12 DVDs (BBC 1984)

METROPOLIS

*IVA Incluido

Género

Ciencia ficción. Drama | Distopía. Steampunk. Robots. Expresionismo alemán. Película de culto. Cine mudo

Sinopsis

Futuro, año 2000. En la megalópolis de Metrópolis la sociedad se divide en dos clases, los ricos que tienen el poder y los medios de producción, rodeados de lujos, espacios amplios y jardines, y los obreros, condenados a vivir en condiciones dramáticas recluidos en un gueto subterráneo, donde se encuentra el corazón industrial de la ciudad. Un día Freder (Alfred Abel), el hijo del todopoderoso Joh Fredersen (Gustav Frohlich), el hombre que controla la ciudad, descubre los duros aspectos laborales de los obreros tras enamorarse de María (Brigitte Helm), una muchacha de origen humilde, venerada por las clases bajas y que predica los buenos sentimientos y al amor. El hijo entonces advierte a su padre que los trabajadores podrían rebelarse

(Fritz Lang, 1927)

CRITICAS

Superproducción de Fritz Lang, para algunos su mejor obra de cine mudo. El guión, de F. Lang y Thea von Harbou, adapta la novela “Metropolis” (1926), de Thea von Harbou, inspirada en relatos de H. G. Wells, Julio Verne y Villiers de l’Isle-Adam. Se rueda en los estudios UFA (Berlin), durante 310 días y 60 noches, con un presupuesto de 7 M DM. Producida por Erich Pommer para UFA, se proyecta por primera vez en público el 10-I-1927 (Berlin, preestreno).

La acción dramática tiene lugar en 2026, en una gran ciudad futurista, gobernada por su creador y fundador, John “Joh” Fredersen (Abel). La ciudad está dividida en dos sectores: el subterráneo y el exterior. En el primero viven trabajadores manuales esclavizados, que hacen posible el funcionamiento de la ciudad exterior. En ésta habitan personas privilegiadas, acomodadas y ociosas, liberadas de los trabajos manuales y dedicadas a actividades lúdicas.

El film suma drama, acción, aventura, fantasía, romance, Sci-Fi y thriller. La visualidad se inspira en la visión que el realizador recuerda de Manhattan cuando la visitó en 1924. Simboliza la ciudad del futuro, superpoblada, inmensa y compleja, de edificios gigantescos, magníficos jardines que imitan el del Edén y zonas de actividades deportivas amplias y cómodas. Cada una de las dos partes de la ciudad desconoce la existencia de la otra. Según el film, Lang parece concebir el progreso como la suma de explotación, opresión, la locura de los científicos y la ausencia de sentimientos de propiedad. La visión pesimista del progreso choca con las ideas predominantes entre el público, que cree que el progreso es una operación de costes escasos, gran eficacia y resultados satisfactorios para todos.

Los estudios de arquitectura de Lang y su afición a la misma constituyen un punto de apoyo importante para el desarrollo y concepción del paisaje urbano de la ciudad superior. Por lo demás, su rica y ocurrente imaginación le facilita la tarea de concretarla en unas edificaciones grandiosas, maquetas cuidadas y bien acabadas, filmaciones de stop-motion y combinaciones de imágenes basadas en ilusiones ópticas. Mezcla elementos arquitectónicos de los años 20 con elementos medievales, bíblicos y fantasiosos. Le espectacularidad de los decorados se aprovecha al máximo con su utilización para dos funciones: su contemplación y su destrucción.

El film suma ambigüedad y eclecticismo. Combina elementos del Antiguo y del Nuevo Testamento, de la mitología clásica, actitudes revolucionarias e ideas corporativistas. Presta gran atención a las máquinas, a los que atribuye un papel básico en el futuro y de los que destaca el automatismo, la envergadura exagerada y la gran cantidad de energía que las mueve. Junto a las máquinas automáticas, machaconas y ruidosas, símbolo de una visión industrialista maximalista, sitúa otros mecanismos que exigen el concurso humano al ritmo y de acuerdo con las variaciones caprichosas de los artefactos.

-3% PRECINTADABlu rayU.F.A

METROPOLIS

*IVA Incluido

Género

Ciencia ficción. Drama | Distopía. Steampunk. Robots. Expresionismo alemán. Película de culto. Cine mudo

Sinopsis

(Fritz Lang, 1927)

CRITICAS

-7% Blu rayPrecintadoSaga Productions Inc

MI CENA CON ANDRE – MASTER RESTAURADO EN ALTA DEFINICIÓN

*IVA Incluido

Género

Drama | Escenario único

Sinopsis

Malle se atreve con un film sobre una conversación entre dos personas, obteniendo excelentes críticas en USA. Dándose vida a sí mismos, los actores y autores Wallace Shawn y André Gregory quedan una noche a cenar. Como buenos amigos, se empiezan a contar múltiples experiencias personales, a través de las cuales comienzan a surgir los grandes temas de la existencia. Dirigida por Louis Malle, y con guión creado por los dos protagonistas, «Mi cena con André» nos invita a enfrentarnos a lo que de verdad, al final, pesa en la vida.

Premios

1981: Asociación de Críticos de Boston: Mejor guion y mejor película americana

CRITICAS

Una obra sencilla sobre dos amigos, André Gregory y Wallace Shawn, que tras bastante tiempo sin verse, se reúnen para cenar, y charlan, sobre como les va, sobre sus vidas, sobre lo que piensan y sienten respecto al mundo que les rodea, pasando por un sinfín de temas, sólo eso, hablando.
Personalmente, uno de esos temas para mi destacó sobre los demás, el de la percepción. Habitualmente todos llevamos una máscara al enfrentarnos a la realidad en muchos momentos, pero no damos importancia a como eso cambia nuestra percepción de la realidad.

