywood (The Wicked Darling 1919) para ofrecernos una película mucho más oscura y en la que el mundo de los Freaks hace acto por primera vez en su carrera, de una manera totalmente sólida. De Hecho, nada más empezar la película observamos una escena muy característica del cine de Browning, en la que vemos una feria circense, donde se encuentran nuestros personajes principales.

Ya en esta galería de Freaks, se nos muestra la deformidad (el enano interpretado por Harry Earles, que volvería a aparecer en la película de Freaks) y la separación que existe entre el mundo de los incapacitados (por la sociedad, no por ellos mismos, porque de hecho muestran una inteligencia que el mundo corriente no es capaz de mostrar) y la sociedad corriente. Degradante espectáculo moral donde la sociedad americana que se recrea ante la visión del mundo de las deformidades, los seres que por diversas razones no forman parte del estándar de la sociedad. Esto no es un invento de Browning ni un delirio de su imaginación, sino que forma parte de la sociedad americana de aquella época (incluso también de la inglesa y en menor medida del resto de Europa) que tenía una absoluta predilección por este tipo de ferias y experimentos sociológicos. No se puede elaborar una crítica de Browning sin hacer alusión a este tipo de espectáculos, porque desde luego forman parte la idiosincrasia americana.

El mundo del comerciante Barnum (uno de los empresarios más sinvergüenzas que ha dado los Estados Unidos, y ya es decir) que fue uno de los primeros en iniciar este tipo de ferias ambulantes, es pues el caldo de cultivo de las películas de Browning. ¿Buscaba el espectador de las películas de Browning asistir a una especie de película filmada de lo que se podía encontrar en las ferias de Barnum? ¿Era la curiosidad, el morbo, lo que le impulsaban a ver las películas de Lon Chaney, en las que el actor se transfiguraba totalmente para convertirse en un ser totalmente diferente?

En cualquier caso, el trío fantástico aún es reticente a mostrarnos una verdadera configuración de la deformidad. Los freaks aparecen como los protagonistas principales de la película, pero Browning físicamente tampoco los construye de una manera muy alejada a la constitución física del espectador. De hecho, Lon Chaney, que llegó a convertirse en seres totalmente surrealistas, en películas del propio Browning como La casa del horror (1927) o Más allá de Zanzíbar (1928), en las que muchas veces tenía que realizar papeles de tullidos (recordemos también el impacto de la Guerra mundial en los espectadores) en esta película su papel queda bastante reducido. Chaney es un ventriloquista en la feria y en sus disfraces la única raya que cruza es la del travestismo al tener que hacer de una aparente apacible anciana. Por otra parte, resulta ser el único personaje lleno de bondad dentro de los Freaks, cosa que choca bastante con los papeles de enfant terrible que le asignaría Browning en películas posteriores. Seguramente a Browning aún le faltaba confianza para realizar una verdadera galería del miedo.

En todo caso la película, pese a tener un guión que quizá goza de ser demasiado ingenuo (la reconciliación final del jurado es a todas luces imposible) tiene algunas secuencias de suspense que nos recuerdan perfectamente momentos del cine actual, a saber: Entra el comisarió de policía mientras Harry Earles esconde el botín en un elefante de juguete, el policía coge sin saberlo el elefante, mientras todos los personajes miran angustiados esperando que no se descubra el pastel. O la secuencia final del jucio, donde la condena a muerte parece segura para el inocente, mientras Lon Chaney se debate internamente entre confesarse o no.

EL TRUCO DEL MANCO

El precio original era: 38,66 €.El precio actual es: 37,45 €. *IVA Incluido

Género

Drama | Hip Hop. Drogas. Discapacidad. Drama social. Música

Sinopsis

Quique Heredia, El Cuajo, es un payo agitanado, un buscavidas con medio cuerpo afectado por una parálisis cerebral que le impide andar con facilidad. El Cuajo convence a su amigo Adolfo, un mulato que vive en un barrio dormitorio y tiene un padre alcohólico y enfermo, para montar un estudio musical para ganarse la vida usando el talento y la pasión que los une: el Hip Hop. El reparto está formado por actores no profesionales; entre ellos destaca Juan Manuel Montilla «El Langui», líder del grupo musical de hip hop gitano «La Excepción», galardonado en 2006 por MTV Europa como el mejor grupo europeo en lengua española

(Santiago A. Zannou, 2008)

CRITICAS

El truco del Manco» es una pequeña joya de arte. Personajes bizarros que escupen diálogos con una espontaneidad desmesurada y se comportan en ocasiones como personajes de Kusturica, película de buenos y malos si se quiere donde los buenos son los amigotes (al revés que en Trainspotting) y los malos… ¡la familia! (que dirá de esto la Conferencia Episcopal…), descarnada obra social en tono documental donde se demuestra que sí, el que la sigue la consigue, pero… ¡qué jodido es quitarse la etiqueta de perdedor y esquivar los revese y trampas de la puta vida!

Esta peli es esto y más, porque aún encima se oye bien (cosa que no pasa ni de lejos en todas las pelis españolas) y dura lo ideal para ni amargarnos de más ni empezar a aburrirnos con penurias.

Sinceramente hacía muchísimo tiempo que el visionado de una película no me dejaba con las tripas rotas, pero así ocurrió con El Truco del Manco. Cuando los créditos finales hicieron acto de presencia yo era un manojo de piel y huesos que se estremecían en la butaca.

Como un puñetazo en el estómago, sin ninguna concesión al cine comercial, durísima y sobrecogedora historia de perdedores olvidados y malditos pero al mismo tiempo llenos de vida, con el sueño de poder echar a volar entre tanta miseria en una Barcelona que no existe en las guías turísticas, donde el día a día es un manual de supervivencia.

La escena inicial ya nos avisa de que el viaje que nos mostrará Zannou en su excelente ópera prima será tan duro como tú quieras que sea, un combate cuerpo a cuerpo entre nuestra acomodada vida y el infierno en el que se mueven las personas que ha retratado en este film.

Es imposible no empatizar durante todo el metraje deseando que las cosas les salgan bien al dúo protagonista que intenta abrirse camino en medio del desolador escenario en el que trascurre su existencia. Pero no quiere Zannou mostrarse optimista cuando la realidad es otra optando por dejarnos con el alma rota y los sentimientos a flor de piel una vez que decide bajar el telón.

