Mostrando 193–216 de 641 resultados
TIPO
- CineCine 607
- SeriesSeries 31
FILTRAR POR GÉNERO
- Acción / aventuras / artes marciales 95
- Asiatico 22
- Bélico 62
- Ciencia ficción / SCI FI 15
- CINE MUDO 1
- Clasico 96
- Comedia 41
- Contemporáneo / moderno 20
- CRITICA SOCIAL 8
- DocumentalDocumental 8
- Drama 554
- Erótico / adultos 4
- Europeo 199
- Infantil 4
- Musical 25
- Religioso 25
- RomanceRomance 49
- SATIRA 1
- Social / político 483
- Super héroes y comics 3
- Terror 10
- Thriller/ Policíaco 159
- Western 11
FORMATO
IDIOMA
PRODUCTORA
- 20th Century Fox 18
- A Contracorriente Films 1
- A24 3
- ABC 1
- ABC Circle Films 1
- Adivina Producciones 1
- Agat Films 1
- Alcina 1
- Allied Artists 3
- Alta Cinematografica 2
- Altavista Films 1
- Amblin Partners 1
- America Video Film 1
- American International Productions 3
- American Zoetrope 1
- Anglo Enterprises 2
- Apollo Films 2
- Apple Original Films 1
- Arandano S.A 2
- Arco Film Roma 2
- Arnold Pressburger Films 1
- Artisan Entertainment 2
- Avenue Pictures 1
- Aver Media 1
- Bandai Visual 1
- BBC 3
- BBC Film 2
- BBC Studios 2
- Black Bear Pictures 2
- Black River Productions 1
- Bluestone Entertainment 1
- British Lion Film Corporation 1
- Brookstreet Pictures 1
- Buena Vista Pictures 1
- Canal+ España 1
- Capitol Films 1
- Carlyle Productions 1
- Carolco Pictures 1
- Castle Rock Entertainment 3
- CBS Films 2
- CBS Productions 2
- Chloe Productions 1
- Cineguild 1
- Cinema Entertainment Enterprises 1
- Citadel Entertainment 2
- CJ Entertainment 1
- Claudia Cinematografica 1
- Code Entertainment 1
- Columbia Pictures 42
- Commonwealth United Entertainment 1
- Compagnia Cinematografica Champion 1
- Constantin Film 2
- Contracorriente Producciones 1
- Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Alemania-Francia-Italia 2
- Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Alemania-Italia 1
- Coproducción Alemania-Marruecos 1
- Coproducción Argelia-Francia 1
- Coproducción Argentina-Canadá 1
- Coproducción Argentina-España-Francia 1
- Coproducción Argentina-Francia-Brasil 1
- Coproducción Bélgica-Francia 1
- Coproducción Bélgica-Francia-Italia-Alemania 3
- Coproducción Bosnia y Herzegovina-Francia-Eslovenia 1
- Coproducción China-Hong Kong 1
- Coproducción España-Francia 3
- Coproducción España-Italia-Francia 1
- Coproducción Estados Unidos-Alemania-Israel 1
- Coproducción Estados Unidos-Argentina-España-Italia 1
- Coproducción Estados Unidos-Canadá 1
- Coproducción Estados Unidos-España 1
- Coproducción Estados Unidos-Francia 1
- Coproducción Estados Unidos-Hong Kong-Singapur-Alemania 1
- Coproducción Estados Unidos-Irlanda 2
- Coproducción Estados Unidos-Italia 1
- Coproducción Estados Unidos-Reino Unido 2
- Coproducción Estados Unidos-Reino Unido-Italia 1
- Coproducción Francia-Bélgica-Países Bajos (Holanda)-Israel-Rumanía 1
- Coproducción Francia-España-Portugal 1
- Coproducción Francia-Filipinas-Alemania-Reino Unido 1
- Coproducción Francia-Grecia 1
- Coproducción Francia-Grecia-Italia 1
- Coproducción Francia-Italia 5
- Coproducción Francia-México 1
- Coproducción Francia-Polonia 1
- Coproducción Francia-Reino Unido 1
- Coproducción Hong Kong-China 1
- Coproducción Hungría-Alemania 1
- Coproducción Irán-Francia-Suecia-Alemania 1
- Coproducción Irlanda-España-Reino Unido-Dinamarca 1
- Coproducción Italia-Alemania-Francia 2
- Coproducción Italia-Alemania-Suiza 2
- Coproducción Italia-Bélgica-Francia 1
- Coproducción Italia-España-Reino Unido 1
- Coproducción Italia-Francia 5
- Coproducción Italia-Francia-Alemania 1
- Coproducción Italia-Francia-Alemania del Oeste (RFA) 2
- Coproducción Italia-Francia-Alemania-Hungría 1
- Coproducción Italia-Francia-Bélgica 1
- Coproducción Italia-Francia-Yugoslavia 1
- Coproducción Italia-Reino Unido 1
- Coproducción Japón-Alemania 1
- Coproducción Japón-Francia 1
- Coproducción Nueva Zelanda-Estados Unidos-Alemania 1
- Coproducción Países Bajos (Holanda)-Alemania-Reino Unido 1
- Coproducción Reino Unido-Alemania del Oeste (RFA) 1
- Coproducción Reino Unido-Estados Unidos 5
- Coproducción Reino Unido-Estados Unidos-Canadá 1
- Coproducción Reino Unido-Francia 2
- Coproducción Reino Unido-Francia-Polonia-Alemania 1
- Coproducción Reino Unido-Italia 2
- Coproducción Serbia y Montenegro-Italia-Francia 1
- Coproducción Túnez-Francia 1
- Daiei Films 1
- Daiei Studios 1
- Daiichi Eiga 1
- David L. Wolper Productions 1
- David O. Selznick 1
- Detour Filmproduction 1
- Deutsche Vereins-Film 3
- Deva Cinematografica 2
- Dino de Laurentiis Cinematographica 2
- Divisa Home Video 2
- DR Fiktion 1
- DreamWorks SKG 1
- Edward R. Pressman Film 2
- Elías Querejeta 2
- Elías Querejeta P.C. 1
- Embrafilme 1
- Endeavor Content 1
- Enigma Films 1
- EON Productions 1
- ETB 1
- Exclusive Media Group 2
- Figaro Films 1
- Film & TV House 1
- Film Polski 2
- Film4 Productions 1
- Filmax 1
- Filmové Studio Barrandov 1
- First Floor Features 1
- Fox 2000 Pictures 3
- Fox Television Studios 1
- France 2 (FR 2) 1
- France 3 Cinéma 2
- Frank Capra Productions 2
- Galatea Film 1
- Galatée Films 1
- Gamechanger Films 1
- Gary Sanchez Productions 1
- Gasteizko Zinema 1
- Gaumont 2
- Georges-Alain Vuille Production 2
- Goldcrest Films 2
- Goskino 1
- Government of West Bengal 1
- Granada Television 3
- Grupo Kadr 1
- Hammer Productions 1
- HandMade Films 2
- Harbor Productions 1
- HBO 5
- Heimatfilm 1
- Hollywood Media Bridge 1
- Hollywood Pictures 1
- Home Free 1
- Ibermedia 1
- ICAIC 1
- Icarus 1
- Icon Productions. 1
- Indian Paintbrush 1
- ITC 1
- Ízaro Films 1
- Jesuit Communications Foundation 1
- José Frade P.C. 1
- Jupiter Generale Cinematografica 1
- Kamera Film Unit 2
- Kamera-Film 1
- Kinotar 1
- Le Musée d'Orsay 1
- Leguan Film Berlin 1
- Les Films du Carrosse 2
- Lion International 1
- Lionsgate 1
- London Films 2
- Lord Grade 1
- Lorimar Television 1
- Louis De Rochemont Associates 1
- Lux Film 3
- Majestic Films International 1
- Mandalay Entertainment 2
- Manzanita Productions 1
- Martin Scorsese 1
- Media Films 1
- Melville Productions 1
- Memorial Enterprises 1
- MGMMGM 25
- Millennium Films 1
- Millstreet Films 1
- Miramar Films 1
- Miramax 2
- Mosfilm 3
- Mundo Ficción 1
- NBC 7
- Netflix 1
- New Line Cinema 3
- New World Pictures 1
- Nord-Ouest Films 1
- Nordisk Film 1
- Open Road Films 1
- Origen PC 1
- Orion Pictures 4
- Oscilloscope Pictures 1
- Pajemer Productions 1
- Pakula-Mulligan Production 1
- ParamountParamount 22
- Paramount Pictures 5
- Paramount Television 1
- Parkfield Entertainment 1
- Participant Media 1
- Pathé Image Production 1
- Paulist Pictures 2
- Penthouse Films International 2
- PHI Films 1
- Ponti-De Laurentiis Cinematografica 1
- Praxis Films 1
- Pro Artis Ibérica 1
- Producciones Cinematográficas Orfeo 1
- Productions Sigma 2
- Produzioni De Sica (PDS) 3
- Projected Picture Works 1
- Projektions-AG Union (PAGU) 1
- Proletkult Production 1
- Reteitalia 1
- Revolution Studios 3
- Rizzoli Film 2
- RKO 3
- RKO Radio Pictures 3
- Roxy Film 1
- RTVE 11
- Russ-Arts 1
- Salon Pictures 1
- Sam Spiegel 1