-4% PRECINTADABlu rayProduzioni De Sica (PDS)

MILAGRO EN MILAN

*IVA Incluido

Género

Comedia. Drama. Fantástico | Pobreza. Neorrealismo. Realismo mágico

Sinopsis

Totó es un bondadoso huérfano que vive, igual que otros muchos desharrapados, en un mísero barrio de chabolas en las afueras de Milán. Cuando en los terrenos donde viven se descubre petróleo, Totó, tan ingenuo como bienintencionado, decide enfrentarse al poderoso señor Mobbi, el dueño del suelo. Aunque contiene elementos fantásticos, constituye con «Ladrón de bicicletas» y «Umberto D.» la gran trilogía neorrealista de De Sica

(Vittorio De Sica, 1951)

CRITICAS

Emblemática película del brillante Vittorio de Sica. Es mi preferida de todas las del genial director italiano por que transmite una esperanza y una candidez adorables. Totó el niño, es el catalizador para mostrar un optimísmo pocas veces visto en de Sica, tiene mágia, pureza y unos efectos especiales de una precariedad que hacen aún más tierno el film.

Lejos del pesimísmo y el dolor lascerante de Ladrón de bicicletas, acá todo es pobreza y miseria propia de la post guerra, pero con un mensaje tan lleno de esperanza y alegría que el corazón agradece. Una de las grandes películas del cine y la mejor de ése mago talentoso e irrepetíble que fué Vittorio de Sica. Joya absoluta. Para emocionarse y disfrutar.

La visión de esta película siempre me ha transmitido una extraña sensación relacionada con los sentidos del olfato y el frío. Viendo las desoladas aceras de las calles milanesas en un ambiente postbélico, la oscuridad de sus farolas, parece como si el frio imperante calase en los huesos y llegara hasta nuestro olfato aromas de chimenea, de cartón quemado, de lumbre sin puchero o con puchero sin chorizo…
Este «cuento de Navidad» logra crear una instantánea simpatía con el protagonista huérfano prácticamente desde el comienzo.

Su inocencia, su ingenuidad, su bondad, su visión de un mundo frío, cínico y duro a través de una mente limpia que no ha logrado ser echada a perder por su paso por un orfelinato, se convierte en el arma que logra enfrentarse a la codicia de una sociedad vieja, caduca y acabada a través de una lucha de clases incruenta y sin odio, un conflicto social lleno de azúcar que más quisiera para sí cualquier gobernante ante ghetos de inadaptados y excluidos de la sociedad.

Tal vez lo más destacable del film, teniendo en cuenta que la historia en sí no da para más, sea el retrato descarnado de las ciudades europeas sumidas en la crisis más absoluta tras la contienda bélica. Ciudades y personajes sobrevivientes al horror, a la carencia, al vacío, cuyo único asidero es la fábula en forma de personajes mágicos con poderes para poner las cosas en su sitio y sobre todo para darles a los poderosos su medicina.
Película para pasar un rato muy divertido y pensar sobre el valor de la sinceridad y la bondad.

-11% Nuevo IMPECABLEDVDProduzioni De Sica (PDS)

MILAGRO EN MILAN

*IVA Incluido

Género

Comedia. Drama. Fantástico | Pobreza. Neorrealismo. Realismo mágico

Sinopsis

(Vittorio De Sica, 1951)

CRITICAS

-7% PRECINTADADVDHBO

MILDRED PIERCE

*IVA Incluido

Género

Serie de TV. Drama | Miniserie de TV. Melodrama. Familia. Años 30. Gran Depresión. Maternidad

Grupos

Adaptaciones de James M. Cain

Sinopsis

Miniserie de TV (2011). 5 episodios. Basada en la novela homónima de James M. Cain y ambientada en la época de la Gran Depresión. Narra la historia de una madre soltera dispuesta a todo con tal de ganarse el amor de su hija. La versión cinematográfica fue protagonizada por Joan Crawford, que recibió el Oscar a la mejor actriz.

(Todd Haynes, 2011)

CRITICAS

En 1945, Michael Curtiz dirigió a Joan Crawford en «Mildred Pierce» (traducida en España como «Alma en suplicio»), una cinta de cine negro basada en la novela homónima de James M. Cain. En 2011, sigue siendo una de las grandes películas de su director y uno de los melodramas noir más descarnados que se recuerdan, gracias a una notable reescritura del material original para añadir una asesinato (no teman spoilers, es el punto de partida) y adaptarlo a los códigos de la época.

En 2011, Todd Haynes dirige a Kate Winslet en «Mildred Pierce», miniserie de la HBO, un melodrama negro ambientado en los años 30 y que no necesita inventarse un asesinato para incorporar elementos turbios a la trama; aquí, se crean a través de cierta tensión sexual y a las perturbadoras relaciones establecidas entre los personajes, principalmente entre Mildred (Winslet) y su hija Veda (Turner/Wood).

Esta nueva versión de la novela es más larga, desarrolla mejor a los personajes y posee, en mi opinión, interpretaciones en global más acertadas, aunque las del filme de Curtiz eran sobresalientes sobre todo en el caso de Crawford, que hacía fácil lo difícil. Aquí Winslet se muestra contenida cuando debe e intensa, si se requiere. Sus ojos hablan, sus gestos clarifican, sin palabras, realiza un trabajo sensacional basado en la sutileza y en el saber estar. El resto del reparto la iguala, aunque por motivos evidentes no puede lucirse tanto. Rachel Wood se come la pantalla a bocados cuando aparece, algo que Guy Pearce hace incluso sin necesidad de esforzarse tanto. Melissa Leo y James LeGros tampoco demerecen, pero es que incluso las niñas (quizá con la excepción de Turner, aunque su personaje es tan repelente que la pobre no tiene mucha culpa) están bien.

Todo «está bien» en la Mildred Pierce de 2011, aunque habrá quien la considere alargada en comparación al film de Curtiz (que de hecho, visto ahora, casi parece un «trailer largo» de esta versión, con personajes más acartonados, por falta de tiempo para definirlos). Aquí no hay asesinatos, todo se resuelve con duelos (interpretativos), en los que se pone en entredicho la moralidad de los personajes. Dirigida con candidez y profesionalidad por Haynes (¡qué menos!) y fantásticamente respaldada a nivel técnico (buena fotografía y notable partitura de Burwell), encuentra en su sobresaliente reparto un arma más y se define, al final, de las que mejor captura el «estilo clásico» del Hollywood de oro en la actualidad.