-7% PRECINTADADVDUniversal Pictures

EL TRUHAN Y SU PRENDA

El precio original era: 16,88 €.El precio actual es: 15,67 €. *IVA Incluido

Género

Comedia. Drama | Remake

Grupos

Adaptaciones de Damon Runyon

Sinopsis

Jones (Walter Matthau) es un corredor de apuestas egoísta y algo cascarrabias, cuyas ganancias dependen de las pérdidas de los demás. Cuando un apostador sin suerte le pide que acepte a su hija como prenda de la deuda, acepta sin pestañear. Pero, de repente, se encuentra atrapado porque la niña, de seis años, se convierte poco a poco en algo que nada tiene que ver con el pacto.

(Walter Bernstein, 1980)

CRITICAS

Hay que reconocer que la obra de D. Runyon tiene su gracia y que el guión de W. Berstein, que también es el director, aporta chispa a la adaptación cinematográfica y la dota de un encanto especial.

Rodada con buen gusto y en clave de parodia, la película combina el humor y el drama sin menoscabo de ninguno de ellos. Su ritmo, ambientación y banda sonora sitúan al espectador en el mejor contexto posible.

“EL TRUHÁN Y SU PRENDA” es la clase de película que, de verdad, demuestra lo que de Jones dice Amanda: “Hay hombres que lucen amargados porque nadie ha sabido verles o porque ellos hacen todo lo posible para que nadie consiga verles”.

La interpretación de S. Stimson resulta excelente e inesperada mientras que T. Curtis y W. Matthau se ajustan a lo que se espera de ellos.

Elegido, por su gran acogida, para encabezar el título del libro que Damon Runyon publicó en 1932 (“Little Miss Marker and other stories”), este cuento interesó de inmediato a los productores de cine, y ya en 1934, se hizo la primera adaptación dirigida por Alexander Hall, con Shirley Temple en el rol que la lanzaría al estrellato. Vendrían, luego, otras versiones libres, tituladas “Sorrowful Jones” (1949) y “40 Pounds of Trouble” (1962)… y dieciocho años después, el calificado guionista, Walter Bernstein, decide adaptar él mismo la celebrada historia de Runyon, habiendo tenido la capacidad de convencer a Universal Studios para que también lo dejara dirigirla.

El resultado es un filme bastante entretenido ¡y altamente necesario! que, muy especialmente en estos últimos años, renueva ese respeto y transparente cariño que se merecen los niños de cualquier edad. Sorrowful (Amargado) Jones, personaje para el que, con gran criterio, se eligió a Walter Matthau (también con experiencia de jugador y amante de los caballos), surge aquí como la clase de hombre que juega a ser un ogro, pero cuando conoce a “La Chica”, dará comienzo en su vida una transformación a la que quizás no pueda resistirse.

Tony Curtis, quien protagonizara la anterior “40 Pounds of trouble”, tiene aquí el rol de Blackie, otro caradura que también tiene su corazoncito. Julie Andrews es Amanda Worthington, una mujer con suficiente encanto como para despertar maravillosas sensaciones; y Sara Stimson, es la chiquilla de 6 años capaz de devolver con creces lo que se hace por ella.

-3% PRECINTADABlu rayCoproducción Francia-Italia

EL TULIPAN NEGRO

El precio original era: 36,29 €.El precio actual es: 35,08 €. *IVA Incluido

Género

Aventuras. Comedia. Acción | Siglo XVIII. Capa y espada

Grupos

Adaptaciones de Alejandro Dumas

Sinopsis

Revolución Francesa. En la Francia de 1789, un enmascarado apodado “el Tulipán Negro”, reparte entre los pobres lo que roba a los nobles. El jefe de la policía, convencido de que el terrible bandido no es otro que el conde Guillaume de Saint Preux, le tiende una trampa y consigue herirlo en una mejilla, lo que facilitará su reconocimiento y detención

(Christian-Jaque, 1969)

CRITICAS

La más conocida de todas las coproducciones europeas de los años 60 en las que participó la productora del inolvidable José Luis Dibildos, Ágata Films. Se trata de una sugestiva y lograda película de aventuras y amores localizada en el marco de la Revolución Francesa que tiene un prólogo muy acertado y una música que tiene el adecuado tono legendario. Nada menos que el mítico Alain Delon se hizo cargo de interpretar el doble papel protagonista, y lo hizo con decoro y una acusada gracia en los gestos que ayudó a hacer más simpático un relato que admite tonos diversos. Christian-Jaque aprovecha perfectamente la belleza de los exteriores donde transcurre la historia, y en las escenas interiores destacan unos notables decorados que están muy bien planificados.

La puesta en escena es correcta y las escenas de acción están filmadas con pericia. Respecto al desdoblamiento de personalidad del héroe se puede decir que no está aprovechado del todo y que podía haber dado más de si.

Es una película que conserva un encanto muy particular, y ese encanto es inseparable de una época muy concreta por lo que bien puede afirmarse que «El tulipán negro» es una película para nostálgicos.

Maravillosa

Proximamente...
-25% IMPECABLEDVDCoproducción Hong Kong-China

EL ULTIMO GANGSTER

El precio original era: 4,78 €.El precio actual es: 3,57 €. *IVA Incluido

Género

Drama | Histórico. Guerra Chino-Japonesa (II). Años 1900 (circa)

Sinopsis

Chow Yun Fat interpreta al personaje histórico Du Yuesheng, un jefe de la mafia china que creó un imperio histórico en Shanghai entre los años 20 y 30, hasta que al comienzo de la Segunda Guerra Mundial se complicaron las cosas, y acabó implicándose en la política, hasta tal punto que fue una figura de gran importancia en la Segunda Guerra Sino-Japonesa. La película relatará la lucha de poder entre diversas e influyentes figuras locales de la época, por medio de mucha acción.

(Wong Jing, 2012)

CRITICAS

Dirigida por uno de los mejores directores de la industria cinematografica de Hong Kong , Wong Jing y protagonizada por uno de sus actores fetiches el carismatico Chow Yun Fat, quien añade otra memorable interpretacion a su carrera, arropado por un elenco de secundarios de lujo como Francis Ng o el legendario Sammo Hung, ademas de nuevas promesas como Xiaoming Huang, quien esta impresionante interpretando la versión joven de Fat, tranformandose literalmente en el. Completan el reparto las bellas, Quan Yuan, Li Yuan y Monica Mok.

Esta película ha superado con creces mis expectativas en ella, convirtiéndose en una de mis favoritas de su realizador, amo cada fotograma del filme y me atrevo a considerarla una obra maestra.

El filme cuenta la historia del ascenso de Cheng Daiqi al mundo del crimen en el Sanghai de los años treinta y su imposible historia de amor con Zhiqiu, una joven aspirante a cantante de opera China, además de contar los esfuerzos de Daiqi de defender Sanghai contra la invasión Japonesa.