- Samuel Bronston Productions 1
- Satyajit Ray 1
- Screen Gems 1
- Searchlight Pictures 1
- Sédif Productions 1
- Seven Arts Pictures 2
- Shintoho 2
- Shôchiku 2
- Silver Films 1
- Smokewood Entertainment Group 1
- Sociedad Independiente Filmadora Argentina (SIFA) 1
- Société Générale Des Films 1
- Sogecine 1
- Solaris Film 2
- Stanley Kramer Productions 1
- Studiocanal 1
- suevia films 1
- Summit Entertainment 1
- Superior Pictures 1
- Svensk Filmindustri (SF) 4
- T.E.M. Productores S.A. 1
- Thames Television 1
- The Cannon Group Inc 2
- The Mirisch Corporation 1
- The Weinstein Company 3
- Titanus 1
- Toho 7
- Touchstone Pictures 2
- Trastorno Films 1
- Tribeca Productions 3
- Trimark Pictures 1
- TriStar Pictures 3
- TV Tokyo 1
- Two Cities Films 1
- UGC Images 1
- Ultramar Films 1
- United Artists 17
- Universal Pictures 28
- Universalia Film 1
- Unlimited Stories 1
- Vanguard Productions 1
- Vertigo Productions 1
- Walter Wanger Productions 1
- Warner Bros 52
- Wiedemann & Berg Filmproduktion 2
- Yale Productions 1
- Zentropa Productions 1
- Zeta Cinema 1
- Zoetrope Studios 3
AÑO LANZAMIENTO
Director
- Abel Ferrara 2
- Abraham Polonsky 3
- Adam McKay 1
- Adam Price 1
- Adrian Lyne 1
- Agnieszka Holland 1
- Agusti Villaronga 1
- Aisling Walsh 1
- Akira Kurosawa 6
- Alain Tanner 1
- Alan J. Pakula 3
- Alan Parker 4
- Albert Hughes, Allen Hughes 1
- Albert Serra 1
- Alberto Rodríguez 2
- Alejandro Amenábar 1
- Alejandro González Iñárritu 1
- Alex Garland 2
- Alexander Korda 1
- Alfonso Arau 1
- Alfonso Cuarón 1
- Alfred Hitchcock 3
- Alfred L. Werker 1
- Andrei Tarkovsky 1
- Andrew Levitas 1
- Andrzej Munk 1
- Andrzej Wajda 3
- Anthony Mann 2
- Antoine Fuqua 1
- Antonio Isasi-Isasmendi 2
- Arantxa Aguirre 1
- Armando Bo 1
- Arthur Marks 1
- Barry Levinson 1
- Bernardo Bertolucci 2
- Bille August 1
- Blake Edwards 1
- Bob Fosse 2
- Bong Joon-ho 1
- Brad Bird 1
- Bradley Cooper 1
- Brady Corbet 1
- Brian Cooke 1
- Brian De Palma 4
- Brian Gilbert 1
- Brian Kirk 1
- Brillante Mendoza 1
- Bruce Beresford 1
- Carl Erik Rinsch 1
- CARL THEODOR DREYER 1
- Carlos Iglesias 1
- Carlos Saura 2
- Carol Reed 5
- CHANTAL AKERMAN 1
- Charles Laughton 1
- Charles Sturridge, Michael Lindsay-Hogg 1
- Chen Kaige 1
- Chloe Zhao 1
- Chris Gerolmo 2
- Christian Duguay 1
- Christophe Barratier 1
- Christopher McQuarrie 2
- Christopher Monge 1
- Christopher Morahan 2
- Christopher Nolan 2
- Clarence Brown 1
- Claude Autant-Lara 1
- Claude Chabrol 1
- Clint Eastwood 3
- Clive Donner 1
- Costa-Gavras 4
- Cyril Frankel 1
- Damiano Damiani 1
- Danis Tanovic 1
- Danny Boyle 2
- Darren Aronofsky 1
- David Cronenberg 2
- David Fincher 2
- David Greene 1
- David Hemmings 1
- David Lean 2
- David Mackenzie 2
- David Schwimmer 1
- David Simon 1
- Denis Villeneuve 3
- Dennis Hopper 2
- Dolph Lundgren 1
- Don Siegel 1
- Eddie Romero 1
- Edmund Goulding 2
- Edouard Molinaro 1
- Edward Berger 1
- Edward Dew 1
- Edward Dmytryk 3
- Edward Zwick 1
- Elaine May 1
- Elem Klimov 1
- Elia Kazan 4
- Eliseo Subiela 1
- Eloy de la Iglesia 1
- Emir Kusturica 1
- Ennio De Concini 1
- Enrique Gabriel 1
- Éric Besnard 1
- Éric Rohmer 1
- Erik Van Looy 1
- Ermanno Olmi 1
- Ernst Lubitsch 2
- Ettore Scola 1
- Euzhan Palcy 1
- Eva Libertad 1
- Fabián Bielinsky 1
- Federico Fellini 1
- Fernando Fernán Gómez 1
- Fernando Pérez 1
- Florestano Vancini 1
- Florian Henckel von Donnersmarck 1
- Francesco Rosi 2
- Francis Ford Coppola 5
- Franco Zeffirelli 1
- François Truffaut 5
- Frank Capra 2
- Frank Darabont 4
- Frank Marshall 1
- Fred Zinnemann 3
- Fritz Lang 2
- Gabriel Le Bomin 1
- Gabriele Salvatores 1
- Gaspar Noé 1
- Georg Wilhelm Pabst 1
- George Cukor 4
- George Pan Cosmatos 1
- George Roy Hill 2
- George Stevens 1
- George Tillman Jr. 1
- Gérard Corbiau 3
- Geza Beremenyi 1
- Géza von Radványi 1
- Gillian Armstrong 1
- Gillo Pontecorvo 2
- Giuseppe Tornatore 3
- Gordon Douglas 1
- Gregory Hoblit 1
- Gus Van Sant 1
- H.C. Potter 1
- H.G. Clouzot 1
- Héctor Babenco 1
- Henri Verneuil 1
- Henry Hathaway 1
- Herbert Ross 1
- Herbert Wilcox 1
- Herbert Wise 1
- Hermanas Wachowski 1
- Hirokazu Koreeda 1
- Hiroshi Inagaki 2
- HOWARD HAWKS 1
- Howard W. Koch 1
- Hugh Hudson 1
- Hugo Fregonese 1
- Ingmar Bergman 5
- Irwin Allen 1
- Isabel Coixet 1
- J. Lee Thompson 1
- Jack Clayton 1
- Jack Gold 1
- Jack Smight 1
- Jack Webb 1
- Jacques Audiard 1
- Jacques Rivette 1
- Jacques Tourneur 2
- Jaime Camino 1
- James Bridges 4
- James Clavell 2
- James L. Brooks 1
- James Mangold 3
- James Vandervilt 1
- James Whale 1
- Jane Campion 1
- Javier Elorrieta 3
- Jean Renoir 1
- Jean-Jacques Annaud 1
- Jean-Pierre Dardenne 1
- Jean-Pierre Melville 1
- Jeff Preiss 1
- Jerry London 1
- Jerry Schatzberg 3
- Jerzy Kawalerowicz 1
- Jerzy Skolimowski 1
- Jim Abrahams 1
- Joaquim Jordà 1
- John Cassavetes 1
- John Davies 1
- John Duigan 2
- John Ford 3
- John Francis Daley 1
- John Frankenheimer 4
- John Glen 1
- John Huston 6
- John M. Stahl 1
- John Mackenzie 1
- John Milius 1
- John N. Smith 1
- John Sayles 2
- John Schlesinger 1
- Johnny Depp 1
- Jon Avnet 2
- Jonathan Hensleigh 1
- Jonathan Kaplan 2
- Jonathan Teplitzky 1
- Jose Luis Garci 1
- José María Forqué 1
- José Ramón Larraz 1
- Josef Rusnak 1
- Josefina Molina 1
- Joseph L. Mankiewicz 1
- Joseph Weisberg 1
- Juanma Bajo Ulloa 1
- Julie Taymor 1
- Julien Colonna 1
- Julien Duvivier 1
- Julio Quintana 1
- Kaouther Ben Hania 1
- Karim Dridi 1
- Karyn Kusama 1
- Kathryn Bigelow 1
- Keisuke Kinoshita 1
- Ken Hughes 1
- Ken Russell 3
- Kenji Mizoguchi 4
- Kevin Reynolds 3
- King Vidor 2
- Klaus Härö 1
- Lars von Trier 1
- Lasse Hallström 2
- Laura Poitras 2
- Laurent Cantet 1
- Lee Daniels 1
- Lewis Milestone 1
- Lindsay Anderson 1
- Lionel Chetwynd 1
- Liv Ullman 1
- Louis Malle 1
- Luc Besson 3
- Luchino Visconti 9
- Luis Buñuel 1
- M. Night Shyamalan 1
- Manuel Gutiérrez Aragón 3
- Marc Rocco 2
- Marcel Carné 2
- Marco Bellocchio 1
- Marcos Zurinaga 1
- Margarethe von Trotta 1
- Mario Bava 1
- Mario Camus 1
- Mark Rydell 1
- Martin Campbell 1
- Martin Scorsese 16
- Marvin J. Chomsky 1
- Maryam Moghadam 1
- Mathieu Kassovitz 1
- Matteo Garrone 1
- Maura Delpero 1
- Maurice Cloche 1
- Mervyn LeRoy 1
- Michael Audley 1
- Michael Caton-Jones 1
- Michael Cimino 1
- Michael Landon 7
- Michael Ritchie 1
- Michel Poulette 1
- Miguel Courtois 1
- Mike Leigh 1
- Mike Newell 1
- Mike Nichols 1
- Mike van Diem 1
- Milos Forman 10
- Mira Nair 1
- Mitchell Leisen 2
- Montxo Armendáriz 1
- Morten Tyldum 1
- Neil Jordan 1
- Nicholas Hytner 1
- Nicholas Meyer 1
- Nicholas Ray 2
- Nigel Finch 1
- NORMAN JEWISON 1
- Nunnally Johnson 1
- Oliver Hirschbiegel 1
- Oliver Stone 1
- Orson Welles 1
- Otto Preminger 3
- Pablo Moreno 1
- Pablo Trapero 1
- Paul Greengrass 1
- Paul Haggis 1
- Paul Schrader 2
- Paul Thomas Anderson 5
- Paul Verhoeven 1
- Pedro Masó 1
- Penny Marshall 2
- Per Fly 1
- Peter Hyams 1
- Peter Jackson 1
- Peter Landesman 2
- Peter Markle 1
- Peter Medak 1
- Peter Watkins 1
- Peter Weir 2
- Peter Yates 2
- Philip Kaufman 1