-7% United ArtistsExcelenteBlu ray

Millonario de ilusiones

*IVA Incluido

Género
Comedia. Drama

Sinopsis: Tony Manetta dirige un ruinoso hotel de Miami y está cargado de deudas. Cuando se le ocurre pedir ayuda a Mario, su acaudalado hermano neoyorkino, éste le pone una condición: que abandone a su irresponsable novia Shirl y se case con una mujer bonita y callada de su elección. La mujer en cuestión resulta ser la viuda Rogers.; (Frank Capra, 1959); Premios

1959: Oscar: Mejor canción

1959: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director

1959: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión comedia

CRITICAS

Propietario de un hotel en Miami, Florida, Tony Manetta (Frank Sinatra), vive allí con su hijo, Ally, de 11 años, y sus días los pasa como un Adán fascinado con las Evas que visitan el hotel… aunque, últimamente, Tony luce muy dedicado a Shirl (Carolyn Jones), su más reciente conquista. Pero, resulta que los impuestos comienzan a ponerlo en vilo y, con una mentirilla sobre su hijo, el hotelero acude a su hermano, Mario, para que le preste el dinero que necesita cubrir. Temiendo que el niño esté realmente enfermo, Mario y su esposa Sophia (los siempre efectivos, Edward G. Robinson y Thelma Ritter), viajarán entonces desde New York para ver en qué pueden ayudar… o a quién, quizás, puedan casar.

Desde entonces, en el característico tono de comedia a la Frank Capra; con los habituales personajes nobles, persistentes, esperanzados e inconformes… y algún, Don Fabuloso de por medio, la aventura nos lleva por una serie de situaciones donde, el amor de un niño por su padre, pondrá a varios seres emocionalmente desperdigados, a tratar de reencontrar el camino que los acerque a la unión y la felicidad.

La película (con guion de, Arthur Schulman), resulta realmente entretenida… y es de esa clase de historias que recomendamos para ver en familia, ya que puede resultar muy grato y edificante comentarla, para reflexionar sobre nuestra propia existencia.

Se añora, en algo, el virtuosismo de otros tantos filmes de este grandioso director italo-americano, y siento que los principales faltantes provienen del guion escrito por Arnold Schulman, ya que los diálogos carecen de la agudeza de otrora; al personaje de Tony le falta coraje y persistencia; y es bien improcedente el trato despectivo y burlesco que asume, Mario, con su hijo Giulio, con quien habrá que ver si consigue redimirse.

Pero, a su favor, la película posee una agradable ambientación; un conjunto actoral que deja bien plantado a cada personaje; una relación padre-hijo de verdadero significado… y una canción, «High Hopes», ganadora del Oscar merecidamente y muy bellamente cantada por Sinatra y el talentoso niño, Eddie Hodges, quien representa a su hijo, Ally.

-2% PRECINTADABlu rayZoetrope Studios

MISHIMA: Una vida en cuatro capítulos

*IVA Incluido

Género

Drama | Biográfico. Película de culto

Sinopsis

Producida por Coppola y Lucas, «Mishima» es un retrato biográfico del consagrado autor japonés Yukio Mishima. La película investiga la inquietud interior y las contradicciones de un hombre que trató de alcanzar una imposible armonía entre sí mismo, el arte y la sociedad. La trama se centra en el día en que Mishima conmocionó al mundo, al hacerse en público el seppuku o harakiri (25 de noviembre de 1970), en el Cuartel General del Ejército. El relato está salpicado de flashbacks para contar diversos episodios de su infancia, sus comienzos como escritor, el posterior triunfo profesional, su tranformación en estrella mediática, sus obsesiones por la belleza física y sus ambiguos gustos sexuales, así como la creación de la «Sociedad del Escudo». Los diversos episodios (1. La belleza; 2. Arte; 3. Acción; 4. Armonía de la pluma y la espada) evocan asimismo estilizados fragmentos de sus obras de ficción más reputadas (El pabellón de oro, La casa de Kyoto y Caballos desbocados). La fotografía de John Bailey, los exquisitos decorados y vestuario de Eiko Ishioka y la inolvidable banda sonora de Philip Glass (ganadores todos ellos del Premio a la Mejor Contribución Artística en el Festival de Cannes 1985) convierten el film en un homenaje a los ideales e inquietudes de Mishima y, además, en un audaz trabajo de investigación sobre el arte.

(Paul Schrader, 1985)

CRITICAS

«Los hombres usan máscaras para embellecerse. Pero a diferencia de la mujer, la decisión de embellecerse de un hombre siempre es un deseo de muerte»

¿Cómo vivir a través de un espejo? Cuando la máscara es más sólida que el ser, la muerte es una presencia más real que la vida y el vacío es una constante que, paradójicamente, parece llenarlo todo ¿cómo puede un hombre disociarse de su propia imagen sin perder el alma en el proceso.? La biografía de Mishima podría llamarse «Vida de un reflejo» y sería tan acertado…Despojado de su esencia material desde la infancia, permanece como un recipiente vacío, a la espera de algo, alguien, cuya fuerza lo llene. Pero aún habrá de esperar mucho tiempo…

«El arte es la única manera de conservar la belleza humana»

Y sin embargo, tanto el arte, como la belleza, deben ser creados para después ser destruidos. Todo su significado se basa en la destrucción. El arte debe tocar la nada para convertirse en algo. La belleza debe ser perecedera para devenir en inmortal. Todo se relaciona con la muerte. Pero todavía no. Todavía es demasiado pronto.

chrader realiza un estudio voluntarioso y esforzado de la figura de Mishima. Diseña minuciosamente una película muy estructurada. En cada una de las tres primeras secciones alterna en equilibrio el relato biográfico (evocador, gracias a la elección del blanco y negro, muy contrastado) con sofisticadas recreaciones de obras principales del poeta, en color fuerte, saturado. Hay en ello un sutil estudio de las relaciones entre vida y arte; entre, por ejemplo, el descubrimiento de una estampa de San Sebastián sinuoso y flechado, y el desarrollo del masoquismo en algunas novelas.
Las escenografías de tales recreaciones, vistosas y de elaborado nivel estético, son cautivadoras —próximas al kitsch en el segundo capítulo— e incluyen momentos coreográficos brillantes, como el del asalto policial al grupo de conspiradores.

