Mostrando 1–24 de 797 resultados
Clasico
El cine clásico se refiere a un período y estilo de producción cinematográfica que abarca principalmente desde la década de 1920 hasta la década de 1960, aunque sus influencias se extienden más allá.
En CINESTARPH puedes comprar una variedad de rarezas de cine y películas de cine Clásico para coleccionistas y cinéfilos.
¡Qué par de golfantes!
El precio original era: 8,17 €.6,96 €El precio actual es: 6,96 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia. Musical | Deporte. Golf
Sinopsis
Harvey Miller (Jerry Lewis) es un dotado golfista pero extremadamente nervioso para jugar al golf en público, y actúa como entrenador y caddy para su amigo Joe Anthony (Dean Martin)
(Norman Taurog, 1953)
CRITICAS
Al dúo cómico Martin-Lewis le tenemos que estar enormemente agradecidos como a los grandes cómicos del mudo y a los hermanos Marx, por hacer felices a unas cuantas generaciones que buscaban en sus películas una sonrisa o evadirse durante hora y media a un mundo irreal pero absolutamente hermoso. Parecida a la filmografía de Jerry Lewis, las películas del inolvidable dúo no siempre consiguieron los resultados deseados, pero hay un buen puñado de ellas (como esta «¡Qué par de golfantes!») francamente logradas y con un montón de gags de Lewis que nos harán revolcarnos de risa por el sofá.
«The caddy» (su título en ingles) cuenta la historia de Harvey Miller, el cual tiene un gran talento para el golf pero no da una si tiene gente mirándole. Así las cosas, decide convencer a Joe, hermano de su novia, para que se convierta en jugador de golf. Miller hará de caddie de Joe para ayudarle a ganar los grandes torneos.
Norman Taurog, especialista de la comedia musical, dirige con maestría al carismático dúo y mantiene una firme línea argumental que no se debilita en modo alguno con la inclusión de las canciones de Martin. Los gags de un Lewis más contenido que en otras ocasiones son buenos, con la excepción de la secuencia-destrozo de los grandes almacenes que es sencillamente magnífica y delirante. También hay que destacar las coreografías de los bailes y la imponente forma física de Lewis en los mismos. La secuencia de Martin-Lewis cantando «That’s amore» es memorable.
De acuerdo que Dean Martin aquí cede mucho terreno a su amigo pero es igual. The Caddy no es una maravilla de la técnica, es sencillamente una maravilla de la ineptitud de este tío que va con Dean Martin llevándole los palos de golf.
Ya no hay cómicos del estilo de Jerry Lewis, ágiles, divertidos, auténticos showman que salían con el colega y se marcaban un baile de claqué increíble mientras cantaban desfilando por todo el escenario, con una sincronía acojonante, se pegaban y se tiraban al suelo de un salto, como una actuación de dibujos animados. Hacían reír y asombraban al público con su número. Ningún país ha llegado tal alto en el mundo del espectáculo y de la comicidad. No ha habido sucesores para Fred Astaire y Gene Kelly, y para Jerry Lewis tampoco. Nadie, ni de lejos. Esta gente no ha tenido parangón en la historia de los musicales, del espectáculo, ni del cine.
No intentar verla bajo un prisma de actualidad. Si cuando Dean Martin se pone a cantar That´s Amore, rodeado de su familia, en casa, todos felices y contentos, esas imágenes no te llegan a la fibra mientras sonríes, déjalo y sigue con lo que estabas haciendo.
¡QUE VIDA ESTA!
El precio original era: 8,41 €.7,20 €El precio actual es: 7,20 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia. Romance
Sinopsis
Kay, una cantante famosa, cambia radicalmente de vida al casarse con Chris, un ranchero que tiene dos hijas. Kay pone todo su empeño en conseguir adaptarse a la dura vida del campo. Pero cuando cree que lo ha conseguido, una desavenencia con su marido hace que sus esperanzas se vean truncadas
(George Marshall, 1950)
CRITICAS
23 de febrero de 2023
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Muy entretenida comedia romántica, que tiene todo a su favor para que el/la espectador/a la disfrute.
Y es que tiene de todo, comicidad, con felices gags visuales y verbales, romanticismo… vamos, que no le falta de nada.
Es muy divertida, con las consiguientes cuitas de una urbanita en el campo, casándose con un ranchero viudo con dos hijas pequeñas que añoran a su fallecida madre.
Pero, felizmente, no se toca el drama, siendo un divertimento sin complicaciones.
Gracias a un buen guión, excelentes interpretaciones y una realización, esta vez inteligente y con buenas escenas técnicamente competentes (como el noviazgo de los dos protagonistas, viéndoseles sólo las piernas) del destajista pero siempre eficaz George Marshall.
Lo cierto es que gusta mucho desde el comienzo hasta el final y deja un muy agradable sabor de boca y en la memoria.
Recomendable para olvidar durante casi hora y media los sinsabores de la vida real.
¿ALGUIEN HA VISTO A MI CHICA?
El precio original era: 22,93 €.21,72 €El precio actual es: 21,72 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia | Años 20
Grupos
Adaptaciones de Eleanor H. Porter
Sinopsis
Un anciano millonario sin familia, que pretende dejar toda su fortuna a los descendientes de una novia suya que lo rechazó, se traslada a la localidad donde residen para comprobar cómo viven sus futuros herederos
(Douglas Sirk, 1952)
CRITICAS
Samuel J. Fulton tiene las alas caídas. Todo el dinero que ha acumulado en la vida no le ha servido para ser feliz, y ahora, al lado de su abogado y de su médico, está a punto de firmar su testamento. Como no tiene pariente alguno, decide legar todos sus bienes a una tal familia Blaisdell que vive en Hilverton, Belmont. ¿Por qué la ha elegido? Fulton tiene una buena razón: ¡Agradecimiento! Estuvo enamorado de Millicent, la madre de Harriet Blaisdell, y gracias a que ella no quiso casarse con él, pudo marchar en busca de oro y de petróleo… y así se hizo millonario.
Sus asesores lo convencen entonces de que sería bueno asegurarse de que los Blaisdell no sean gente de mal vivir que dilapide la herencia… y así, Fulton se quitará la barba y se convertirá en John Smith (cualquier semejanza con el militar y aventurero del siglo XVI-XVII que estableció el primer asentamiento británico en Norteamérica y quien tuvo un breve romance con la amerindia Pocahontas, es inevitable), y con su nueva personalidad, se las ingeniará para hospedarse con los Blaisdell… y así comienza una encantadora comedia donde se demostrará ampliamente que hay algunas razones por las que no siempre conviene hacerse ricos.
Charles Coburn y Gigi Perreau, el “avaro” ricachón y la hospitalaria Roberta, se merecían todo el cartel en este filme, pues con su estupenda amistad, haciendo trío con el perro Penny, harán que sintamos una grata corriente de calor humano –y perruno- que se sostendrá complaciente durante toda la comedia. La historia desborda ingenio, recursividad, simpatía, deliciosos y mordaces diálogos, y hasta hará eco de la frase que eternizara el también escritor Smith: “El que no trabaja, no come”, que si fuera cierta, uno se pregunta ¿por qué siempre comen los empleados oficiales?