La película navega con mucho por variedad de generos desde el melodrama, al cine negro pasando por el cine de acción, dividiéndose claramente en dos partes.

En el primer segmento del film, Wong Jing, a base de flashbacks, nos explica los orígenes del personaje, usando magistralmente movimientos de cámaras y travellings para llevar al espectador en un viaje en el tiempo , acompañadao por una bonita banda sonorora que es clave para emocionar al espectador en algunos pasajes mas emotivos del film y una bella fotografía que recrea la epoca haciendo al espectador sentirse parte de ella.

Escenas como la que un joven Daiqi, interpretado por Xiaoming Hua, llega a Sanghai y se detiene frente al rascacielos mas alto de la ciudad intentando buscar con su mirada el final de este en donde la cámara asciende hasta llegar al balcón en el que la versión adulta de Daiqi, interpretada por Chow Yun Fat, esta asomado contemplando la ciudad y la posterior escena en donde un travelling nos muestra a un joven Daiqi sentado frente a sus hombres tras haberse ganado la confianza del jefe del crimen en Sanghai, interpretado por Sammo Hung, para después tras el final del travelling transformarse en la versión adulta del personaje ya interpretado por Fat, es un perfecto y efectivo ejercicio visual que unifica de manera magistral el presente y el pasado de la historia y su personaje protagonista.

El primer segmento del filme culmina con las estremecedoras escena de la invasión Japones de Sanghai que al llegar al climax se convierte en pura poesía.

En la segunda parte del film, los personajes ya han sido presentado y se centra en elos esfuerzos del protagonista para defender Sanghai de la invasión Japonesa llevándonos hacia un emotico y épico desenlace.

Uno de los mejores productos provenientes de la excolonia Britanica, de impecable factura y superior con creces a cualquier producto hecho en Hollywood en los últimos años.

Altamente Recomendable para verdaderos apasionados en el séptimo arte

-2% PRECINTADADVDCoproducción Estados Unidos-Francia

EL ULTIMO HOMICIDIO

El precio original era: 53,18 €.El precio actual es: 51,97 €. *IVA Incluido

Género

Thriller. Drama | Crimen. Robos & Atracos

Sinopsis

Relata la tragedia de un joven delincuente que, tras conseguir rehacer su vida con su familia, se ve envuelto, muy a su pesar, en un aparatoso atraco

(Ralph Nelson, 1965)

CRITICAS

Interesante película que recuerda ligeramente la atmósfera viciada que Losey. Una opresión permanente, un escenario claustrofóbico, una trama circular, viciosa, fúnebre, que estimula las pasiones más bajas del ser humano.

Una buena película de cine negra de un autor del que sólo había visto La conspiración (1975) y no me pareció especialmente buena. Esta es mejor, sin duda. Buen guión y un blanco y negro clásico que ayuda al desarrollo de la trama. La música de Lalo Schifrin en su epopeya de los años setenta. A veces muy intrusión, pero no es este el caso.

Alain Delon es el protagonista, en el cenit de su carrera. Guapo, sereno, maduro y todavía no demasiado castigado por la vida. La chica es Ann-Margret muy conocida por haber intervenido, ese mismo año, en El Rey del Juego. El policía maníaco es Van Heflin, tan sólido como siempre. Y el hermano es Jack Palance, en uno de esos papeles de malos hechos para ti.

-3% Nuevo IMPECABLEBlu rayCoproducción Francia-Italia

EL ULTIMO TANGO EN PARIS

El precio original era: 39,87 €.El precio actual es: 38,66 €. *IVA Incluido

Género

Drama. Romance | Erótico. Película de culto

Sinopsis

Una mañana de invierno un maduro norteamericano y una joven muchacha parisina se encuentran casualmente mientras visitan un piso de alquiler en París. La pasión se apodera de ellos y mantienen relaciones sexuales en el piso vacío. Cuando abandonan el edificio, ambos se ponen de acuerdo para volver a encontrarse allí, en soledad, sin preguntarse ni siquiera sus nombres

(Bernardo Bertolucci, 1972)

CRITICAS

El Último Tango en París lo es, como El Último Hombre que es un remake de Yojimbo es mejor aunque esté B. Willis. Pero vamos a lo que vamos; al gran Bertolucci independiente de todo y astutamente dependiente de Brando.

Porque Brando interpreta el mejor papel de su vida por encima de El Padrino. Sus monólogos han hecho historia y son recordados como una amalgama de guión e improvisación como solo Brando sabía hacer. Bertolucci no quería problemas con el divo y le dejó a su aire, lo que fue un gran acierto para todos los que consideramos a Brando uno de los mejores de todos los tiempos.

Aquel fue el primer acierto de Bertolucci. El segundo fue entrelazar brillántemente las tres historias del film: la del Brando hundido y desequilibrado por el suicidio de su mujer, la historia de amor superflua e inconsistente entre María Schneider y su novio director de pacotilla -sátira de Bertolucci sobre toda la industria del nuevo cine francés-, y la acción y reacción del deseo y del amor entre los dos protagonistas principales. Quiero recalcar que en ningún momento aparecen los dos desnudos y que las escenas de sexo explícito a pesar de su crudeza son bastante light. Otro acierto de Bertolucci.

El aspecto técnico es impecable. La fotografía amarillenta y triste, el juego con la luz, y uno de los mejores montajes que se hayan realizado jamás, junto con la preciosista música de saxo -el instrumento sensual por excelencia- de Gato Barbieri, redondean esta obra de arte llamada El Último Tango en París. La escena en la que Brando le habla a su mujer corpore in sepulto es de lo mejor que he visto nunca.

El título del film hace honor a la historia de los protagonistas ya que cuando las tornas se cambian y es Brando el perrito, el desenlace se desencadena tras bailar ese último tango con un final tan crudo y tan bello como magistralmente rodado. Un deleite para la vista y los sentidos. Por cierto… nunca supo mejor la mantequilla.

EL ULTIMO VUELO

El precio original era: 7,20 €.El precio actual es: 5,99 €. *IVA Incluido

Género

Aventuras. Romance | África. Años 30. Colonialismo. Cine épico

Sinopsis

Sahara francés, 1933. Bill Lancaster, un conocido piloto inglés, desaparece en el desierto cuado intentaba batir un récord entre Londres y Ciudad del Cabo. Su amante, la intrépida aviadora Marie Vallières de Beaumont se propone encontrarlo, cueste lo que cueste. Durante el vuelo, la joven se ve obligada a aterrizar cerca de un puesto colonial militar francés. El capitán Vincent Brosseau le da cobijo pero se niega a ayudarla. Por miedo a los rebeldes tuaregs, Argel no autoriza ninguna operación de socorro. Intentan disuadirla para que no prosiga la búsqueda en un lugar tan hostil, pero su obstinación se impone. Se une entonces a una expedición que se adentra en territorio tuareg.