- Pier Paolo Pasolini 2
- Radu Mihaileanu 1
- Rafael Moreno Alba 2
- Rainer Werner Fassbinder 2
- Ralph Fiennes 1
- Ramón Menéndez 1
- Raoul Walsh 1
- René Clément 2
- Richard Attenborough 2
- Richard Brooks 1
- Richard Fleischer 3
- Richard Linklater 1
- Richard Thorpe 1
- Ridley Scott 3
- Rob Reiner 2
- Robert Bresson 2
- Robert De Niro 3
- Robert Guédiguian 1
- Robert Mulligan 1
- Robert Redford 2
- Robert Rossen 1
- Robert Schwentke 1
- Robert Wise 1
- Roberto Rossellini 1
- Rod Serling 1
- Rodrigo Sorogoyen 1
- Roland Joffé 2
- Roman Polanski 3
- Ron Howard 2
- Ronald Neame 1
- Rouben Mamoulian 1
- Sam Mendes 1
- Sam Taylor-Johnson 1
- Sam Wood 4
- Samuel Fuller 1
- Santiago A. Zannou 1
- Santiago Mitre 1
- Satyajit Ray 2
- Saverio Costanzo 1
- Scott Derrickson 1
- Sean Durkin 1
- Sean Penn 2
- Sergei Bondarchuk 2
- Sergei M. Eisenstein 2
- Sergio Leone 1
- Sidney Lumet 3
- Simon Curtis 1
- Simon Verhoeven 1
- Spike Lee 2
- STANLEY KUBRICK 4
- Stephen Chbosky 1
- Stephen Poliakoff 1
- Stephen Roberts 1
- Steve McQueen 1
- Steven SpielbergSteven Spielberg 5
- Steven Zaillian 1
- Stuart Burge 1
- Sydney Pollack 1
- Terrence Malick 1
- Terry Gilliam 1
- Terry Jones, Terry Gilliam 1
- Terry Zwigoff 1
- Thomas Vinterberg 1
- Tim Fehlbaum 1
- Tim Hunter 1
- Tim Robbins 1
- Tinto Brass 2
- Todd Phillips 2
- Tom Gries 1
- Tom McCarthy 1
- Tony Richardson 1
- Uli Edel 3
- Ulu Grosbard 1
- Vadim Perelman 1
- VARIOS 2
- Vera Chytilová 1
- Víctor Erice 5
- Victor Fleming 4
- Viktor Tourjansky 1
- Vincente Minnelli 1
- Vittorio De Sica 5
- Walter Hill 4
- Walter Ruttmann 3
- Waris Hussein 1
- William Wyler 1
- Wim Wenders 1
- Wojciech Has 2
- Wolfgang Petersen 1
- Wong Jing 1
- Xavi Giménez 1
- Yasujirō Ozu 2
- Yōjirō Takita 1
Price
CATEGORÍAS
- Accessories 3
- GÉNERO 3469
- Acción / aventuras / artes marciales 1091
- Animación / Anime 128
- Asiatico 115
- Bélico 209
- Ciencia ficción / SCI FI 350
- Clasico 932
- Comedia 727
- Contemporáneo / moderno 127
- Documental 27
- Drama 1814
- Erótico / adultos 29
- Europeo 811
- Infantil 184
- Musical 158
- Religioso 78
- Romance 477
- Social / político 641
- Super héroes y comics 81
- Terror 512
- Thriller/ Policíaco 1175
- Western 168
- IMPORTACIÓN 76
- NOVEDADES 983
- PREVENTA 138
Social / político
EL ESPIRITU DE LA COLMENA
Género
Drama | Años 40. Posguerra española. Vida rural. Infancia. Película de culto
Sinopsis
En un pequeño pueblo de Castilla, en plena postguerra a mediados de los años cuarenta, Isabel y Ana, dos hermanas de ocho y seis años respectivamente, ven un domingo la película «El Doctor Frankenstein». A la pequeña la visión del film le causa tal impresión que no deja de hacer preguntas a su hermana mayor, que le asegura que el monstruo está vivo y se oculta cerca del pueblo
(Víctor Erice, 1973)
CRITICAS
«El espíritu de la colmena» es un «acercamiento a los temores y confusión de la infancia, pero contextualizado bajo la sombra de la guerra civil como ese monstruo que asoló a un pais y, recién acabada, aún sigue teniendo un efecto destructivo sobre los que sobrevivieron.». Me gusta también la frase «ventanas ámbar» en la crítica de Bloomsday, porque es la mejor descripción que se me ocurriría para sintetizar la impresión que deposita en mis ojos la red de luz color miel sobre la que se tejen las imágenes de la película.
Taylor recomienda verla con «la siesta bien echada», pero también nos asegura que nos encontraremos «ante una experiencia mística y sensorial absolutamente fascinante» mientras que Sersolo se lamenta porque «Erice deja al final del film una puerta muy grande demasiado abierta» aunque le parezca que «es una película mágica».
Me emociona mucho Una_de_ellos cuando afirma: «Estamos, señores, ante la mayor de las realidades y la mayor de las fantasías.» Y no sé cuál de todas las preciosas reflexiones de Vivoleyendo debo escoger para que describa de forma más elocuente un pedazo de celuloide que «huele a algo reconocible, antiguo e incluso inquietante, todo aquello de lo que la infancia de cualquiera se nutre, sin menospreciar en absoluto el lado tenebroso de la niñez, en la que no todo es luz ni ingenua alegría.» Contrasta y también se complementa con la visión de Servadac al decirnos que «entre el silencio y la ceniza de ese páramo existencial, surge la presencia incomparable de una niña, Ana, capaz de humanizarnos y salvarnos».
Conecto con Ivan cuando expresa que «dos veces la he visto en dos días y todavía hay algo que se me escapa» y con LeonNewman, cuando concluye con ese s¡mple y efectivo: «No pasan los años por esta película».
EL EXORCISMO DE EMILY ROSE
Género
Terror. Intriga | Posesiones / Exorcismos. Religión. Sobrenatural. Drama judicial / Abogados/as. Basado en hechos reales
Sinopsis
La Iglesia Católica tomó una decisión poco común al reconocer oficialmente la posesión demoníaca de una joven estudiante americana de 19 años. Emily Rose deja la seguridad de su hogar en un medio rural para ir a la universidad. Una noche, sola en su dormitorio, sufre la primera alucinación aterradora y pierde el conocimiento. Como estas experiencias son cada vez más frecuentes e intensas, Emily, católica devota, decide recurrir a un sacerdote y someterse a un exorcismo que le cuesta la vida. El padre Moore es entonces acusado de homicidio por negligencia. Erin Bruner, una brillante abogada acepta de mala gana hacerse cargo de su defensa. A medida que el juicio avanza, el cinismo y el ateísmo de Erin se tambalean debido a la fe inquebrantable del Padre Moore y a los hechos, espeluznantes e inexplicables, que rodean el caso
(Scott Derrickson, 2005)
CRITICAS
Nuevamente gran diversidad de opiniones. Seguramente gran parte de los que reprueban la película sean reconocidos agnósticos. Con esto no quiero decir que sea una película hecha para creyentes; es más, ese dilema ético debería quedar fuera de todo juicio objetivo, pero seguro que no es así. Otra gran parte de crítica negativa son de los que esperaban ver una película de terror, y evidentemente salen desengañados porque no lo es. (no se debe fiar uno del género con que la crítica especializada cataloga un film, porque aciertan pocas veces).
La película realmente es un thriller judicial, donde en este caso, todo gira en torno a un hecho religioso cuestionable, y no en torno a un asesinato o a un desfalco o a otro tema cualquiera. Bajo mi punto de vista es, además, un buen thriller judicial, con un entretenido y serio enfrentamiento entre fiscal y abogado defensor, con el trasfondo del exorcismo realizado por el sacerdote, interpretado por un gran Tom Wilkinson, soberbio.
EL EXPRESO DE MEDIANOCHE
Género
Drama | Drama carcelario. Basado en hechos reales
Sinopsis
Billy Hayes (Brad Davis), un joven estadounidense, fue detenido en el aeropuerto de Estambul cuando se disponía a subir a un avión con varios paquetes de hachís. Acusado de uno de los delitos considerados más graves en Turquía, Billy es condenado a cuatro años de cárcel. En prisión sufrirá las atrocidades propias de un sistema penitenciario brutal e inhumano.
