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Clasico
AKIRA – Edicion Limitada Coleccionista 4K UHD + BLURAY
El precio original era: 82,22 €.81,01 €El precio actual es: 81,01 €. *IVA IncluidoGénero
Animación. Ciencia ficción. Acción. Thriller | Cyberpunk. Thriller futurista. Futuro postapocalíptico. Holocausto nuclear. Body Horror. Manga. Animación para adultos. Película de culto
Sinopsis
Año 2019. Neo-Tokyo es una ciudad construida sobre las ruinas de la antigua capital japonesa destruida tras la Tercera Guerra Mundial. Japón es un país al borde del colapso que sufre continuas crisis políticas. En secreto, un equipo de científicos ha reanudado por orden del ejército un experimento para encontrar a individuos que puedan controlar el arma definitiva: una fuerza denominada «la energía absoluta».
Pero los habitantes de Neo-Tokyo tienen otras cosas de las que preocuparse. Uno de ellos es Kaneda, un joven pandillero líder de una banda de motoristas. Durante una pelea, su mejor amigo, Tetsuo, sufre un extraño accidente y termina ingresado en unas instalaciones militares. Allí los científicos descubrirán que es el poseedor de la energía absoluta.
Pero Tetsuo, que no se resigna a convertirse en un conejillo de indias, muy pronto se convertirá en la amenaza más grande que el mundo ha conocido.
(Katsuhiro Otomo, 1988)
CRITICAS
Es la película que define el manga a la perfección : violencia , sexo , humor , cyberpunk
Me encanta desde la primera vez que la vi: la historia, la calidad de la animación, la sobresaliente banda sonora (mezcla de punk con melodías clásicas japonesas), las impactantes escenas de acción, los protagonistas (a destacar Akira y Tetsuo, como no). Una obra que se coloca entre las mejores del cine anime, sin duda. Sin embargo, años después de ver la película tuve ocasión de leer el manga, y debo decir que si hubieran sido más fieles a la historia original, incluso teniendo que hacer para ello una saga de películas (ya que el tamaño del manga es considerable) el resultado hubiera sido espectacular.
También hay que reconocer la excelente labor de los animadores dando vida al Neo-Tokyo de la película, con más personalidad que en la obra original y con claras influencias de Blade Runner. A saber, ambiente oscuro, futurista y opresivo mezclado con unas gotas de cyber-punk.
Imprescindible verla, tanto si te gusta el anime como si no, ya que es la llave de acceso para comprender los entresijos de un mundo tan vasto como es el manganime, e igualmente se las recomiendo a los que no sean tan seguidores de este mundillo, ya que al final a nadie deja indiferente.
Es toda una Obra Maestra, con mayúsculas.
AL ESTE DEL EDEN
El precio original era: 25,40 €.24,19 €El precio actual es: 24,19 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Melodrama. Vida rural (Norteamérica). Años 1910-1919. Familia
Grupos
Adaptaciones de John Steinbeck
Sinopsis
Un granjero californiano tiene dos hijos, Cal y Aron, de caracteres muy diferentes, pero ambos compiten por el cariño de su padre. La situación de Cal se complica cuando averigua que, en realidad, su madre no sólo no está muerta, sino que además regenta un local de alterne
(Elia Kazan, 1955)
CRITICAS
Esta película, es la que convirtió a James Dean en una estrella, pasando a ser el icono juvenil de los años 50. Su fuerte y compleja personalidad (introvertida en exceso), como aquel ser humano al que le falta encontrar sus raíces, era muy parecida a la del joven soñador que interpreta en la película. El lenguaje corporal que utiliza es de una fuerza arrolladora, y nos hace entender a la perfección la desorientación en la que se encuentra el personaje. Un gran descubrimiento del denostado Elia Kazan, pero magnífico director sin duda alguna, que vio nominada al Oscar a su película y a su protagonista. Con un guión estupendo, basado en una magnífica novela de John Steinbeck, un escritor que en todas sus obras hace resaltar las carencias del ser humano, pozo inagotable de adaptaciones cinematográficas. La música de Leonard Rosenman es memorable. Una película rodeada de una aureola mítica que ha quedado como el símbolo de una generación.
Adam Trask (Raymond Massey) vive en su rancho de la población californiana de Salinas, es un próspero ganadero que vive con sus dos hijos, Cal (James Dean) y Aron (Richard Davalos) y su inseparable Biblia (en la que parece refugiarse de sus debilidades y carencias). Aron es el hijo preferido de Adam, estudiante modelo, trabajador y razonable. En cambio Cal es un rebelde solitario, todas sus iniciativas son desechadas e incluso recriminadas por su padre, lo que le hace tener una actitud desafiante ante la vida.
Sin embargo los dos hermanos no se odian, como podría creerse, todo lo contrario se aprecian y quieren mucho. Una persona permanece ignorada: la madre. No podemos olvidar el trabajo de Julie Harris (en el papel de Abra), en un principio novia de Aron. Abra por su carácter, será el personaje clave de la película.
AL FINAL DE LA ESCALERA
El precio original era: 39,87 €.38,66 €El precio actual es: 38,66 €. *IVA IncluidoGénero
Terror. Thriller | Sobrenatural. Casas encantadas. Fantasmas. Película de culto
Sinopsis
John (George C. Scott) es un famoso compositor que acaba de perder a su familia de manera trágica y trata de superarlo marchándose a vivir desde Nueva York a una casa apacible y solitaria en Seattle. Sin embargo, al poco de tiempo de instalarse empiezan a suceder cosas extrañas… Hasta que un día descubre una habitación secreta ubicada al final de la escalera
(Peter Medak, 1980)
CRITICAS
Dice la persona con quien volví a ver esta película hace poco que el género de terror no existe. No sé qué es lo que entiende él por género de terror pero para mí no hay dudas. El terror en el cine existe. La cuestión está en saber qué es terror, qué es intriga, qué es simplemente cine fantástico. Cuando una película te aterroriza y no sólo eso, sigue persiguiéndote por los largos pasillos del subconsciente una vez se terminan los títulos de crédito y se instala en tus recuerdos y otorga un poder inquietante a las esquinas, las bañeras, los pavimentos o las mismísimas escaleras, estamos ante lo más grande que existe en el género, estamos ante una auténtica película de terror.
«Al final de la escalera» es un filme soberbio que si ha perdido poder con el tiempo, se debe sobre todo a la cantidad de obras que lo han imitado hasta la saciedad.
Cualquier película de género con casas encantadas bebe de este río o de sus afluentes: lo que diferencia al original del resto es que está tan bien perpetrada que no importan los sustos…lo que pesa es la atmósfera, la cámara subjetiva, los efectos de sonido, toda esa sabia dosificación de ritmo. Actores…una historia elaboradísima, coherente…alternancia entre momentos de tensión, drama, calma…lo tiene TODO.