(Karim Dridi, 2009)

CRITICAS

La apasionante historia de una aviadora francesa que en los años 30 se adentra en las dunas más recónditas del desierto del Sáhara para encontrar a su marido estrellado, con la única ayuda de un Teniente, se convierte en El último Vuelo en una increíblemente desapasionada película.

El último Vuelo se apoya, eso sí, en una esplendorosa fotografía que conmueve por sí sola, pero a lo largo de la película corre el riesgo de parecer que la cinta es una excusa para mostrar semejantes instantáneas, por la comentada falta de motor emocional de su historia, que se traduce en metraje que no va a ninguna parte (su final así lo confirma) y en unos personajes definidos livianamete con un par de frases en el guión, completamente lejanos de sus más claros referentes, pues no tienen el aliento épico y romántico de El Paciente Inglés, ni la introspección psicológica de los apátridas de aquella o de El Cielo Protector.

A quién le apasione la fotografía, la belleza natural de África o el talento de Marion Cotillard, El último Vuelo le parecerá interesante. Yo pertenezco a los tres grupos, y por ello aprecio la labor que Cotillard ejecuta, pese a encontrarse a años luz de cualquiera de sus caracterizaciones (sin ir más lejos, sin ir a Edith Piaf, en Nine fue capaz de resultar inolvidable y conmovedora con el retrato de “sólo” una mujer cornuda en apenas cuatro escenas).

-5% Nuevo IMPECABLEDVDSamuel Goldwyn Company

EL VAQUERO Y LA DAMA

El precio original era: 22,93 €.El precio actual es: 21,72 €. *IVA Incluido

Género

Western. Romance

Sinopsis

La joven adinerada Mary Smith (Merle Oberon) no puede ir a clubes nocturnos ni divertirse porque cualquier indicio de escándalo podría dañar la carrera política de su padre. Pero decide rebelarse y convence a sus criadas para que la acompañen a una cita a ciegas con cowboys de rodeo. Mary le dice a su cita, el rudo cowboy Stretch Willoughby (Gary Cooper), que es una criada de salón y que se ha marchado de casa porque su padre le pegaba. Los dos se enamoran y se fugan, pero entonces Mary se enfrenta al dilema de contar la verdad a su nuevo amor o a su padre.

(H.C. Potter, Stuart Heisler, William Wyler, 1938)

CRITICAS

H. C. Potter con la colaboración, no acreditada, de Leo McCarey en el guión, nos ofrece una película de esas sin tensiones ni suspenses. Dulce en su enredo y totalmente previsible en su final. Adecuadísima para toda la familia, aunque haya llegado al siglo XXI un tanto pasada de gustos. Y es que los años no pasan en balde, hoy sabemos mas que Lepe, la juventud baila y que nos quiten lo bailao. Y claro, esto de niña rica mona rodeada de ilustres vejestorios sin conocer varón, pues dibuja en nosotros una cierta sonrisa. Y claro, nos ponemos rapidamente de su parte y casi ayudamos a echarle el lazo al largirucho fortachón Gary Cooper, que la niña es buena chica y se merece un buen vaquero a falta del fontanero recomendado por su tio, salido de madre, Hannibal (Harry Davenport).

Comedia de enredo romántico con fondo clasista, algo así como hombre rico, hombre pobre, donde el rico intenta mirar al pobre por encima del hombro, pero éste le sale respondón y acaba dandole una lección de vida y sentimientos. Si. Esa moralina tan frecuente en este tipo de películas y cuya formula, bien equilibrada, acaba funcionando.

Buena actuación de Cooper, al que tanto se le daban bien los papeles de inmutable ante el peligro como los de sencillísimo hombre anónimo (Juan Nadie). No le pongo demasiados peros a Merle Oberon, aunque ha tenido mejores actuaciones (Lo que piensan las mujeres de Lubitsch, por ejemplo) y en cuanto a Davenport, sus primeros compases en la película, baile ridículo incluido, nos ponen seriamente a la defensiva, pero poco a poco nos solidarizamos con el único cuerdo de la familia.

¡Ah!, y Walter Brennan, como siempre, un lujo contar con su presencia. Por cierto, también vemos otra cara conocida, y es la de Walter Brennan, compañero en muchas de dicho actor.

La película estuvo nominada a dos oscar; a mejor música original, y mejor sonido, y ganó al final a mejor sonido.

EL VIAJE A NINGUNA PARTE

El precio original era: 8,41 €.El precio actual es: 7,20 €. *IVA Incluido

Género

Drama. Comedia | Comedia dramática. Años 40. Teatro. Posguerra española. Franquismo. Cine dentro del cine

Sinopsis

Franquismo, años cuarenta. En una compañía de cómicos de la legua medio emparentados entre sí, aunque no recuerdan con precisión cuál es su parentesco, surgen amores y desamores. Hay separaciones dolorosas y encuentros felices; el trabajo se entremezcla con el amor, los problemas económicos con los familiares, y el hambre con el sueño de alcanzar el triunfo.

(Fernando Fernán Gómez, 1986)

CRITICAS

La filmografía española es pródiga en películas que transcurren entre el golpe de estado de Franco y la posguerra española. La mayoría de ellas son mediocres o, todo lo más, llevaderas pero, aún así, también las hay buenas. Algunas, incluso, excelentes. “El viaje a ninguna parte” pertenece, sin lugar a dudas, a esta última especie.

La considero excelente porque no abundan en el panorama cinematográfico estatal demasiadas pelis tan bien dirigidas, tan bien narradas y tan bien interpretadas. Pero no sólo eso. El gran logro de Fernán-Gómez estriba, fundamentalmente, en haber sabido transferir el espíritu de su novela a la gran pantalla. Un sentido homenaje, literario y cinematográfico, a esa farándula mesetaria que, desgraciadamente, terminaría desapareciendo ante la implacable dictadura del fútbol y el cine. Me gustaría subrayar, por otro lado, la contundencia lírica y simbólica del título: “El viaje a ninguna parte”. Igual os parece una chorrada pero…¡Menudo título! Me encanta, en serio. Es poético, melancólico, desolador… No es nadie este Fernán-Gómez: actor, director, guionista, dramaturgo… Nuestro Orson Welles, dicen. Yo lo veo más bien como un humanista del cinquecento. Como un Leonardo da Vinci perpetuamente encabronado. Pero bueno, esa es una impresión subjetiva. Sin más.