(Alan Parker, 1978)
CRITICAS
La película de Alan Parker “El expreso de medianoche”, es un durísimo y amargo drama penitenciario, basado en un excelente guión Oliver Stone sobre “un hecho real”, la cinta nos relata todas las vicisitudes por las que pasó Billy Hayes, ciudadano norteamericano, por su inmenso error (querer pasar dos kilos de droga pegados alrededor de la cintura), lógicamente al ser detenido por la policía turca cuando intentaba subir al avión que lo trasladaría a su país, empieza su verdadero y particular infierno.
Evidentemente toda la culpa es suya ya que nadie le obligó a realizar tal acción, y cuando la policía turca le detiene, como su delito es considerado muy grave según la justicia local y las relaciones con su país de origen son casi inexistentes, se nos despliega a los espectadores una serie de sensaciones de gran crudeza, derrota y desasosiego. Cualquier ser humano llegaría a la locura, si realmente llegara a experimentar todas esas experiencias vejatorias por las que pasa Billy Hayes (gran interpretación de Brad Davis), envuelto en una atmósfera desagradable y rodeado de personajes enloquecidos, drogadictos histriónicos (magnífico John Hurt), y perseguido por un asqueroso y obeso director de la penitencia (correcto Paul Smith).
En la película no faltan escenas conmovedoras, las visitas de su padre impotente delante de la situación en que se encuentra su hijo, y aún más conmovedoras son las escenas con su novia. Excelente la partitura de Giorgio Moroder, en una perfecta sincronía con cada fotograma y particularmente en la escena final de la cinta.
“Nunca hagas lo que no debes, y mucho menos en país que no conoces”.
EL FOTOGRAFO DE MINAMATA
Drama | Biográfico. Años 70. Fotografía. Periodismo. Basado en hechos reales
Sinopsis
Nueva York, 1971. Tras sus celebrados días como uno de los fotoperiodistas más venerados de la II Guerra Mundial, W. Eugene Smith se siente desconectado de la sociedad y de su carrera. La revista Life lo envía a la ciudad costera japonesa de Minamata, cuya población ha sido devastada por el envenenamiento por mercurio, resultado de décadas de negligencia industrial. Smith se sumerge en la comunidad y sus imágenes le dan al desastre una dimensión humana desgarradora.
(Andrew Levitas, 2020)
También destaca por su gran elenco protagonista, pero en especial por el papel que ejerce el grandísimo Johnny Depp en el papel de Eugene Smith.
Hay un conflicto interno y un recorrido que tiene que atravesar el personaje, para poder llegar a redimirse consigo mismo y encontrar algo de paz en su mundo. El resto del reparto también está bastante bien en general, destacando las interpretaciones de Hiroyuki Sanada y Jun Kunimura. Parece ser una producción mayor de lo que en realidad es, algo que también habla en favor del director y la cinta.
EL GOLPE – Edición Coleccionista con libreto
Género
Intriga. Comedia. Drama | Crimen. Juego. Años 30. Mafia. Robos & Atracos. Venganza. Película de culto
Sinopsis
Chicago, años treinta. Johnny Hooker (Redford) y Henry Gondorff (Newman) son dos timadores que deciden vengar la muerte de un viejo y querido colega, asesinado por orden de un poderoso gángster llamado Doyle Lonnegan (Shaw). Para ello urdirán un ingenioso y complicado plan con la ayuda de todos sus amigos y conocidos.
(George Roy Hill, 1973)
Posición en rankings FA
3 Mejores películas de los años 70
3 Mejores películas de intriga
4 Mejores películas sobre el mundo criminal
Premios
1973: Oscars: 7 premios, incluyendo mejor película, director y guion. 10 nom.
1973: Globos de Oro: Nominada a mejor guion
1973: National Board of Review: Mejor película
1973: Sindicato de Directores (DGA): Mejor director
Críticas
«George Roy Hill, quien dibuja sus imágenes con una estimulante estética retro, aporta una puesta en escena de aparente transparencia que juega con acierto con los encuadres y la profundidad de campo. (…) extraordinario guion de David S. Ward
El hijo único
Género
Drama | Pobreza. Familia
Sinopsis
Una campesina se esfuerza al máximo para que su hijo pueda recibir en Tokio una buena educación. Algunos años después, lo va a visitar, dando por supuesto que será feliz y tendrá una buena posición social. Pero, nada más llegar, se encuentra con la triste realidad: su hijo, que está casado, es profesor de la escuela nocturna y vive en un estado de semipobreza
(Yasujirō Ozu, 1936)
Posición en rankings FA
41 Mejores películas de los años 30
CRITICAS
La película me parece una fiel representación del sino japonés. Ozu tiene la capacidad de no filmar una película sino retratar la historia de unas personas reales, que efectivamente vivieron lo que vivieron y él estaba ahí para filmarlo. Dicho de otra manera, maravilloso guión, historia y actuaciones.
La historia y las actuaciones te acarician profundamente, aunque es difícil entrar a la película por esta costumbre occidental de hablar demasiado y moverse tanto, una vez que uno entiende ese modo japonés de contener el cuerpo y guardar silencio, de esperar y reflexionar antes de hablar y actuar, entonces uno puede dejarse ir por la película. De una sutileza y contundencia maravillosa. Una verdadera obra de arte. Me hizo sentir el mismo vacío en el alma como cuando termine de ver “Ladrón de bicicletas” de Vittorio de Sica, “Nosotros los pobres” de Ismael Rodríguez o “Las tortugas también vuelan” de Bahman Ghobadi. La recomiendo encarecidamente, pero también recomiendo cambiar el reloj interno de occidental a japonés para poderse dejar cautivar. No es que la película sea muy larga (87 minutos), pero sus minutos pasan a lo japonés.
La historia que nos cuenta el Sr. Ozu en este filme conmovedor —realizado allá en Japón mientras acá en España andaban los españoles desatando sus odios fraternos— es la de una mujer trabajadora, sola y con un único hijo en un pequeño pueblo japonés. Ella trabaja y se sacrifica por obtener algo de dinero para que el muchacho vaya a la capital y haga estudios superiores, todo esto en 1923.
Pasan el tiempo y la acción se traslada al año 1935, cuando la madre viaja desde el pueblo hasta Tokio para visitar a su hijo, al que cree estar gozando de un estatus superior conforme a los estudios que realizó. Pero una vez in situ contempla la cruda realidad de su vástago; descubre que éste sólo alcanzó ser un maestro pobretón en una escuela periférica para muchachos en horario nocturno.
EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS
Género
Thriller. Drama | Años 90. Espionaje. Biográfico. Basado en hechos reales
Sinopsis
Francisco Paesa (Eduard Fernández), ex agente secreto del gobierno español, responsable de la operación contra ETA más importante de la historia, se ve envuelto en un caso de extorsión en plena crisis de los GAL y tiene que huir del país. Cuando regresa años después está arruinado. En tales circunstancias, recibe la visita de Luis Roldán (Carlos Santos), ex Director General de la Guardia Civil, y de su mujer Nieves Fernández Puerto (Marta Etura), que le ofrecen un millón de dólares si les ayuda a salvar 1.500 millones de pesetas sustraídos al erario público. Paesa ve entonces la oportunidad de vengarse del gobierno español, llevando a cabo una magistral operación con la colaboración de su inseparable amigo Jesús Camoes (José Coronado).
(Alberto Rodríguez, 2016)
CRITICAS
Después de su esplendorosa «La Isla Mínima», donde se repasaba con una lucidez y profundidad inusitada no solo una investigación criminal sobre dos niñas asesinadas, sino también un fresco de la sociedad española en la transición democrática, ahora Rodríguez da un paso más en la historia de España, para airear uno de los casos más sangrantes de corrupción en los últimos tiempos: el del exdirector de la Guardia Civil, Luis Roldán, aunque en realidad el maestro de marionetas, el que organizó, orquestó y encima se llevó todos los millones fuera Francisco Paesa, un personaje singular que fue empresario, espía, traficante de armas… un verdadero trilero de guante blanco, capaz de engañar a cualquiera, por cercano que le fuera. Alguien al que nadie -yo creo que ni él mismo…- conocía.
Antes de meterme en harina a la hora de hablar de la película protagonizada ejemplarmente por Eduard Fernández y José Coronado, quisiera hacer un matiz: me encantan las películas de espías, de intrigas, de recovecos… pero cuando hay acción. Jason Bourne, James Bond, Ethan Hunt (el de Misión Imposible) y así un largo etcétera de personajes realmente me parecen fascinantes. Pero cuando estas películas de espías no tienen acción, ni persecuciones, ni tiros, me resultan extremadamente tediosas, como por ejemplo casi todas las adaptaciones de John LeCarré que hemos visto (y con el máximo exponente de «El Topo» donde los intricados resortes de guión no consiguen que el espectador no se duerma en el sillón).
Bien, desde mi modesto parecer la complejísima red de engañifas que Paesa realizaba con la misma naturalidad que respiraba y que dejaba al Lazarillo de Tormes y a toda la picaresca española como a unos aficionados no es suficiente para mantener el ritmo de la cinta, que en algunos casos, decae notablemente y a la que solo la espectacular factura -Alex Catalán con una fotografía espléndida y sobre todo la magnífica banda sonora de Julio de la Rosa, uno de los mejores activos de esta película- consigue salvarla, sin olvidar por supuesto las interpretaciones realmente sobrecogedoras de Eduard Fernández, José Coronado, Carlos Santos y una contenida y acertadísima Marta Etura.