Imprescindible para ver a oscuras, agarrado/a al brazo de algún buen mozo y con el volumen bien alto. Creo que cualquier amante del cine de este género disfrutará al cien por cien de uno de sus mejores exponentes.
Al Rojo Vivo
El precio original era: 76,23 €.75,02 €El precio actual es: 75,02 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro | Drama carcelario. Crimen
Sinopsis
Después de asaltar un tren que transportaba 300.000 dólares y asesinar a los maquinistas, Cody Jarret y su banda huyen con el dinero, pero son perseguidos por agentes federales que sospechan que Cody es el autor del robo. Una vez preparada una coartada perfecta, Cody se entrega a la policía y es condenado sólo a dos años de prisión; sin embargo, los agentes del Tesoro, convencidos de que fue el cerebro del asalto, le tienden una trampa.
(Raoul Walsh, 1949)
Premios
1949: Nominada al Oscar: Mejor historia
Críticas
«Cagney vuelve a demostrar sus innatas dotes de gran actor en esta vibrante entrega de intriga que supuso uno de los films más violentos del mítico Walsh (…) Llena de fuerza y energía, una de las cumbres del género»
«Dirigida con brillantez por Raoul Walsh, un viejo maestro del cine de matones, vuelve a poner a un James Cagney más sutil en el papel de líder de maleantes que le hizo famoso.»
Al Rojo Vivo
El precio original era: 71,33 €.70,12 €El precio actual es: 70,12 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro | Drama carcelario. Crimen
Sinopsis
Después de asaltar un tren que transportaba 300.000 dólares y asesinar a los maquinistas, Cody Jarret y su banda huyen con el dinero, pero son perseguidos por agentes federales que sospechan que Cody es el autor del robo. Una vez preparada una coartada perfecta, Cody se entrega a la policía y es condenado sólo a dos años de prisión; sin embargo, los agentes del Tesoro, convencidos de que fue el cerebro del asalto, le tienden una trampa.
(Raoul Walsh, 1949)
Premios
1949: Nominada al Oscar: Mejor historia
Críticas
James Cagney vuelve al cine negro y a las películas de gángsters, tras siete años de ausencia para evitar su identificación como actor con este tipo de personajes.
Narra la historia de Arthur «Cody» Jarret, un criminal psicópata, que padece una enfermiza fijación por su madre, Ma Jarret (Margaret Wycherly), que le colma de halagos, le anima en los momentos de abatimiento y le domina tiranicamente.
El protagonista padece, además, ataques de epilepsia y vive obsesionado por la posibilidad de acabar loco como su padre y su hermano. El médico de la prisión le diagnostica locura con tendencias criminales y asesinas, por lo que recomienda su internamiento en un manicomio. Bajo la tutela de la madre, dirige una banda de facinerosos que obtienen dinero en atracos a mano armada con múltiples asesinatos. La película alcanza unos niveles elevados de violencia: ésta se ve y, sobre todo, se palpa en el clima que envuelve las escenas más duras.
La magnífica interpretación de James Cagney, posiblemente la mejor de su carrera, le valió una acogida apoteósica, no igualada posteriormente. El conjunto de secundarios, incluída Verna (Virginia Mayo), dan a Cagney la réplica adecuada. La fotografía luce un magnífico juego de luces y sombras, blancos y negros intensos, todos los grises, transparencias y brillos (los pendientes, las pulseras, el vestido satinado de Verna, etc.). En una secuencia memorable un foco ilumina intensamente la escena hasta llenar de luz la pantalla. Presta atención a detalles significativos: las ruedas del tren en marcha, la cinta que identifica el coche de la madre, etc.
çIncluye algunos travellings sorprendentes, como los realizados a gran velocidad en movimientos de giro similares a los de unos coches que huyen. La música de Max Steiner, solemne y wagneriana, incluye contrabajos, instrumentos de cuerda y trompetas agudas.
Se adapta milimetricamente a la acción y se combina en ocasiones con el sonido de las sirenas o el rugir del viento. Sugiere sentimientos de angustia y subraya el clima de violencia. El guión, nominado al Oscar, se inspira en un relato basado en hechos reales, tomados de la vida de Arthur «Doc» y su madre Ma Barker. La dirección de Walsh imprime a la acción un ritmo intenso y sostenido, que no decae ni un instante. El movimientos de los personajes es magistral, sobre todo en la escena en la que los presos entran ordenadamente en el comedor desde tres accesos diferentes.
«Cagney vuelve a demostrar sus innatas dotes de gran actor en esta vibrante entrega de intriga que supuso uno de los films más violentos del mítico Walsh (…) Llena de fuerza y energía, una de las cumbres del género»
«Dirigida con brillantez por Raoul Walsh, un viejo maestro del cine de matones, vuelve a poner a un James Cagney más sutil en el papel de líder de maleantes que le hizo famoso.»
ALEMANIA AÑO CERO
El precio original era: 15,67 €.14,46 €El precio actual es: 14,46 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Infancia. II Guerra Mundial. Neorrealismo
Sinopsis
Edmund, un niño de doce años, intenta sobrevivir a las duras condiciones de la postguerra alemana, especialmente en Berlín, una ciudad que ha quedado completamente derruida tras la Segunda Guerra Mundial.
(Roberto Rossellini, 1948)
Posición en rankings FA
14 Mejores películas italianas de todos los tiempos
17 Mejores películas y series sobre la Segunda Guerra Mundial
CRITICAS
«El maestro Rossellini crea una película terrible, virulenta, amarga y a la par bellísima, reflexión de inaudita dureza sobre los horrores de la guerra. La audacia formal y la perfección estética de las películas de Rossellini nacen de la mirada de un director comprometido moralmente con su trabajo, de un director inigualable»
Impacta el horror y la desolación, evidentemente. Ahora bien, ¿mediante qué mecanismos? La figura del niño despista. Pareciera acaso un resorte emotivo y trágico para los fines melodramáticos de descomposición moral (arquetípico recurso narrativo de perspectiva infantil de las cosas). Pero el tratamiento del director italiano va más allá. El compromiso ideológico de Rossellini con lo “neorrealista” no radica en la psicologización o la emoción de la acción dramática (miren el rostro hierático del niño). Al contrario, la desesperanza rosselliniana se basa en la objetividad y la distancia expositiva.
No queda su intención cinematográfica agotada en el retrato minucioso de esqueletos de edificios ni en la radiografía de sus habitantes. Su ética y compromiso exceden la militancia, el costumbrismo y la denuncia de fondo. Lo incluyen también ya que es un neorrealismo con “objeto” claro y nítido -la posguerra y su miseria- pero lo superan ya que su hallazgo es estético.