Bajo el punto de vista del recuerdo, y no precisamente de la nostalgia, se cuenta este deambular de una serie de gente que iba de pueblo en pueblo, de tasca en tasca, y de batacazo tras batacazo, a leer unos textos con el mayor cariño del mundo, y con un hambre matadora.

Es una auténtica oda dedicada a un oficio jodido: el de actor. Narra la búsqueda de apaciguar el hambre con lo único que saben hacer y lo que han hecho siempre, que es actuar, ya sea bien o mal. Porque aspirar a la gloria es un chiste de mal gusto. Son los últimos eslabones de una cadena que se acerca a su fin, a la definitiva derrota. Al que las películas, los nuevos tiempos, la indiferencia del público, o vete tú a saber qué, han tocado de muerte.

Es una película en la que reina el sentimiento, y un retrato de la amargura formidable, pero muy disperso e irregular, tanto, como la carrera de un actor. Las interpretaciones de Fernando Fernán-Gómez, José Sacristán, Juan Diego y Agustín González son descomunales, sobre todo la del primero. Qué decir de ese señor, ese gran actor, esa presencia delante y detrás de una cámara, ese talento para conversar, bueno, y seguramente para lo que le diese la gana.

Esta película es una muestra de ese inmenso talento, sin ir más lejos una de las escenas más grandes del film es en la que le dan un papel de extra a Fernando, tan desternillante como amarga.

-17% Nuevo IMPECABLEDVDRKO Radio Pictures

EL Y SU ENEMIGA

El precio original era: 7,20 €.El precio actual es: 5,99 €. *IVA Incluido

Género

Western. Intriga. Romance

Sinopsis

Mientras Rocklin se debate entre el amor de dos mujeres, intentará averiguar por qué fue asesinado el propietario del rancho en el que trabajaba.

(Edwin L. Marin, 1944)

CRITICAS

Mientras medio Hollywood andaba por Europa y el Pacífico guerreando o filmando la contienda, John Wayne, el que dicen no sabe actuar, se quedó en los States para protagonizar un buen número de películas. Entre ellas, como no, un puñado de westerns. Quizás este “Tall in the Saddle” no sea una de las más conocidas pero tiene varios atractivos, y no solo el de ser el primer western que se vio por la televisión americana del que no sabe actuar.

Lo primero que llama la atención durante la primera media hora es el espectacular reparto, lleno de caras conocidas y habituales en el género. Ward Brond y, sobre todo, el magnífico Gabby Hayes completan junto a la bellísima Ella Raines un casting excelente. La historia es un complicado juego que mezcla asuntos familiares, con viejas rencillas y luchas territoriales entre ganaderos en un pueblo del incipiente oeste americano. Allí llegará Rocklin (John Wayne) quien pronto se verá envuelto en un fuego cruzado en el que tomará parte gustoso tras aparecer ante sus ojos la indómita y bellísima Arly Harolday (Ella Raines) y cuyo paso por el film dejará unas cuantas escenas inolvidables. Sobra decir que el que no sabe actuar vuelve a hacer lo de siempre: pararse ante la pantalla como nadie, poner a cada tipo en su sitio sin apenas despeinarse, decir sus líneas de diálogo con un ritmo y un tono sencillamente magistrales…vamos, poca cosa.

El film está correctamente grabado por un director, Edwin L. Marin, muy unido al western y en donde desarrollaría la mayor parte de su carrera colaborando, por ejemplo, en una serie de películas con el gran Randolph Scott a finales de los 40 y principios de los 50.

Destacar el gran aroma westeriano que destila cada fotograma conseguido, sin duda alguna, por el excelente trabajo desarrollado durante años en los estudios del RKO Ranch en L.A. y en donde se rodaron, entre otras, “Qué Bello es Vivir”.

Gloria a la RKO…y a John Wayne, claro

-4% PRECINTADADVD20th Century Fox

EL YANT-SE EN LLAMAS

El precio original era: 27,77 €.El precio actual es: 26,56 €. *IVA Incluido

Género

Aventuras. Drama. Bélico | Años 20

Sinopsis

China, 1926. Un barco de la marina americana que patrulla el río Yang Tse, se ve envuelto en el conflicto armado entre nacionalistas y comunistas chinos. El maquinista (McQueen), atento a su trabajo, procura no tomar partido, pero los acontecimientos lo obligarán a cambiar de actitud.

(Robert Wise, 1966)

Posición en rankings FA

124 Mejores películas de guerra/cine bélico

Premios

1966: 8 nom. al Oscar, incluyendo película, actor (McQueen), actor sec. (Mako)

1966: Globos de Oro: Mejor actor de reparto (Attenborough). 8 nominaciones

1966: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director

CRITICAS

Esta es claramente una película infravalorada, por lo poco conocida que es, en comparación con otras películas muy inferiores.

El motivo por el que una película tan extraordinaria no recibe la consideración que merece se debe paradógicamente a su mayor virtud: es una película con muy pocas concesiones a lo que en general nos gusta ver en las películas. A todos parece encantarnos ver estrellas de cine en las películas y esta película tiene pocas: una, McQueen, que está perfecto.

Nos gusta ver acción y esta película pone la justa y necesaria para el argumento. Aceptamos los dramas pero sin perder la esperanza y esta película está cargada de un profundo pesimismo sobre el comportamiento de los seres humanos. También nos gusta ver heroes y esta película no los tiene, los protagonistas son marinos desarraigados en el barco más cochambroso de la armada americana.

Nos gusta poder tomar partido, distinguir más o menos bien, entre buenos y malos y aquí no podemos porque los que tienen razón se comportan brutalmente y los que no la tienen, tienen un armamento tan pobre que no aspiran más que a salvar un puñado de vidas.

En definitiva, esta pelicula hace muy pocas concesiones y no las hace porque lo supedita todo a construir una historia «realista», donde no sucede casi nada más que lo que tiene que suceder, en perfecta coherencia con las circunstancias que rodean al argumento. Por eso es tan buena, por eso es una de las mejores películas de la historia y por eso es también tan injustamente valorada.

-4% Nuevo IMPECABLE4K UHD + BLU RAY Edición metálicaCoproducción Francia-México

EMILIA PEREZ – EDICION METALICA 4K UHD

El precio original era: 30,19 €.El precio actual es: 28,98 €. *IVA Incluido

Género

Thriller. Musical. Drama | Transexualidad / transgénero. Crimen. Drogas

Sinopsis

Rita Mora Castro es una infravalorada abogada mexicana de un gran bufete que un día recibe una oferta inesperada: ayudar a un temido jefe de un cartel, Juan ‘Manitas’ del Monte, a retirarse de su negocio y desaparecer para siempre convirtiéndose en la mujer que él siempre ha soñado ser: Emilia Pérez.