El director alemán afincado en Hollywood, Douglas Sirk, se sirve de una ajustada y lujosa ambientación que, filmada en un technicolor de preciosos tintes, semeja la historia a un cuento de hadas en el que aflorarán aquellas reacciones humanas que dan sentido a la existencia. Y así, la observación permitirá determinar la conveniencia, la dadivosidad dará lugar a que se vean los cambios que se producen en el ser, la solidaridad hará visible la reciprocidad, y entre otras cosas, el amor demostrará que no nace donde solo hay abundancia material sino, preferentemente, donde hay compromiso, lealtad y afecto sin pretensiones.
“¿ALGUIEN HA VISTO A MI CHICA?, es una comedia ¡tan encantadora! que, es bien seguro que si hay alguien que todavía piense que la vida no tiene sentido, aquí encontrará muy buenas razones para comprobar que Sí lo tiene y que la pregunta clave ya no es: ¿Qué me está dando la vida? sino ¿Qué le estás dando tú a la vida?
¿ARDE PARIS?
El precio original era: 19,35 €.18,14 €El precio actual es: 18,14 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Bélico | II Guerra Mundial. Nazismo
Sinopsis
En agosto de 1944, las tropas americanas están a punto de liberar París. Mientras tanto, Hitler ha ordenado a uno de sus generales que mantenga el control sobre la ciudad o que la destruya. Fresco histórico sobre la liberación de París por las fuerzas aliadas. Impresionante reparto con guión de Coppola y Gore Vidal.
(René Clément, 1966)
Posición en rankings FA
121 Mejores películas de guerra/cine bélico
Premios
1966: 2 nominaciones al Oscar: Mejor fotografía B&N, dirección artística B&N
1966: Globos de Oro: Nominada Mejor banda sonora original
CRITICAS
Realizada por René Clément, se basa en la obra «Is Paris Burning?», de Larry Collins y Dominique Lapierre, adaptada por los guionistas Gore Vidal y Francis Ford Coppola. Se rodó en exteriores e interiores de Paris y en plató, con un elevado presupuesto. Obtuvo dos nominaciones a los Oscar (decorados b/n y fotografía) y una a los Globo de oro (música original). Producida por Paul Gratz, se estrenó el 26-X-1966 (Francia).
La acción tiene lugar en Paris y alrededores, con un breve prólogo en el cuartel general de Hitler en Alemania. Cronologicamente abarca del 7 al 24 de agosto de 1944 (18 días). Narra el levantamiento de Paris contra la ocupación nazi, liderado por la Resistencia, 2 meses después del desembarco aliado en Normandía. La acción se hilvana a través de la figura del general alemán Dietrich von Choltitz (Gert Fröbe, «Goldfinger», 1964).
La película muestra la crueldad y el caracter devastador de la guerra. El arco dramático viene dado por el nombramiento de Choltitz, las instrucciones directas de Hitler de derruir e incendiar Paris antes de rendirlo a los aliados, la decisión de Patton de aplazar la liberación de Paris, la impaciencia de la Resistencia parisina, las dudas de Choltitz y las noticias sobre la reciente destrucción de Varsovia. Se diferencia el comportamiento del mando militar alemán y el salvajismo de la Gestapo. Se expican las pugnas internas de la Resistencia. Se muestran las diferencias entre los mandos aliados, derivadas del propósito de Patton de aplazar la liberación de Paris para acelerar la marcha sobre el Rhin y provocar el final de la guerra. Son escenas memorables la del inhumano embarque en tren con destino a Alemania de más de 2 mil partisanos, la alineación en paralelo al convoy de soldados alemanes, la petición de Himmler del «tapiz de Bayeux» (s XI) para regalarlo a Hitler, la trampa mortal que la Gestapo tiende a un grupo de estudiantes, la toma de la Jefatura de la Policía, la del Hotel Matignon, las conversaciones de Choltitz con el cónsul sueco Raoul Nordling (Orson Welles) y otras.
La música, de Maurice Jarre, incluye un vals como tema principal, de tono épico. Acompaña la Resistencia con melodías marciales, los nazis con tonos patéticos y la Liberación con aires poéticos y triunfales. El tema central fue recogido en la canción «Paris en colère». Interpretada por Mireille Mathieu, obtuvo gran éxito. La fotografía, en b/n, construye una narración de estilo documental, con inclusión de filmaciones de época, encuadres magistrales y movimientos de cámara espectaculares. La última secuencia es en color. El guión combina el intimismo de las personas, emotivos movimientos populares, el realismo de la guerra y humor (boda interrumpida). La interpretación corre a cargo de un elenco amplio de actrores. Destacan Orson Welles, Gert Fröbe, Belmondo, Leslie Caron y otros. La dirección suma técnicas de cine americano («El día más largo», 1962) con una aguda sensibilidad europea.
¿QUIEN TEME A VIRGINIA WOOLF?
El precio original era: 22,08 €.20,87 €El precio actual es: 20,87 €. *IVA IncluidoGénero
Drama
Sinopsis
George y Martha son un matrimonio que se profesa un odio salvaje. Ambos tienen personalidades autodestructivas, conocen perfectamente las debilidades del otro y saben cómo exasperarlo. George es un profesor de historia alcohólico. Martha, la hija del director de la universidad donde George da clases, es una mujer frustrada y vulnerable. Un sábado por la noche, después de una fiesta, invitan a su casa a un nuevo profesor y a su esposa. La presencia de esta pareja no evita que Martha y George se humillen y maltraten como de costumbre. A través de este cruel juego sale a relucir la verdad tanto sobre los anfitriones como sobre los invitados.
(Mike Nichols, 1966)
Posición en rankings FA
95 Mejores películas de los años 60
Premios
1966: 5 Oscars: Actriz (Taylor), secundaria (Dennis), fotografía, direc. artíst. B/N, vestuario
1966: Globos de Oro: 7 nominaciones, incluyendo mejor película – Drama
1966: Premios BAFTA: Mejor película, actor británico (Burton) y actriz británica
Críticas
«Despiadada pieza teatral de un peso pesado de la dramaturgia USA (…) Una de las más apasionadas y destructivas parejas del cine de los años 70»
«Miserias, fustraciones y deseos de dos parejas de la aparentemente más respetable burguesía con un vocabulario nunca escuchado. Interesante»
«Uno de las películas americanas más ferozmente honestas que se hayan hecho nunca»
12 hombres sin piedad – Edicion criterion 4K UHD
El precio original era: 65,28 €.64,07 €El precio actual es: 64,07 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga. Drama | Drama judicial / Abogados/as. Escenario único. Película de culto
Grupos
Doce hombres sin piedad
Sinopsis
Los doce miembros de un jurado deben juzgar a un adolescente acusado de haber matado a su padre. Todos menos uno están convencidos de la culpabilidad del acusado. El que disiente intenta con sus razonamientos introducir en el debate una duda razonable que haga recapacitar a sus compañeros para que cambien el sentido de su voto
(Sidney Lumet, 1957)
CRITICAS
Intenso drama judicial acerca de la deliberación de un jurado de «doce hombres justos», en el caso de un joven de baja extracción social, acusado de parricidio, y de la duda razonable que un honesto miembro del jurado se plantea ante el cúmulo de pruebas y hechos incriminatorios aportados por el fiscal.
Henry Fonda, en una de las mejores interpretaciones de su carrera, interpreta al sereno e íntegro jurado nº 8, que acometerá, cual heroico y moderno Don Quijote, la difícil misión de razonar con los once miembros restantes del jurado, el deber y la responsabilidad de actuar con honestidad, revisando bajo otra óptica, todas y cada una de las pruebas y testimonios, con objeto de convencerles de que existe una duda razonable, y que éste es suficiente motivo para cambiar sus iniciales y precipitados veredictos.
