Mostrando 313–336 de 809 resultados
TIPO
- CineCine 736
- SeriesSeries 63
FILTRAR POR GÉNERO
- Acción / aventuras / artes marciales 147
- Animación / Anime 33
- Asiatico 14
- Bélico 58
- Ciencia ficción / SCI FI 34
- CINE MUDO 5
- Clasico 557
- Comedia 170
- Contemporáneo / moderno 5
- Drama 463
- Europeo 118
- Infantil 54
- Musical 66
- Religioso 22
- RomanceRomance 140
- Social / político 85
- Super héroes y comics 4
- Terror 60
- Thriller/ Policíaco 193
- Western 59
FORMATO
IDIOMA
PRODUCTORA
- 20th Century Fox 54
- A contracorriente 1
- ABC 8
- Act III Productions 1
- Akira Committee Company Ltd. 1
- Albina Productions 1
- Alcina 1
- Alex Nalpas 1
- Alfa Cinematografica 1
- Allied Artists 3
- Alta Cinematografica 1
- Amato Film 1
- American International Productions 3
- American Zoetrope 1
- Apjac International 1
- Aquila Cinematografica 1
- Argosy Pictures 4
- Arnold Pressburger Films 1
- Arthur S. Lyons Productions 1
- Aubrey Schenck Productions 1
- Avon Productions 2
- BBC 2
- BBC Film 2
- Belisarius Productions 1
- British Lion Film Corporation 1
- British National Films 1
- C.V. Whitney Pictures 2
- Cambridge Productions Inc 1
- Cardinal Pictures 2
- Carlyle Productions 1
- Castle Rock Entertainment 1
- CBS Productions 1
- Ciné-Alliance 1
- Cineguild 1
- Cinema Center Films 1
- Coldwater 1
- Columbia Pictures 61
- Commonwealth United Entertainment 1
- Continentalcine 1
- Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Alemania-Italia 1
- Coproducción Alemania del Oeste (RFA)-Francia-Italia 2
- Coproducción España-Francia-Italia 2
- Coproducción España-Francia-Italia-Camerún 1
- Coproducción Estados Unidos-Canadá 2
- Coproducción Estados Unidos-Francia 1
- Coproducción Estados Unidos-Italia 1
- Coproducción Estados Unidos-Italia-Alemania-Yugoslavia 1
- Coproducción Francia-Alemania 1
- Coproducción Francia-España-Suiza 1
- Coproducción Francia-Italia 14
- Coproducción Francia-Reino Unido 1
- Coproducción Italia-Alemania 1
- Coproducción Italia-Alemania-Francia 1
- Coproducción Italia-España-Alemania 1
- Coproducción Italia-España-Alemania del Oeste (RFA) 1
- Coproducción Italia-Francia 6
- Coproducción Italia-Francia-Alemania-Hungría 1
- Coproducción Italia-Reino Unido 1
- Coproducción Japón-Francia 1
- Coproducción Marruecos-Estados Unidos-Italia-Francia 1
- Coproducción Mexico USA 2
- Coproducción México-España 1
- Coproducción Reino Unido-Estados Unidos 1
- Coproducción Reino Unido-Francia 1
- Coproducción Reino Unido-Italia 1
- Coproducción Suecia-Alemania del Oeste (RFA 1
- Coproducción Suiza-Alemania del Oeste (RFA)-España 1
- Curtis Enterprises 2
- Daiichi Eiga 1
- David O. Selznick 2
- De Grunwald Productions 1
- Decla Film 1
- Desilu Productions 1
- Deutsche Vereins-Film 3
- Diana Production Company 1
- Dino de Laurentiis Cinematographica, 1
- DisneyToon Studios 1
- Divisa HV 1
- Ealing Studios 1
- Edward Small Productions 1
- El Silencio Producciones S.A 1
- Embassy Films 1
- Enterprise 2
- Feature Productions 1
- First National Pictures 1
- Fox Film Corporation 2
- Frank Capra Productions 2
- Fuji TV 2
- Galatea Film 1
- Gaumont 1
- Gladiator Film 1
- Glen A. Larson Productions 1
- Goskino 1
- Government of West Bengal 1
- Grovas-Oro Films 1
- Grub Street Productions 2
- Grupo Kadr 1
- Hammer Productions 7
- HandMade Films 1
- HarBel Productions 1
- HBO 2
- Hemdale 1
- Howco International Pictures 1
- Image Ten 2
- International Pictures 1
- ITC 1
- ITC Entertainment 1
- Jaguar Productions 1