La realidad no se deja atrapar con el recurso formal de cámara al hombro o plano-secuencia. Ahí como mucho aparece una sensación liviana de cine despojado que, eso sí, es confundido frecuentemente con realismo aunque esté dramatizado hasta la médula. Rossellini enarbola el neorrealismo desde algo mucho más profundo que la fotografía, el contexto verosímil y la crudeza de situaciones: la perspectiva externa que guía el metraje es la de un espectador sometido a la carga de no tener acceso al interior de los personajes. Esa opción es definitiva para detectar la implicación intelectual de este director para con la “objetividad”.
ALIEN – COLECCION COMPLETA
El precio original era: 76,84 €.75,63 €El precio actual es: 75,63 €. *IVA Incluido- Alien, el octavo pasajero
- Aliens: El regreso
- Alien 3
- Alien: Resurrección
- Prometheus
- Alien: Covenant
Género
Ciencia ficción. Terror | Extraterrestres. Aventura espacial. Película de culto
Grupos
Saga Alien
Sinopsis
De regreso a la Tierra, la nave de carga Nostromo interrumpe su viaje y despierta a sus siete tripulantes. El ordenador central, MADRE, ha detectado la misteriosa transmisión de una forma de vida desconocida, procedente de un planeta cercano aparentemente deshabitado. La nave se dirige entonces al extraño planeta para investigar el origen de la comunicación
(Ridley Scott, 1978, Etc…)
CRITICAS
Un movimiento audaz, un paseo de la mano de una cámara magistralmente manejada y un espacio claustrofóbico, inquietante. Así nació uno de los mayores hitos de la ciencia-ficción: la nave Nostromo.
La primera secuencia de «Alien» es tan apabullante, que posee el privilegio de ser uno de los mejores arranques que servidor haya visto. Con una sencilla partitura y una transición imponente, lo que se logra durante sus primeros cinco minutos, en los que únicamente hallamos imágen y sonido, nada más, es invitar al espectador no sólo a que se deje llevar a una ficción lejana, sino a que se sume a la propia tripulación, y pase así, a ser uno más. Algo portentoso y muy pocas veces visto.
Sus personajes empiezan a presentarse acto seguido y dejan entrever los roles que desempeñarán en una nave donde puede que el mayor problema vaya a surgir de un cascarón de huevo alienígena, pero en la que la sutileza es un elemento más, y redistribuye constantemente esos roles, consiguiendo que conceptos como mando o necesidad se erijan sin demasiada fuerza, pero con la suficiente inteligencia para poder dar juego a esas personalidades.
Y así nacio otro de los mayores hitos de la ciencia-ficción: la teniente Ripley. Una de las primeras heroinas de la historia del cine y, sin embargo, un personaje que en ningún momento hasta su conclusión se alza con todo el protagonismo. De gesto severo y reacciones serias y perspicaces, va emergiendo como esa figura que, pese a levantar suspicacias, sabe como manejar la situación y darle el enfoque preciso.
Conociendo ya la nave Nostromo y su tripulación al completo, el conflicto se desarrolla de un modo viscoso, e incluso los momentos de tensión más acelerada, se suceden con una fría calma que le encoge a uno las mismísimas entrañas. El amerizaje en un planeta desconocido y su posterior inspección, están llevados con un pulso que muy pocos serian capaces de lograr, y hacen de la improvisada visita a esa espeluznante caverna una experiencia irrepetible, que se mueve entre los silencios y sonidos con una maestría innegable, logrando que cada paso de la expedición te haga removerte de inquietud, casi intuyendo que tras el templado sosiego, podría llegar la tormenta en cualquier momento.
Cada cambio de plano, cada introducción a un nuevo espacio, es guiado con uno uso sobrecogedor tanto de sonido como de banda sonora, y es que sin necesidad de estruendo o contundencia, la atmósfera reproducida en base a tonos más o menos leves según esta lo requiera, se erige con una precisión increíble, haciendo de «Alien» una cinta portentosa, en el que estas cualidades salen a relucir como auténticas maestras de la función.
Alma en suplicio/ Mildred Pierce
El precio original era: 57,48 €.56,27 €El precio actual es: 56,27 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Cine negro | Melodrama. Maternidad
Grupos
Adaptaciones de James M. Cain
Sinopsis
Cuando el segundo marido de Mildred Pierce (Joan Crawford) es asesinado, la policía la interroga. La mujer cuenta cómo ha sido su vida desde que se casó por primera vez y cómo se ha sacrificado para proporcionar a su hija (Ann Blyth) todas las oportunidades que ella nunca tuvo.
(Michael Curtiz, 1945)
Posición en rankings FA
44 Mejores películas de cine negro
68 Mejores películas de los años 40
Premios
1945: Oscar: Mejor actriz (Joan Crawford). 6 nominaciones
1945: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor actriz (Joan Crawford)
1945: Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Mejor actriz.
Joan Crawford, una de las mayores estrellas femeninas de la época, fue «liberada» de su contrato con la MGM y se marchó a la Warner, productora donde triunfaba Michael Curtiz (Casablanca). Su pequeña venganza fue ganar el Oscar con esta mezcla de melodrama y cine noir en tiempos de guerra en el que encarna a una madre que sacrifica su vida por una hija sin escrúpulos ni sentimientos.
Adaptación de una novela de James M. Cain (autor de ‘Perdición’)
ALMAS DESNUDAS
El precio original era: 47,13 €.45,92 €El precio actual es: 45,92 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro. Drama. Intriga | Melodrama
Sinopsis
Cuando descubre el cuerpo sin vida del amante de su hija, Lucia Harper decide esconderlo porque sospecha que la autora del crimen es su propia hija.
(Max Ophüls, 1949)
CRITICAS
Último film de Max Ophüls (1902-57) realizado en Hollywood antes de su regreso a Europa en 1950. El guión, de Henry Garson y Robert Soderberg, se basa en la novela “The Blank Wall” (1947), de Elisabeth Sanxay Holding (1889-1955), a partir de la adaptación escrita por Mel Dinelli y Robert E. Kent.
La acción dramática tiene lugar durante la semana previa a la fiesta de Navidad de 1949 en Balboa (ubicada 5 millas al S. de L.A.). Lucía Harper (Bennett) es una madre de familia a la que no falta nada: tiene una hija de 17 años, un hijo de 12, una casa en primera línea de la Bahía de Newport, un flamante coche nuevo, una lancha a motor para pasear por la bahía, una cocinera que la ayuda en las labores del hogar, etc. Tras la apariencia de una existencia confortable y sin problemas, se oculta su soledad, una sexualidad reprimida, un estado de fuerte ansiedad y una arraigada adicción al tabaco. Es animosa, responsable y sufridora, se desvive por los suyos y sobrelleva con resignación la ausencia del marido, Tom Harper, que se halla de viaje a Filadelfia y Berlín por motivos de trabajo.