(Jacques Audiard, 2024)

CRITICAS

Extraordinaria película, coproducción entre Francia y México que, para mi gusto, ha sido la mejor que he visto en el reciente Festival de cine de Donostia/San Sebastián o, por lo menos, la que más me ha hecho disfrutar.

Es soberbia en cuanto a realización, dirección artística, interpretación, fotografía, puesta en escena, uniendo cine negro, social, romántico y musical de forma singular, rica.

Es una cinta libre, fresca, entretenidísima, que deja una inmejorable huella en el recuerdo, por apartarse de lo trillado de hoy en día en el cine, mostrando una planificación exquisita, certeros diálogos y una historia con gran trasfondo socio-político, de candente actualidad.

Para mi gusto, una obra maestra indiscutible.

EN EL ESTANQUE DORADO

El precio original era: 36,29 €.El precio actual es: 35,08 €. *IVA Incluido

Género

Drama | Familia. Vejez / Madurez. Melodrama

Sinopsis

Ethel y Norman Thayer son un anciano matrimonio que pasa sus vacaciones en un paradisíaco lugar, «el Estanque Dorado», entre los bosques y al lado de un lago. Norman, un hombre muy activo, soporta muy mal las limitaciones de la vejez y la cercanía de la muerte. Inesperadamente, llega de visita Chelsea, la hija de los Thayer, que siempre ha mantenido unas relaciones muy tensas con su padre.

(Mark Rydell, 1981)

Premios

1981: 3 Oscars: Mejor actor (H. Fonda), actriz (Hepburn), guion adaptado. 10 nom.

1981: 3 Globos de Oro, incluyendo mejor película – Drama. 6 nominaciones

1981: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor actor (Henry Fonda)

1981: Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor actor (Fonda)

CRITICAS

Decir que esta película es maravillosa sería quedarse corto. Lo confieso: Me he emocionado con ella, las lágrimas han aflorado a mi rostro tras contemplar una visión tan lúcida y bella de la vejez. Y sin duda alguna el mérito principal es de sus intérpretes. Dos merecidísimos Oscars a dos de los más grandes que ha habido en este oficio. Un precioso homenaje a sus carreras haciendo lo que mejor saben hacer: actuar magistralmente. Henry Fonda me ha recordado a mi abuelo, un hombre que ha sido un cascarrabias toda la vida pero que a pesar de ello ha querido a sus hijos y siempre ha tenido un corazón bondadoso. Katharine Hepburn fue y será la actriz con la mirada más bella que el cine ha dado (Ver Adivina quién viene esta noche y esta película para comprobarlo). Una mujer con una belleza interior desbordante, paciente, comprensiva… Y profundamente enamorada de ese hombre. Una frase preciosa que resume lo que el amor es dice: «Sabes, Norman, eres el hombre más encantador de la tierra. Pero yo soy la única que lo sabe». Pero también hay que destacar la labor de Doug McKeon (el pequeño Billy),

Una lástima que la mayoría tengamos que crecer para comprender lo que los ancianos muchas veces tratan de decirnos, a veces con la mirada, a veces con las palabras. Y para complementar a unas estupendas interpretaciones, Mark Rydell entremezcla con criterio imágenes preciosistas del bello «estanque dorado». Sin duda alguna, me encantaría morir tranquilamente rodeado de tanta belleza. Además, el director consigue no caer en la sensiblería y deja que el guión fluya tranquilamente como las notas que el bello piano (un steiner, quizá) hacer sonar a lo largo de toda la película. Y si por si esto fuera poco, para los recolectores de beldades, sale una Jane Fonda estupenda antes de enfundarse en mallas elásticas y grabar videos de fitness. Una de esas películas que te hace amar el cine. Obra maestra.

-2% Nuevo IMPECABLEDVDCoproducción Suiza-Portugal-Reino Unido

EN LA CIUDAD BLANCA

El precio original era: 64,07 €.El precio actual es: 62,86 €. *IVA Incluido

Género

Drama. Romance

Sinopsis

A su paso por Lisboa, un marinero suizo decide desertar e ir a vagar por la ciudad. Abstraído de obligaciones y del transcurso del tiempo, pasea por los barrios viejos y conoce a Rosa, una mujer fascinante de quien se enamora… Un aclamado drama con una conmovedora interpretación de Bruno Ganz.

(Alain Tanner, 1983)

CRITICAS

Escrita y dirigida por Alain Tanner, se rodó en el puerto y el antiguo barrio marinero de Lisboa. Fue nominada al Oso de oro de Berlín. Ganó el Cesar a la mejor película en lengua francesa y el Fotogramas de plata a la mejor película extranjera.

La acción tiene lugar en Lisboa en el curso del rodaje (1982). Narra la historia de Paul (Bruno Ganz), un marino mercante suizo, que al llegar a Lisboa abandona el barco y se toma unas vacaciones sin planes, sin reloj, sin obligaciones y sin rutinas, salvo la de escribir regularmente a su esposa, que vive en Ginebra (Suiza). Le envía, además, imágenes filmadas de si mismo y de los lugares que visita. Se enamora de Rosa (Teresa Madruga), empleada de la Pensión en la que se aloja, con la que mantiene un idilio sin compromisos, sin explicaciones y, por ello, difícil para ella.

La película describe la fascinación que Paul siente por el puerto, la desembocadura del Tajo, los puentes que la cruzan, las calles de la vieja ciudad, su gente modesta y amable. Aquí encuentra el marco adecuado para recuperarse anímica y físicamente, tras una vida de agitación, soledades clamorosas, escenarios tediosos y un espacio vital propio (su camarote) reducido y claustrofóbico.

En Lisboa encuentra compañía, amistad, belleza natural, calor humano, amor y algunas dificultades, en las justas proporciones que precisa para impregnarse de belleza, empaparse de humanidad y renacer a la vida. No quiere compromisos ni con el tiempo ni con las personas. No quiere recordar el pasado, fuente de obligaciones, apremios y exigencias. Desea permanecer sin calendario, respirando los aires de Lisboa, la ciudad blanca y pura. Desea detener el tiempo, abrir un paréntesis vital, en el que los relojes dejen de acortar con furia la vida, la alegría, el gozo, el amor. Es emblemática la escena en la que el minutero de un reloj marcha en sentido inverso al habitual: es lo que sus ojos le hacen ver, es lo que desea ver.