Excelente película realizada por Sidney Lumet, gracias (eso hay que decirlo) sobre todo a Reginald Rose, responsable de esta obra tan completa, que originalmente fue creada para la TV en 1954, y que debido al éxito obtenido (consiguió un Emmy), Sidney Lumet la llevó al cine consiguiendo con su opera prima, el respeto y la admiración de todos aquellos que no lo conocían.
Es bien cierto, que cuenta con la colaboración de unos actores ya consagrados y la mayoría de ellos con un currículo estimable, pero eso también es obra del director. Asimismo conseguir que la película no decaiga en interés en ningún momento, filmada prácticamente en interiores, entre cuatro paredes, con un ventilador que no funciona, las ventanas que prácticamente no se abren, etc., pero con unos primeros planos de los actores estupendos, matizando sus facciones, sus gestos, todos los matices, una filmación excelente.
El film, que supone la opera prima de Sidney Lumet, no se molesta en ocultar los orígenes teatrales de la obra, aprovechando el espacio cerrado de la sala de deliberaciones, para incrementar su sudorosa y claustrofóbica intensidad.
Los doce intérpretes dan lo mejor de sí mismos en esta obra de soberbias caracterizaciones, destacando entre todas la ya comentada de Fonda, la de Lee J. Cobb, como el beligerante, amargado y feroz jurado nº 3, la de Martin Balsam en el papel del pusilánime presidente del jurado, E.G.Marshall, como el frío y analítico jurado nº 4, Ed Begley, como el intolerante jurado nº 10, Joseph Sweeney como el anciano y perspicaz jurado nº 9 y Jack Warden, como el superficial y agresivo jurado nº 7.
Todos están magistrales en sus anónimos papeles, en este enfrentamiento por conseguir un veredicto de unanimidad, en una obra, donde lo que en realidad se juzga es la intolerancia, los prejuicios étnicos, generacionales y los de clase social, oponiendo a estas lacras, la sencillez y majestad de la razón, expresada a través de la serenidad del diálogo y la palabra.
125 RUE MONTMARTRE
El precio original era: 17,55 €.16,34 €El precio actual es: 16,34 €. *IVA IncluidoGénero
Drama | Crimen. Polar francés
Sinopsis
Didier está desesperado y se lanza al Sena. Pascal, un vendedor de periódicos de carácter severo, cáustico, y carente de compasión, se arroja al río y le salva. Entre los dos hombres nace una amistad. Pero Pascal, sin darse cuenta, al evitar la tentativa de suicido de Didier, se verá inmerso en una trama de engaños y apariencias y pronto será acusado de un asesinato
(Gilles Grangier, 1959)
CRITICAS
Buena película dirigida con precisión por Gilles Grangier, que adapta la exitosa novela de André Gillios, ganadora del Prestigioso Premio Quai des Orfèvres en 1959, y que firma el guión junto al realizador y Jacques Robert y el siempre excelente Michel Audiard, en los diálogos.
Y estos son francamente buenos, sobre todo los del personaje protagonista, un socarrón, duro en la forma pero buena persona, que trata con displicencia a los demás, pero si es necesario siempre está dispuesto a echar una mano.
Y esto es lo que sucede y lo que le hace ir de mal en peor.
Excelente fotografía en blanco y negro de Jacques Lemare y una descripción de las gentes normales, trabajadore/as, perfecta.
En cuanto al aspecto de la intriga, está bien llevada y la parte final, la del circo, tiene una gran fuerza.
Un film de gran factura, que gusta mucho, y con interpretaciones memorables, como la de Lino Ventura y la de Jean Desailly como el inteligente y no menos socarrón inspector de policía.
21 DIAS JUNTOS
El precio original era: 4,78 €.3,57 €El precio actual es: 3,57 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Cine negro. Intriga | Crimen
Sinopsis
Larry Durrant (Laurence Olivier) mata accidentalmente al marido chantajista de su amante Wanda (Vivien Leigh). La policía detiene a un sospechoso, que es condenado a muerte. Larry y Wanda sólo tienen tres semanas para estar juntos y decidir si Larry debe entregarse o dejar que muera un inocente
(Basil Dean, 1940)
CRITICAS
Film dirigido por Basil Dean («Lorna Doone», 1934) y escrito por él en colaboración con el novelista Graham Greene. Se basa en la pieza teatral breve, en 3 escenas, «The First And The Last», de John Galsworthy. Se rueda en los estudios Denham (Denham, RU), salvo algunas tomas directas de la ciudad, con un presupuesto modesto. Producido por Alexander Korda, se estrena el 7-I-1940 (RU), cuatro meses después del comienzo de la IIGM.
La acción tiene lugar en Londres y alrededores en 1938/39. Plantea las dudas de un homicida ante el arresto, prisión y juicio de un inocente acusado por error de unos hechos en los que no ha participado. La obra, algo artificiosa y de desenlace poco convincente, se enmarca en el conjunto de films de intriga y «thrillers» de bajo presupuesto que proliferan en el RU al amparo del éxito de las cintas de Hitchcock. Son excelentes las interpretaciones de Laurence Olivier y Janet Leigh, que en 1940 contraen matrimonio. La atmósfera que envuelve la acción está bien construida, con momentos tan logrados como la breve secuencia del parque de atracciones y la secuencia más larga de la noche de autos. El punteado de humor alcanza un punto culminante en la cena de magistrados y fiscales, en la que cada uno de ellos confiesa infracciones leves de la ley (no pagar el billete del autobús, usar una moneda extranjera en un dispensador de chocolatinas, etc.). El austríaco casado con una inglesa, con su locuacidad y dificultades lingüísticas, crea situaciones cómicas que, vistas con los ojos actuales, resultan menos felices y un tanto anacrónicas. Es interesante el estudio que hace de conceptos complejos como la ambición, la resignación, la duda, la incertidumbre, la suerte y la desgracia. Utiliza con eficacia la elipsis y el sobreentendido (empeño del icono).
Graham Green, convertido al catolicismo 14 años antes, deja en el guión huellas de su fervor religioso: citas bíblicas (Noé), invocaciones divinas, imágenes de la Última Cena (pared) y de la Virgen con el niño (icono) y defensa de las posiciones antidivorcistas. La figura del pastor anglicano atormentado recuerda al personaje de su obra «El poder y la gloria».
La fotografía, de Jan Stallich («Éxtasis», 1932), combina negros saturados, blancos puros y una gama amplia de grises. Proyecta sombras expresionistas, que crean sentimientos de inseguridad y zozobra, como las de Keith cuando interroga a Larry en el despacho. Refleja imágenes en espejos para dar amplitud y aplicar un toque de misterio al escenario. Ofrece encuadres de cámara subjetiva (Larry visto por Keith).
La música, de John Greenswood («Torbellino de la vida», 1950), incorpora varias canciones populares inglesas a una partitura de acompañamiento que subraya la acción con movimientos reiterativos que en ocasiones se confunen con el sonido ambiental (ruido de los motores del barco).
Película algo desigual, pero con buenos momentos, que cuenta con el aliciente de las notables interpretaciones de Olivier y Leigh.
A las nueve cada noche
El precio original era: 22,93 €.21,72 €El precio actual es: 21,72 €. *IVA IncluidoSinopsis
Cuando muere su madre tras una larga enfermedad, los siete hermanos Hook la entierran en el jardín, pues temen ser separados y enviados a distintos orfanatos.
