Mostrando 49–72 de 106 resultados
TIPO
- CineCine 99
- SeriesSeries 3
FILTRAR POR GÉNERO
- Acción / aventuras / artes marciales 33
- Animación / Anime 2
- Asiatico 3
- Bélico 7
- Ciencia ficción / SCI FI 16
- Clasico 16
- Comedia 16
- Contemporáneo / moderno 4
- Drama 44
- Erótico / adultos 1
- Europeo 15
- Infantil 4
- Musical 1
- Religioso 2
- RomanceRomance 8
- Social / político 15
- Super héroes y comics 2
- Terror 22
- Thriller/ Policíaco 48
- Western 2
FORMATO
IDIOMA
PRODUCTORA
- 20th Century Fox 2
- Amblin Entertainment 1
- Atomic Monster 1
- Australian Film Finance Corporation (AFFC) 1
- Blumhouse Productions 1
- BoulderLight Pictures 1
- British Lion Film Corporation 1
- Cannon Group 1
- Causeway Films 1
- Charm City Productions 1
- Cinema City Film Productions 1
- Columbia Pictures 4
- Constantin Film 2
- Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Francia-Italia 1
- Coproducción China-Francia 1
- Coproducción Francia-Italia 5
- Coproducción Italia-Francia 1
- Coproducción Reino Unido-Estados Unidos-Alemania-Irlanda 1
- Dark Age Cinema 1
- De Laurentiis Entertainment Group 1
- DreamWorks SKG 1
- Film Workshop 1
- Fox Searchlight 1
- Fuji TV 1
- Gladden Entertainment 1
- HBO 1
- Home Free 1
- José Luis Tafur P.C 1
- Kopelson Entertainment 1
- Largo Entertainment 1
- Lord Miller 1
- Lucasfilm 1
- MGMMGM 5
- Miramar Films 1
- Miramax 1
- Netflix 1
- Orion Pictures 1
- ParamountParamount 3
- Paramount Pictures 4
- Pixar Animation Studios 1
- Regency Television 1
- Revolution Studios 1
- RKO Radio Pictures 2
- Roberts Pictures Inc 1
- Samuel Goldwyn Company 1
- Searchlight Pictures 1
- Spitfire Productions 1
- Studiocanal 1
- Summit Entertainment 2
- The Cannon Group Inc 1
- The Mirisch Corporation 2
- The Rank Organisation 1
- Touchstone Pictures 1
- Tribeca Productions 1
- Ultramar Films 1
- United Artists 5
- Universal International Pictures 1
- Universal Pictures 7
- Warner Bros 11
- Zanuck/Brown 1
AÑO LANZAMIENTO
Director
- Baz Luhrmann 1
- Ben Stiller 1
- Bi Gan 1
- Billy Wilder 1
- Carol Reed 1
- Christian-Jaque 1
- Christophe Gans 1
- Christopher Miller 1
- Christopher Nolan 1
- Chuck Russell 1
- Claude Lelouch 1
- Clint Eastwood 1
- Daniel Attias 2
- Daniel Chong 1
- Danny Boyle 1
- Danny Philippou 1
- Dean Parisot 1
- Doug Liman 1
- Elia Kazan 1
- Emma Tammi 1
- George Cukor 1
- Guy Hamilton 1
- Howard Deutch 1
- Ira Parker 1
- Isao Takahata 1
- Ivan Reitman 1
- J. Lee Thompson 1
- James Gunn 1
- Janet Greek 1
- Jean Negulesco 1
- Jean-Jacques Annaud 2
- John Berry 1
- John Carpenter 1
- John Ford 1
- John Irvin 1
- John Schlesinger 1
- John Sturges 1
- John Waters 1
- John Woo 2
- Jon Favreau 1
- Jon Turteltaub 1
- Jose Luis Garci 1
- Joseph Zito 1
- Lamont Johnson 1
- Lee Cronin 1
- Leo McCarey 1
- Luc Besson 1
- Luis Buñuel 2
- Marco Ferreri 1
- Martin Scorsese 1
- Matt Bettinelli-Olpin 1
- Matthew Chapman 1
- Melvin Frank 1
- Michael Philippou 1
- Michael Winner 1
- NORMAN JEWISON 1
- Oliver Hirschbiegel 1
- Phil Joanou 1
- Phil Lord 1
- Phillip Noyce 1
- Quentin Tarantino 2
- René Clair 1
- René Clément 1
- Richard Fleischer 1
- Richard Tuggle 1
- Ridley Scott 2
- Rob Cohen 1
- Robert Butler, Sidney J. Furie 1
- Robert De Niro 1
- Robert Eggers 1
- Robert Montgomery 1
- Rowdy Herrington 1
- Sam Wood 1
- Sergio Sollima 1
- Sidney Lumet 1
- STANLEY KUBRICK 4
- Stephen Sommers 1
- Steve Kloves 1
- Steve McQueen 1
- Steven SpielbergSteven Spielberg 5
- The Duffer Brothers 1
- Tim Burton 1
- Todd Phillips 1
- Uli Edel 1
- Victor Fleming 1
- William Friedkin 1
- William Wyler 1
- Wolfgang Petersen 1
- Zach Cregger 1
Price
CATEGORÍAS
- Accessories 3
- GÉNERO 3118
- Acción / aventuras / artes marciales 1028
- Animación / Anime 123
- Asiatico 109
- Bélico 190
- Ciencia ficción / SCI FI 333
- Clasico 809
- Comedia 640
- Contemporáneo / moderno 127
- Documental 24
- Drama 1610
- Erótico / adultos 23
- Europeo 701
- Infantil 174
- Musical 144
- Religioso 69
- Romance 418
- Social / político 552
- Super héroes y comics 74
- Terror 474
- Thriller/ Policíaco 1069
- Western 149
- IMPORTACIÓN 71
- NOVEDADES 667
- PREVENTA 106
PREVENTA
JOAN D’ARC – JUANA DE ARCO
Género
Drama | Histórico. Biográfico. Siglo XV. Religión. Juana de Arco
Sinopsis
En 1412, nace en Domrémy (Francia) la Doncella de Orleáns. La guerra de los Cien Años contra Inglaterra dura ya casi un siglo y ha devastado Francia. Juana es una muchacha profundamente religiosa. Después de tener su primera visión, vuelve a su hogar y se encuentra con que los ingleses han matado a su familia. Algunos años después, completamente convencida de que Dios le ha encomendado la misión de expulsar a los ingleses de Francia, va a ver al Delfín, el futuro Carlos VII, que le proporciona tropas para levantar el cerco de Orleáns.
(Luc Besson, 1999)
CRITICAS
Enorme película sobre Juana de Arco, una mujer que existió realmente en la Francia del siglo XV, una joven mujer iluminada, de idiosincrasia muy religiosa, visionaria y también corajuda-valiente.
Esta versión de Luc Besson sobre la vida de Juana de Arco, santa para el mecanismo burocrático y los chupatintas del Vaticano a partir del siglo XX, es sin duda una magnífica obra y manera de exponernos la biografía de quien fue una mujer excepcional, una asombrosa heroina que marcó un hito en la historia de Francia.
Luc Besson usa espléndidamente la belleza de la actriz Milla Jovovich (si después de este filme aún hay tipos que prefieren considerar a Milla Jovovich más como modelo que como actriz, con el fin de descalificarla, entonces ¿cómo podremos llamar actrices a Margarita Xirgu, a Eva Gäelle Green, a Jane Fonda o Sofía Loren, entre muchas otras cuyas caras bonitas no quita para nada su excelente hacer a la hora de interpretar papeles de cine o teatro?).
Luc Besson, desde mi punto de vista ha logrado la versión más apasionante, plástica, por supuesto colorida, estética, atractiva, aleccionadora, bien explicada y próxima a lo sucedido históricamente, de cuantas se han hecho sobre la tal Juana hasta el día de hoy.