La música hace uso de la armónica y del saxo alto en momentos que jalonan, sin saturaciones, el desarrollo de la acción. La fotografía describe con acierto el paisaje urbano de la vieja ciudad, el ajetreo sosegado de los vecinos, la ausencia en ella de tráfico rodado, la amable antigüedad de las casas, la tortuosa continuidad de las calles, las escaleras intrincadas. Durante el rodaje, los vecinos espontáneamente retiraban los coches aparcados y detenían el paso de los que se acercaban, erigiéndose en colaboradores desinteresados del equipo técnico.

El guión, muy sencillo, explica la relación de Paul con la fascinación de Lisboa y su proceso de interiorización de la misma. La interpretación de Bruno Ganz es magnífica y la de la portuguesa Teresa Madruga rebosa naturalidad y verismo. La dirección construye una obra en la que se implica personalmente: explica su propio relato de fascinación y curación.

Una de las películas mejores de Alain Tanner, que descontamina los sentidos y purifica el espíritu.

PrecintadoBlu ray20th Century Fox

En la cuerda floja

32,61  *IVA Incluido

Autobiografía: Johnny Cash
Canciones: Johnny Cash

Género
Drama. Romance. Musical | Biográfico. Música. Años 50. Años 60. Drogas

Sinopsis
Biopic del gran cantante de música country Johnny Cash y su mujer y compañera June Carter. La historia comienza en Arkansas, en la época de la Gran Depresión. John R. Cash, hijo de un aparcero, no tardará en realizar salvajes giras con los pioneros del rock and roll: Elvis Presley, Carl Perkins, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis y Waylon Jennings, giras que culminan con su inolvidable concierto de 1968 en la Prisión de Folsom. Cash se convirtió en el artista más popular del momento, llegando a vender más discos que The Beatles.

(James Mangold, 2005)

Posición en rankings FA
64 Mejores películas musicales
146 Mejores biopics / films biográficos
Premios
2005: Oscar: Mejor actriz (Reese Witherspoon). 5 Nominaciones
2005: 3 Globos de Oro: Mejor película comedia, actriz (Witherspoon), actor (Phoenix)

CRITICAS

El biopic basado en la autobiografía de Johhny Cash y en el libro “The man in black”, se centra en el período desde su salto a la escena musical (entre recuerdos de su trágica infancia) a la que daría lugar a la mayor de sus obras maestras (“At Folsom Prision”, 1968), pasando por su tortuosa adicción a las drogas como punto de inflexión en su vida. Por cierto son barbitúricos y anfetaminas, aunque en el filme se queden en un simple y autocensurado “pills” (pastillas).

La sensación de “En la cuerda floja” es de filme acertado y complaciente, incluso se podría decir cobarde (John Carter Cash es uno de los productores de la cinta). Pero aún así enormemente necesario para descubrir, redescubrir o seguir admirando a uno de los iconos de la música americana del siglo XX. Cuenta lo que quiere contar y obvia detalles para nada intranscendentes como su violencia contra objetos (en especial coches), sus plantones al público y sobre todo el incendio que provocó en un accidente de coche en una reserva natural de California, exterminando prácticamente la población de cóndores de la zona. Todo provocado por su adicción a las drogas provocada entre otras cosas por sus 300 conciertos anuales.

Nos regala una memorable interpretación de Joaquin Phoenix y otra magnífica de Reese Witherspoon. ¡Ambos cantando los temas originales sin ser doblados! Y nos recuerda la irreprochable y valiosa aportación a la historia de la música de Sun Records con Elvis Presley, Carl Perkins, Roy Orbinson, Jerry Lee Lewis y Johhny Cash entre muchos otros.
Sobradamente entretenida, emocionante en su parte musical y poco explotada, convencional o ligeramente desatinada en su vertiente de drama romántico.

«Es mérito de Mangold y Dennis cazar a lazo los dos o tres instantes clave de la vida de Cash y, sin edulcorar ni exagerar (…) trazar una parábola, quizá demasiado larga, que conduce la historia hacia su emotivo final.

-4% PRECINTADABlu rayWarner Bros

EN LA CUERDA FLOJA

El precio original era: 30,19 €.El precio actual es: 28,98 €. *IVA Incluido

Género

Intriga. Thriller | Asesinos en serie. Policíaco. Crimen

Sinopsis

Wes Block (Clint Eastwood) es un policía de Nueva Orleáns al que asignan el caso de un violador y asesino en serie de mujeres que actúa en el famoso y conflictivo Barrio Francés. La investigación se transforma en un reto psicológico para Wes, cuando descubre que su personalidad y comportamiento tienen muchos puntos en común con el asesino. Temores enterrados en el pasado afloran ahora a la mente del detective y se agudizan cuando resultan asesinadas mujeres a las que él conoce. Thriller psicológico recibido por la crítica americana como uno de los mejores de los años ochenta.

(Richard Tuggle, 1984)

CRITICAS

Oscura, brillante y memorable película de suspense e intriga policial, en el que Clint Eastwood, (quizá cansado de su personaje de Harry Callahan), destroza, (en cierta manera), la ruda imagen del duro policía que le diera la fama, dotándolo de una personalidad atormentada y muy oscura, influenciada por una desigual vida cotidiana.

Aunque en algunos momentos la historia da ciertas muestras de flaqueza, la ambientación de la película, y la profesionalidad de Eastwood al frente del filme consiguen que ésta se vea sin ningún tipo de problema y con cierto interés.

Mantiene un ritmo decente aunque de vez en cuando cojea un poco, todo lo demás es ya típico de el, la música a cargo de Lennie Niehaus, la fotografía por Bruce Surtees, y unos actores de reparto no excesivamente conocidos, aunque aquí la sorpresa es la aparición de su hija Alison.

Un thriller policíaco que está a la altura de las de la saga de Harry, e incluso supera a algunas.

Como curiosidad, añadir que uno de los hijos de Eastwood, su hija Alison, interpreta un pequeño papel como la hija del policía que el mismo Eastwood interpreta.

-4% PRECINTADA4K UHD + BLU RAYColumbia Pictures

EN LA LINEA DE FUEGO – EDICION 4K UHD

El precio original era: 27,77 €.El precio actual es: 26,56 €. *IVA Incluido

Género

Intriga. Acción. Drama | Crimen

Sinopsis

Frank Horrigan (Clint Eastwood) es un veterano escolta, que conoció tiempos mejores cuando llegó a ser guardaespaldas del Presidente Kennedy. Muchos años después, a punto de retirarse, está atravesando una crisis profesional y personal, pero decide volver al servicio de la Casa Blanca cuando en una investigación rutinaria descubre que un psicópata llamado Mitch Leary (John Malkovich) está amenazando de muerte al Presidente de los Estados Unidos. El presidente recibe unas 1400 amenazas cada año, pero estas parecen creíbles y provenientes de un tipo peligroso.