Premios
1967: Premios BAFTA: Nominada a Mejor actor británico (Dirk Bogarde)
1967: Festival de Venecia: Nominada al León de Oro
A QUEMARROPA – Edicion limitada Coleccionista 4K UHD+ BLURAY Criterion
El precio original era: 66,49 €.65,28 €El precio actual es: 65,28 €. *IVA IncluidoGénero
Thriller. Drama | Crimen. Venganza. Neo-noir
Sinopsis
Después de haber dado un golpe muy lucrativo, un hombre es traicionado por su esposa y por su mejor amigo. Ambos lo abandonan, dándolo por muerto, en una celda de la abandonada prisión de Alcatraz. Años después, intentará vengarse y recobrar su parte del botín.
(John Boorman, 1967)
CRITICAS
Película con mucho nervio y un magnífico uso del sonido, el montaje y el ritmo narrativo (tan frío y calculador como el propio protagonista) que encaja particularmente bien con el desquiciado tono psicológico de la película (el protagonista se ve constantemente asaltado por recuerdos mostrados de manera abrupta, haciéndonos partícipes así de su carácter obsesivo). El arranque es espectacular y aunque luego la historia se desinfla un poco al ser demasiado simple y esquemática, el pulso del director y su escasa duración consigue que te mantengas en tensión y se siga con interés.
Excelente Lee Marvin en el papel de frío asesino, un tipo con una sola idea en la cabeza que ejecutará de manera limpia y certera.
De todas formas su importancia es innegable. Una de las películas de las que bebe el thriller actual (Tarantino, Memento…) y que marcaron una transición tras el cine negro clásico. Un cine más duro, más explícito y que buscaba jugar con las convenciones narrativas y con las convenciones del género.
Recomendable.
A lo largo de mi vida cinéfila he visto infinidad de tipos duros, muy duros, en una gran pantalla. Tipos como Humphrey Bogart, James Cagney, Richard Widmark, Robert Mitchum, Marlon Brando, Jack Palance, John Wayne, Kirk Douglas, Robert Ryan, Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Anthony Quinn, Charles Bronson, Chuck Norris, Bruce Willis, Harvey Keitel, Al Pacino, Sylvester Stallone, Joe Pesci, Ed Harris, Dolph Lundgren, Mickey Rourke, Jason Statham… Pero pocos, muy pocos, como Lee Marvin en “A quemarropa”. Un tipo al que dejan tirado con dos balazos en el vientre en una celda vacía de Alcatraz y aún tiene los santos cojones de lanzarse a las gélidas aguas del Pacífico para llegar nadando a la costa… y salvarse. Un tipo duro, sin duda. Una roca. Como Alcatraz, por cierto. Y casi tanto, también, como Charles Bronson, el hombre sin nombre de “Hasta que llegó su hora”. A mi juicio, el tipo más duro de la historia del cine. Un tipo con el que Walker (Marvin) comparte mirada, gravedad, contención, laconismo, frialdad, inclemencia… y hasta ausencia de nombre
Lo que más me fascina de “A quemarropa” son los destellos de gran cine que le imprime Boorman: su técnica narrativa a base de flashbacks, su cámara lenta a lo Peckinpah, su poderoso erotismo, su cuidada recreación de ambientes —a veces sórdidos y, a veces, elegantes— y, sobre todo, el incuestionable vigor de sus mejores secuencias (en especial la de las persistentes pisadas en la estación de metro, la de la irrupción de Walker en casa de su esposa vaciando el cargador en el humeante colchón matrimonial y la de Angie Dickinson abofeteando a un impávido Marvin hasta quedar absolutamente exhausta). Secuencias, todas ellas, que deberían figurar, a mi juicio, en cualquier manual cinéfilo de escenas para la posteridad.
A STAR IS BORN
El precio original era: 4,78 €.3,57 €El precio actual es: 3,57 €. *IVA IncluidoGénero
Drama. Comedia | Cine dentro del cine
Grupos
A Star is Born
Sinopsis
Esther Blodgett, una ambiciosa e inteligente chica de pueblo, llega a Hollywood. En una fiesta en la que trabaja como camarera conoce a Norman Maine, un famoso actor en decadencia. Para sorpresa de Esther, Norman le ofrece un papel en una película y, tras realizar una prueba, el productor queda impresionado y decide convertirla en una estrella. Norman y Esther se casan, pero la felicidad se ve empañada por el declive del actor y el fulgurante éxito de Esther.
(William A. Wellman, Victor Fleming, 1937)
CRITICAS
Esta es la primera versión de la película que en los años 50 dirigió George Cukor, que seguramente sea más conocida.
La historia del ascenso al estrellato de una joven aspirante a actriz, mientras que el reconocido actor que se casa con ella cae en picado hacia el más sangrante de los olvidos, es a grandes rasgos la historia que cuenta la película.
William A. Wellman dirige con absoluta profesionalidad una película que, aunque previsible en su desarrollo, resulta equilibrada y llena de ritmo. La película tiene el tono adecuado, ya que resulta tan comedida en los momentos dramáticos como contenida en los más emotivos, y siempre con las justas dosis de ligereza.
Los protagonistas son dos de las estrellas de la época, Fredric March y Janet Gaynor, y ambos hacen notables interpretaciones en dos personajes que son de auténtico lucimiento. Destacar también el entrañable personaje de la veterana May Robson, como la abuela de la protagonista.
Ha nacido una estrella no va a descubrir la pólvora, se le ve venir prácticamente desde el principio, pero aun así es una buena y digna película.
A TRAVES DEL ESPEJO
El precio original era: 36,24 €.35,03 €El precio actual es: 35,03 €. *IVA IncluidoGénero
Intriga. Cine negro. Thriller | Crimen. Thriller psicológico
Sinopsis
Un médico aparece asesinado. La principal sospechosa es una mujer que fue vista abandonando el escenario del crimen, pero cuando la policía empieza a investigar hará un sorprendente descubrimiento.
(Robert Siodmak, 1946)
CRITICAS
Realización, en b/n, de Robert Siodmak. Se basa en un argumento del periodista Vladimir Pozner. Se rodó en plató y en estudio. Ganó el Oscar al mejor argumento original.
La acción tiene lugar en Hollywood, en 1946, a lo largo de unos 2 meses. Narra la historia de dos hermanas gemelas univitelinas, Ruth y Terry Collins (Olivia de Havilland), sobre una de las cuales recaen sospechas de ser la autora del asesinato de un médico. El teniente de la policía Stevenson (Thomas Mitchell) se ve incapaz de determinar sobre cuál de las dos hermanas reacen las sospechas, dado su alto nivel de semejanza física. Por ello reclama la ayuda de Scott Elliot (Lew Ayres), psicoanalista. Durante su trabajo se enamora de Ruth, dulce y quilibrada, y descubre que Terry padece un trastorno psicótico.
La película se enmarca en la corriente del cine de psicoanálisis, que floreció en EEUU en la década de los 40 del siglo pasado. En él destaca «Recuerda» (1945), de Hitchcock. La película es una obra que aúna suspense, crímenes y thriller, que se apoya en los misterios de las relaciones de apoyo mutuo de dos gemelas practicamente idénticas, las dificultades que impiden su identificación por los rasgos físicos (cuando no hay huellas dactilares disponibles), la imprevisibilidad de controlar la conducta paranoica de una de ellas y el juego de simulaciones y mentiras en el que se recrean las dos interesadas. El psicoanalista ha de trabajar contrareloj porque, al haberse enamorado de una de ellas, corre peligro de ser asesinado.