-2% PRECINTADAEDICION COLECCIONISTA 4K UHD+BLURAYZoetrope Studios

MISHIMA: Una vida en cuatro capítulos – EDICION 4K UHD

*IVA Incluido

Género

Drama | Biográfico. Película de culto

Sinopsis

(Paul Schrader, 1985)

CRITICAS

«Los hombres usan máscaras para embellecerse. Pero a diferencia de la mujer, la decisión de embellecerse de un hombre siempre es un deseo de muerte»

«El arte es la única manera de conservar la belleza humana»

«Por primera vez, siento que existo. Ya no necesito espejos.»

El dolor, un recurrente masoquismo mórbido, es una de las vías que utiliza Mishima para llenar el vacío. Los cortes del cuchillo sobre una piel impávida, joven y perfecta, son los primeros atisbos de significado, de propósito. Sin embargo, no es suficiente. La búsqueda no ha terminado. Tras la máscara, palpita una nada inmensa. Hambrienta de significado.

«Mi necesidad de transformar la realidad era una necesidad urgente, tan importante como las tres comidas diarias o dormir.»

Pero la realidad no desea ser transformada. Las palabras no simbolizan nada, no cambian nada. No son sino un eco inútil de no-existencia contra la implacable maquinaria de la vida. Es la espada y no la pluma, decide Mishima. O ambas cosas.

«Necesitaba morir y morir bien, morir como un poeta con el cuerpo y las concepciones viriles de un héroe”

La búsqueda ha finalizado. Hallar el sentido en la más bella de las muertes, una muerte que satisface los más altos ideales estéticos y épicos, es el grito que Mishima opone al vacío. Nunca sabremos si conseguiría obtener el sentido que necesitaba. Nunca sabremos si murió embriagado por el extraño, incomparable placer de haberse destruido. Ni siquiera sabremos si encontró aquello que buscaba cuando escuchó esa peculiar música de espejos que producen las máscaras al romperse.

Pero lo que sí sabemos es que fuera lo que fuera, no murió con él.

Ved esta película.

Si os atreveis.

-4% Blu rayIMPECABLELlamentol, S.L.

MISS MARPLE TEMPORADA 1

*IVA Incluido

Geraldine McEwan interpreta el papel de la inquisitiva Miss Jane Marple en esta serie de nuevas adaptaciones de las famosas novelas de misterio y suspense de Agatha Christie.

La apariencia de dulce anciana esconde una habilidad excelente para percibir la naturaleza humana y una agudísima intuición para resolver crímenes, siendo subestimada por los asesinos.

Las historias originales de Agatha Christie han sido adaptadas por prestigiosos guionistas y producidas por el mismo equipo de la premiada serie de Poirot.

-6% Blu rayIMPECABLELlamentol, S.L.

MISS MARPLE TEMPORADA 2

*IVA Incluido

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 21 noviembre 2012

Número de discos 2

Geraldine McEwan interpreta el papel de la inquisitiva Miss Jane Marple en esta serie de nuevas adaptaciones de las famosas novelas de misterio y suspense de Agatha Christie.

La apariencia de dulce anciana esconde una habilidad excelente para percibir la naturaleza humana y una agudísima intuición para resolver crímenes, siendo subestimada por los asesinos.

Las historias originales de Agatha Christie han sido adaptadas por prestigiosos guionistas y producidas por el mismo equipo de la premiada serie de Poirot.

Contiene:
– El Crimen Dormido.
– El Cuadro.
– El Caso de los Anónimos.
– El Misterio de Sittaford.

-5% Blu rayIMPECABLELlamentol, S.L.

MISS MARPLE TEMPORADA 4

*IVA Incluido

INTRIGA Y CRIMEN. ADAPTACIÓN DE AGATHA CHRISTIE

Descripción del producto

Contiene:
– Un puñado de centeno.
– Matar es fácil.
– Trayectoria de bumerán.
– El truco de los espejos.

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 21 noviembre 2012

Número de discos 2

-2% 4K UHD + BLU RAY Edición metálicaIMPECABLEBBC Film

MISS MARPLE (1984) – SERIE COMPLETA BBC

*IVA Incluido

12 DVDs (BBC 1984)

Miss Marple , titulada Agatha Christie’s Miss Marple en la serie, es una serie de televisión británica basada en las novelas de misterio de asesinato de Miss Marple de Agatha Christie , protagonizada por Joan Hickson en el papel principal. Se emitió del 26 de diciembre de 1984 al 27 de diciembre de 1992 en BBC One .

Las doce novelas originales de Miss Marple de Christie fueron dramatizadas

Las adaptaciones son en su mayoría fieles a las novelas originales. Joan Hickson , que interpretó a la señorita Marple, era octogenaria durante la mayor parte de la producción de la serie

El primer episodio fue recibido con entusiasmo por los críticos. The Times dijo que «una vez enganchado, no podrás dejar de verlo», y The Sun dijo que era una serie «con poder de atracción y verdadera clase». En cuanto al segundo episodio, «The Moving Finger», The Daily Telegraph afirmó: «Una vez más, la producción de Guy Slater se basa en la brillante interpretación de Joan Hickson, detrás de cuyos ojos azules descoloridos y sibilancias de solterona, se pueden ver las ruedas de la inteligencia detectivesca girando positivamente.

La empresa está impecablemente elegida, bellamente ordenada y amorosamente fotografiada». Las críticas de las películas posteriores fueron igualmente positivas

-4% Blu rayPRECINTADAMGM

Mogambo

*IVA Incluido

Género

Aventuras. Drama | África. Caza. Remake

Sinopsis

Durante un safari en África, un cazador profesional (Gable) se encuentra dividido entre una recién casada, rubia y de apariencia gélida (Kelly), y una volcánica morena de turbio pasado (Gardner). Victor Marswell se dedica a la caza de animales salvajes para venderlos a los zoológicos de todo el mundo. Los Nordley, una pareja de recién casados, llegan al campamento buscando la ayuda de Marswell para filmar un documental sobre los gorilas

Premios

1953: Oscar: Nominada a mejor actriz (Ava Gardner) y actriz sec. (Grace Kelly)

1953: Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Grace Kelly)

1953: Premios BAFTA: Nominada a mejor película

(John Ford, 1953)

CRITICAS

El resurgimiento de Clark Gable como indiscutible rey de Hollywood. Como el ave Fénix resurge de sus cenizas.