(Wolfgang Petersen, 1993)

CRITICAS

Encontrar un duelo interpretativo en una peli de Petersen es complicado, encontrarlo en una película es ya de por sí difícil, de hecho, y podría decirse que encontrarlo en un thriller es casi un milagro, pero es verles a ellos en pantalla, y hasta parece fácil.

En algún lugar leí que esta película en especial, era un homenaje a la carrera de Clint Eastwood: a sus años de Harry el sucio y a toda esa saga que maravilló a una generación entera, sin embargo, es ver «En la línea de fuego», y el homenaje no es a Clint, no… Es única y exclusivamente de Clint, de Clint a un espectador que se siente entregado a ese pedazo de actor que, desde aquellos antológicos westerns con el maestro Leone, ha evolucionado y ha pasado de resultar el impasible guaperas que daba vida a personajes como ‘El rubio’, a obtener el respeto, no sólo de crítica internacional, sino de un público que le sigue y le profesa una admiración que sólo se podría verter hacía uno de los más grandes, hacía el inigualable e inestimable Clint Eastwood.

Por otro lado, y trazando un papel que podría resultar tópico, carne de cañón para aquellos que gustan despedazar cada thriller salido de Hollywood, Malkovich sale airoso con increíble pericia y es que, no en vano, siempre ha sido uno de los grandes. Se meta donde se meta, Malkovich está preparado para ofrecer la compostura y enorme presencia de pocos, y otorgar un carisma irresistible, que aquí se ve intensificado con su fría y cortante mirada.

Tras esos dos genios, esos dos magos del celuloide, tan capaces de aparecer en un drama y convencer, maravillar y desentrañar grandes sensaciones, como de cumplir en cualquier otro papel donde los requerimientos no sean tan grandes, nos topamos con Petersen: un tío que un día rodó una de las más grandes obras maestras de la cinematografía europea. Más de 3 horas en un submarino y la calificación de clásico sin paliativos avalaban aquel trabajo y, sin duda, Petersen agarró un guión resultón, transformándolo en algo serio y compacto, sin excesos, con la intensidad que debe tener un film de estas características, y el enorme aplomo de unas secuencias de acción que no se movían entre la decadencia de un cine que se había instaurado en el más puro ostracismo de repetir la mayor, sino entre la tensión de saber dónde y cómo concluiría el siguiente momento, y en que desembocaría todo aquello.

Se puede decir pues, que Petersen fue capaz, con la ayuda de esos dos ases, de trazar dos personalidades psicológicas, y otorgar una propuesta que sólo se vería igualada en años por otra joya como «Insomnia».

Porque cuando se trata de degustar una pieza así, el gusto es poco si nos encontramos con peliculones así.

-4% PRECINTADABlu rayWalt Disney Pictures

ENCANTADA, LA HISTORIA DE GISELLE

El precio original era: 30,19 €.El precio actual es: 28,98 €. *IVA Incluido

Género

Fantástico. Aventuras. Romance. Musical | Cine familiar. Cuentos

Sinopsis

Narra la odisea que debe vivir la bella princesa Giselle (Amy Adams), que es transportada por un hechizo de la malvada reina Narissa (Susan Sarandon) desde su mágico mundo a la moderna y caótica Manhattan actual. Inmersa en un entorno en el que «fueron felices y comieron perdices» no funciona, Giselle deambula por un mundo caótico que necesita urgentemente unos cuantos hechizos. Pero Giselle se enamora de un abogado divorciado, encantador pero nada perfecto (Patrick Dempsey) que decide ayudarla. A pesar de que en su mundo está prometida al príncipe de cuento de hadas (James Marsden), la joven princesa se hará la siguiente pregunta: ¿Su visión del amor ideal tiene futuro en el mundo real?

(Kevin Lima, 2007)

CRITICAS

Esta fantástica película que Disney ha sabido explotar de forma genial. Bajo el pretexto de transportar a una princesa de sus cintas de animación al mundo real, a la sucia New York, se dan lugar a un montón de situaciones a cada cual más divertida y, en cierto modo, ridículas. Ese es el precio que tiene que pagar Giselle, la damisela en cuestión que el día de su boda es empujada hacia un pozo y se despierta rodeada de vagabundos y gente que no da los buenos días.

Genialmente interpretada por Amy Adams, se encuentra secundada además por un aceptable PAtrick Dempsey, el cada vez mejor James Marsden como príncipe ingenuo y seductor, y una cojonudísima Susan Sarandon en el papel de mala de la función. Pero «Encantada» no es una película de interpretaciones de Oscar -aunque alguno a la BSO le nominarán seguramente-, sino una vuelta de tuerca a los cuentos y a cómo se ven a día de hoy.

Escenas como los intentos de Giselle de cantar en plena calle, el drástico cambio que pega su vida de «dormir en un hueco de árbol» a usar una confortable cama, etcétera. Es ante todo una parodia que la propia Disney se toma con buen sentido con humor, muy sano, y es una de esas pocas cintas que tras verla te dejan una sensación de felicidad, de energía y de buen rollito, algo que este año también consiguió «Hairspray», aunque no tan genialmente como esta.

Los guiños y cameos al universo Disney son continuos. Desde la bruja que da la manzana envenenada a Giselle, justamente la misma que la de Blancanieves, hasta la escena del zapato tras el baile de medianoche, el beso de amor verdadero y especialmente el personaje de Sarandon, una revisión de la inmejorable Maléfica de «La bella durmiente». De hecho, tiene los mismos poderes. No faltan cosas más livianas como algún número musical amenizando la función que redirige irremediablemente hacia obras como La Sirenita y su icónico “Bajo el mar”.

Sobre las escenas de animación habría que hablar aparte. Duran poquito, apenas unos 10 minutos al principio de la cinta, pero es sencillamente brutal. Kevin Lima consigue que en esos instantes nos acordemos de joyas como Tarzán -que también dirigió él- y eso a día de hoy es bastante difícil.

Total, y en resumen: ved Encantada. Sus altísimas notas en la prensa internacional o la buena acogida de los usuarios no es casual. Estamos ante una película «encantadora» y con magia, una fábula que los más pequeños amarán y, los demás, podremos ver sin ningún problema, pasando un rato totalmente agradable.