Siendo justos, la faceta de espía de Paesa es solo una de sus caras (y quizás sea la única que se ve en la película y que yo en mi ignorancia no veo dónde están las 999 restantes…); porque lo que este personaje era en realidad era un mentiroso compulsivo, alguien que para conseguir sus planes no dudaba en engañar hasta a su padre y que podríamos situarlo más en la órbita de Billy Ocean, el personaje de «Ocean’s Eleven», lo que pasa es que en la versión cañí del equipo ni son once, ni son personajes interesantes -y aquí no quiero hacer spoiler, mejor ve a ver la película, que merece la pena-. Creo que este film debería haberse acercado más a «El Golpe» de Roy Hill, con un timo que había que articular con sumo cuidado, que a cualquier película de espías. Y por supuesto, guardarse en la recámara ese gran truco final con que coronar toda la trama -y que en la cinta queda algo desvaído…-. Incluso recuerdo dos películas que podrían haber sido dos referencias a la hora de articular este relato: por un lado «House of Games» de Mamet y por otro «Nueve Reinas» de Bielinsky. Habría sido mucho mejor haber jugado a las cajas chinas -donde cada caja tiene dentro otras muchas más- que al formato de «thriller», que como dije antes, sin acción se queda algo empequeñecido.
Porque en la película, aunque Paesa engañe con lucidez, ha sido un gran riesgo no situar al espectador como partícipe de esos timos desde el principio. Aunque supiéramos de ellos por la historia de nuestro país, creo que habría sido mucho más acertado hacer cómplice desde el minuto uno a todos los que estuvieran en la sala de cine, demostrando cómo Paesa era capaz de retorcer la realidad a su conveniencia con total naturalidad y lo que es mejor, con gran efectividad. De hecho ese intrincado, oscuro y misterioso personaje se merecía en realidad un tratamiento más profundo que el que vemos en el film, ya que el auténtico protagonista, el que evoluciona y cambia a lo largo de la historia no es precisamente ese «hombre de las mil caras», sino su amigo el piloto, cómplice de fechorías, y por supuesto, el exdirector de la Guardia Civil que se llevó la morterada y que tuvo que escapar a la carrera… para luego volver a entregarse.
No obstante, ésta es una película indudablemente interesante y muy recomendable, tanto por lo que cuenta como por cómo lo cuenta, alternando momentos de tensión e intriga con un lúcido y retorcido sentido del humor.
EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO
Género
Drama | Drogas. Jazz
Sinopsis
Frankie Machine, un hombre con talento musical, sale de la cárcel y, además, consigue dejar la heroína. Su principal problema será encontrar un medio de vida honrado y evitar las drogas y el juego.
(Otto Preminger, 1955)
CRITICAS
Muchas son las cosas que se pueden destacar de este film.
En primer lugar el hecho ser el primero en tratar de forma explícita, siendo en todo momento una película comercial, la adicción a la heroína y acercarse sin tapujos al síndrome de abstinencia, lo cual, dicho sea de paso, permitió a Sinatra desarrollar un papel que le llevó a estar nominado para el Oscar de ese año.
Destacar también la banda sonora, la música de jazz que acompaña a Frankie en todo momento (incluso en su subconsciente), esa música que el mismo interpreta con la batería (su gran pasión) cuando las drogas o su mujer le dejan. El montaje, típico en el Hollywood de la época y de Preminger en particular, es un montaje casi invisible, donde no se producen a penas rupturas visuales en los tránsitos narrativos, todo fluye con aparente normalidad para que nos centremos en la historia, en la propia narrativa, dejando para una segundo o subsiguientes visionados el ir descubriendo la maestría con la que un director de corte clásico va resolviendo cada detalle.
Pero si algo cabe destacar de la película es que todo y abordar de forma clara y explícita la adicción a la heroína de su protagonista y siendo este un tema central no es el único elemento dramático en la narrativa del film. La película, que podría entrar en la categoría de lo que se dio en llamar “film noir” da una importancia decisiva al contexto, al entorno hostil (social, económico y familiar), el chantaje (mafioso y amoroso) y las propias pasiones amorosas, que son, en esencia, el tema de fondo de la película, alejándose a su vez, de cualquier postura moralista sobre el uso, abuso, o pesadilla de la adicción a la heroína, postura que desafortunadamente sí hemos visto en otras películas mucho más recientes .
Excepcional Kim Novak, voluptuosa y sensual como siempre y maternal como nunca.
EL HOMBRE DEL CARRITO
Género
Drama | Japón feudal. Remake
Sinopsis
Matsugoro, un pobre conductor de carro en el Japón del periodo Meiji, devuelve a un niño perdido, Toshio, a su casa. Sus padres se muestran con él muy agradecidos. Tras la muerte del padre, la madre, Yoshiko, muy preocupada por su hijo, le pide a Matsugoro que le ayude a educarlo. Él acepta encantado. Con el paso del tiempo le coge mucho cariño, al niño y a la madre. Pero Toshio crece, y se marcha a estudiar a la universidad de Tokio, y Matsugoro se siente abandonado y triste…
(Hiroshi Inagaki, 1958)
CRITICAS
Japón, principios del siglo XX. Matsu se gana su pan transportando personas en un jinrikisha, un cochecito de dos ruedas, del que tira con la sola fuerza de sus piernas. Aunque su oficio es de inveterada tradición en la sociedad japonesa suele topar con clientes altivos que se conducen ante él con manifiesta desconsideración. Matsu es muy popular entre sus convecinos, que le apodan el salvaje por su pronto pendenciero, por su enorme expresividad física (en este aspecto, Mifune se siente como pez en el agua) y, tal vez, por su carencia de ambición.
Muhomatsu no issho es un melodrama de tomo y lomo: desigualdades sociales, amores no confesados, muertes… pero a veces no lo parece por el tono sencillo, incluso cómico, que predomina en muchas de las secuencias que vertebran el filme (como en la escena de la carrera popular en la que Matsu participa con su peculiar estilo de correr, como si tirase de un carrito pero sin carrito) o por la sobriedad narrativa que priva a la historia de cualquier arranque de afectación (como el uso de la elipsis con la muerte del capitán Kotaro, padre de Toshio, de una efectividad fulminante).
¡Ay, hombre que trabaja tirando de un carrito con personas o con enseres! Hay que ser muy fuerte para desempeñar un oficio como ese, tener una buena salud y no avergonzarse de formar parte del estrato trabajador más bajo de la sociedad. Pero además, este humilde tiene más virtudes maravillosas hay que descubrir conociéndole de cerca, alguna incluso guardada tan en secreto que nadie puede imaginarse.
¡Toda una lección de estética, elegancia sopesada y compostura japonesa la que Hideko Takamine nos enseña con su actuación!
EL HOMBRE QUE PUDO REINAR
Género
Aventuras | Siglo XIX. Colonialismo. Amistad
Grupos
Adaptaciones de Rudyard Kipling
Sinopsis
Danny Dravot y Peachy Carnehan, dos aventureros que viajan a la India en 1880, sobreviven gracias al contrabando de armas y otras mercancías. Un día, deciden hacer fortuna en el legendario reino de Kafiristán. Después de un durísimo viaje a través del Himalaya, alcanzan su meta justo a tiempo para hacer uso de su experiencia en el combate y salvar a un pueblo de sus asaltantes. Está inspirada en un relato de Kipling.
(John Huston, 1975)
CRITICAS
Durante varios años Huston lucho por sacarla adelante. En principio la iban a protagonizar Humphrey Bogart y Spencer Tracy pero no se llego a un acuerdo y Huston acabo dirigiendo «El tesoro de sierra madre». Luego se penso en Humphrey Bogart y Clark Gable pero murió Bogart. Unos años después en Gable con Burt Lancaster y esta vez murió Gable, después entre Lancaster y Kirk Douglas pero la cosa no acabo bien. Finalmente se penso en Paul Newman (con su pareja Robert Redford). Newman leyo el guión y le gusto pero recomendo a Huston que fuera interpretada por ingleses y él menciono los nombres de Sean Connery y Michael Caine (aunque Connery nació en Escocia, casi es como si fuera británico). Y estos dos aprovecharon el regalo de manera sobresaliente. Huston lucho mucho y tardo mucho tiempo en dirigirla pero al final, acabada la película, los esfuerzos merecieron la pena. Se pasaron de presupuesto, el rodaje se alargo más de lo debido pero el resultado es sobresaliente.
La mejor película de Huston junto con «El tesoro de sierra madre». Una cinta de aventuras disfrutable en todo momento. Un regalo para el espectador en las que el enorme Huston plasmo todo su talento como director de forma inimaginable.
Sean Connery y Michael Caine parten la pana. Interpretaciones deliciosas. Talentosas, sobrias y muy especialmente, carismáticas. Porque a estos dos actores el carisma en pántalla es algo que les sobra y en esta película lo utilizan de manera sobresaliente. Como curiosidad, la mujer en la vida real de Michael Caine interpreta el papel de Roxanne. Christopher Plummer es un personaje muy secundario aunque cumple.
El guión es impresionante y guarda varias escenas ya míticas. A mí me emociona bastante cuando Sean Connery se pone a cantar. Escenas que con cualquier otro actor hubieran sido ridículas y que Connery las convierte en soberbias. El relato de Kipling es muy interesante y Huston lo plasma sobresalientemente en el guión.
En fin una obra maestra y una de las mejores películas de aventuras (o la mejor). Gran año ese 1975 con películas como «Dersu Uzala», «Alguién voló sobre el nido del cuco», «Barry Lyndon», «Tiburón» y evidentemente esta misma. Cinco películas impresionantes de las que ya no se hacen hoy en día. Una verdadera lástima.