Las referencias psicoanalíticas son correctas y comprensibles, incluyen el análisis mediante el test de las manchas de tinta de Rochard, actualmente aún en uso. Es una de las películas más recordadas y emblemáticas de gemelas idénticas, entre las que cabría citar «Gemelas» (2002), «Tú a Boston y yo a California» (1961) y otras.
La música, de Dmitri Tiomkin, orquestal, ampulosa y solemne, subraya los momentos de intriga y tensión, con bajos profundos y variaciones inquietantes. La fotografía, de Milton Krasner («Eva al desnudo», 1950), se ajusta a una estética de influencia expresionista, usa encuadres oblícuos, sombras siniestras e imágenes reflejadas en espejos (que explican el título del film en español). El guión es uno de los primeros en tratar con rigor el tema del psicoanálisis. Contiene algunos puntos de inverosimilitud y de dureza narrativa, como la caracterización de Ruth como la buena y Terry como la mala.
La doble interpetación de Olivia de Havilland, en uno de sus pocos papeles estelares de gran relieve dramático, es excelente. La dirección crea una historia intensa, de buen nivel, aunque algo inferior a otras de las que firmó, como «Forajido» (1946) y «El abrazo de la muerte» (1948).
Película de suspense absorbente, excelente música, gran fotografía y sobresaliente interpretación.
ABBOT Y COSTELLO CONTRA LOS FANTASMAS
El precio original era: 42,29 €.41,08 €El precio actual es: 41,08 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia. Terror. Fantástico | Vampiros. Monstruos. Parodia
Sinopsis
Una de las más famosas y quizá la mejor de las apariciones cinematográficas de la popular pareja de cómicos americanos Abbott y Costello, que en esta ocasión se hacen acompañar de míticos montruos -e intérpretes- como Drácula (Bela Lugosi), el hombre lobo (Lon Chaney Jr.) o Frankenstein (Glenn Stange). Terror y diversión a partes iguales
(1948, Charles Barton)
CRITICAS
Esta película llena de gags y situaciones realmente divertidas y que se trata sin lugar a dudas de la mejor película de los cómicos que volvieron a parecer con otros monstruos como la momia (en »Abbott y Costello contra la momia») o el hombre invisible (en »Abbott y Costello contra el hombre invisible») de modo que estos cómicos fueron quienes demostraron que los monstruos no solo sirven para asustar y que también pueden hacer reír, probablemente no existirían algunas de las series más conocidas como »La Familia Monster» o »La familia Adams’
ABBOT Y COSTELLO EN HOLLYWOOD
El precio original era: 32,85 €.31,64 €El precio actual es: 31,64 €. *IVA IncluidoCompañías
Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Género
Comedia
Grupos
Abbott y Costello
Sinopsis
A pesar de que en el título aparece la palabra Hollywood, esta comedia no gira en torno al mundo del cine, sino al de la música. Abbott y Costello vuelven a interpretar a dos perdedores que sueñan con convertirse en importantes agentes musicales. Quieren cumplir su sueño, así que empiezan con pequeños clientes con carreras alejadas del estrellato. Por el momento son unos don nadie, habrá que ver si la pareja de cómicos consigue convertirlos en los reyes de la música.
(S. Sylvan Simon, 1945)
CRITICAS
La trama versa sobre un par de barberos de Tinseltown que sueñan con convertirse en agentes caros del mundo del espectáculo y deciden intentarlo promocionando a un joven con gran talento musical. Como es habitual en las películas de este peculiar duo, la historia es lo de menos y sirve de excusa para que desarrollen sus habituales payasadas con mayor o menor acierto. No está a la altura de sus mejores trabajos con la Universal pero tiene algunas escenas divertidas como la de Abbott enseñando a Costello cómo afeitar a los clientes, o aquella en la que Lou se hace pasar por muñeco y le hacen de todo en el rodaje de una escena de cine.
El estar realizada para MGM y ambientada en sus estudios, hace que aparezcan brevemente algunos actores de la productora como Lucille Ball, Preston Foster, Jackie Butch Jenkins, Dean Stockwell, Rags Ragland, Sharon McManus y el director Robert Z Leonard, todos interpretándose a sí mismos
ABISMO
El precio original era: 55,06 €.53,85 €El precio actual es: 53,85 €. *IVA IncluidoCompañías
Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Columbia Pictures
Género
Aventuras. Acción. Intriga | Aventuras marinas
Grupos
Adaptaciones de Peter Benchley
Sinopsis
Gail Berke y David Sanders están pasando unas idílicas vacaciones en las Bermudas. Mientras practican submarinismo, de repente, se topan con los restos del naufragio de un buque de carga de la segunda Guerra Mundial, en cuyo interior hallan miles de ampollas de morfina. Este descubrimiento los lleva a ponerse en contacto con un traficante haitiano y un buscador de tesoros.
Se trata de una historia de aventuras subacuáticas a la caza de tesoros arqueológicos, mezclada con una subtrama de tráfico de drogas, ambientada en las Bermudas.
El guión es muy somero debido a la abundancia de escenas bajo el agua que impiden los diálogos. El reparto es de campanillas, con protagonistas como Jacqueline Bisset (una de las mujeres más hermosas que jamás ha actuado ante una cámara), el siempre solvente Nick Nolte y el genial (y prematuramente fallecido) Robert Shaw, en un papel que recuerda vagamente (menos malhumorado, eso sí) al Capitán Quint de dos años antes en “Tiburón”. En roles más secundarios destacan Louis Gossett Jr. (el oscarizado sargento de “Oficial y caballero”) y el legendario Eli Wallach (sí, el feo de “El bueno, el feo y el malo”). La película tuvo un presupuesto $9 millones y genero por venta de taquillas la cantidad de $50,6 millones en EE.UU. solamente, más $31,3 millones por la venta de alquiler en los videoclubes, además recibió tres nominaciones, una al Oscar por mejor sonido, a los “BAFTA Awards” por mejor cinematografía y a los “Golden Globe” por mejor canción original, «Down Deep Inside», interpretada por Donna Summer.
Robert Shaw (1927-1978) fue un actor británico, guionista y escritor. Su primer papel importante fue el del agente secreto, Red Grant, en la película de James Bond “From Russia with Love” (1963), junto a Sean Connery y Daniela Bianchi.
Su actuación en esta película cimentó su carrera como un sólido actor de carácter. De hecho, este estilo de personajes inmisericordes y duros serían la especialidad actoral de Shaw. En “A Man for All Seasons” (1966), fue nominado como mejor actor de reparto para los “Golden Globes” y los premios Óscar.
Jacqueline Bisset (1944-) actriz británica que en 1967 fue elegida para interpretar el papel protagonista en “Two for the Road” (1967), recibió críticas muy positivas, luego intervino en la comedia satírica, “Casino Royale” (1967). Sus siguientes películas fueron “The Detective” (1968) con Frank Sinatra y “Bullitt” (1968) junto a Steve McQueen.