Sobresaliente esa media hora final donde, los diálogos entre su consciencia o la parte más consciente de su mente visionaria (personificada por Dustin Hoffman) y ella la Juana de carne y hueso, la famosa Juana al borde de la hoguera, hacen que se confronte duramente consigo misma, hasta sudar, rebrincar y reconocer que sus supuestos religiosos o misión divina pudo deberse mucho más a lo que había sufrido, sentía y ansiaba que a un mensaje, mandato o envío de Dios.
Una película de indiscutible calidad. Muy buena y recomendable sobre todo para la gente que piense algo más que superficialmente.
JOKER – EDIC. LIMITADA COLECCIONISTA 4K UHD +BLU RAY PREVENTA
Género
Thriller. Drama | Crimen. DC Comics. Cómic. Payasos. Drama psicológico. Años 80
Sinopsis
Arthur Fleck (Phoenix) vive en Gotham con su madre, y su única motivación en la vida es hacer reír a la gente. Actúa haciendo de payaso en pequeños trabajos, pero tiene problemas mentales que hacen que la gente le vea como un bicho raro. Su gran sueño es actuar como cómico delante del público, pero una serie de trágicos acontecimientos le hará ir incrementando su ira contra una sociedad que le ignora.
(Todd Phillips, 2019)
Posición en rankings FA
2 Mejores películas basadas en cómics
3 Mejores películas basadas en obras de DC Comics
Premios
2019: 2 Premios Oscar: Mejor actor (Joaquin Phoenix) y banda sonora. 11 nominaciones
2019: Globos de Oro: Mejor actor (Phoenix) y música original. 4 nominaciones
2019: Premios BAFTA: Mejor actor (Phoenix), banda sonora y reparto. 11 nominaciones
2019: Festival de Venecia: León de Oro (Mejor película)
JURASSIC PARK – ED. METALICA
Género
Ciencia ficción. Aventuras | Dinosaurios. Supervivencia. Película de culto
Grupos
Parque Jurásico | Adaptaciones de Michael Crichton
Sinopsis
El multimillonario John Hammond consigue hacer realidad su sueño de clonar dinosaurios del Jurásico y crear con ellos un parque temático en una isla remota. Antes de abrirlo al público, invita a una pareja de eminentes científicos y a un matemático para que comprueben la viabilidad del proyecto. Pero las medidas de seguridad del parque no prevén el instinto de supervivencia de la madre naturaleza ni la codicia humana.
(Steven Spielberg, 1993)
Posición en rankings FA
87 Mejores películas de ciencia-ficción
Premios
1993: 3 Oscars: Mejor sonido, efectos de sonido, efectos visuales
1993: Premios BAFTA: Mejores efectos visuales. Nominada a Mejor sonido
Kill bill: The whole bloody affair unrated – Edición Coleccionista Limitada (4 discos, posters, etc.)
Género
Acción. Thriller | Artes marciales. Crimen. Venganza. Película de culto
Grupos
Kill Bill
Sinopsis
El día de su boda, una asesina profesional (Thurman) sufre el ataque de algunos miembros de su propia banda, que obedecen las órdenes de Bill (David Carradine), el jefe de la organización criminal. Logra sobrevivir al ataque, aunque queda en coma. Cuatro años después despierta dominada por un gran deseo de venganza.
(Quentin Tarantino, 2003)
Versión íntegra de más de cuatro horas de ‘Kill Bill’, tal y como fue concebida originalmente, con una secuencia de anime inédita. La Novia (Uma Thurman) es dada por muerta después de que su antiguo jefe y amante, Bill, le tienda una emboscada en el ensayo de su boda, le dispara en la cabeza y le roba a su hijo nonato. Para vengarse, primero debe dar caza a los cuatro miembros restantes del escuadrón de asesinos Víbora Mortal antes de enfrentarse al propio Bill
CRITICAS
Solamente con la banda sonora ya cumple cualquier expectativa, impresionante mezcla de géneros sin desperdicio, totalmente hilvanadas con la imágenes, sencillamente impresionante. La he oído cienes y cienes de veces y no me canso.
El guión, pues que voy a decir de semejante monstruosidad, el guión rebosa originalidad a diestro y siniestro, puede ser cutre, puede ser pasado hasta decir bueno, puede ser extravagante, pero que bueno es.
Tarantino se deleita a si mismo, supongo que recordando sus años mozos, con esas películas de chinos tan rocambolescas que a mi personalmente me dejaban alucinado cuando era adolescente. La primera parte esta rebosante de esa acción propia de Bruce Lee, esas peleas imposibles de mil contra uno, resueltas con infinito humor y grandes dosis sanguinolentas que no son otra cosa que la parodia de un género con el que muchos hemos disfrutado de chavales.
Uma esta simplemente grandiosa, esplendida, graciosa, la matona más guay de toda la historia del cine ¿O ha habido alguna mejor? ¿Sería Kill Bill lo mismo sin ella? Yo personalmente creo que no, su elección fue otro de los grandes aciertos de Tarantino. Los demás actores, sobre todo las actrices, dan también un nivel estupendo.
La gran comilona
Género
Comedia. Drama | Sátira. Comedia negra. Erótico. Cocina. Película de culto
Sinopsis
Cuatro amigos unidos por el hedonismo y el tedio más absoluto se reúnen en una mansión con la idea de suicidarse comiendo sin tregua. Pronto añaden a la gula otro pecado capital: la lujuria, y así empiezan a llegar las prostitutas. El sexo obsceno se entremezcla con los cerdos, los quesos, los jamones, el caviar..
(Marco Ferreri, 1973)
CRITICAS
Escrita por Rafael Azcona y Marco Ferreri, fue dirigida por éste. Se rodó en exteriores de una antigua mansión y en estudio. Obtuvo el FIPRESCI de Cannes y fue nominada a la Palma de oro. Se presentó en Cannes el 12-V-1973.
La acción principal tiene lugar en 1972/73, en una antigua mansión de las afueras de París, donde vivió el poeta Boileau. La acción ocupa unas dos semanas. Narra la historia de 4 varones de mediana edad, representantes del poder y del prestigio social, entregados a la gula, al exceso y al deso de comer hasta morir. Les acompañan durante unos 2 días 3 prostitutas convocadas por Marcello (Marcello Mastroianni), piloto de aviación, obseso sexual. Los otros personajes son Philippe (Philippe Noiret), un magistrado reprimido; Michel (Michel Piccoli), productor de cine homosexual; Ugo (Ugo Tognazzi), restaurador no aficionado al sexo. A ellos se añade la maestra del colegio vecino de enseñanza infantil (Andrea Ferreol), rolliza, ninfómana y tragona.
Para algunos la película es una sátira de la sociedad de consumo, que impulsa a las personas a consumir por encima de sus necesidades hasta provocarles le muerte. Para otros es un drama de 4 personas dominadas por la gula, que les lleva a comer compulsivamente, incluso cuando el placer entra en fase de rendimientos decrecientes. La obra contiene elementos de fábula sobre la fuerza del interés por la comida, cuando trasciende el interés por la preservación de la salud y la vida. También cabe entender que los 4 personajes forman un grupo movido por el hedonismo como medio de lucha contra el tedio que ha invadido sus vidas. La tensión entre hedonismo y tedio podría explicar la no pulsación regular de la ley de rendimientos decrecientes. El film se podría entender como una tragedia, la de unos personajes derrotados por la vida, que buscan una vía de salida en un suicidio friamente planeado. En todo caso, la obra no es un relato de gula y lujuria, aunque ésta se halle presente a petición de Marcello. La falta de interés de los anfitriones por el sexo hace que que las chicas abandonen la residencia. La obra juega con el surrealismo, el fetichismo y el absurdo, de los que extrae elementos hilarantes de humor ácido, negro e irreverente.
La música, de Philippe Sarde, es atrapadora, pegadiza, intrigante y sensual. La fotografía destaca la atmósfera siniestra de la mansión, el clima opresivo de la acción, el humor visual (imitación de Marlon Brando en el «El padrino») y los elementos provocativos (cópula, masturbación, desnudos frontales). El guión incluye unos diálogos con expresiones populares y vulgares, que hacen próximos a los personajes. La interpretación se beneficia de la presencia de 4 de los mejores actores europeos del momento. La dirección busca la provocación como medio para dar paso a la reflexión.