El film suma drama psicológico, melodrama, crimen, cine negro y thriller. La atención del film se focaliza en Lucía, a la que un hecho inesperado golpea con fuerza y desencadena en su interior un proceso que pone al descubierto su fragilidad, soledad y desamparo. Junto a ella se mueven varios personajes débiles, limitados y desamparados, que proyectan sobre la protagonista una sucesión ininterrumpida de problemas, que saturan, enervan y desbordan sus capacidades de resistencia y respuesta.
El suegro (O’Neill) vive absorbido por las carreras de caballos; la hija, Beatriz (Brooks), estudiante de bellas artes, mantiene relaciones amorosas con un hombre nada recomendable; el hijo, David (Bair), es revoltoso e inoportuno; etc. A estos personajes se añaden otros, como la pareja de chantajistas formada por Martin (Mason) y su socio Nagel (Roberts), dos fracasados, sin recursos y sin habilidades. Martin, la figura más dramática, arrastra frustraciones psicológicas, emocionales y económicas, que mueven a compasión. Por lo demás, la historia se ajusta a los parámetros gratos al realizador, aficionado a exaltar la ingenuidad, inocencia y bondad de la mujer; la crueldad y el egoísmo de los hombres; y la violencia con la que la sociedad trata a los débiles.
ALMAS EN LA HOGUERA
El precio original era: 33,82 €.32,61 €El precio actual es: 32,61 €. *IVA IncluidoGénero
Bélico | II Guerra Mundial. Aviones. Ejército
Grupos
Adaptaciones de Sy Bartlett
Sinopsis
Durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), el general Frank Savage, de las fuerzas aéreas de los Estados Unidos, es enviado a Inglaterra para relevar al comandante de una unidad encargada de bombardear Alemania y cuyos miembros están completamente desmoralizados. Aunque es amable y comprensivo, Savage aplica inmediatamente una disciplina de choque para levantar la moral de la tropa. Los miembros del escuadrón, reacios al principio a aceptar las nuevas normas, van cambiando a medida que consiguen victorias inesperadas. Sin embargo, la tensión y el agotamiento que supone el mando conducirá al general a una situación límite.
(Henry King, 1949)
CRITICAS
Magnífica película de temática bélica que, inexplicablemente, se encuentra en el rincón de las desconocidas u olvidadas.
Con una gran interpretación del gran Gregory Peck y una solvente dirección del siempre correcto Henry King, la película nos cuentan las tribulaciones de una compañía de pilotos americanos en una base naval en Inglaterra en 1942, cuando EEUU recién se había incorporado a la II Guerra Mundial y la victoria no sólo estaba muy lejana, sino que era totalmente incierta.
Las primeras escuadrillas allí enviadas, habían encadenado varios fracasos en sus misiones, por lo que los pilotos estaban desmoralizados y la cobardía y el desánimo empezaban a asomar.
Frank Savage ( Gregory Peck), es allí enviado para relevar al antiguo comandante y utilizará unos métodos y una estrategia opuesta a la de su antiguo compañero, que aunque le granjeará muchas antipatías, la eficacia de los resultados pronto se harán patentes.
Película más centrada en los aspectos psicológicos de los combatientes, la capacidad de liderazgo y la reflexión acerca de la capacidad de resistencia del hombre ante situaciones límite, resulta una cinta muy estimable con un guion magnífico que atrapa toda la atención, poniendo todo el foco en el aspecto humanista de los hombres que arriesgan su vida en una guerra, sin saber bien la razón o el sentido de ella.
Sólo al final tiene unas cuantas escenas bélicas, cogidas directamente de documentos reales del conflicto bélico, con lo que quizá ésa sea la razón por la que la cinta esté tan injustamente olvidada.
Pues si es así, es una gran equivocación. Este film tiene los suficientes elementos para constituirse en una obra de gran interés por el tratamiento que hace del aspecto psicológico de los pilotos de combate.
Muchos otros films han tratado el mismo tema mucho después y de forma más efectista e histriónica y se han llevado nuestros aplausos.
Ésta, en un tono contenido y sin aspavientos,pero con la misma franqueza sino más, nos habla de lo mismo.
La diferencia que yo veo con respecto a otras más modernas es que ésta, hace gala de una sutilidad y contención que las versiones modernas no poseen, donde nos muestran a soldados con el síndrome de estrés postraumático, convertidos en paranoicos, psicóticos y demás.
Esta película de 1949, difícilmente nos va a mostrar eso, ya que todavía no tenían la menor noción de lo que era eso (como mucho lo llamaban fatiga de guerra), sin embargo ya apunta seriamente, las consecuencias de la gran tensión psicológica a la que estaban sometidos los soldados. Creo que por ello, bien merece una revisión.
AMACORD
El precio original era: 20,81 €.19,60 €El precio actual es: 19,60 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia. Drama | Años 30. Vida rural. Comedia dramática
Sinopsis
Italia, años 30. Crónica de la vida cotidiana en un pueblo del norte de Italia durante el fascismo. (Federico Fellini, 1973)
Posición en rankings FA
18 Mejores películas de los años 70
19 Mejores películas italianas de todos los tiempo
Premios
1974: Oscar: Mejor película de habla no inglesa
1975: 2 nominaciones al Oscar: Mejor director, guion original
1974: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película y mejor director
Críticas
«Fellini recuerda su propia infancia en esta maravillosa historia en el que destaca su espléndida dirección y la banda sonora, además de algunas escenas realmente antológicas»
La película favorita de Antonio Banderas: «Amarcord, de Fellini. Porque reúne las condiciones extraordinarias: relata la vida humana reducida a las relaciones humanas que ocurren en un pueblo.»
«‘Amarcord’ probablemente sea el film más maravilloso de Federico Fellini... extravagantemente divertido (…) Un film de estimulante belleza.»
AMADEUS
El precio original era: 13,25 €.12,04 €El precio actual es: 12,04 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Biográfico. Siglo XVIII. Música
Sinopsis
Antonio Salieri es el músico más destacado de la corte del Emperador José II de Austria. Entregado completamente a la música, le promete a Dios humildad y castidad si, a cambio, conserva sus extraordinarias dotes musicales. Pero, después de la llegada a la corte de un joven llamado Wolfang Amadeus Mozart, Salieri queda relegado a un segundo plano. Enfurecido por la pérdida de protagonismo, hará todo lo posible para arruinar la carrera del músico de Salzburgo. Mientras tanto, Mozart, ajeno a las maquinaciones de Salieri, sorprende a todos con su genialidad como músico, pero también con sus excentricidades.