“The Deep” (1977) con la que participación también de Robert Shaw y Nick Nolte, le valió el calificativo de «actriz más atractiva de todos los tiempos» que le dio la revista “Newsweek” a raíz de unas escenas en las que Bisset nada en el agua vestida únicamente con una camiseta. John Barry, que es el «inventor» de la música de Bond firma esta banda sonora y para más inri la mitad del reparto estuvo en una del agente secreto. Tanto Jacqueline Bisset como Robert Shaw fueron chica Bond en Casino Royale 1967 y villano Bond en Desde Rusia con amor en 1963. Además el director Peter Yates trabajó con Roger Moore en la serie en Santo.
ABISMO
El precio original era: 10,83 €.9,62 €El precio actual es: 9,62 €. *IVA IncluidoGénero
Aventuras. Acción. Intriga | Aventuras marinas
Grupos
Adaptaciones de Peter Benchley
Sinopsis
Gail Berke y David Sanders están pasando unas idílicas vacaciones en las Bermudas. Mientras practican submarinismo, de repente, se topan con los restos del naufragio de un buque de carga de la segunda Guerra Mundial, en cuyo interior hallan miles de ampollas de morfina. Este descubrimiento los lleva a ponerse en contacto con un traficante haitiano y un buscador de tesoros.
Se trata de una historia de aventuras subacuáticas a la caza de tesoros arqueológicos, mezclada con una subtrama de tráfico de drogas, ambientada en las Bermudas.
(Peter Yates, 1970)
CRITICAS
El guión es muy somero debido a la abundancia de escenas bajo el agua que impiden los diálogos. El reparto es de campanillas, con protagonistas como Jacqueline Bisset (una de las mujeres más hermosas que jamás ha actuado ante una cámara), el siempre solvente Nick Nolte y el genial (y prematuramente fallecido) Robert Shaw, en un papel que recuerda vagamente (menos malhumorado, eso sí) al Capitán Quint de dos años antes en “Tiburón”. En roles más secundarios destacan Louis Gossett Jr. (el oscarizado sargento de “Oficial y caballero”) y el legendario Eli Wallach (sí, el feo de “El bueno, el feo y el malo”). La película tuvo un presupuesto $9 millones y genero por venta de taquillas la cantidad de $50,6 millones en EE.UU. solamente, más $31,3 millones por la venta de alquiler en los videoclubes, además recibió tres nominaciones, una al Oscar por mejor sonido, a los “BAFTA Awards” por mejor cinematografía y a los “Golden Globe” por mejor canción original, «Down Deep Inside», interpretada por Donna Summer.
Robert Shaw (1927-1978) fue un actor británico, guionista y escritor. Su primer papel importante fue el del agente secreto, Red Grant, en la película de James Bond “From Russia with Love” (1963), junto a Sean Connery y Daniela Bianchi.
Su actuación en esta película cimentó su carrera como un sólido actor de carácter. De hecho, este estilo de personajes inmisericordes y duros serían la especialidad actoral de Shaw. En “A Man for All Seasons” (1966), fue nominado como mejor actor de reparto para los “Golden Globes” y los premios Óscar.
Jacqueline Bisset (1944-) actriz británica que en 1967 fue elegida para interpretar el papel protagonista en “Two for the Road” (1967), recibió críticas muy positivas, luego intervino en la comedia satírica, “Casino Royale” (1967). Sus siguientes películas fueron “The Detective” (1968) con Frank Sinatra y “Bullitt” (1968) junto a Steve McQueen.
“The Deep” (1977) con la que participación también de Robert Shaw y Nick Nolte, le valió el calificativo de «actriz más atractiva de todos los tiempos» que le dio la revista “Newsweek” a raíz de unas escenas en las que Bisset nada en el agua vestida únicamente con una camiseta. John Barry, que es el «inventor» de la música de Bond firma esta banda sonora y para más inri la mitad del reparto estuvo en una del agente secreto.
Tanto Jacqueline Bisset como Robert Shaw fueron chica Bond en Casino Royale 1967 y villano Bond en Desde Rusia con amor en 1963. Además el director Peter Yates trabajó con Roger Moore en la serie en Santo.
Abismo de Pasion – Edicion Restaurada Blu ray
El precio original era: 20,51 €.19,30 €El precio actual es: 19,30 €. *IVA IncluidoDrama. Romance | Vida rural (Norteamérica). Melodrama. Años 1900 . Amistad. Familia. Adolescencia
Sinopsis
Melodrama que narra la historia de la ciudad de King’s Row a finales del siglo pasado. La película, que consta de tres partes, cuenta la vida de cinco jóvenes y sus esfuerzos por salir adelante
(Sam Wood, 1942)
Premios
1942: 3 nominaciones al Oscar: Mejor película, director, fotografía (B&N)
ADAN TAMBIEN TENIA SU MANZANA
El precio original era: 13,25 €.12,04 €El precio actual es: 12,04 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia | Comedia romántica
Sinopsis
Adan Hogan es dueño de unos lujosos apartamentos que alquila a bajo precio, pero sólo a chicas atractivas que pueda conquistar. Robin, alquila un apartamento con la intención de vivir allí quince días con su novio de un modo experimental, para intentar resolver una cuestión de incompatibilidad de caracteres
(David Swift, 1963)
CRITICAS
La película no es un compendio de sketch hilarantes, es la verdad, sencillamente es una de esas comedias simples en la que nada ofende a pesar de las ideas expuestas sobre todo por la tía de Robin (Carol Lynley) acerca de la pareja y el papel de la mujer en el matrimonio, porque el film tiene la clase que le da ese magnífico actor, los demás también, nadie cae mal, y cuenta con la simpatía del espectador para comprender su absoluta falta de pretenciosidad.
Hay que ver las películas con la perspectiva del tiempo, no creo que nadie vaya a poner el grito en el cielo si en una película sobre la prehistoria se ve a un troglodita llevarse por los pelos a una hembra después de atizarla un mamporro. Pues lo mismo. Además, si se analiza este tipo de películas de entonces, el papel de la mujer en esa siempre tan denostada sociedad americana, la mujer era la que proyectaba los planes, los ponía en marcha y los dirigía. Y no es porque fuera en una comedia, era porque en realidad el hombre es como el melón.
ADELANTE MI AMOR / MEDIANOCHE: DOBLE SESION CON Mitchell Leisen
El precio original era: 32,97 €.31,76 €El precio actual es: 31,76 €. *IVA Incluido- ADELANTE MI AMOR (1940)
Género
Comedia. Drama | Comedia romántica. Guerra Civil Española. II Guerra Mundial
Sinopsis
Año 1939. El estadounidense Tom Martin, que luchó con los republicanos en la Guerra Civil Española, espera el día de su ejecución. Pero una reportera que busca una exclusiva le ofrece ayuda para escapar. Drama basado en las relaciones entre una periodista y un aviador tras la guerra civil.
Premios
1940: Oscar: Mejor historia. 4 nominaciones
Críticas
Ingenioso filme con un claro transfondo crítico con la pasividad de los EEUU para con su intervención en la II Guerra Mundial.
- MEDIANOCHE (1939)
Género
Comedia | Comedia romántica. Comedia screwball. Comedia sofisticada
Sinopsis
Huyendo sin un céntimo y sin siquiera su equipaje, la estadounidense Eve Peabody (Claudette Colbert), llega a París en plan de hacerse con un nuevo futuro, y de inmediato, se propone buscar empleo… con tan buena suerte que enseguida encuentra a un afable taxista, Tibor Czerny (Don Ameche) quien decidirá transportarla por la admiración que le despierta, más que porque piense que ella pueda pagarle. Así comienza una historia de amor repleta de sorpresas.