La película levantó protestas, que no impidieron su éxito comercial. Con el tiempo se ha convertido en una película de culto.
LA LISTA DE SCHINDLER – EDICION METALICA
Género
Drama | Nazismo. Holocausto. Basado en hechos reales. II Guerra Mundial
Sinopsis
Oskar Schindler (Liam Neeson), un empresario alemán de gran talento para las relaciones públicas, busca ganarse la simpatía de los nazis de cara a su beneficio personal. Después de la invasión de Polonia por los alemanes en 1939, Schindler consigue, gracias a sus relaciones con los altos jerarcas nazis, la propiedad de una fábrica de Cracovia. Allí emplea a cientos de operarios judíos, cuya explotación le hace prosperar rápidamente, gracias sobre todo a su gerente Itzhak Stern (Ben Kingsley), también judío. Pero conforme la guerra avanza, Schindler y Stern comienzan ser conscientes de que a los judíos que contratan, los salvan de una muerte casi segura en el temible campo de concentración de Plaszow, que lidera el Comandante nazi Amon Goeth (Ralph Fiennes), un hombre cruel que disfruta ejecutando judíos.
(Steven Spielberg, 1993)
Posición en rankings FA
1 Mejores películas basadas en hechos reales
1 Mejores películas y series sobre la Segunda Guerra Mundial
1 Mejores películas de los años 90
CRITICAS
¿ Cómo puede una niña pequeña perdida entre la multitud ejemplificar de una manera tan perfecta el puro horror ante la masacre ? Spielberg logró que el espectador se sintiera, al igual que Oskar Schindler en su caballo, abrumado al ver cómo una pequeña niña caminaba sola por el guetto en medio de la masacre, y con el paso del tiempo, dicha secuencia ha permanecido grabada a fuego en el subconsciente colectivo como una de esas imágenes de un poder visual único. Spielberg calló las bocas de aquellos que le tachaban de mero director de productos ultracomerciales con esta película necesaria, soberbia, hermosa, y demostrando a todo el mundo que si se pone serio, no pierde ni un ápice de calidad.
Su origen judío y el nazismo han sido elementos que siempre han obsesionado al genio americano, y para comprobarlo sólo hay que ver la reciente Munich y la primera y tercera parte de Indiana Jones. Pero con esta película, Spielberg realizó su obra más catártica, el fin de una etapa en su carrera, y la muestra de que sus miedos y obsesiones habían madurado, y que en cierto modo se enfrentaba a ellos. Spielberg dirige la cinta con una maestría insuperable, con un control y una planificación totalmente hitchcockiana. Realizó el retrato más duro del mayor crimen cometido por el ser humano, y sale airoso de ello.
En esta película olvida se encuentran otras de sus obsesiones, como la necesidad de la unión familiar, aunque en ningún momento cae en el sentimentalismo barato que muchos le achacan al resto de su filmografía. Nos narra el viaje al horror de un grupo de personas, nos hace sentirnos dentro de los agobiantes trenes a pleno sol, y en las duchas de los campos, dónde la tensión se mezcla con el miedo y el bochorno, creando en el espectador una sensación de desolación que tienen la suerte de no vivir.
A pesar de ello, Spielberg también piensa en la taquilla, y dulcifica algunas de las secuencias más duras de la película, especialmente en el guetto y en los campos, usando el montaje y la música de una forma que da al traste con sus pretensiones de rodar dichas partes a modo de documental. Otro punto a destacar son las interpretaciones. Siendo un director al que se le critica mucho este aspecto, aquí ofrece un recital de dirección interpretativa, y desde Liam Neeson, hasta Ben Kingsley, pasando por Ralph Phiennes, dan un curso acelerado de interpretación, siendo incomprensible que no ganaran oscar ninguno.
on esta cinta, Spielberg realizó una poesía viviente, una obra totalmente lírica sobre el horror y la demencia del hombre, un maravilloso canto a la vida, a la esperanza en la oscuridad, y le da voz a un pueblo silenciado y humillado durante siglos, que por fin vio cómo su sufrimiento era relatado con manos serias, y todo ello es posible gracias a un hombre, Oskar Schindler, el mayor mecenas del siglo XX, y probablemente de la historia, el mecenas de lo más valioso e importante de este mundo: la vida
LA MOMIA – EDICION METALICA 4K UHD
Género
Aventuras. Acción. Fantástico | Años 20. Antiguo Egipto. Cine épico
Grupos
La momia
Sinopsis
Durante una batalla en Egipto, el legionario Rick O’Connell y un compañero descubren las ruinas de Hamunaptra, la ciudad de los muertos. Algún tiempo después vuelven al mismo lugar con una egiptóloga y su hermano. Allí coinciden con un grupo de estadounidenses, deseosos de correr aventuras, que acabarán provocando la resurrección de la momia de un diabólico sacerdote egipcio que intenta desesperadamente recuperar a su amada
(Stephen Sommers, 1999)
CRITICAS
Gran película de aventuras para toda la familia que fue un completo éxito y que generó un a secuela de igual calibre.
Brendan Fraser está genial en la piel de este «Indiana Jones» y Weisz resulta perfecta en su papel, de igual manera que el villano de turno Arnold Vosloo que encarna a un sacerdote egipto que por matar al farón debido a su amor con la esposa del mismo es condenado a la peor maldición que se recuerda, y que tres mil años después es despertado y no se detendrá ante nadie con tal de vengar su muerte y resucitar a su prometida.
Con unos grandes efectos especiales, banda sonora del ya fallecido Jerry Goldsmith, considerado tras John Williams el mejor compositor que se recuerda, La Momia no dejará indiferente a nadie y gustará a todos por igual.
LA MOMIA DE LEE CRONIN
Género
Terror | Monstruos. Familia. Periodismo. Posesiones / Exorcismos
Sinopsis
Nueva versión del clásico ‘La momia’. La joven hija de un periodista desaparece en el desierto sin dejar rastro. Ocho años más tarde, la familia rota se conmociona cuando ella es devuelta a ellos, y lo que debiera haber sido una reunión jubilosa se convierte en una auténtica pesadilla.
(Lee Cronin, 2026)
CRITICAS
Olvidaos de Brendan Fraser y, por favor, borrad de vuestra mente el desastre de Tom Cruise. Lee Cronin no ha venido a jugar a Indiana Jones; ha venido a profanar tumbas y a que nosotros paguemos el precio emocional.
Lo que hace que esta versión de La Momia sea una obra maestra del horror moderno es su negativa rotunda a ser una película de aventuras. Cronin aplica aquí la misma fórmula que en Evil Dead Rise: encerrar un mito mastodóntico en un espacio emocionalmente asfixiante. La película no trata sobre arqueología, trata sobre la corrupción de la inocencia.
El trabajo de Laia Costa y Jack Reynor es demoledor. No son héroes de acción; son padres rotos enfrentándose a un body horror que te revuelve el estómago. Esa transformación física de la hija, ese ‘carnaval de carne’ del que hablan los críticos, está rodado con una elegancia macabra que recuerda al mejor Cronenberg. El uso de efectos prácticos y ese sonido metálico, seco y arenoso, te hace sentir que tienes polvo de tumba en los pulmones durante los 100 minutos de metraje.
Es una película incómoda, sucia y visualmente impecable. No busca el susto fácil del jump scare, sino la náusea del que sabe que el mal ya está dentro de casa. Si el cine de terror consiste en hacernos sufrir por personajes que nos importan, Cronin se acaba de coronar como el nuevo faraón del género.»
El polvo no solo cubre tumbas en La momia (2026), también impregna cada plano de una sensación de asfixia moral, de fatalidad inevitable que avanza con paso lento pero firme. Lee Cronin se aleja sin titubeos del espectáculo aventurero que popularizó al personaje en décadas pasadas para sumergirse en un terreno más turbio, más físico, donde el terror no se contempla: se padece.