Es más difícil dominar a dos mujeres rivales como Ava Gardner y Grace Kelly; que a las fieras a las que se enfrenta Clark Gable en el África. El magnetismo animal que despedía Clark Gable y la no menos fuerza sexual de Ava Gardner hacen de esta película una grata aventura en un triangulo amoroso entre los tambores africanos del continente negro. Ayudados por la aparentemente sensualidad escondida de Grace Nelly; nos conducen a un desenlace que casi resulta trágico por la pasión que sienten estos tres personajes.

Esta película pertenece a la etapa de transición en la carrera de Ford. En su día fue despreciada por la crítica. El paso del tiempo y el conocimiento de la obra completa del gran maestro hacen que pueda contemplarse bajo un prisma diferente.

El proyecto no parece ser muy del agrado de Ford sino más bien un producto de la serie dedicada al continente negro, a la sazón de moda entre los productores americanos de la época. El carácter de aventura africana está pobremente aprovechado con el constante empleo de transparencias y trucajes. El interés de la obra queda reducido al conflicto entre sus personajes y aquí es donde la visión actual cambia y nos permite ver al personaje de Kelly como un claro antecedente de la doctora Cartwright de «Siete Mujeres», obra cumbre fordiana que cierra brillantemente su extraordinario legado fílmico.

Kelly, interpretada magníficamente por Ava Gardner, es el personaje esencial de la película y rebosa durante toda ella de femineidad: escena de la ducha; simpatía: relaciones con los animales; dulzura: escena de amor en el porche; encanto: cantando y tocando en la pianola; mordacidad: escena de la cena; ironía: viaje en el camión; inteligencia: forma de resolver el lío final; desprecio de las convenciones: forma en que critica el rubor de Linda al contarle Víctor la fidelidad de las mujeres negras para con sus esposos; y elegancia: forma de ponerse el velo ante la capilla. Enfrentada a la convencional burguesita que encarna Grace Kelly y al macho poco cortés que encarna Clark Gable es la que sale triunfadora siempre.

-17% Nuevo DVDIMPECABLEMGM

Mogambo

*IVA Incluido

Género

Aventuras. Drama | África. Caza. Remake

Sinopsis

Premios

1953: Oscar: Nominada a mejor actriz (Ava Gardner) y actriz sec. (Grace Kelly)

1953: Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Grace Kelly)

1953: Premios BAFTA: Nominada a mejor película

(John Ford, 1953)

CRITICAS

El resurgimiento de Clark Gable como indiscutible rey de Hollywood. Como el ave Fénix resurge de sus cenizas.

-9% PRECINTADADVDUnited Artists

MONSIEUR VERDOUX

*IVA Incluido

Género

Comedia | Comedia negra. Crimen. Basado en hechos reales. Asesinos en serie. Años 20. Años 30

Sinopsis

Basada en hechos reales, cuenta la historia de Henri Verdoux, un hombre de doble vida. Por un lado es un respetable hombre casado padre de un hijo, pero por otro es un seductor que, bajo otra identidad, se dedica a casarse con viudas ricas a las que posteriormente asesina para quedarse con su fortuna

(Charles Chaplin, 1947)

CRITICAS

Octavo largometraje de Charles Chaplin, en el que interviene como guionista, director, productor, compositor de la música y protagonista. El guión desarrolla una idea de Orson Welles, basada en hechos reales. Se rueda a partir de mayo de 1946, en escenarios naturales de CA (Big Bear Lake y Lake Arrowhead) y en los platós de los Chaplin Studios (Hollywood). Es nominado a un Oscar (guión original). Producido por Chaplin para la UA, se estrena el 11-IV-1947 (NYC).

La acción tiene lugar en Francia entre 1932 y 1937. Henri Verdoux (Chaplin), tras 35 años de trabajo como cajero de una oficina bancaria, es despedido (1932) a causa de la Depresión. Para poder atender a su esposa paralítica, Mona (Correll), y a su hijo único, decide dedicarse a una ocupación que le obliga a viajar con frecuencia.

El film suma comedia negra y drama. Con motivo de su estreno obtiene una acogida fría por parte del público y suscita apasionadas descalificaciones de los sectores más conservadores de la sociedad americana. También la crítica le es adversa. Se convierte en la obra más discutida, criticada e incomprendida de Chaplin. El paso del tiempo y la superación de algunos prejuicios permiten descubrir la fuerza y solidez de la cinta.

La película critica la concepción matriarcal de la sociedad americana y la atribución que se establece de papel capital al dinero. Ganarlo es el objetivo principal de la vida humana, el primer centro de interés y el móvil de la acción individual y colectiva. El éxito y el fracaso se miden en términos del dinero ganado o perdido. La doble crítica de Chaplin no agrada a un público poco dado a la relativización y la autocrítica. Hacia el final, el film deviene un alegato pacifista: denuncia el belicismo, la guerra, los negocios de la guerra y los que se enriquecen con ella. La proximidad de la IIGM (1939-45) y las heridas que el conflicto había dejado abiertas hacen que el gran público no se sienta cómodo con las propuestas del realizador.

El relato se inspira en Henry Desiré Landrú (1869-1922), francés, que murió en la guillotina por el asesinato de 10 mujeres. Son escenas destacadas la de la oruga que Verdoux retira del camino para no pisarla, la de la barca en el lago con Annabelle Bonheur (Raye), el encuentro con la amiga de Thelma y los emotivos planos finales. La narración es sobria y fluida. Se sirve de una voz en «off», la del narrador, salida de la tumba de Verdoux (1880-1937).

La música, de Chaplin, corresponde a una partitura original desenfadada y festiva, que subraya con profundidad los momentos dramáticos. La fotografía, de Roland Totheroh, crea composiciones de excelente dibujo, mueve la cámara pausadamente y con precisión, hace uso frecuente de «zooms» de aproximación y deja la cámara inmóvil en el plano final. Notable interpretación de Chaplin y del cuadro principal de actores

-4%

MORTADELO Y FILEMON AGENCIA DE INFORMACION – SERIE COMPLETA

*IVA Incluido

Género
Serie de TV. Animación. Comedia. Infantil | Cómic
Grupos
Mortadelo y Filemón
Sinopsis
Serie de TV (1969-1970). 16 historias con los célebres personajes de cómic Mortadelo y Filemón: «El rancho de Oregón», «El caso del apagón», » La invitación», «Un marciano de rondón», «Carioco y su invención», «Las minas del rey Salmerón», «Gángster de ocasión», «Espías en la legión», «Agencia de información», «El jarrón de Hong-Kong», «Contra el Pisón», «Montan en avión», «Más de un ladrón», «Fugado de la prisión», «Engaño a Filemón» y «Genio o no, es la cuestión»

(Rafael Vara, 1969)

CRITICAS

Agencia de información» es el primer cortometraje de Mortadelo y Filemón dirigido por Rafael Vara.
Solo dura 8 minutos, pero es genial, a mí me encantan los Festivales de Mortadelo del gran Rafael Vara y este es el corto que lo inició todo.