(Milos Forman, 1984)
Posición en rankings FA
20 Mejores biopics / films biográficos
36 Mejores películas de los años 80
Premios
1984: 8 Oscars, incluyendo película, director, actor (F. Murray Abraham), guión adaptado
1984: 4 Globos de Oro, incluyendo Mejor película – Drama. 6 nominaciones
Críticas
Impresionante adaptación de la obra de Shaffer sobre la vida de W.A. Mozart, narrada a través de un Salieri -inmenso Murray Abraham- consumido por los celos artísticos ante el talento de su joven contemporáneo. El cine tiene aquí el mejor retrato de uno de los más comunes de los sentimientos humanos: la admiración con espuma de envidia. Como muestra de inigualable sutileza, atención a la escena en la que Salieri encuentra un manuscrito inédito y sin tachaduras de Mozart… Por lo demás, 8 Oscar consagraron una de las mejores películas de los años ochenta.
«Imprescindible»
«Esta ‘Amadeus’ es fascinante y puede que incluso sea más humana que la obra de teatro y aunque el impacto no es necesariamente menor, es sin duda diferente.»
AMADEUS – Ed. Coleccionista limitada 4K UHD + BLU RAY
El precio original era: 61,70 €.60,49 €El precio actual es: 60,49 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Biográfico. Siglo XVIII. Música
Sinopsis
Antonio Salieri es el músico más destacado de la corte del Emperador José II de Austria. Entregado completamente a la música, le promete a Dios humildad y castidad si, a cambio, conserva sus extraordinarias dotes musicales. Pero, después de la llegada a la corte de un joven llamado Wolfang Amadeus Mozart, Salieri queda relegado a un segundo plano. Enfurecido por la pérdida de protagonismo, hará todo lo posible para arruinar la carrera del músico de Salzburgo. Mientras tanto, Mozart, ajeno a las maquinaciones de Salieri, sorprende a todos con su genialidad como músico, pero también con sus excentricidades.
(Milos Forman, 1984)
Posición en rankings FA
20 Mejores biopics / films biográficos
36 Mejores películas de los años 80
Premios
1984: 8 Oscars, incluyendo película, director, actor (F. Murray Abraham), guión adaptado
1984: 4 Globos de Oro, incluyendo Mejor película – Drama. 6 nominaciones
Críticas
Impresionante adaptación de la obra de Shaffer sobre la vida de W.A. Mozart, narrada a través de un Salieri -inmenso Murray Abraham- consumido por los celos artísticos ante el talento de su joven contemporáneo. El cine tiene aquí el mejor retrato de uno de los más comunes de los sentimientos humanos: la admiración con espuma de envidia. Como muestra de inigualable sutileza, atención a la escena en la que Salieri encuentra un manuscrito inédito y sin tachaduras de Mozart… Por lo demás, 8 Oscar consagraron una de las mejores películas de los años ochenta.
«Imprescindible»
«Esta ‘Amadeus’ es fascinante y puede que incluso sea más humana que la obra de teatro y aunque el impacto no es necesariamente menor, es sin duda diferente.»
Amanece (Al despertar el día)
El precio original era: 18,09 €.16,88 €El precio actual es: 16,88 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Romance. Thriller | Crimen. Melodrama. Drama romántico. Drama psicológico. Realismo poético francés
Sinopsis
Perseguido por la policía, François (Jean Gabin) se refugia en una casa. Mientras está rodeado, va recordando cómo los conflictivos hechos de los últimos días lo han conducido hasta la apurada situación en la que se encuentra; su pasión por la florista Françoise (Jacqueline Laurent), su compleja relación con la prostituta Clara (Arletty) y el asesinato de Valentin (Jules Berry), un extraño personaje relacionado con ambas mujeres.
Posición en rankings FA
89 Mejores películas de los años 30
133 Mejores películas francesas de todos los tiempos
AMANECE (Al despertar el día)
El precio original era: 10,83 €.9,62 €El precio actual es: 9,62 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Romance. Thriller | Crimen. Melodrama. Drama romántico. Drama psicológico. Realismo poético francés
Sinopsis
Perseguido por la policía, François (Jean Gabin) se refugia en una casa. Mientras está rodeado, va recordando cómo los conflictivos hechos de los últimos días lo han conducido hasta la apurada situación en la que se encuentra; su pasión por la florista Françoise (Jacqueline Laurent), su compleja relación con la prostituta Clara (Arletty) y el asesinato de Valentin (Jules Berry), un extraño personaje relacionado con ambas mujeres.
CRITICAS
“Le jour se léve” es un clásico imperecedero del cine francés, estrenada meses antes de la ocupación nazi de Francia, el filme fue prohibido por el gobierno colaboracionista de Vichy por su pesimista visión de de la sociedad francesa. Marcel Carné director de esta gran película, pertenecía junto a Jean Renoir y Julien Duvivier entre otros, a la corriente artística denominada realismo poético, compartían más que gustos, preocupaciones, temperamento o estilo, el interés por ciertos temas y climas, pero sobre todo compartían a los mismos guionistas, como Charles Spaak y Jacques Prevert. Fue un movimiento vanguardista que se recreaba en los contrastes violentos: el hombre y su aspiración a la felicidad, por un lado, y la sociedad y sus discutibles reglas, por otro.
Sus personajes no eran gente de la alta sociedad, no eran héroes típicos de las películas americanas; eran obreros, malhechores, desertores, prostitutas, criados, personajes de las clases más bajas de la sociedad. Eran películas pesimistas, que casi siempre acababan mal, pero eran verdaderamente hermosas. Concebían películas donde se enfrentaban el bien y el mal, a través de personajes malvados y otros íntegros, víctimas de un destino muy a menudo desafortunado.
Pero esta película es también una crónica de costumbres, narrada en varios “flash back” que dan a la historia un futuro oscuro y sin esperanza. Jean Gabin, el actor más importante de la época encarna a François, un obrero que se enamora de una joven y dulce muchacha, Françoise (Jacqueline Laurent) que trabaja en una floristería, pero a la vez conoce a otra mujer más madura, que tiene una visión del mundo mucho más realista.
Todo se complica con la entrada en la vida del trío de Valentin (Jules Berry), un dandy amoral y mentiroso que esconde un pasado indecente.
El retrato de la miseria, las sombras y los bares llenos de humo que ambientan la melancólica resignación del antihéroe es sobrecogedor.