EL HOTEL NEW HAMPSHIRE
Género
Comedia. Drama | Familia. Años 50. Homosexualidad
Grupos
Adaptaciones de John Irving
Sinopsis
Durante el verano de 1939, Win Berry, un estudiante de Harvard, trabaja en un hotel de Arbuthnot-by-the-Sea. Se enamora de Mary, una chica del pueblo, y se casa con ella. Tras la Segunda Guerra Mundial, la pareja regresa a Arbuthnot, pero el pequeño pueblo ya no es lo que era: ha sido destruido durante la guerra. Como Win no quiere renunciar a sus sueños, compra una escuela y la convierte en el hotel de sus recuerdos. Así nace el primer Hotel New Hampshire.
(Tony Richardson, 1984)
CRITICAS
Comedia y película de culto basada en la novela homónima de John Irving, escrita en 1981, sobre los éxitos y los fracasos de una familia estadounidense que hace frente a todo tipo de desastres, y aun así, continúa adelante a pesar de todo; al tiempo que presenta un historia del “paso de la adolescencia a la adultez” centrándose en los hijos de la familia.
Este fue el último largometraje dirigido por Tony Richardson, una historia que cubre varias décadas, incluyendo ciertos elementos surrealistas, paroxísticos, y ciertamente atrevidos, como el incesto, el terrorismo, la homosexualidad y la mezcla interracial; de esa manera, sigues a toda la familia desde que son jóvenes hasta que son mayores, y empiezas a entender, cómo se han convertido en la forma en que son, y por qué actúan de la manera en que lo hacen.
El filme está muy centrado en el sexo y el amor, y de la manera más extraña posible; al tiempo que la película pierde algo de interés en el segundo tramo, cuando se trasladan a Austria con todo el enredo político/terrorismo
En una adaptación muy fiel a la novela -el mismo, Irving, expresó haberse sentido bastante complacido, no obstante que algunos hechos pasan demasiado sucintos-, el director Tony Richardson, consigue una deliciosa comedia plena de significados que, con puro afán de provocar, hace espacio para lo prohibido (el incesto), para lo “imperdonable” (el matrimonio de una chica blanca con un chico ¡negro!)… y hasta para lo grotesco (¡besar a una muchacha luego de que se ha quitado las prótesis dentales!).
EL INGLES QUE SUBIO UNA COLINA PERO BAJO UNA MONTAÑA
Género
Comedia | Basado en hechos reales. Vida rural
Sinopsis
Año 1917. Al pequeño pueblo de Fynnon Garw llegan Reginald Anson (Hugh Grant) y George Garrard (Ian McNeice), dos militares retirados, cartógrafos de profesion, a quienes el gobierno ha encargado elaborar un nuevo mapa del País de Gales. Los vecinos, gente sencilla pero muy testaruda, están muy orgullosos de una colina cercana a la que llaman «la primera montaña de Gales». Cuando, después de hacer las oportunas mediciones, Anson les informa de que no es una montaña, sino una colina, todo el pueblo colaborará para corregir ese error de la naturaleza.
(Christopher Monge, 1995)
CRITICAS
Amable comedia, cargada de buenas intenciones, en la que destaca la interpretación de Colm Meaney, uno de los mejores secundarios del cine inglés de los últimos años.
El hecho de que salga el memo de Hugh Grant, con su eterna expresión de soy idiota y lo sé, no resta interés ni chirría en el conjunto, como suele pasar cada vez que este tío asoma su jeta ante una cámara.
Interesante que el cura y el barman sean los que manejan todo en el pueblo: ambos tienen en común que trabajan con los dos productos alucinógenos más empleados en la historia de la humanidad, o sea, la fe divina y el alcohol.
Recomendable para pasar un buen rato, a veces divertido y siempre entretenido.
El intendente Sansho
Género
Drama | Japón feudal. Siglo XII. Esclavitud
Sinopsis
A finales de la Época Heian en el siglo XII, el gobernador de un pueblo es enviado al exilio. A pesar de que su familia quiere ir con él, ninguno podrá acompañarle, pues, engañados por una vieja que se hace pasar por sacerdotisa, son vendidos como esclavos por separado: la madre por un lado y los hijos por otro.
(Kenji Mizoguchi, 1954)
CRITICAS
Excelente melodrama sobre la esclavitud, de guión recio e imagen bellísima –¡menudos exteriores, parecen sacados de las ilustraciones de un cuento!–
Al que haya tenido, como yo (hace ya un tiempo), la suerte de haberla visto por primera vez sin saber nada del argumento, le resultará imposible olvidar el inesperado giro que dan los acontecimientos en la escena de las barcas. La presentación es un pelín lenta, pero a partir de ahí ya no habrá descanso en una narración casi perfecta que se mantiene así hasta el emotivo final.
Actores que no actúan, sino que viven. Una cámara que no es cámara, sino universo. Una historia que no se conforma con tenernos de espectadores, sino que nos agarra del corazón y nos arrastra dentro.
No sé que tenía este director japonés, que hacía de la imagen un prodigio de sencillez visual y narrativa tan potente que deja sin aliento sin necesidad del menor delirio ni exceso. Una lección inigualable de sutileza. De saber desgarrar con la belleza del plano de una madre que reclama a sus hijos bajo sus alas protectoras, y que confía al viento una canción de búsqueda.
La esencia del Japón feudal en dos horas. La esencia de la maldad, del dolor, del amor, de la esclavitud, de la bondad, del coraje y de la persecución de los sueños. La esencia del mundo.
Y la esencia de lo mejor del cine universal que se pueda filmar jamás.
Sin duda alguna, una de las mejores películas japonesas de todos los tiempos.
EL JOVEN WINSTON
Género
Drama | Biográfico
Sinopsis
Cuando Winston Churchill era niño, sus padres estaban tan volcados en sus respectivas actividades que no le prestaron apenas atención alguna. Siguiendo los deseos de su padre, un prestigioso político conservador (tory), se alistó en el ejército y participó en la guerra anglo-bóer (1899-1902), donde estuvo a punto de morir. Terminada la contienda, se dedicó a la política hasta el fin de sus días.
(Richard Attenborough, 1972)
CRITICAS
Ningún personaje ha sido tan importante en el pasado siglo como Churchill, el último bastión de la pugna contra las dictaduras de extrema derecha europeas cuando todos se daban con un canto en los dientes por el acuerdo de no agresión firmado (más bien bajada de pantalones diría yo) entre Hitler y Chamberlain. Luchó hasta el final por convencer al mundo de que los alemanes no estaban buscando anexionarse Polonia y poco más, si no que querían el mundo, y en él sólo vivirían los elegidos, y miedo da pensar el poco halagüeño futuro que le esperaba al género humano si Chamberlain nunca hubiese dimitido y Churchill se hubiera puesto al mando del Reino Unido una vez que Francia había caído.
Por tanto, poco menos que un homenaje decente en el cine se merecía la personalidad más importante del XX, y Richard Attenborough, quiso brindársela con la irregular El joven Winston, relato folletinesco que recorría la juventud del mandatario inglés desde su infancia hasta el momento en que decide seguir el camino de su padre adentrándose en el escabroso y traicionero mundo de la política, pero que naufraga por la inconsistencia de su narración, por el academicismo aburrido del que siempre hace gala el veterano realizador y por la pobreza de un guión unido a la frialdad en la puesta en escena que no levanta el vuelo ni en sus escenas más o menos aventureras.
Narrada a grandes saltos con lagunas temporales en las que nunca conocemos qué ocurre, y en la que no se llega a comprender demasiado bien la participación de algunos personajes en la trama y su relación con Churchill, caso especialmente sangrante el de su cuidadora, por no hablar de algunas escenas en la que los protagonistas hablan a cámara para explicar quién sabe qué, intentando establecer vínculo con el espectador rompiendo la barrera que supone la pantalla de cine, pero que realmente repiten ideas ya expuestas y que poco o nada aportan a la historia. La frialdad predomina durante todo el metraje, haciendo imposible la empatía con los protagonistas, meras sombras arquetípicas carentes de motivación alguna. La cinta arranca de manera apresurada, intercalando varias escenas que poco o nada tienen que ver con lo que se cuenta a posteriori, y que parecen aventurar que la cinta va a ir por un camino que finalmente no termina de tomar, como es el de la aventura pura y dura.
La deficiente escritura del guión hace que deba usarse una voz en off para completar, aparentemente, lo que no sabe nunca el espectador, o más bien lo que Attenborough cree que este no sabe. Nos hallamos ante el primer error. El uso mezclado de diversas voces narradoras no hacen más que subrayar lo que ya de por sí cuenta la cámara, evitando que se cuente con imágenes en otros casos, siendo un recurso narrativo bastante pobre que provoca un efecto redundante constante, y que no hubiese hecho falta si el realizador tuviese las mínimas nociones del uso de las elipsis.
EL LADO OSCURO DEL CORAZON
Género
Drama | Surrealismo. Drama romántico. Prostitución. Película de culto
Sinopsis
Oliverio es un poeta treintañero que sobrevive editando poesía comercial mientras recorre Buenos Aires. Lo único que desea es encontrar a la mujer de sus sueños, que le comprenda y que le haga volar. En Montevideo, conoce a Ana, una prostituta de la que se enamora
(Eliseo Subiela, 1992)
CRITICAS
El film es grandioso, su contenido no es para el 90% de la gente que asiste a una sala de cine sólo porque no tiene nada que hacer o para comer palomitas de maíz. Hay que ser -como diría Hermann Hesse- un Lobo Estepario para comprender el hondo significado de esta cinta.
Es un film de amor poco común. Abundan las maravillosas poesías del uruguayo Mario Benedetti, un genio, y éstas pasan a ser casi el guión y el sostén del film.