Esta serie ha formado parte de mi infancia siempre, refiriéndome al cómic, pero que en su día vi los dibujos y me marcaron también. De vez en cuando taraneo la música, vuelvo a ver los dibujos y me sigo riendo como el primer día, todo me gustaba.

El doblaje realizado es el mejor que se ha hecho de Mortadelo y Filemón, ya que el de la serie de 1994, al menos la de Filemón era ridícula. Los gags eran sacados de las historietas publicadas en Pulgarcito, había partes del guión que eran calcados de los cómics, metían personajes de Bruguera y, sobretodo, valoro el esfuerzo que hicieron a pesar del bajo presupuesto ( si miran el episodio «Espías en la legión», cuando se enfoca a Filemón estando montado encima de Mortadelo, se notan los borrones de pintura ).

Las historias animaban el día a cualquiera, ya que era un reír a más no poder, y escuchar a Mortadelo era un lujo. Cuando se hicieron los dibujos, aún no estaban el Súper, la Ofelia, el Bacterio, …aunque igualmente tampoco creo que hubieran salido, porque «El armario del tiempo» fue posterior y no los sacaron.

-5% PRECINTADABlu rayCoproducción Francia-España-Suiza

MR. ARKADIN

*IVA Incluido

Género

Intriga. Thriller. Cine negro. Drama | Crimen. Thriller psicológico. Película de culto

Sinopsis

Un marinero encuentra a un hombre moribundo que antes de expirar dice un nombre: Mister Arkadin. Después de una serie de pesquisas, el marinero da con el misterioso personaje: un millonario, dueño de un imperio industrial y financiero, que vive encerrado con su hija en una mansión de la Costa Azul. Una vez localizado, el propio Arkadin, que padece amnesia, pide que se haga una investigación sobre su pasado

(Orson Welles, 1955)

Criticas

Impactante, polémica, vanguardista, incompleta, megalómana, trepidante, genial, filosófica… estos son solo algunos de los adjetivos que merece este film, wellesiano hasta la medula, odiado y amado a parte iguales por los aficionados, que pertenece a ese grupo de películas realizadas en Europa pocos medios y acabados formales dudosos que en muchas ocasiones oscurecían y ocultaban la genialidad del director.

Mr Arkadin es uno de los casos más evidentes de ello. Welles dijo que el resultado final impuesto por los productores no tenía nada que ver con la idea original, en sus palabras ‘la más brillante con que nunca trabajo’.

El guión está lleno de lagunas e inexactitudes, pero poco importa ante las intenciones del director y la poderosa personalidad temática y visual que le imprime al conjunto. Welles se apodera del film desde su apabullante presencia física (impresionante cada vez que cuenta una historia), reforzada por los planos desde abajo y las limitadas dotes del resto de los actores, pero en particular aplicando su marcadísima personalidad en su personaje, en cada plano y limitándose a hablar de lo que le interesa, de los mecanismos del poder, de la influencia del pasado y el paso del tiempo o las máscaras bajo las que se ocultan las personas.

El argumento y la trama se vuelven triviales ante los temas en los que decide centrarse. Puede que el resultado no esté tan pulido como los mejores trabajos de Welles, pero, incluso sin haberla montado él, mantiene un ritmo trepidante y sabe imprimirle a menudo su genialidad tanto en la puesta en escena (impecable toda su parte inicial) como en su genial catálogo de personajes secundarios.

Una vez más el ‘que habría pasado si Welles hubiera tenido el control total’ vuelve a ser inevitable, pero sigue manteniendo unos niveles de talento y virtuosismo indiscutibles, de los que hacen el gran cine.

-14% Nuevo IMPECABLEDVDCoproducción Italia-Francia

MUERTE EN ROMA

*IVA Incluido

Género

Bélico. Drama | II Guerra Mundial. Histórico. Nazismo. Basado en hechos reales

Sinopsis

En la Roma ocupada por los nazis y en plena guerra civil italiana, el oficial alemán Herbert Kappler se debatirá entre su deber como militar y su amor por Italia, cuando sus superiores le ordenen tomar represalias contra la población civil como respuesta a un atentado de los partisanos contra una compañía de las S.S. El oficial nazi asesinará a 335 civiles italianos como venganza por la muerte de 33 soldados alemanes por un grupo de partisanos comunistas. El padre Antonelli, un experto restaurador de arte y director del Instituto Superior de Restauración, intentará hacer lo posible por impedirlo y defender a su patria. El hecho, conocido como “La masacre de las Fosas Ardeatinas”, es la verdadera historia de cómo este ataque partidista llevó a la ejecución en masa de ciudadanos italianos.

(George Pan Cosmatos, 1973)

CRITICAS

Esta película es una adaptación de una novela homónima de Robert Katz, la que a su vez fue inspirada en la masacre de las fosas ardeatinas, que consistió en una matanza de más de 300 civiles italianos en represalia por la muerte de soldados alemanes en manos de la resistencia.

La película constituye un crudo relato de los hechos. Que un relato sea crudo no necesariamente implica escenas en exceso sangrientas o subidas de tono, sino que los hechos se relatan tal como fueron sin un mínimo intento por suavizarlos.

Sin perjuicio de que cada espectador tiene sus gustos, catalogar el filme como bueno es quedarse corto. Es un filme muy cercano a la obra maestra, sólo unos pequeños desperfectos le impiden ser catalogada como tal.

Richard Burton interpreta al coronel Herber Kappler, quien es retratado como un hombre mesurado y con cierto desencanto por el nazismo. En realidad era más decidido y cruel, además de ser muy entusiasta de la causa nazi.