Desde sus primeros compases, la película establece un tono opresivo que no concede tregua. Cronin demuestra un pulso firme para construir atmósferas densas, donde la arqueología deja de ser fascinación para convertirse en una violación de lo sagrado. No se trata tanto de descubrir el pasado como de despertar algo que jamás debió ser perturbado. En ese sentido, la película conecta con un miedo primitivo: el castigo por traspasar límites invisibles.
El cuerpo, como ya sucedía en su cine previo, se convierte en campo de batalla. Las vendas no son solo un icono reconocible, sino una extensión de la corrupción, de la podredumbre que se infiltra bajo la piel.
La transformación de la criatura —y de quienes entran en contacto con ella— está filmada con una crudeza que incomoda, que obliga a apartar la mirada en más de una ocasión. Cronin no sugiere: muestra, y lo hace con una convicción que roza lo enfermizo.
Lo mejor: La dirección de arte y el enfoque en el terror familiar por encima del espectáculo digital.
LAST EXIT TO BROOKLYN/ Última salida, Brooklyn
Género
Drama | Años 50. Prostitución. Homosexualidad. Familia. Historias cruzadas
Sinopsis
Oscuro y violento drama, con escenas realmente duras, que retrata los ambientes de marginación y violencia que sufre el barrio de Brooklyn durante los años cincuenta. El realizador, que ya había mostrado el mundo de las drogas en la descorazonadora «Christianne F.», se rodeó de un reparto americano que ayudó a distribuir internacionalmente su film.
(Uli Edel, 1989)
CRITICAS
Película cruda y realista, basada en una novela de Hubert Selby, la cual inspiró también a Darren Aronofsky para la creación de su obra maestra Requiem por un sueño (encontrareis seguro similitudes con algunas de las escenas de ésta).
Parece mentira que existiera tal situación de marginalidad en aquellos tiempos por la tierra de «la libertad» donde la pobreza, el crimen más inhumano, y la prostitución estaban a la orden del día y a la vista de todos.
La fotografía deja que desear, pero el guión y las interpretaciones son notables.
Película a mi parecer influenciada por el cine indie de los 70, puede llegar a impactar a los más sensibles, pero que no se deben perder los amantes de largometrajes como Requiem, Taxi driver, Teniente corrupto, o Buffalo 66.
Desde muy chico le llamaron “Cubby” (Cachorrito) y quizás nadie imaginó nunca el infierno por el que tendría que pasar este simpático muchacho bautizado como Hubert Selby jr., quien a los 15 años abandonó la escuela para ponerse a trabajar en la marina mercante donde contrajo una tuberculosis que hizo temer por una muerte rápida. Pero contra el pesimista vaticinio de los médicos, el joven Selby sobrevivió, aunque un nuevo experimento con algunos fármacos que le recetaron, lo llevó a una cirugía en la que perdió un pulmón, quedando así con problemas respiratorios para el resto de su vida.
El uso de heroína y de tranquilizantes para la depresión lo convirtieron en adicto, pero contra todo, Selby consiguió hacerse con una buena esposa que trabajaba para mantenerlo y con ella tuvo una hija, ayudándole ambas a sobrellevar sus penas. Ante la imposibilidad de conseguir un trabajo estable, Selby empezó a hacer remembranza de sus vivencias en Brooklyn… y entonces se dedicó a escribir.
Surgieron primero, historias cortas como “La reina ha muerto” y “Tralala”, entre otras, que publicó en diversas revistas hasta que, llegado el año 1964, y por sugerencia del escritor y amigo Amiri Baraka, Selby entremezcló varios cuentos -incluidos los antes mencionados- y los convirtió en su primera novela, la cual publicó con el titulo, “Last exit to Brooklyn”, que muchos aplaudirían, pero que sería llevada a juicio por el gobierno inglés, acusándola de obscenidad. Escritores notables como Anthony Burgess y Allen Ginsberg, entre otros, salieron en su defensa… y por fin la novela pudo seguir su curso contra sus muchos detractores.
Llegado el año 1989, es el director alemán Ulrich Edel (Uli Edel en EEUU) mundialmente conocido por su filme anterior “Christiane F”, quien, con guión de Desmond Nakano, decide llevar al cine la polémica obra de Hubert Selby jr. ¿El resultado? Una historia que plasma un pequeño infierno –muy doloroso pero real- en el Brooklyn de 1952, donde se combinan los soldados de una base militar, las prostitutas que van en busca de su dinero, los travestis que saben que hay gustos para todo, y los perseverantes sindicalistas que, con una huelga que lleva ya seis meses, tienen paralizada la Brickman Metals Co.
Y, cual fantasmas que aparecen y desaparecen para ejecutar órdenes de ¡quién sabe que fuerzas!, una pandilla de jóvenes liderada por un tal Vinny, estará mediando entre todos, para dar una lección a los soldados que fomentan la prostitución de Tralala… para hacer realidad los más retorcidos deseos del desubicado miembro del sindicato, Harry Black… para castigar severamente el descarrío… y hasta para intentar desalentar a la rubia y seductora Tralala, cuyas travesuras ya suman bastantes víctimas.
Pero en este infierno, también hay un resquicio por el que se entra el amor… y contra todo, habrá seres que brindan cariño, que se proponen convertirse en esperanza, y que están dispuestos a que, ese hálito de luz, encienda una antorcha en tan amargo pueblo.
En, “ÚLTIMA SALIDA, BROOKLYN”, la vida luce con marcada desesperanza, pero contra todo, se preserva viva esa necesaria consideración que se merecen sus personajes. Se recrean situaciones donde algunos hombres, por extraños actos de inconciencia tiran por la borda todo lo bueno que la vida les ha dado, pero se deja ver esa luz que preserva la existencia y que, pase lo que pase, sigue haciendo la vida digna de ser vivida.
También yo creo que hay aquí un libro y un filme muy necesarios, porque dan cuenta efectiva de la ley de resonancia, y sobre todo, porque nos enseñan a ver, con alma grande, las liviandades ajenas.
LIPSTICK/Lápiz de labios – Edición coleccionista
Género
Drama | Abusos sexuales
Sinopsis
Chris encuentra trabajo como modelo en Nueva York y se instala, junto a su hermana, en un apartamento. Una tarde, la joven acude a la casa con un hombre. Su invitado empieza a jugar con bufandas y lo que en un principio parece una broma, se convierte en una violación
(Lamont Johnson, 1976)
CRITICAS
Buena película. El profesor de Mariel está muy bien actuado. Mariel ya mostraba que sus cualidades actorales eran mejores que las de su hermana.Es una historia simple con una pequeña vuelta que hace que el espectador mantenga su atención y reciba una pequeña sorpresa que no se esperaba. Película que tiene ya sus buenos años. Se puede ver, no innova demasiado pero no aburre y satisface a los que ansian justicia.
Película interesante. Sobre todo por las leyes sobre los violadores que existían en los años 70 y la disponibilidad de algunos jurados para poner libres a estas personas.
Polémica e intensa cinta que recorre la vida de dos hermanas, que son brutalmente violadas por la misma persona. Una persona que aparentemente es un amigo y que se entremezcla en la vida de las dos jovenes. ¿Hasta dónde puede llegar la conciencia de una persona?, ¿Cual es el grado máximo que una persona puede soportar? y ¿qué está dispuesto hacer en estos casos?. Una película para reflexionar y mirarla desde muchos puntos de vista.