ADIOS MR. CHIPS
El precio original era: 13,25 €.12,04 €El precio actual es: 12,04 €. *IVA IncluidoGénero
Musical. Drama | Remake. Siglo XIX
Grupos: Adaptaciones de James Hilton
Sinopsis
Mediados del siglo XIX. A la escuela de Brookfield, llega el joven profesor Mister Chips, que pasará allí toda su vida como maestro de varias generaciones, hasta la Primera Guerra Mundial. Nueva adaptación musical de la novela de James Hilton que supuso el debut como director de Herbert Ross.
(Herbert Ross, 1969)
Posición en rankings FA
104 Mejores remakes de la historia
139 Mejores películas musicales
Premios
1969: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actor (Peter O’Toole), bso (Comedia o Musical)
1969: Globos de Oro: Mejor actor musical/comedia ( O’Toole). 3 nominaciones
1969: Premios David di Donatello: Mejor actor extranjero (Peter O’Toole)
CRITICAS
Herbert Ross dirigió su primer trabajo para el cine haciendo una nueva versión del clásico de los años 30 que protagonizó Robert Donat, esta revisión describe los estrictos ambientes escolares británicos en contraposición con la banalidad y artificiosidad que rodea el mundo del espectáculo, que él debía conocer muy bien pues fue bailarín y coreógrafo en Broadway.
En la parte técnica proliferan los planos generales, aéreos y movimientos de grúa, sus composiciones estéticas a veces tienen un tufillo kitsch, pero son encantadoras y se hace un abundante y logrado uso de la elipsis.
Aunque hay algunas canciones que interpreta Petula Clark son pocas y aisladas ( London is London es la más conocida) para considerar la obra como un musical, es más bien una historia romántica que también incide en la vocación como algo que da sentido a la vida.
Muy bien dirigido y contenido, Peter O’Toole ofrece una buena actuación, quedando los méritos de Ross revelados en las secuencias finales, donde no se regodea en la emoción hacia la que conduce el guión, sino que la expone con suave delicadeza.
ADIOS MUÑECA
El precio original era: 4,78 €.3,57 €El precio actual es: 3,57 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro. Intriga. Thriller | Policíaco. Crimen. Años 40. Neo-noir
Grupos: Adaptaciones de Raymond Chandler
Sinopsis
Adaptación de la novela homónima de Raymond Chandler publicada en 1940. Al detective Philip Marlowe (Robert Mitchum) le han encargado una difícil misión: encontrar a Velma, una bailarina de un club nocturno. Durante la investigación, Marlowe se ve obligado a adentrarse en un mundo turbio de personajes oscuros y de dudosa reputación.
(Dick Richards, 1975)
Premios
1975: Nominada al Oscar: Mejor actriz de reparto (Sylvia Miles)
1975: Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a Mejores 10 películas.
CRITICAS
Film independiente, dirigido por Dick Richards. Es la tercera adaptación al cine de la novela «Farewell, My Lovely» (1940), de Raymond Chandler. Las anteriores fueron «The Falcon Takes Over» (1942) y «Murder, My Sweet» (1945). Se rodó en exteriores de LA y Long Beach (CA) y en estudio. Obtuvo una nominación a los Oscar (actriz reparto, Sylvia Miles) y al Edgard. Se estrenó el 8-VIII-1975.
La acción tiene lugar en LA y alrededores en los primeros años 40, con el trasfondo de la II GM. Se citan hechos como la invasión nazi de la URSS (22-VI-1941). Narra en flashback la historia de Philip Marlowe (Mitchum), detective privado, requerido por Moose Malloy (Jack O’Halloran) para localizar a su antigua amante, Velma Valento, de la que no tiene noticias desde hace 6 años. Philip contacta con Tommy Ray (Walter McGinn), antiguo trompetista de la sala de fiestas donde trabajaba Velma, y con Jessie Florian (Sylvia Miles), que fue amiga y compañera de Velma. La investigación le lleva a recorrer el submundo del crimen de LA.
La película recrea el cine negro de los años 30 y 40, por el que el director siente gran admiración. Lo hace con la ayuda de una historia excelente, que desarrolla pausadamente y con delectación. Para un detective privado la localización de personas es una tarea fácil y sencilla. La búsqueda de Velma, en cambio, se complica inexplicablemente, mientras la intriga, el misterio y la tensión dramática, se elevan en un crecendo bien dosificado. Marlowe, de 90 Kg. y 1,85 m, es un perdedor caballeroso y duro, solitario y relativamente culto, que vive ajustadamente de sus ganancias escasas e irregulares. Sobre todo, es un hombre de principios, noble, sincero, leal y honrado.
Destaca la soberbia interpretación de Robert Mitchum, que a los 57 años protagoniza el relato dando vida a un personaje que destila madurez, serenidad, gravedad, melancolía y sarcasmo. Son destacables la escena del burdel en la que Philip recibe tres sonoras bofetadas de una madame gorda y fuerte, la entrevista con Jessie en su casa, la huída en tropel de los clientes del prostíbulo tras oir disparos y otras. La película apuesta por los valores que encarna Philip, las amistades y matrimonios interraciales, la dignidad de las personas de color y su igualdad con las demás, y la lucha contra el crimen.
AEROPUERTO 1975
El precio original era: 21,72 €.20,51 €El precio actual es: 20,51 €. *IVA IncluidoGénero
Acción | Catástrofes. Aviones
Sinopsis
Cuando un Jumbo 747 colisiona contra una avioneta pilotada por un hombre de negocios que acaba de sufrir un infarto, el pánico se apodera de los pasajeros. Muertos los pilotos a causa del choque, la azafata Nancy Pryor, recibe instrucciones por radio para poder hacerse cargo de la situación.
(Jack Smight, 1974)
CRITICAS
«Aeropuerto 75» engloba en su interior todos los defectos del cine catastrofista tan típico de los 70 y sería interminable la enumeración de todos sus exasperantes e irritantes toques del peor cine-espectáculo. Pero, a pesar de la mediocridad del resultado final, no pude evitar esbozar una sonrisa constante durante todo el film, llegando, incluso, a gustarme la tremenda exageración con que está planteada.
¿Por qué?, pues sobre todo gracias a la sublime «Aterriza como puedas». Pero ¿cómo es posible que una película paródica e hiriente haga más agradable y llevadera la película original parodiada? Pues porque la genial e hilarante comedia de los ZAZ (todo un clásico a reivindicar, dicho sea de paso) hace que cada escena de «Aeropuerto 75» sea más entrañable y más simpática por el continuo derroche de escenas tan tópicas y susceptibles de ser parodiadas.
Es más, no sé si intencionada o accidentalmente, Jack Smight aporta a todos los pasajeros del avión un tono muy surrealista, casi kafkiano, empezando por esa Gloria Swanson, autoimitándose de forma magistral y grotesca, y siguiendo con el resto del elenco, a cual más divertido. Incluso me atrevería a decir que todo el reparto es consciente de estar en una comedia más que en un trágico y sobrecogedor film catastrofista.