Marcelo Mastroianni interpreta al padre Pietro Antonelli, personaje ficticio probablemente en otros miembros del Vaticano, especialmente el padre Hugh O’Flaherty. Si bien tiene una buena actuación, su rol es claramente introducido con calzador y su aporte a la trama es escaso o nulo; bien pudo omitirse.

Sobre la actuación de Leo McKern como el oficial Kurt Maelzer, por algunos momentos se desempeña correctamente y en otros sobreactúa en demasía, llegando a niveles caricaturescos.

-13% IMPECABLEDVDAlta Cinematografica

MUERTE EN VENECIA

*IVA Incluido

Género

Drama | Años 1910-1919. Homosexualidad. Pandemias. Película de culto

Grupos: Trilogía alemana | Adaptaciones de Thomas Mann

Sinopsis

A principios del siglo XX, un compositor alemán de delicada salud y cuya última obra acaba de fracasar, llega a Venecia a pasar el verano. En la ciudad de los canales se sentirá profundamente atraído por un hermoso y angelical adolescente, sentimiento que le irá consumiendo mientras la decadencia también alcanza a la ciudad en forma de epidemia… Adaptación de la obra homónima del escritor Thomas Mann.

(Luchino Visconti, 1971)

Posición en rankings FA

41 Mejores películas y series con temática LGTBI+

70 Mejores películas italianas de todos los tiempos

98 Mejores películas de los años 70

Premios

1971: Nominada al Oscar: Mejor vestuario

1971: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)

«Lenta, precisa, bella (…) El conjunto sigue siendo un logro inmensamente formidable»

-4% PRECINTADABlu rayUniversal Pictures

MUJER SIN PASADO

*IVA Incluido

Género

Drama. Intriga | Melodrama

Sinopsis

Una anciana busca una institutriz para su nieta Laurel (Hayley Mills), una adolescente caprichosa y rebelde, cuyas anteriores tutoras apenas duraron unos días en el cargo. Sin embargo, un día aparece en sus vidas una misteriosa mujer, Miss Madrigal (Deborah Kerr), que se propone mantener a raya a la muchacha aún a costa de que ésta descubra su inquietante pasado.

(Ronald Neame, 1964)

CRITICAS

Drama psicológico realizado por Ronald Neame (1911-2010). Escrito por John Michael Hayes, adapta la obra de teatro “The Chalk Garden” (1955), de Enid Bagnold. Se rueda en escenarios exteriores reales de Brighton y Eastbourne (Inglaterra) y en los platós de MGM British Studios (Borenhamwood, Inglaterra). Producido por Ross Hunter (“Su gran deseo”, 1953) para MGM, se estrena en abril de 1964 (RU). La acción dramática tiene lugar en 1964 en la finca Belfontain (Sur de Inglaterra), propiedad de la anciana Sra. St. Maugham (Evans), que reside en ella durante los tres meses de verano.

Los protagonistas son la institutriz Madrigal (Kerr), de unos 40 años, sin familia y sin amistades conocidas, de pasado oscuro, temperamento sensible y enigmática, educada y atormentada interiormente, con signos de un cierto grado de claustrofobia, que se pone de manifiesto a través de su aversión a las cerraduras y a los espacios cerrados. La anciana Sra. Saint Maugham, de 75 años, posesiva, mandona, inflexible y testaruda, ha tomado a su cargo a la nieta Laurel (Mills). El mayordomo de la casa, Maitland (John Mills), también es el posadero de la finca. Es viudo, solitario y aficionado a la lectura. El juez Mewhirrey (Sellars) es amigo de juventud de la Sra. St. Maugham y consejero suyo. Laurel, de 16 años, es caprichosa, rebelde y voluntariosa. Tiene aficiones detectivescas y siente atracción por el fuego (piromanía).

El guión desarrolla un relato dramático que se presenta bien estructurado y ordenado con claridad. El drama emerge y avanza gradualmente en un crescendo bien administrado, que culmina en una secuencia de gran fuerza, resuelta satisfactoriamente gracias a la soberbia interpretación del elenco protagonista, especialmente de Deborah Kerr. Ésta entrega un trabajo difícil y complejo, que ejecuta con contención, mesura y precisión. El gran trabajo de Kerr constituye uno de los principales atractivos del film. Se ve secundada adecuadamente por la expresividad de Edith Evans, que a sus 75 años conserva un vigor y frescura admirables, que le valieron una justa nominación al Oscar a la mejor actriz secundaria. Cumple con corrección John Mills, padre real de Hayley Mills, que aporta elementos de una de las subtramas del relato. Hayley Mills trabaja con convicción y entrega, pero con componentes de sobreactuación que contrastan con el clima general de equilibrio, sobriedad y moderación que caracteriza el film.

La obra explora un drama psicológico planteado con coherencia y riqueza de matices, que explica con palabras llanas y sin tecnicismos para que su contenido, dimensiones y profundidad queden al alcance del público medio. Lo refuerza con apuntes dramáticos adicionales que, en diversa medida y a través de subtramas explícitas o sólo sugeridas, afectan prácticamente a todos los protagonistas, incluidos la Sra. Maugham, el mayordomo y Oliva, hija de la señora y madre de Laurel.

-8% Nuevo PRECINTADADVDMGM

MUJER SIN PASAPORTE

*IVA Incluido

Género

Cine negro. Drama | Crimen

Sinopsis

Después de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), una organización mafiosa dirigida por un tal Palinov se dedica al tráfico ilegal de personas que desean entrar en los Estados Unidos. Karczag Peter, un agente de los servicios de inmigración americanos, es enviado a La Habana, donde debe hacerse pasar por húngaro y encontrar a Palinov. Durante su peligrosa investigación, se enamora de la refugiada Marianne Lorress.

(Joseph H. Lewis, 1950)

CRITICAS

Película más que interesante, de un directo sólido donde los haya. Una trama de espionaje sencilla, bien narrada, con una Hedy Lamarr tan espectacular como siempre, bella entre las bellas, con esa finura que sólo la sofisticación es capaz de proporcional, y la seguridad en sí misma de saberse guapísima. Le acompaña John Hodiak, actor característico de los años cincuenta.