LO QUE EL VIENTO SE LLEVO – EDICION 4K UHD METALICA
Género
Drama. Romance. Aventuras | Guerra de Secesión. Siglo XIX. Drama romántico. Drama sureño. Cine épico
Sinopsis
Georgia, 1861. En la elegante mansión sureña de Tara, vive Scarlett O’Hara (Vivien Leigh), la joven más bella, caprichosa y egoísta de la región. Ella suspira por el amor de Ashley (Leslie Howard), pero él está prometido con su prima, la dulce y bondadosa Melanie (Olivia de Havilland). En la última fiesta antes del estallido de la Guerra de Secesión (1861-1865), Scarlett conoce al cínico y apuesto Rhett Butler (Clark Gable), un vividor arrogante y aventurero, que sólo piensa en sí mismo y que no tiene ninguna intención de participar en la contienda. Lo único que él desea es hacerse rico y conquistar el corazón de la hermosa Scarlett
(Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood, 1939)
Posición en rankings FA
22 Mejores películas de los años 30
29 Mejores películas de aventuras
34 Mejores películas románticas de la historia del cine
Premios
1939: 10 Oscars (8 competitivos +2 honorarios), inc. mejor película y actriz (Leigh). 13 nom.
1939: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz (Vivien Leigh). 3 nominaciones
Casi 4 horas de cine de leyenda. El enorme y multi-generacional éxito de esta excelsa obra tiene una simple explicación: pocas películas cautivan igual con una historia tan arrebatadoramente repleta de amor, odio, amistad, aventuras, guerra, familia… una fábrica de provocar sentimientos, lágrimas y sonrisas. Un clásico irrepetible.
LOS FABULOSOS BAKER BOYS – EDICION COLECCIONISTA
Género
Drama | Música
Sinopsis
Jack Baker y su hermano Frank trabajan desde hace muchos años como pianistas en salas de fiestas. Como todos los músicos han pasado por buenos y malos momentos, pero una noche su actuación es un fracaso tan estrepitoso que acaban siendo despedidos. Es entonces cuando se les ocurre la idea de contratar a una cantante para relanzar su espectáculo
(Steve Kloves, 1989)
CRITICAS
En el panorama cinematográfico actual, con guiones-basura que no tienen detrás nada más que la “nada más absoluta” y sometido a la tiranía de los efectos especiales, encontrar un film honesto como “Los fabulosos Baker boys” con una dirección competente que utiliza una narrativa clásica, sustentada en un excelente guión, se transforma en todo un estimulante hallazgo que nos devuelve la ilusión por una forma de hacer cine que creíamos desaparecida para siempre.
Partiendo de una premisa atractiva, -dos hermanos que actúan en salas de fiesta como pianistas contratan a una cantante para que revitalice y relance su espectáculo-, que pudo acabar una vez más en un producto vació de contenido, el film se eleva con facilidad y nos ofrece un interesante estudio sobre la condición humana. La delgada línea que separa el éxito del fracaso, los sueños que perdemos a jirones a lo largo del camino, la dificultad para comunicarnos y la imposibilidad de alcanzar la felicidad son los ejes básicos de su discurso. Con unas interpretaciones memorables de los hermanos Jeff y Beau Bridges destaca, sin embargo, la deslumbrante “performance” de una Michelle Pfeiffer pletórica que firma su mejor interpretación hasta el momento.
Dando un autentico recital como actriz, valiente a la hora de asumir el riesgo de cantar, aún le quedan agallas para ofrecernos un numero fascinante -su sensual actuación cantando con un precioso vestido rojo sobre el piano que toca J. Bridges- que ha pasado por derecho propio a la iconografía del cine. Sencillamente inolvidable.
Profundamente triste y romántico, cáustico y agridulce a partes iguales, sin hacer concesiones gratuitas a la galería es, sin duda, uno de los films más interesantes y bellos del cine americano de los últimos años, y deja en evidencia a aquellos que opinan que las buenas historias no interesan a nadie, olvidando que lo clásico es siempre lo más moderno. Imprescindible para cinéfilos nostálgicos.
Los olvidados
Género
Drama | Drama social. Pobreza. Infancia. Película de culto
Sinopsis
El Jaibo es un adolescente que escapa de un correccional y se reúne en el barrio con sus amigos. Unos días después, el Jaibo mata, en presencia de su amigo Pedro, al muchacho que supuestamente tuvo la culpa de que lo enviaran al reformatorio. A partir de entonces, los destinos de Pedro y el Jaibo estarán trágicamente unidos
(Luis Buñuel, 1950)
CRITICAS
Una película redonda en la que Buñuel toma los postulados de ese cine realista tan de actualidad en la época pero haciéndolo completamente suyo (esto es, un Buñuel realista pero Buñuel antes que nada). Con ella pudo acometer un proyecto a la altura de su categoría tras algunas obras menores.
Una película seca, vigorosa y tan obsesiva y cruda como pueda ser lo mejor del director.
Tuvo muchas reacciones en contra por ennegrecer innecesariamente México (a pesar del discursito inicial que mete Buñuel creo que para que la película molestara menos, o para justificar lo que venía, más que para plantear la cuestión como un problema universal). Aún así, como digo, no se libró de críticas: que si no era mexicano, que si ofendía gratuitamente…
Buñuel se defendió afirmando que lo que sale en la cinta sí existía (estuvo unos meses visitando y empapándose de esos barrios, consultó casos en los archivos del Tribunal de Menores…). Por tanto por ahí trató de dar una visión realista, usando para ello actores no profesionales (algunos personajes son actores pero otros son campesinos, gente sacada de una granja-escuela etc.), reflejando sus sensaciones sobre lo que le rodeaba y tratando una importante problemática social (reclamando soluciones desde la base) mostrándola, según sus palabras, sin juzgar a los personajes.
LOS VISITANTES
Género
Drama. Thriller | Guerra de Vietnam
Sinopsis
Bill Schmidt (James Woods) y Martha Wayne (Patricia Joyce) son una joven pareja que pretende independizarse económicamente del padre de ella (Patrick McVey), un conocido novelista de westerns, que no oculta su clara animadversión hacia Bill. Un día la pareja recibe una inquietante visita: Tony Rodríguez (Chico Martínez) y Mike Nickerson (Steve Railsback), sargento de Bill en Vietnam, acaban de salir de la cárcel, tras cumplir una condena debido a una denuncia que Bill presentó contra ellos.
(Elia Kazan, 1972)
CRITICAS
La película se estrena en España en pleno florecimiento de los cine clubes y las salas de “arte y ensayo” en los que se teorizaba mucho sobre el cine y ayudaban a entender films como “El empleo” de Ermanno Olmi (paradigma de las películas de cine-club) lógicamente con gente joven, pues sus madres y tías, preferían reírse con las de Cantinflas y Louis de Funes; o las de Grace Kelly, con casas elegantes, jardines cuidados y gente bien vestida. Dicho esto sin ninguna burla.
La guerra de Vietnam sigue en curso, lleva varios años y está costando entre otras desgracias muchas vidas, pero también genera mucha oposición, tanto en los EEUU como en otros países, porque es una guerra imperialista sin excusas ni disimulo.
En las críticas de los periódicos y revistas de la época, ya se explica que la obra trata sobre las consecuencias de dicho conflicto bélico, en suelo norteamericano. Tambien se hacía referencia a los actores protagonistas, nada de astros de Hollywood. En concreto, uno ni siquiera actor aficionado, sino un taxista portorriqueño de Nueva York. Evidente que este dato reflejaba que las pretensiones eran distintas a la moda general de la industria del cine.
Con esta premisa, los espectadores podían entender la película, que por otra parte era muy distinta a las de entretenimiento. Y quien pensaba que se trataba de una de aventuras, salia decepcionado cuando menos.
Se desarrolla en un ambiente cerrado (una casa en la zona rural de EEUU, en invierno, con frio y nieve) Es el encuentro entre la familia que vive allí con dos soldados que acaban de salir de la cárcel por un crimen cometido en VietNam.
En buena parte se presenta como el encontronazo entre varios tipos de vida o manera de entender el mundo. Y como no puede ser de otra manera, la violencia de la guerra lejana, no empieza y termina en Vietnam y sus combatientes, sino que se traslada al centro geográfico de EEUU, aparentemente aislado de las batallas.