Trauner fue el creador de los decorados de ‘El muelle de la brumas’, ‘El hotel del norte’ o ‘Los niños del paraíso’, y tras la guerra se puso al servicio de directores de la talla de Jules Dassin, John Huston o Billy Wilder, con el ganó un merecido Oscar en 1960 por su trabajo en ‘El apartamento’.
AMOR EN LA MISERIA
El precio original era: 21,72 €.20,51 €El precio actual es: 20,51 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Años 30
Sinopsis
En la Inglaterra sumida en crisis económica, una joven intenta convertirse en la amante de un hombre rico para así poder ayudar a su familia
(John Baxter, 1941)
CRITICAS
«Love on the Dole» es una película dramática británica de 1941, es decir rodada en el Reino Unido en plena Segunda Guerra Mundial y con unas considerables limitaciones en cuanto a presupuesto. Basada en la novela homónima de Walter Greenwood, de 1933, la trama nos cuenta las vidas de una familia de clase trabajadora y su comunidad en una ciudad industrial sucia del norte de Inglaterra durante los primeros años de la Depresión. La novela tuvo una pronta adaptación con éxito al teatro, pero la Junta Británica de Censura Cinematográfica impidió que se hicieran intentos de llevarla al cine durante esa década, debido a que no le gustaba su representación honesta de la vida de la clase trabajadora, que incluía la agitación sindical y la represión policial en una protesta. Los censores creían que tanto las novelas como las obras de teatro eran consumidas principalmente por la clase alta, mientras que las películas eran más populares entre las clases bajas, como los personajes de la historia. Temían que la novela de Greenwood pudiera impactar a las masas. Sin embargo, durante los primeros años de la Segunda Guerra Mundial, esta perspectiva cambió, y las dificultades de la familia protagonista comenzaron a verse como una metáfora de la fuerza y resistencia de un pueblo unido contra el fascismo.
Aunque varios directores habían participado en los diversos intentos de hacer la película durante los años treinta, por casualidad finalmente llegó a John Baxter, un director británico con una carrera bastante prolífica desde principios de los años treinta hasta mediados de los cincuenta, pero que hoy en día es prácticamente un desconocido. Baxter, que tenía experiencia en el teatro y, quizás más importante, en el Music hall, tenía una profunda empatía por los pobres y la clase trabajadora y gran parte de su trabajo cinematográfico estaba dirigido a ese público, llevando al cine el tipo de entretenimiento que antes proporcionaba el Music hall. Esto le dio a gran parte de su trabajo una especie de sentimentalismo honesto, mal visto por los críticos más serios, pero popular en taquilla.
«Love on the Dole» tiene un enfoque claramente socialista y propone un cambio en el capitalismo para mejorar las condiciones de vida de los trabajadores, lo cual impactó la política británica después de la guerra. Sin embargo, no es solo un film de propaganda política; Baxter la presenta como un melodrama ágil, rico en contenido visual y narrativo, que se centra en las emociones de los personajes y sus realidades sociales.
El diseño artístico y vestuario es realista y sombrío, y las actuaciones son naturalistas, evitando la tendencia británica a caricaturizar a las clases bajas, logrando dar la impresión de que la historia se cuenta desde dentro de la comunidad, no se observa desde fuera y siendo, de alguna manera, un precursor del tratamiento que posteriormente dará Ken Loach a la clase trabajadora en muchas de sus películas.
Todo el reparto está muy bien, encabezado por Deborah Kerr en su primer papel protagonista en el cine
AMOR QUE MATA
El precio original era: 18,09 €.16,88 €El precio actual es: 16,88 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Cine negro | Drama psicológico. Melodrama
Sinopsis
Después de ser rechazada por el ingeniero David Sutton (Van Heflin), la enfermera Louise Howell (Joan Crawford) se casa por despecho con el magnate Dean Graham (Raymond Massey), cuya mujer se ha suicidado. Louise empieza a sufrir alucinaciones y no puede soportar que su hijastra, la joven Carol Graham (Geraldine Brooks), se enamore de su amado David Sutton
(Curtis Bernhardt, 1947)
CRITICAS
Intensísima representación de la locura y la maldad humana la que nos regala el director alemán Curtis Bernhardt a través principalmente de una maravillosa representación de la siempre increible Joan Crawford. Con un estilo marcadísimo, unas sombras que hablan por sí solas y un guión bastante sólido estamos ante una cinta que causará bastante sorpresa a aquellos que la disfruten por primera vez.
Con un comienzo tan espectacular como enigmático, tan inolvidable como desconcertante, Louise Howell (Joan Crawford) aparece en la pantalla deambulando por unas vacías calles de Los Ángeles y apoderada de una locura a la que dará explicación en un tremendo flashback. Repito. Los primeros quince minutos son memorables y creo que solo con eso Joan Crawford se ganó una nominación a los Oscars. A partir de aquí da comienzo el relato de los hechos donde un muy notable Van Helfin, como siempre, da vida a el ingeniero David Sutton por cuyo amor Louise Howell pierde completamente la razón. Personalmente no encuentro una gran química entre los dos pero no hace falta ya que, sin duda, es compensado por la gran clase de ambos actores.
La película cuenta con unas cuantas licencias narrativas bastante interesantes, no muy abundantes en la época y que acercan por momentos la trama al miedo, a la tensión psicológica y porque no al terror. En el spoiler me referiré a ellos por el hecho diferencial que representa con otro cine contemporáneo como el de Tourner, Lang o Siodmak. Por otra parte, la música acompaña con tremendo acierto y tampoco olvidar una gran caracterización de Crawford además de una maravillosa puesta en escena durante toda la cinta.
Con un gran tramo final estamos ante una de las mejores representaciones de la locura y enajenación mental hecha hasta la fecha en Hollywood con una Joan Crawford estelar.
Para mi gusto y junto a «Una Vida Robada» (sus dos primeros largometrajes en América) las dos mejores obras de Curtis Bernhard. Ésta para no perdérsela.
ANA DE LAS TEJAS VERDES
El precio original era: 91,90 €.90,69 €El precio actual es: 90,69 €. *IVA IncluidoGénero
Serie de TV. Animación. Drama. Comedia | Siglo XIX
Grupos
Adaptaciones de Lucy Maud Montgomery | Ana de las tejas verdes
Sinopsis
Serie de TV (1979). 50 episodios. Serie basada en los libros de Lucy Maud Montgomery, y que a lo largo de 50 episodios narraba la historia de Anne Shirley, una joven huérfana que vivió durante el siglo XIX en Canadá.