AGENTE ESPECIAL
El precio original era: 19,30 €.18,09 €El precio actual es: 18,09 €. *IVA IncluidoGénero
Cine negro. Thriller. Drama | Crimen. Policíaco. Serie B
Sinopsis
El teniente de policía Leonard Diamond (Cornel Wilde) persigue al jefe de una organización criminal, llamado Brown (Richard Conte). La amante actual del gángster, Susan Lowell (Jean Wallace), acaba de intentar suicidarse. Al interrogarla en el hospital, le pone en la pista de una tal Alice, nombre que Brown habría escrito una vez ante ella, sobre el vaho de un cristal. Diamond averigua que la mujer de Brown, desaparecida desde hace siete años, se llamaba precisamente a Alice. Mientras se siente atraído por Susan, el teniente encuentra la pista de Nils Dreyer, un comerciante de antigüedades que parece tener una prueba decisiva contra Brown y que muere poco tiempo después de la visita de Diamond a su almacén
(Joseph H. Lewis, 1955)
CRITICAS
Menos conocida que su otra obra maestra, «Gun Crazy», y por supuesto mucho menos que otras películas mucho más famosas dentro del género, «The Big Combo», de Joseph Lewis, merece especial reconocimiento por parte de todo aficionado al cine, pues su excepcional calidad se revela tanto en los aspectos argumentales, como sobre todo, en los formales.
Aparentemente la historia desarrollada no es muy original; un malvado inasequible que dirige una eficiente organización criminal, una mujer sometida a él, un policía tenaz y honesto, y ya tenemos servido el enfrentamiento entre el bien y el mal. Sin embargo, los personajes, incluidos los secundarios, poseen un innegable interés, especialmente en el caso de los malos; un Mr. Brown manipulador, traicionero, hábil conocedor de las personalidades y debilidades ajenas, que explota en su propio interés. Unas mujeres sometidas a una tortura psicológica que las hace debatirse y dudar constantemente acerca de qué partido deben tomar.
Un soberbio trío de secuaces en el que llama la atención la ambigüa relación que mantienen los dos sicarios, Fante y Mingo, así como la humillación que desprende la personalidad de McClure. Y del otro lado, la figura del teniente Diamond, profesional intachable que llegará a verse tentado por el odio y la sed de venganza.
A ello hay que añadir las virtudes formales, que en este caso son abundantes; de entrada, el director de fotografía es John Alton, uno de los maestros indiscutibles del medio, capaz de construir realidades y sensaciones con un chorro de luz rodeado de sombras. Lo que en principio nació como una solución a la escasez o pobreza de los decorados, acabó convirtiéndose en una opción estilística, y Alton tuvo ocasión de poner a prueba su pericia en los filmes que realizara, junto a Anthony Mann, en la década de los cuarenta («T-Men», «Raw Deal», etc).
Su empleo de la luz, de un dramatismo excepcional (veánse el impresionante final de McClure, o las no menos brillantes secuencias iniciales y finales), incrementa la tensión y la angustia de las situaciones narradas, circunstancia que en este filme se ve potenciada por la soberbia puesta en escena y la composición de los encuadres (me llamó la atención uno en el que están los tres secuaces de Brown, triangularmente dispuestos con una lámpara de mesa en primer término).
Los intérpretes cumplen con creces, especialmente Richard Conte, cuyo personaje es el más atractivo, y Lee Van Cleef y Earl Holliman, encarnando a ese curioso par de asesinos; también hay que reseñar el saber hacer de Donlevy (la muerte de su personaje es de lo mejor que uno ha visto nunca) y de Wilde. En cuanto al guión, estupendo en su desarrollo dramático y también por sus eficaces y ácidos diálogos, fue firmado por Philip Yordan, quien como hoy se sabe, sirvió de «tapadera» para muchos guionistas de la Lista Negra, por lo que la verdadera autoría del de esta película sigue siendo un misterio.
AHI ESTA EL DETALLE – CANTINFLAS
El precio original era: 19,30 €.18,09 €El precio actual es: 18,09 €. *IVA IncluidoGénero
Comedia | Drama judicial / Abogados/as
Grupos
Cantinflas
Sinopsis
La confusión entre el perro «Bobby» y un gángster del mismo nombre desencadena una serie de enredos entre un celoso marido, su nerviosa esposa, una pícara criada, una esposa abandonada con ocho hijos y el singular Cantinflas
(Juan Bustillo Oro, 1940)
CRITICAS
Realmente esta película sí me hizo reír. Los gestos las palabras y las situaciones contribuyen a un gran entretenimiento para todos los que somos de habla hispana. Este cómico mexicano sí me hizo olvidarme de mis problemas en el lapso que duró la película. Todas las situaciones y enredos en esta comedia son muy divertidos.
Puedo asegurar que me ha hecho reír más que una película de Chaplin, (otro grande de la actuación). Cantinflas es el personaje del arrabal que trata de defenderse mediante su palabrería que al final no dice nada, pero lo hace de una manera tan graciosa que resulta genial.
Ahí está el detalle” es una película mexicana de la época de oro. Considerada por la crítica como la mejor del cómico Cantinflas su director basó la escena final de la película en acontecimientos reales de 1925. Las «primeras» cantinfladas del cine fueron inspiradas por las declaraciones del criminal Álvaro Chapa.
“Ahí está el detalle” es la película más importante de Cantinflas porque gracias a ella se hizo famoso por su singular actuación, porque el cómico desarrolló hasta sus últimas consecuencias el tipo de personaje urbano que lo había lanzado a la fama durante su trayectoria como un pícaro y vagabundo, con una verborrea incoherente y una vestimenta notoriamente estrafalaria.
Tras la presentación de héroe cómico, dado a la glotonería, la lujuria y a toda suerte de placeres carnales, la cinta comienza a poblarse de una serie de personajes muy divertidos, cuyas respectivas motivaciones van generando una serie de situaciones absurdas, las cuales desembocan en un juicio que marca el punto climático del relato.
El vago Cantinflas, novio de una sirvienta de una lujosa mansión, se ve inmerso en una trama en la que impera el equívoco y la gracia en torno a un crimen del que resulta injustamente acusado. Al final, el asunto se resuelve de forma satisfactoria para todos y cada uno de los implicados.
La comicidad sintetizada en la indumentaria y habla de Cantinflas termina por imponerse y contagiar no sólo a todos los personajes, sino a la película misma.
El cine clásico se caracteriza por varias características clave:
- Narrativa estructurada: Las películas clásicas suelen seguir una narrativa lineal y coherente, con un principio, desarrollo y desenlace claros. Se enfocan en contar historias de manera efectiva y accesible.
- Estilo visual: El cine clásico a menudo presenta una cinematografía cuidada, con un uso efectivo de la iluminación, el encuadre y la edición. Se presta atención a la estética y la composición de cada toma.
- Actuaciones destacadas: Las estrellas de cine de esta época, como Humphrey Bogart, Audrey Hepburn y Marilyn Monroe, se convirtieron en íconos culturales. Las actuaciones eran a menudo más estilizadas y teatrales.
- Géneros establecidos: Durante el cine clásico, se consolidaron muchos géneros cinematográficos, como el western, el musical, el drama y la comedia, que se convirtieron en fórmulas populares.
- Producción en estudios: La mayoría de las películas se producían en grandes estudios de Hollywood, que controlaban todos los aspectos de la producción, desde el guion hasta la distribución.
- Temas universales: Las historias a menudo abordan temas universales como el amor, la guerra, la amistad y la lucha entre el bien y el mal, lo que les permite resonar con audiencias de diferentes culturas y épocas.
El cine clásico ha dejado un legado duradero en la industria cinematográfica y sigue siendo una fuente de inspiración para cineastas contemporáneos.