MARIA ESTUARDO
Género
Drama | Histórico. Siglo XVI
Sinopsis
Inglaterra, siglo XVI. Después de enviudar, María Estuardo abandona Francia y regresa a Escocia, dispuesta a ocupar el trono del que es heredera. Pero los conflictos se acumulan: la nobleza le es hostil, empezando por su hermanastro el conde de Moray, y, además, su apego al catolicismo choca con la fe que predica John Knox, fundador de la Iglesia presbiteriana de Escocia. Por otro lado, su prima Isabel Tudor, hija ilegítima de Enrique VIII, teme que reclame su derecho a la corona inglesa. Su único aliado es el conde Bothwell, comandante de las tropas escocesas, de quien se enamora, aunque por razones de estado tendrá que casarse con Lord Danley, que no tardará en morir asesinado
(John Ford, 1936)
CRITICAS
Reina de Escocia de 1542 a 1567, María Estuardo tuvo un gran peso en la historia de Inglaterra como mujer aguerrida, fiel a sus principios y leal a sus inclinaciones. Hija de Jacobo V de Escocia y de María Guisa, fue reina desde los nueve meses de edad y se cuenta que, en el momento en que el cetro real fue puesto en sus pequeñas manos, ella lo atrapó como si no fuera a soltarlo durante el resto de su vida. Tras muchos días grises con el asedio de Enrique VIII, María es llevada de un lugar a otro para protegerla y así terminará casada con el enfermo delfín Francisco, con el fin de asegurarle la protección del rey de Francia, quien además se encargaría de su educación.
Desde los 5 hasta los 18 años, vivió María Estuardo en la corte de Francia, atendida por dos lores, las cuatro bellas Marías (hijas de nobles familias escocesas), y con la compañía de sus dos hermanastros. Aprendió varios idiomas y finalmente se casó con Francisco en 1558, cuando ella cumplía 16 años. Tras la muerte de Enrique II, se convirtió en reina de Francia, y era sucesora al trono inglés, pues la actual reina, Isabel I, no tenía hijos… María parecía llamada a tener siempre una corona en su cabeza. Muerta su madre, fallecido su esposo Francisco, y tras haberse retirado el ejército francés de Escocia, la joven reina decide regresar a su tierra en 1561, para hacer parte de un gobierno dividido por las religiones.
Y aquí empieza el filme de John Ford, basado en una obra escrita para el teatro por Maxwell Anderson, y con un guión de Dudley Nichols que eliminó las rimas de Anderson, pero que no aportó mucho para hilvanar una historia que se saliera de los aposentos. Así, el filme resulta bastante hablado y con muy poco relieve en los diálogos, las situaciones conservan en mucho su teatralidad y sólo la magnética presencia de una Katharine Hepburn que embellece a un personaje, que físicamente no lo fue tanto, logra mantener el interés por una historia en la que el conflicto es bastante plano y donde se malogra a una figura histórica de grandes magnitudes y que daba para situaciones de enorme fuerza dramática. Fredrich March hace también una aceptable segunda en el rol de Bothwell, pero Isabel I resulta muy sosa y malograda, sabida la fuerza e impetuosidad que tuvo este personaje en la historia.
Ford se cuida de decir claramente entre cuales religiones se da el conflicto; no da razones precisas para que María rechace a Bothwell para casarse con el blandengue de Darnley; le resulta “mágica” la escena en que María arroja a la hoguera la hoja que le dan para que firme, enseguida Ruthven la rescata hecha cenizas, la envuelve entre sus manos, y en el siguiente plano la abre intacta sobre la mesa.
Se le abonan algunos aciertos en la iluminación y la escena del breve juicio que está muy bien lograda. Pero quedamos en deuda, porque Ford tuvo entre sus manos dos intensos personajes y a dos grandes actores, pero el eco de este filme no va más allá de algunos metros.
Mars Attack – EDICION COLECCIONISTA
Género
Ciencia ficción. Comedia | Parodia. Extraterrestres. Comedia negra. Película de culto
Sinopsis
Parodia de los filmes de ciencia ficción de los años 50. Unos platillos volantes procedentes de Marte sobrevuelan todas las capitales del mundo. La población, aterrada, espera conocer sus intenciones. Al presidente de los Estados Unidos, su asesor científico le asegura que serán absolutamente pacíficas. Sin embargo, sus asesores militares le aconsejan que aniquile a los marcianos antes de que sea demasiado tarde
(Tim Burton, 1996)
Premios
1996: Satellite Awards: 4 nominaciones incluyendo Mejor actor comedia (Nicholson)
1996: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor actriz revelación
CRITICAS
Tim Burton es uno de esos autores con un don para narrar y representar situaciones sobrenaturales que sobrepasan los límites de lo imaginable.
En esta sorprendente cinta de 1996, reunió para este proyecto a todo un elenco de lujo, encabezados por los experimentados Jack Nicholson (jugando un doble papel) y Glenn Close, y secundados de manera harto brillante por una inconmesurable Annete Bening, un más que correcto Pierce Brosnan, una magnífica Sarah Jessica Parker, y un sorprendente Michael J. Fox que recuerda horrores al mejor Tom cruise y por último, una incipiente promesa posteriormente confirmada, la bellísima Natalie Portman.
Lo primero de todo decir que ésta no es una película de ciencia ficción, ni siquiera un anteproyecto de ello…
Burton idea esta sátira fabulosa como una especie de crítica ácida y sarcástica sobre el tipo de vida en nuestro planeta y la progresiva aceleración del mismo.
Como siempre cada situación generada rebosa los límites de la más imaginativa de las mentes humanas, con una brillantez en la exposición, nudo y desenlace que no hace sino confirmarnos una vez más que estamos delante de uno de los directores más brillantes del celuloide, y por supuesto con mucho el más inspirado en el campo de la fantasía romántica.
Una crítica sutil sobre la excesiva confianza en la ciencia con fines provechosos para la humanidad encarnada sobre todo en el personaje representado por Pierce Brosnan dentro de la comitiva troope de la que se hace acompañar habitualmente el presidente de la nación líder.
Una crítica mordaz hacia la obtusa mentalidad en la parte alta de la vieja jerarquía militar siempre predispuesta a aquella consigna preventiva tan americana: «… to secure peace is to prepare for war».
Una descarada crítica hacia el poder fáctico más asquerosamente tendencioso, cual es el de la prensa creadora de opinión y no descriptiva de lo objetivamente acaecido, siempre al lado de una facción política.
Una divertidísima alusión, no diría crítica al mundo de los aún utópicos que sueñan con un mundo imposible, esto es el de la justicia y la igualdad.
En fin que merece la pena visionar esta cinta como lo que realmente es, una gamberrada divertidísima de Burton, sin perder ni un ápice del habitual y cuidado estilo de este personalísimo y oscuramente elegante cineasta, genio entre los genios.
E X C E L E N T E.
MEMENTO – EDICION 4K UHD + BLURAY
Género
Thriller. Intriga | Crimen. Venganza. Neo-noir. Película de culto. Cine independiente USA
Sinopsis
La memoria de Leonard, un investigador de una agencia de seguros, está irreversiblemente dañada debido a un golpe sufrido en la cabeza cuando intentaba evitar el asesinato de su mujer: éste es el último hecho que recuerda del pasado. La memoria reciente la ha perdido: los hechos cotidianos desaparecen de su mente en unos minutos. Así pues, para investigar e intentar vengar el asesinato de su esposa tiene que recurrir a la ayuda de una cámara instantánea y a las notas tatuadas en su cuerpo.
(Christopher NOLAN, 2000)
Posición en rankings FA
30 Mejores películas del siglo XXI
42 Mejores thrillers de la historia del cine
46 Mejores películas de intriga
Premios
2001: 2 nominaciones al Oscar: Mejor guión original y mejor montaje
2001: Nominada al Globo de Oro: Mejor guión
2001: Festival de Sundance: Mejor guión. 2 nominaciones
2001: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor guión
CRITICAS
Brillante, absorbente y complejo thriller que relata la historia de Lenny, un investigador de seguros entregado de manera obsesiva a una única misión: dar caza al hombre que asesinó a su esposa. El camino que deberá seguir Lenny para cumplir su misión no estará exento de dificultades debido a la extraña enfermedad mental que padece.