(Isao Takahata, Shigeo Koshi, Kôzô Kusuba, 1979)
CRITICAS
Una serie de animación japonesa de 1979 a lo Heidi y con 50 episodios. A pesar de que ya conocía la historia por la versión de 1985 que disfruté mucho siendo niño, me sorprendió comprobar cómo el primer episodio de esta serie captó mi interés y me resultó muy relajante. La serie en sus primeros episodios tiene un ritmo muy pausado y podemos estar 20 o 30 segundos viendo simplemente a un personaje quieto o una carro avanzar por un camino sin que pase nada. Sin embargo, debido a unos dibujos de los paisajes que parecen acuarelas y a la expresividad que supieron transmitir a los personajes, no resulta pesada ni aburrida en ningún momento y cada escena, cada dibujo consigue transmitir una sensación (aunque sea solo una paisaje o un personaje de espaldas mirando hacia lo lejos).
Otro aspecto muy a destacar es el doblaje: la voz de cada personaje es acertadísima y la actuación de los actores de doblaje consigue que «olvides» que estás ante un dibujo animado lo cual añade una capa de realismo a la historia y a los personajes.
Nada chirría, nada resulta caricaturesco o infantilizado, todo fluye y al final acabas viendo la serie tanto por la historia, por ver qué sucede a continuación como por ese preciosismo de los paisajes y por esa técnica de animación más artesanal que no usa y abusa de efectos digitales pero que sabe humanizar a los personajes a través de sus expresiones.
En resumen esta versión animada de Ana de las Tejas Verdes me ha resultado una maravilla. De ese tipo de series que cuando las acabas te dejan con una sensación de cierta tristeza y vacío por haber llegado al final.
ANNA KARENINA
El precio original era: 31,16 €.29,95 €El precio actual es: 29,95 €. *IVA IncluidoGénero
Romance. Drama | Drama romántico. Siglo XIX
Grupos
Adaptaciones de León Tolstói | Ana Karenina
Sinopsis
Stefan Oblonsky pide a su hermana Anna Karenina que abandone San Petersburgo y regrese a Moscú para ayudarle a resolver ciertas desavenencias con su esposa Dolly. En el tren Anna viaja en compañía de la condesa Vronsky, a la que espera su hijo en la estación. El coronel Vronsky y Anna se enamoran a primera vista y cuando vuelven a San Petersburgo continúan intimando en las fiestas. Pero ella está casada y tiene un hijo pequeño, por lo que deben ser muy discretos y prudentes en sus encuentros.
(Julien Duvivier, 1948)
Criticas
La música, de Constant Lambert, refurza los tonos dramáticos y los sentimientos de desolación de Anna. La fotografía realza la belleza de Vivien Leigh y subraya la intensidad de su drama interior. El vestuario, de Cecil Barton, es excelente. El guión, de Duvivier y de Jean Anouilh, crea una atmósfera de dramatismo desgarrador, reforzdo por gélidas temperaturas y tempestades de nieve. La dirección se ve desbordada por la magnitud de la empresa y comete errores en la dirección de actores, especialmente visibles en el caso de Vivien Leigh, que no gradúa la progresión de su drama.
ANNIE
El precio original era: 5,99 €.4,78 €El precio actual es: 4,78 €. *IVA IncluidoGénero
Musical. Comedia. Drama | Cine familiar. Cómic. Años 30
Sinopsis
Annie, una inquieta niña huérfana, ha sido seleccionada entre sus compañeras para vivir unos días en casa de un multimillonario. Aunque, en un principio, el único objetivo de éste era montar una campaña publicitaria para mejorar su imagen, inesperadamente acaba encariñándose con la niña y decide ayudarla a encontrar a sus verdaderos padres.
(John Huston, 1982)
CRITICAS
“Annie” es un musical que trata sobre una niña huérfana de 11 años. Si tenemos en cuenta esto y ponemos nuestras expectativas en ese nivel, nos encontraremos con una película sólidamente construida, entretenida de principio a fin y con mucho encanto.
“Annie” es un clásico del teatro de Broadway. La obra se estrenó por primera vez en 1977. Basándose en el personaje de la tira cómica de Harold Gray de los años 30s, Thomas Meehan escribió el libro para el musical y el éxito de la obra hizo que permaneciera seis años en cartelera. A partir de ahí, fue producida en numerosos países y ocasiones, aún hasta la fecha.
Ambientada en la época más álgida de la Gran Depresión, la historia, si bien es triste, está contada en ligero tono de comedia. John Huston sostiene firmemente las riendas durante dos horas para que la cinta no se salga de este registro. Es una historia edulcorada pero que no descarrila con escenas excesivamente lacrimógenas que hubieran podido desconcertar o irritar al espectador. Encuentro en esto un gran mérito del director porque la huerfanita daba para cualquier desmadre y Huston evitó todos los peligros. Con sus 76 años, tenía la mano curtida y el buen humor está presente en toda la cinta. Este fue el único musical que Huston dirigió en toda su carrera y, a pesar de las críticas negativas que recibió, supo crear un relato divertido y armonioso en donde las imágenes típicas de la Gran Depresión aparecen como un gran telón de fondo.
Las actuaciones son buenas, comenzando por Aileen Quinn personificando a Annie. Sin duda, la chiquita pelirroja lleva la batuta durante toda la cinta; es la protagonista y, por lo tanto, es la más graciosa, ocurrente y brava. Puede resultar un poco sobreactuada pero, honestamente, para algunos disparates que se ven hoy día en películas con niño, Annie es un plato de fácil digestión. Carol Burnett como “la malvada de la película” está estupenda, su histrionismo despierta más de una sonrisa; y un excelente Albert Finney personifica al intratable Sr. Warbucks. Las escenas entre Annie y Warbucks muestran el encuentro de dos personalidades muy similares y están entre las mejores de la película.
Sin ser un gran musical, las canciones y los bailes se disfrutan y temas como “Tomorrow” han quedado en la historia.
No hay temas menores, hay películas menores y ésta no es una de ellas. Ciertamente puede ser considerada una cinta para público infantil; ó tal vez no, no necesariamente. Mi “niña interior” me sigue pidiendo cine y cada tanto le doy el gusto. Será por eso que disfruté mucho de esta Annie.