El guión está bien escrito, aunque demasiado escueto y sencillo, nos ayuda a darnos un paseo por La Habana, tiene un metraje civilizado y se deja ver con interés. La película la hizo el año de El demonio de la armas, esa sí una verdadera obra de arte, lo cual nos da una idea del valor de las películas para los propios directores. Que hiciese dos películas el mismo año ya es noticiable, que una de ellas sea una obra de arte y otra notable es una genialidad al alcance de los elegidos.

Tiene un parecido evidente con Casablanca (Michael Curtiz, 1942), pero no tiene ni su fuerza, ni su complejidad, ni su mística, ni su energía. Palidece cuando presenta la complejidad, y, sobre todo, cuando se requiere de los actores una gran emotiva.

Es una buena película.

-7% IMPECABLEDVDMGM

MUJERCITAS – EDICION COLECCIONISTA

*IVA Incluido

Género

Drama | Siglo XIX. Familia

Grupos

Adaptaciones de Louisa May Alcott

Sinopsis

Guerra de Secesión (1861-1865). Adaptación de la novela homónima de Louise May Alcott. Mientras su padre está en la guerra, cuatro jóvenes hermanas de caracteres muy diferentes realizan un aprendizaje, a veces doloroso, a veces fascinante, de la vida y del amor. A medida que van creciendo, abandonan, una a una, el hogar familiar para casarse y crear su propia familia. En casa sólo se queda Jo, que quiere ser escritora, y para conseguirlo se traslada a Nueva York, donde, gracias a su tenacidad y esfuerzo logra publicar su primera obra.

(Mervyn LeRoy, 1949)

CRITICAS

Film producido y dirigido por Mervyn LeRoy (1900-1987) (“Quo vadis?”, 1951). El guión, de Sally Benson, Andrew Solt, Sarah J. Mason y Victor Heerman, adapta la novela autobiográfica “Little Women” (1868), de Louise Mary Alcott. Se rueda en los MGM Studios. Nominado a 2 Oscar, gana uno (dir. artística en color). Producido por LeRoy para MGM, se estrena el 10-III-1949 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en una localidad indeterminada de Nueva Inglaterra y en NYC, durante la Guerra Civil (1961-65). Cuatro hermanas, de diferente manera de ser y de distintos caracteres (Meg, Josephine, Amy y Beth), de edades comprendidas entre los 13 y los 19 años en 1865, crecen, maduran y se preparan para afrontar la vida, mientras el padre, pastor episcopaliano, asiste en cuarteles, hospitales y en el campo de batalla a soldados de la Unión. En la casa vecina vive el joven Laurie (Lawford). Se encuentran en una situación económica muy ajustada. Meg (Leigh), la mayor, es presumida, romántica y responsable. Josephine (Allyson) es indómita, vitalista y espontánea. Amy (Taylor) es egoísta, altanera y cariñosa. Beth (O’Brien) es aficionada a la música, tímida y generosa. La madre, Marmee (Astor), se esfuerza en ayudar y educar a las hijas y es caritativa con las personas más necesitadas que ella. Laurie es rico, simpático y revoltoso.

El film suma drama, familia y romance. El guión ofrece una correcta adaptación de la novela, aporta una buena definición de caracteres y refleja con habilidad la vida familiar de las chicas. La producción se apoya en una esmerada dirección artística (Cedric Gibbons), un acertado análisis de época, una brillante decoración de escenarios (Edwin B. Willis) y un buen diseño de vestuario (Walter Plunkett). La novela había sido objeto de diversas adaptaciones al cine: Butler (1917), Knoles (1918) y Cukor (1933). Es posterior la adaptación de Armstrong (1994). Se considera que la mejor de las cinco es la realizada por Cukor.

La cinta ofrece un retrato costumbrista de época de cierto interés. Trata el tema de las relaciones entre hermanas, de éstas con los jóvenes del lugar y otros, con la madre, el padre y otros familiares, como la tía March. Presenta un cuadro alegre, festivo y bullicioso, al que se añaden trazos dramáticos de gran emotividad. No evita algunas situaciones de un subido sentimentalismo y envuelve el metraje en un tono edulcorado. Salpica la acción con toques de humor ligero y juvenil.

-4% PRECINTADABlu rayUnited Artists

MUÑECO DIABOLICO

*IVA Incluido

Género

Terror | Slasher. Asesinos en serie. Muñecos. Película de culto. Vudú

Grupos

Chucky / Muñeco Diabólico

Sinopsis

El vudú y el terror se apoderan de un muñeco de aspecto inocente habitado por el alma de un asesino en serie. Cuando Andy Barclay, un niño de seis años de edad, asegura que “Chucky”, su nuevo muñeco, ha arrojado violentamente por la ventana a su niñera, nadie le cree. Pero una larga serie de horribles asesinatos conduce al detective que se ocupa del caso hasta el muñeco y, entonces, descubre que el auténtico terror no ha hecho más que empezar. El malvado muñeco pretende transferir su diabólico espíritu a un ser humano, y el pequeño Andy parece ser el candidato perfecto

(Tom Holland, 1988)

CRITICAS

Esta película es todo un clásico, se trata del nacimiento de uno de los asesinos mas conocidos del mundo del cine, el muñeco diabólico. De todos los que hay (Jason, Freddy, Michael…) Chucky siempre ha sido mi preferido porque sus películas son divertidísimas. Me encanta ese humor negro y macabro del muñeco y además siempre mata a los personajes cargantes de la película.

Esta primera entrega, no obstante, se centra más en el terror y el suspense que en el peculiar humor del muñeco. Hay más intriga e investigación policial que asesinatos. Además, en esta entrega es la única donde Chucky no asesina al azar, tiene motivos concretos para matar a sus víctimas.

La ambientación también es la más tenebrosa de la saga. Una ciudad en pleno invierno, oscura y amenazante es el escenario perfecto para que Chucky haga de las suyas. No se pueden alabar tanto las interpretaciones pues flojean un poco y ninguno de los personajes llegan a convencer pero, ¿que importa?, la mayoría son carne de cañón para nuestro asesino.

En definitiva, gran película de suspense que nos muestra los orígenes del muñeco, el film mas serio de toda la saga (aunque se echan de menos mas bromas macabras de Chucky) que te mantendrá pegado al asiento hasta el final. Recomendado