Bajo mi punto de vista, el mayor logro de Memento es la capacidad que demuestra Christopher Nolan para transmitir al espectador la confusión y el desasosiego que sufre el protagonista debido a su enfermedad. Para ello, relata una interesante trama criminal haciendo uso de una estructura narrativa no lineal perfectamente construida. El conjunto conforma un film fascinante y complejísimo que exige al espectador la máxima atención. Posteriores visionados nos permitirán atar todos los cabos y descubrir… ¿el engaño de Nolan?
Christopher Nolan ha demostrado ser un director y guionista versátil e inteligente que desde sus comienzos se ha ganado el respeto de millones de espectadores con su gran puesta en escena, siendo capaz incluso de revivir a un “Batman” enterrado por Joel Schumacher.
Guy Pearce demostró estar a la altura del magnífico guión (se pensó en Alec Baldwin para interpretar al protagonista.) dotando al personaje de esa frialdad, tristeza y coraje que necesita y los secundarios Carrie-Ann Moss y Joe Pantoliano excepcionales.
Resulta increíble que pasado 7 años esta obra de culto grabada en tan solo 25 dias, siga resultando innovadora, fascinante, original, brillante, efectiva y por si todo esto fuese poco entretenida sin decaer el interés en ningún momento . Y es que la historia crece en intensidad desde el desconcierto incial hasta el “final-principio” sin que decaiga el interés en ningún momento.
Imprescindible propuesta que plasma magistralmente la terrible experiencia vital de quien carece de recuerdos.
MIEDO AZUL
Género
Terror | Hombres lobo. Años 70
Grupos
Adaptaciones de Stephen King
Sinopsis
El horripilante descubrimiento de cadáveres mutilados perturba la paz de Tarker’s Mills, una pequeña población de Estados Unidos. El joven Marty Coslaw, convencido de que el culpable es un hombre lobo, consigue la ayuda de su hermana para buscarlo.
(Daniel Attias, 1985)
CRITICAS
En 1983, Stephen King publicó una novela corta titulada ‘El ciclo del hombre lobo’ (‘Cycle of the werewolf’), con una longitud en verdad inusitada, teniendo en cuenta a lo que nos tiene acostumbrados el escritor. Dos años adelante, se volvería a publicar en edición de bolsillo con el título cambiado, pasando a denominarse ‘Silver Bullet’, para coincidir con la adaptación cinematográfica que nos atañe en estos momentos.
La acción transcurre a lo largo de un año, en el que se investigan los asesinatos cometidos en fechas muy remarcadas, que solían coincidir con luna llena. Simple pero efectivo. Solo decir que toda esta organización se la saltan a la torera en la película. Pero tranquilos, no pongáis las manos sobre la cabeza. Stephen King estaba al tanto de todo ello. No sólo eso, sino que fue él quien se encargó del guión, estando harto de las “licencias” que se tomaban otros con su obra. Esta producción, sin embargo, no estaría exenta de problemas.
No era una mala época para las películas de hombres-lobo, teniendo como puntos de referencia a ‘Aullidos’ (‘The Howling’, Joe Dante, 1981) y ‘Un hombre lobo americano en Londres’ (‘An American WereWolf in London’, John Landis, 1981). Don Coscarelli fue el asignado detrás de las cámaras para llevar a cabo esta adaptación, que por problemas de diseño del traje de hombre-lobo, tuvo que empezar a rodar las escenas sin la criatura al principio. Acabadas estas escenas y sin resolver nada al respecto, el director abandona el proyecto, para que sea Daniel Attias quien lo retome.
Esta sería la única película de Attias, quien pasaría a trabajar en series, participando en grandes nombres dentro de la pequeña pantalla, las más recientes ‘Perdidos’, ‘El séquito’, ‘House’ o ‘Homeland’. Tras varias discrepancias con el diseño original del hombre-lobo, al final se aceptó este para poder seguir adelante con la película, obra de Carlo Rambaldi. El traje aún daría mucho que hablar y sería una de las cosas que se diría en contra de la película. Sin embargo, no es de trajes de lo que esta obra se nutre.
MIEDO AZUL – BLU RAY + EDICION METALICA
Género
Terror | Hombres lobo. Años 70
Grupos
Adaptaciones de Stephen King
Sinopsis
El horripilante descubrimiento de cadáveres mutilados perturba la paz de Tarker’s Mills, una pequeña población de Estados Unidos. El joven Marty Coslaw, convencido de que el culpable es un hombre lobo, consigue la ayuda de su hermana para buscarlo.
(Daniel Attias, 1985)
CRITICAS
En 1983, Stephen King publicó una novela corta titulada ‘El ciclo del hombre lobo’ (‘Cycle of the werewolf’), con una longitud en verdad inusitada, teniendo en cuenta a lo que nos tiene acostumbrados el escritor. Dos años adelante, se volvería a publicar en edición de bolsillo con el título cambiado, pasando a denominarse ‘Silver Bullet’, para coincidir con la adaptación cinematográfica que nos atañe en estos momentos.
La acción transcurre a lo largo de un año, en el que se investigan los asesinatos cometidos en fechas muy remarcadas, que solían coincidir con luna llena. Simple pero efectivo. Solo decir que toda esta organización se la saltan a la torera en la película. Pero tranquilos, no pongáis las manos sobre la cabeza. Stephen King estaba al tanto de todo ello. No sólo eso, sino que fue él quien se encargó del guión, estando harto de las “licencias” que se tomaban otros con su obra. Esta producción, sin embargo, no estaría exenta de problemas.
No era una mala época para las películas de hombres-lobo, teniendo como puntos de referencia a ‘Aullidos’ (‘The Howling’, Joe Dante, 1981) y ‘Un hombre lobo americano en Londres’ (‘An American WereWolf in London’, John Landis, 1981). Don Coscarelli fue el asignado detrás de las cámaras para llevar a cabo esta adaptación, que por problemas de diseño del traje de hombre-lobo, tuvo que empezar a rodar las escenas sin la criatura al principio. Acabadas estas escenas y sin resolver nada al respecto, el director abandona el proyecto, para que sea Daniel Attias quien lo retome.
Esta sería la única película de Attias, quien pasaría a trabajar en series, participando en grandes nombres dentro de la pequeña pantalla, las más recientes ‘Perdidos’, ‘El séquito’, ‘House’ o ‘Homeland’. Tras varias discrepancias con el diseño original del hombre-lobo, al final se aceptó este para poder seguir adelante con la película, obra de Carlo Rambaldi. El traje aún daría mucho que hablar y sería una de las cosas que se diría en contra de la película. Sin embargo, no es de trajes de lo que esta obra se nutre.
MUÑECO DIABOLICO
Género
Terror | Slasher. Asesinos en serie. Muñecos. Película de culto. Vudú
Grupos
Chucky / Muñeco Diabólico
Sinopsis
El vudú y el terror se apoderan de un muñeco de aspecto inocente habitado por el alma de un asesino en serie. Cuando Andy Barclay, un niño de seis años de edad, asegura que “Chucky”, su nuevo muñeco, ha arrojado violentamente por la ventana a su niñera, nadie le cree. Pero una larga serie de horribles asesinatos conduce al detective que se ocupa del caso hasta el muñeco y, entonces, descubre que el auténtico terror no ha hecho más que empezar. El malvado muñeco pretende transferir su diabólico espíritu a un ser humano, y el pequeño Andy parece ser el candidato perfecto
(Tom Holland, 1988)
CRITICAS
Esta película es todo un clásico, se trata del nacimiento de uno de los asesinos mas conocidos del mundo del cine, el muñeco diabólico. De todos los que hay (Jason, Freddy, Michael…) Chucky siempre ha sido mi preferido porque sus películas son divertidísimas. Me encanta ese humor negro y macabro del muñeco y además siempre mata a los personajes cargantes de la película.