ANNIE OAKLEY
El precio original era: 7,20 €.5,99 €El precio actual es: 5,99 €. *IVA IncluidoGénero
Western
Sinopsis
Annie Oakley, una modesta pueblerina, es aficionada a cazar codornices, que luego vende en el pueblo. Un día tiene la ocasión de medir su puntería con el rifle desafiando en una apuesta a Toby Walker, el tirador más diestro del Oeste, que acaba de ser fichado para el espectáculo itinerante del célebre Búfalo Bill. Aunque Annie pierde voluntariamente la apuesta, sus habilidades llaman la atención del manager de Búfalo Bill, que también contrata a la chica. Empiezan las circenses exhibiciones y la rivalidad entre Annie y Toby, que en realidad no será tal, pues ambos se han enamorado
(George Stevens, 1935)
CRITICAS
Sí, Annie Oakley existió! vivió entre el 13-08 de 1860 y el 03-11 de 1926. Oriunda de Ohio, EEUU, desde muy chica cazaba codornices para ayudar a su familia y esto la convertiría en una tiradora excepcional. Lo de las monedas, el cigarro en la boca (incluso el que sostuvo el Kaiser de alemania Guillermo II), y los blancos móviles, fueron hechos ciertos. También fue verdad, que cuando era un prisionero político en Fort Yates, el gran cacique Toro Sentado -el mismo que se las cobrara al general Custer y su 7ª caballería-, arregló un encuentro con ella para decirle cuanto la admiraba y fue él quien la llamó Little sure shot (la pequeña tiro fijo). Annie se casó con el también experto en tiro, Frank Buttler (Toby Walker en el filme, porque algunos hechos se modificaron para favorecer la historia), luego de que lo venciera ganándole una gruesa apuesta. Estuvo 17 años en el espectáculo de Buffalo Bill y recorrió con él varios países de Europa. Escribió sus memorias luego, y murió 18 días antes que su esposo, tras haber sufrido un accidente en automóvil.
Esta versión cinematográfica de la vida de Annie Oakley, realizada por el estupendo director George Stevens, da por descontado cualquier interés de decir “toda la verdad y nada más que la verdad”, y se centra en mostrar el oeste norteamericano como debió haber sido… como muchos soñaron que fuera.
De esta forma, estamos ante una suerte de cuento ideal donde Buffalo Bill es un buenazo, amigo de Toro Sentado y dispuesto con Annie a sacudir el machismo de la época. El gran cacique se mueve a sus anchas, apreciado por todos, y Toby Walker hasta se expone por él cuando lo siente en peligro. La mujer es ejemplo de dignidad y capaz de igualarse con el hombre en lides consideradas exclusivas para ellos… Y así, vemos un mundo más justo, sin diferencias raciales, sin subestimación a causa del sexo, sin guerras cruentas, y con armas que sólo sirven para dar a un blanco inanimado.
Seguro está implícito un afán de contribuir al olvido de la, por muchas razones, vergonzosa historia norteamericana, pero lo logrado da en el blanco si se mira como un llamado para ver con otros ojos la convivencia a futuro. La historia tiene encanto y buen humor; está colmada de trabajo en equipo, afecto y amistad dejando de lado las diferencias, y un ambiente de camaradería y de renovación mental se respira por casi todas las escenas.
Aunque también pueden ser duros, cada personaje tiene su momento en que es capaz de ponerse en los zapatos del otro, y un aire de respeto y solidaridad se va respirando por doquiera.
¡Qué bueno que el oeste hubiese sido como aquí lo vemos! Pero, mejor aún sería si aprendiésemos un día que, hacerle sentir a cada ser humano que con nosotros puede estar seguro y en paz, es lo único que podrá devolvernos el paraíso.
Apasionadamente
El precio original era: 9,62 €.8,41 €El precio actual es: 8,41 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Circo
Sinopsis
Willy (Anne Baxter) trabaja de camarera en un circo, pero sueña con ser acróbata y lo conseguirá con la ayuda de un compañero de trabajo. Lo malo es que se ve envuelta en un triángulo amoroso del cual no saldrá indemne.
(Kurt Neumann, 1954)
CRITICAS
«Apasionadamente » es una nada desdeñable propuesta que emula a un nivel de producción inferior a «El mayor espectáculo del mundo». Cuenta la historia de una joven que entra a trabajar en un circo ambulante americano que está haciendo una gira por Alemania. Protagoniza triángulos amorosos a la vez que se convierte en una de sus grandes atracciones al realizar saltos al vacío en el que ha de caer en una pequeña piscina.
Anne Baxter esta preciosa de rubia y la realización del director recordado por «La mosca» es correcta.
En algunos pasajes recuerda a «Freaks» precisamente porque nunca intenta irse por ese camino aunque hubiese podido.
Lo que me ha llenado de añoranza ha sido reencontrarme con ese forzudo calvo lleno de timidez y encanto.
APUESTAS CONTRA EL MAÑANA
El precio original era: 22,93 €.21,72 €El precio actual es: 21,72 €. *IVA IncluidoCompañías
HarBel Productions
Género
Cine negro. Drama | Crimen. Robos & Atracos. Racismo. Melodrama. Serie B
Sinopsis
Johnny Ingram (Harry Belafonte), un cantante negro lleno de deudas debido a su compulsiva afición a las apuestas, Earl Slater (Robert Ryan), un ex presidiario racista que vive a costa de una mujer, y Dave Burke (Ed Begley), un ex policía corrupto y jugador, se unen para atracar un banco de Nueva York. Aunque el plan parece perfecto, pronto surgen entre ellos tensiones que pueden hacerlo fracasar.
(Robert Wise, 1959)
Premios
1959: Globos de oro: Nominada Mejor película para promover el entendimiento int.
Asesinato de Julio César
El precio original era: 36,91 €.35,70 €El precio actual es: 35,70 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Antigua Roma
Grupos
Shakespeare: Julio César
Sinopsis
Roma. Año 44 antes de Cristo. Entre los patricios romanos existe el sentimiento de que la dictadura de Cesar acabará en tiranía y por ello preparan una conjura para deshacerse de él. Un grupo de conspiradores encabezados por Casio y Casca consiguen que se les una Bruto y deciden acabar con la vida de Julio Cesar.
(Stuart Burge, 1970)
A pesar de que parece que todo va a girar entorno al asesinato de Julio Cesar, toda la película gira entorno a la figura de Bruto (Jason Robards) y el debate interno que tiene entre la amistad y el deber de servir lo mejor posible a su país. Se nos presenta a un Bruto taciturno, sombrío, reflexivo y atormentado por la carga de tener que cometer un hecho que va contra sus sentimientos. Los conspiradores parecen moverse más por la envidia, pero Bruto por el deber para con sus conciudadanos.
Pero a pesar actuar por el bien de Roma, Roma le da la espalda.
Cuenta uno de los asesinatos más famosos de la historia, de una manera bastante próxima a cómo ocurrieron los hechos. Ya no solo en la conspiración contra Julio Cesar en sí, y su asesinato, sino que continúa, sin nombrarlo, en el Segundo Triunvirato, entre Marco Antonio, Octaviano (sobrino de Julio Cesar) y Lépido, debido al vacío de poder que dejó la muerte de Julio Cesar, y la huida de Bruto y Casio.
Por último están los diálogos, la puesta en escena y los monólogos (de Bruto y Marco Antonio, principalmente) con el claro estilo de Shakesperare