Hay momentos muy buenos, el personaje de Oliverio es genial, el tipo simple, bohemio, infantil y seductor a la vez, con miedos, esperanzas, con conflictos de su yo interno, con esa imperiosa necesidad de amar y ser amado, de encontrar en el sexo algo más que un buen momento de lujuria, de poder volar, no como un avión, sino como un Dios. Necesita romper con su oscuridad, con la muerte que lo acecha (que lo ama porque él quiere ser amado por ella en caso de no poder más con su terrible realidad).
Es un cuento fantástico, una gran alegoría, lleno de metáforas y buen gusto.
Sus detractores se ven atropellados por la esencia del mismo, porque más de un papanata querría ser como Oliverio. Pero para desnudar el corazón a veces no alcanza con ver una película…
Todos están muy bien. Lo que me parece de cuarta es el doblaje. A veces hay un delay terrible entre lo escuchado y lo que hablan (me refiero al doblaje del mismo idioma hecho por los mismos actores, salvo el de Ballesteros que creo es la voz de Andrea Tenuta).
EL LIBRO NEGRO
Género
Bélico. Drama. Thriller | II Guerra Mundial. Nazismo
Sinopsis
En plena Segunda Guerra Mundial, tras la ejecución de su familia, una joven judía se une a los grupos de la Resistencia que luchan contra la ocupación de Holanda por parte de las tropas alemanas. Su misión será infiltrarse en el Cuartel General Nazi para seducir a un alto oficial alemán a fin de obtener información que permita liberar a un grupo de combatientes que han sido capturados.
(Paul Verhoeven, 2006)
CRITICAS
Espléndida película. Retorno de Verhoeven a lo grande.
La película tiene, ante todo, un ritmo demencial. Y Verhoeven nos lleva a través de este apretado guión donde los acontecimientos no cesan, con mano de maestro. Todos los aspectos técnicos son impecables. Pero por momentos me pareció excesiva a la par que genial. Pensaba que iba a ser más dramática, pero no. Verhoeven sacrifica la pausa dramática en favor del ritmo y la aventura.
Muestra el drama de la guerra pero no se detiene, no escarba. Aún así, la cantidad de cuestiones que arroja sobre el tapete tiene su miga. Verhoeven deja al ser humano a la altura del betún, como debe ser, y te endosa una película de aventuras clásica y vibrante como quien no quiere la cosa.
Pocas, por no decir ninguna, películas europeas se han visto últimamente con este aliento tan clásico pero con este brío tan poderoso y tan vertiginoso. Incluso puede que se le vaya la mano con los contínuos giros y los acontecimientos atropellados, pero esa es la apuesta de Verhoeven y a mi me ha encantado, aunque esperaba algo de mayor calado emocional.
En efecto, Darth, la protagonista es una diosa y Verhoeven, un amigo. La naturalidad de las escenas de sexo es más que refrescante. Y su abundancia, regocijante.
Muy recomendable.
EL LOBO
Género
Thriller. Drama | Terrorismo. ETA. Franquismo. Años 70. Basado en hechos reales. Infiltrados
Sinopsis
Mikel Lejarza, alias «Lobo», fue un agente de los servicios secretos españoles que consiguió infiltrarse en ETA entre 1973 y 1975. Provocó la caída de unos 150 activistas y colaboradores, incluyendo a los miembros más destacados de los comandos especiales y a la cúpula dirigente. La «Operación Lobo», supuso un mazazo a la organización terrorista en un momento en el que sus sangrientos atentados se estaban convirtiendo en la excusa perfecta para que los sectores más involucionistas del franquismo intentaran bloquear la instauración de la democracia. El infiltrado era el mayor seguro policial contra ETA. Cuando ETA lo descubrió, lo condenó a muerte y empapeló el País Vasco de carteles con su fotografía bajo la leyenda «Se busca». «El Lobo» tuvo entonces que cambiar de identidad y de rostro y desaparecer sin dejar rastro.
(Miguel Courtois, 2004)
CRITICAS
Se puede acusar de muchas cosas a la cinematografía española, pero desde luego no se le puede echar en cara el no haberse enfrentado con valentía al delicadísimo problema del terrorismo de ETA. Cintas de ficción de diversos géneros y multitud de documentales han abordado el tema con mayor o menor fortuna. La película que nos ocupa se distingue del resto por encuadrarse en el género del thriller y darle bastante importancia a los momentos de acción. Es decir, se vale del trasfondo del terrorismo para cumplir su función, que no es otra que entretener.
Y lo cierto es que esto lo logra con creces. El director Miguel Courtois ha sabido crear un film intenso, nervioso, magnético, que te engancha desde el inicio y no te suelta ya nunca. Para ello ha dispuesto de numerosos medios técnicos (que, para qué negarlo, siempre ayudan), de un fantástico montaje y de una muy eficaz puesta en escena. Pero la verdad es que no todo el monte es orégano. Las escenas de acción, aunque espectaculares, resultan muy confusas y, especialmente en la primera hora, la narración es muy esquemática. Los sucesos no fluyen con naturalidad, sino que ocurren, da la sensación, porque es necesario para que haya película.
Mención aparte merece el extenso reparto de la cinta, repleto de luces y sombras. Brilla Eduardo Noriega, muy cómodo en el registro heroico, como ya lo estuvo hace unos años en Nadie conoce a nadie. La mejor actuación la brinda Silvia Abascal, con una preciosa mirada cargada de tristeza y atención al sorprendente Santiago Ramos, muy alejado de su habitual rol televisivo. Por otra parte, aunque José Coronado se lo debió pasar muy bien interpretando a su personaje, éste no resulta para nada creíble. Y Jorge Sanz, que por suerte aparece poco, se queda en su mediocridad habitual.
En definitiva, El Lobo, sin llegar a la altura del mejor thriller español de los últimos años, La caja 507, es un producto hecho con mucho esmero, tremendamente entretenido y que nos permite profundizar en un tema de extraordinaria magnitud en nuestro país, como es el terrorismo.
EL LOCO DEL PELO ROJO
Género
Drama | Biográfico. Siglo XIX. Discapacidad. Pintura
Sinopsis
Biopic del famoso pintor impresionista Vincent Van Gogh, que retrata su atormentada vida a partir de su obra, que no es más que un reflejo de la ansiedad, la sensación de fracaso y la soledad que lo llevaron, finalmente, a la locura.
(Vincente Minnelli, 1956)
CRITICAS
Magnifica reconstrucción biográfica de uno de los mayores genios de la pintura de todos los tiempos. El siempre atormentado Vincent Van Gogh, es interpretado a la perfección por un Kirk Douglas que sabe destilar en cada gesto la angustia vital del personaje, cuyos cuadros alcanzaron cifras millonarias muchos años después de su muerte (solo consiguió vender una obra en vida).
La recreación histórica es excelente, exceptuando pequeños gazapos (Gaugin conoció a Van Gogh antes de marchar a la Martinica y no después).
Anthony Quinn está enorme en su interpretación de Paul Gaugin, al que sabe dar ese aire arrogante y pendenciero, tan alejado del humilde y retraído Vincent.
Los hechos biográficos van mezclándose sabiamente con imágenes de sus cuadros más famosos.
Otro Vincent, Minelli, se muestra como uno de los grandes maestros del color en el cine, consiguiendo un film de una enorme belleza visual.
Si alguien desea conocer a fondo al «loco del pelo rojo», no tiene más que leer «Cartas a Theo» y ver esta gran película.
EL MANANTIAL DE LA DONCELLA
Género
Drama | Siglo XIV. Edad Media. Abusos sexuales. Venganza
Sinopsis
Suecia, siglo XIV. Como cada verano, una doncella debe hacer la ofrenda de las velas en el altar de la Virgen. El rey Töre envía a su hija Karin en compañía de Ingrid, una muchacha que odia a Karin en secreto. Antes de cruzar el bosque, Ingrid se detiene y abandona a la princesa, pero la muchacha prosigue su camino y se encuentra con unos pastores, aparentemente afables, que la invitan a compartir su comida
(Ingmar Bergman, 1960)
CRITICAS
Bergman adapta una leyenda medieval según la cual allá dónde fue asesinada y violada una virginal doncella manará un manantial de agua pura. Una historia hermosísima y cruel a partes iguales que da pie a una obra maestra arrebatadora y perfecta, dónde el algo criticado guión de Ulla Isaksson no cabe duda de que también está a la soberbia altura del conjunto.
Bergman capta, envuelto en la soberana, luminosa y blanquecina fotografía de Sven Nykvist y de su primorosa puesta en escena, de forma magistral, el empozoñado ambiente del medievo, como ya lo hiciese en «El séptimo sello» y a partir de ahí construye una película tan sobria y elegante, como compleja e inquietante, un film que congela pero que a la vez desprende las llamaradas de cine infinito, feroz y rebelde de las obras maestras.
«El manantial de la doncella» es una reflexión agudísima y sublime acerca de muchos de los grandes temas bergmanianos: la Pureza, el Pecado, la superchería, la determinista Religión, el Dolor, el Perdón, la existencia de Dios (si existe de Bergman se desprende una y otra vez que es alguien muy imperfecto que determina la propia imperfección del siempre torpe ser humano), la Angustia vital y existencial, el peso de las tradiciones…Todo ello en una atmósfera tragicamente hermosa y desgarradoramente poética en medio de un paisaje descarnado, brutal e inhumano.
Bergman plantea que la frugalida y el naturalismo del entorno son rotos por los hombres, irracionales e inconexos a la armónica Naturaleza.