Esta primera entrega, no obstante, se centra más en el terror y el suspense que en el peculiar humor del muñeco. Hay más intriga e investigación policial que asesinatos. Además, en esta entrega es la única donde Chucky no asesina al azar, tiene motivos concretos para matar a sus víctimas.
La ambientación también es la más tenebrosa de la saga. Una ciudad en pleno invierno, oscura y amenazante es el escenario perfecto para que Chucky haga de las suyas. No se pueden alabar tanto las interpretaciones pues flojean un poco y ninguno de los personajes llegan a convencer pero, ¿que importa?, la mayoría son carne de cañón para nuestro asesino.
En definitiva, gran película de suspense que nos muestra los orígenes del muñeco, el film mas serio de toda la saga (aunque se echan de menos mas bromas macabras de Chucky) que te mantendrá pegado al asiento hasta el final. Recomendado
NOCHE DE BODAS 2
Género
Thriller. Terror. Intriga. Comedia | Secuela. Comedia negra. Slasher. Familia
Sinopsis
Momentos después de sobrevivir a un ataque de la familia Le Domas, Grace descubre que ha alcanzado el siguiente nivel del juego, y esta vez acompañada por su hermana Faith, con quien mantiene una relación distante. Grace tiene una oportunidad para sobrevivir, mantener con vida a su hermana y reclamar el Alto Trono del Consejo que controla el mundo. Cuatro familias rivales la persiguen para hacerse con el trono, y quien gane lo gobernará todo.
(Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett, 2026)
CRITICAS
Cuando parecía que todo había terminado para Grace, la muerte de los Le Domas fue el detonante de algo mucho más grande. La película da a conocer a otras familias iguales de poderosa y con un pacto hacia Le Bail.
El objetivo principal de estas familias es apoderarse del trono de su organización y solo pueden conseguirlo cazando a Grace. En la película anterior los Le Domas eran los gobernantes de la industria de juegos de mesa, pero algo que la secuela da a entender es que eran mucho más que eso. Resulta que los Le Domas eran uno de los pilares que sostenían la organización y su muerte provocó un efecto que compromete el alto cargo que ha estado bajo la custodia de Chester, el patriarca de la familia Danforth.
The Lawyer es un personaje que actúa como el portavoz de Le Bail y es quien brinda las reglas importantes de la organización. Este personaje es quien brinda toda la información esencial para entender la película.
Existen reglas que deben cumplirse para que ningún miembro de la sociedad satánica pierda la vida por desacato.
La película anterior dejó en claro que existen reglas estrictas una vez habiendo pactado con Le Bail y que incumplirlas significa una sentencia de muerte.
La historia continua justo en el momento que termino la película anterior de 2019, Grace que fue la única superviviente tras escapar de la familia Lomas en el ritual satánico que tenían dispuesto para su noche de bodas.
Se encuentra en el hospital tras las heridas sufridas, allí aparece su hermana con la que no tenía mucho contacto desde hace unos años, sin embargo lo que hizo Grace va a tener consecuencias ya que tendrá que enfrentarse a una elite de familias poderosas y nuevamente volver a jugar y sobrevivir esta vez junto a su hermana hasta que amanezca.
Expandiendo la misma idea que su predecesora, nos encontraremos con muchos más personajes curiosos consolidando a Samara Weaving como una auténtica Final Girl llena de carisma y energía radiante que junto a Kathryn Newton (Este cuerpo me sienta de muerte, Abigail) forman un dúo muy simpático entre las dos hermanas.
Las escenas truculentas se suceden así como el humor negro y situaciones absurdas con algo de gore, repiten los directores de la primera Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett manteniendo su tono sin tomarse las cosas demasiado en serio, algo que funciona en las dos partes muy bien.
Tensión constante en esta secuela, llena de sangre con un ritmo sin pausa tremendamente divertida que no defraudará a los seguidores del género.
PACK Billy Wilder – 4 GRANDES PELICULAS
- Días sin huella
- Traidor en el infierno
- CON FALDAS Y A LO LOCO
- Billy Wilder habla
PACK LOS 7 MAGNIFICOS – EDICION COLECCIONISTA
Género
Western. Aventuras | Remake. Amistad. Buddy Film
Grupos
Los siete magníficos
Sinopsis
Los humildes habitantes de un pueblo mexicano, que viven modestamente de la agricultura, se hallan a merced de una despiadada banda de forajidos que constantemente les exigen un pago por sus cosechas. Como ellos no saben defenderse, deciden contratar los servicios de siete pistoleros, siete implacables mercenarios cada uno con una habilidad especial en el manejo de las armas.
CRITICAS
Es verdad que se parece bastante a la original de Akira Kurosawa, sobretodo en la personalidad de los samuráis y en muchos diálogos, pero esta versión se hace mucho más amena por que no es tan larga y por lo tanto no tarda tanto en empezar la acción.
Puede que no sea el mejor western de la historia y será tan buena como la original, pero sí que es una de las películas más divertidas que he visto. A destacar la banda sonora, la cual está entre las 25 mejores de la historia del cine, y el gran reparto en el que todos intentaban eclipsar al protagonista, Yul Brynner (la única gran estrella en esa época), sobretodo la promesa Steve McQueen.
Algunos sólo quieren o alcanzan a ver aquí un remake de “Los siete samuráis” de Kurosawa, pero este western nada más que toma la raíz de su argumento, y Sturges consigue darle una personalidad propia ofreciéndonos otras cosas.
Las motivaciones de los protagonistas son sólo en parte altruistas, pero en el fondo los siete buscan una digna redención a sus vidas, que conseguirán únicamente mediante el ritual válido, efectivo y determinante en el Oeste: la violencia, la dialéctica de la pólvora.
También vemos cómo se toca el tema del racismo que imperó (y ha seguido imperando hasta hace poco relativamente) en todo Estado Unidos. El exterminio del indio americano fue un crimen totalmente planeado y calculado por parte del hombre blanco. Ya lo decía el general Sherman: “Sólo conozco a un indio bueno: el indio muerto”. En esta película asistimos a una escena de gran tensión, al principio, que empieza así:
Viajero: ¿Desde cuándo no dejan aquí enterrar a los indios en el cementerio?
A sus detractores decirles que esta película está considerada como el principio del fin del western clásico dando pie a otras obras como el spaghetti western de Sergio Leone y otras. Transformó la idea típica del cowboy, que siempre es el héroe y siempre se lleva el dinero y la chica, en un pobre hombre sin pasado ni futuro que es capaz de ayudar al prójimo por la amistad, la emoción de la experiencia o simplemente por la satisfacción de hacer lo correcto.
Como curiosidad decir que es la segunda película más repetida en la televisión americana y que posteriormente se rodaron tres secuelas y una serie de televisión, aunque no con el mismo éxito.
PARO CLINICO
Género
Drama. Comedia | Medicina
Sinopsis
Cuando el doctor Peter Morgan (Sutherland) comienza su período de prácticas en un hospital para veteranos, su único deseo es conseguir el título y montar una lucrativa consulta. Lo que ignora es que tendrá que enfrentarse a un frondoso laberinto burocrático donde la salud de los pacientes queda supeditada a todo tipo de consideraciones administrativas y políticas. La situación se complica cuando comienza a trabajar con un grupo de médicos inconformistas, capitaneados por el doctor Richard Sturgess (Liotta), que creen haber encontrado la fórmula para saltarse las normas a la torera y dedicarse a salvar vidas sin que los pillen.
(Howard Deutch, 1992)
CRITICAS
Buena película de principios de los 90 con actores muy solventes y situaciones tristemente reales. Liotta y Shuterland crean unos personajes creibles, al igual que el resto de los secundarios (Whitaker,Thompson.Wallach…).
Gran ambientación y mezcla de drama con toques cómicos con cuentagotas, porque el tema es demasiado serio para bromas.
Una pelicula llena de corazón, nos muestra una cruda realidad; nos inspira a ayudar, y nos demuestra que siempre podemos hacer algo más por nuestros semejantes…