Memorable de cabo a rabo, resulta especialmente inolvidable en el personaje de von Sydow, un hombre cabal y muy religioso al que el asesinato de su hija conduce a la Duda y al abismo de la ley del Talión. Así, no hay redención ni expiación para nada ni nadie y la pureza, la inocencia, la esencia, la panacea, el recodo, en fin, se queda en la Naturaleza, en una maravillosa escena final.
De esta forma, «El manantial de la doncella» se erige en obra cumbre de su maestro y del Cine, aquí pleno dominador de su oficio, para el que fue un superdotado a fin de conjugar y complementar distintos niveles de percepción, reflexión y lectura. Y esta película es un ejemplo sublime y arrebatador de todo ello. Imprescindible obra maestra.
EL MANUSCRITO ENCONTRADO EN ZARAGOZA
Edic.Coleccionista/libreto
2 DISCOS MUY DIFÍCIL DE ENCONTRAR
Género: Fantástico, drama. Comedia | Surrealismo. Fantasmas
DESCRIPCION
El manuscrito encontrado en Zaragoza es el título en castellano de Rękopis znaleziony w Saragossie, una película polaca dirigida en 1965 por Wojciech Jerzy Has basada en la novela homónima del escritor polaco Jan Potocki.
La película fue estrenada en Polonia sin cortar sus 180 minutos de metraje original, pero al llegar a Estados Unidos se acortó hasta los 152 minutos y en el caso del Reino Unido no pasó de los 125. Durante los años 1990, Jerry García, junto con Martin Scorsese y Francis Ford Coppola, financiaron la restauración de una edición sin cortar de la película, que finalmente se editó en DVD en el año 2001. Este mismo montaje fue editado en España conjuntamente por Versus Entertainment / Notro Films, en una edición de 2 discos en DVD, con libreto (Madrid, 2007)
Sinopsis
El capitán de las tropas napoleónicas Alfonso van Worden, recién llegado a Madrid, descubre gracias a dos princesas moriscas que está destinado a grandes empresas, por las cuales deberá superar numerosas pruebas. Comenzará entonces una sucesión circular de aventuras, desarrolladas bajo la influencia de un cabalista y un matemático
Posición en rankings FA
16 Mejores películas polacas de todos los tiempos
117 Mejores películas de fantasía
EL MANUSCRITO ENCONTRADO EN ZARAGOZA
Género
Fantástico, drama. Comedia | Surrealismo. Fantasmas
DESCRIPCION
El manuscrito encontrado en Zaragoza es el título en castellano de Rękopis znaleziony w Saragossie, una película polaca dirigida en 1965 por Wojciech Jerzy Has basada en la novela homónima del escritor polaco Jan Potocki.
La película fue estrenada en Polonia sin cortar sus 180 minutos de metraje original, pero al llegar a Estados Unidos se acortó hasta los 152 minutos y en el caso del Reino Unido no pasó de los 125. Durante los años 1990, Jerry García, junto con Martin Scorsese y Francis Ford Coppola, financiaron la restauración de una edición sin cortar de la película, que finalmente se editó en DVD en el año 2001. Este mismo montaje fue editado en España conjuntamente por Versus Entertainment / Notro Films, en una edición de 2 discos en DVD, con libreto (Madrid, 2007)
Sinopsis
El capitán de las tropas napoleónicas Alfonso van Worden, recién llegado a Madrid, descubre gracias a dos princesas moriscas que está destinado a grandes empresas, por las cuales deberá superar numerosas pruebas. Comenzará entonces una sucesión circular de aventuras, desarrolladas bajo la influencia de un cabalista y un matemático
Posición en rankings FA
16 Mejores películas polacas de todos los tiempos
117 Mejores películas de fantasía
EL ODIO (Mathieu Kassovitz, 1995)- BLU RAY
Género
Drama | Crimen. Bandas/pandillas callejeras. Película de culto
Sinopsis
Tras una noche de disturbios en un barrio marginal de las afueras de París, tres amigos adolescentes, Vinz, Saïd y Hubert (un judío, un árabe inmigrante y un boxeador amateur negro, respectivamente), son testigos de un hecho, en el que su amigo Abdel resulta herido por la policía. El deambular por la ciudad, la violencia entre bandas y los conflictos con la policía son las constantes en las 24 horas siguientes de la vida de estos jóvenes.
(Mathieu Kassovitz, 1995)
Posición en rankings FA
16 Mejores películas francesas de todos los tiempos
30 Mejores películas de los años 90
56 Mejores películas sobre el mundo criminal
Premios
1995: Festival de Cannes: Mejor Dirección
1995: Premios del Cine Europeo: premio de la juventud
1995: Premios Cesar: Mejor película y montaje. 10 nominaciones
Críticas
Obtuvo excelentes críticas y un gran éxito de público en Francia, coronado con 3 premios César de la academia francesa -incluyendo el de mejor película del año- que la confirmaron como una cinta clave del cine francés de los noventa.
«El final de la película es más o menos predecible e inevitable, pero es igualmente efectivo. La película no se trata del final. No se trata del aterrizaje, sino de la caída
EL OFICIAL Y EL ESPIA
Género
Drama. Intriga | Biográfico. Histórico. Siglo XIX. Ejército. Años 1900 (circa)
Sinopsis
En 1894, el capitán francés Alfred Dreyfus, un joven oficial judío, es acusado de traición por espiar para Alemania y condenado a cadena perpetua en la Isla del Diablo, en la Guayana Francesa. Entre los testigos que hicieron posible esta humillación se encuentra el coronel Georges Picquart, encargado de liderar la unidad de contrainteligencia que descubrió al espía. Pero cuando Picquart se entera de que se siguen pasando secretos militares a los alemanes, se adentrará en un peligroso laberinto de mentiras y corrupción, poniendo en peligro su honor y su vida.
(Roman Polanski, 2019)
CRITICAS
Muchas ganas tenía Polanski de llevar al cine su versión del caso Dreyfus. Si se analizan las circunstancias de todo lo acaecido durante algo más de una década en Francia hasta primeros del siglo XX, no es de extrañar que su director pudiera verse reflejado en muchas situaciones que se nos narra.
Creo que desde “El escritor” (casualmente también escrita en colaboración con Robert Harris) hace casi una década, no veía a Polanski tan en forma, menos mal, porque su autor, a lo largo de su extesa carrera ha sido capaz de darnos grandes películas como de brindarnos productos fallidos.
En esta ocasión poco más podría aportar a lo que en su día, con la misma historia hicieran Yves Boisset con su telefilm “El caso Dreyfus” (1995) o con “Yo acuso” de José Ferrer (1958). Obviando el título otorgado en algunos países como España, que parece sacado de una obra de John Le Carré (me parece más acertado y directo el original “J´Accuse”), la visión de Polanski no es solamente lo que cuenta sino también cómo lo cuenta. Aunque injustamente algunos críticos le han recriminado que este film no se encuentra entre lo mejor de su filmografía, hay que reconocerle que está filmada con pulso y con brío en todo momento. Puede que haya optado por seguir los hechos casi a modo de documental, sin golpes de efecto o dramatismos, pero eso le lleva a una veracidad que en todo momento conecta con el espectador.
Tanto su dirección como su guión son una base fuerte para sustentar este ambicioso proyecto (sobre todo en su presupuesto) que se agradece hoy día, ya que cada vez más escasean las recreaciones históricas. Para ello se ha rodeado de un notable equipo, desde sus medidos efectos especiales para recrear un París “clásico” al sonido, fotografía, sus decorados o al vestuario. No es que haya grandes despliegues, pero sí una justa recreación, muy bien aprovechada.
Su reparto, en su mayoría plagado de hombres, hacen todos una muy buena labor, cada uno muy bien caracterizado. En este sentido, Polanski, maestro de varias artes, ha seleccionado casi a una decena de actores provenientes de la Comédie Française. Porque un buen director que busca a actores de teatro jamás hará con ellos teatro filmado, si no cine. El dúo protagonista sobresale: Louis Garrel como Dreyfus y muy especialmente Jean Dujardin como Picquart, aferrado a su personaje y a su director, dispuesto a ser capaz de cambiar la imagen desenfadada que muchos tenían de él y demostrar que vale para defender un personaje dramático. Reseñar lo que se parece, sobre todo cuando no va uniformado y está de perfil, donde hay planos que nos recuerda mucho a Sean Connery en el film “El primer gran asalto al tren”.
La aportación femenina no está mal, pero se queda muy por debajo del resto de sus compañeros, como Emmanuelle Seigner, aunque se le reserva al menos una buena escena que en la “zona del spoiler” la recordaremos y lo que peor está en su equipo de peluquería, aunque esto se pueda notar poco, afortunadamente y que también el “spoiler” hablaremos de ello
EL PEQUEÑO SALVAJE- EDICION COLECCIONISTA
Género
Drama | Basado en hechos reales. Enseñanza. Siglo XVIII. Infancia
Sinopsis
Película basada en hechos reales acontecidos a finales del siglo XVIII. Narra el proceso de educación de un niño que creció aislado en el bosque sin contacto alguno ni con los hombres ni con la civilización. Una de las películas más celebradas de Truffaut.
(François Truffaut, 1970)
Posición en rankings FA
58 Mejores películas basadas en hechos reales
97 Mejores películas francesas de todos los tiempos
Premios
1970: Seminci: Lábaro de Oro: Mejor película
1970: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor guión
1970: National Society of Film Critics (NSFC): Mejor fotografía. 3 nominaciones