- Kamera Film Unit 2
- Les Films du Carrosse 1
- Liberty Films Inc. 1
- Llamentol, S.L. 3
- Loew-Hakim 1
- Lolafilms 1
- London Films 3
- Lord Grade 1
- Lorimar Television 1
- Luc Besson Production 1
- Luther Davis Productions 1
- Lux Film 1
- Malpaso Productions 1
- Mervyn LeRoy 4
- MGMMGM 88
- Michael Todd Company 1
- Mosfilm 1
- Nero Film 2
- Nikkatsu 2
- Ninjin Club 1
- Nippon Animation 1
- Orex Films 1
- Orion Pictures 3
- Otto Preminger 1
- Pajemer Productions 1
- Palladium Films 1
- ParamountParamount 33
- Paramount Pictures 18
- Paramount Television 1
- Paris-Films Productions 1
- Pathé Consortium Cinéma (P.A.C.) 1
- Personafilm GmbH Munich 2
- Philip A. Waxman Productions Inc 1
- Ponti-De Laurentiis Cinematografica 1
- Productions Sigma 1
- Produzioni De Sica (PDS) 1
- Projektions-AG Union (PAGU) 1
- Quinn Martin 3
- Renaissance Pictures 3
- Republic Pictures 2
- Rialto Pictures 1
- RKO 3
- RKO Radio Pictures 22
- Robert Goldstein Productions. 1
- Robert Halmi 1
- Robert Wise Productions 1
- Roberts Pictures Inc 1
- RTVE 6
- Saga Productions Inc 1
- Sam Spiegel 1
- Samuel Goldwyn Company 1
- Screen Gems Television 3
- Selznick International Pictures 6
- Seven Arts Pictures 1
- Shochiku 1
- Silver Films 1
- Société Générale Des Films, Société Westi 1
- Spitfire Productions 1
- Stanley Kramer Productions 5
- Starz Productions 2
- Stephen J. Cannell 2
- suevia films 1
- Svensk Filmindustri (SF) 5
- Thames Television 5
- The Caddo Company 1
- The Cannon Group Inc 1
- The Filmakers 1
- The Mirisch Corporation 5
- Theodora Productions 1
- TMS Entertainment 1
- Toei Animation 1
- Toho 4
- Trianon Productions 1
- Trionfalcine 1
- TriStar Pictures 2
- U.F.A 3
- UK Film Council 1
- Ultramar Films 1
- United Artists 40
- United Productions of America (UPA) 1
- Universal International Pictures 9
- Universal Pictures 62
- Universal Pictures Television 2
- Universal Television 4
- Vanguard Productions 1
- Walt Disney Pictures 1
- Walt Disney Productions 3
- Warner Bros 89
- William Castle Productions 1
- Zoetrope Studios 3
AÑO LANZAMIENTO
Director
- Aaron Norris 2
- Abe Levitow 1
- Abel Gance 1
- Akira Kurosawa 4
- Akira Toriyama 1
- Alan J. Pakula 2
- Alan Metter 1
- Albert S. Rogell 1
- Aldo Fabrizi 1
- Alessandro Blasetti 1
- Alexander Hall 1
- Alexander Korda 1
- Alfred Hitchcock 22
- Anatole Litvak 1
- André De Toth 2
- Andrzej Wajda 1
- Anthony Asquith 1
- Anthony Mann 3
- Anthony Page 1
- Anthony Yerkovich 4
- Archie Mayo 2
- Arthur Lubin 2
- ARTHUR PENN 1
- Barbra Streisand 1
- Basil Dean 1
- Bernard McEveety 1
- Billy Wilder 11
- Blake Edwards 3
- Boaz Davidson 1
- Bob Clark 1
- Bob Fosse 1
- Brian De Palma 2
- Budd Boetticher 1
- Buzz Kulik 1
- CARL THEODOR DREYER 3
- Carlo Lizzani 1
- Carol Reed 6
- Cecil B. DeMille 6
- Charles Barton 1
- Charles Chaplin 1
- Charles Laughton 2
- Charles Vidor 3
- Charles Walters 1
- Clarence Brown 3
- Claude Autant-Lara 2
- Claude Chabrol 1
- Clint Eastwood 3
- Clyde Geronimi 1
- Cruz Delgado 1
- Curtis Bernhardt 2
- Dan O'Bannon 1
- Daniel Mann 2
- David Butler 1
- David Greene 1
- David Hand 1
- David Lean 5
- David Lee 2
- David Miller 1
- David Swift 1
- Delbert Mann 3
- Delmer Daves 3
- Desmond Davis 1
- Dick Richards 1
- Dino Risi 1
- Don Siegel 4
- Don Taylor 1
- Donald P. Bellisario 1
- Douglas Sirk 8
- Ed Spielman 1
- Edgar G. Ulmer 1
- Edmund Goulding 1
- Edward Buzzell 1
- Edward Dmytryk 7
- Edward Ludwig 1
- Elia Kazan 3
- Elliot Silverstein 1
- Elliott Nugent 1
- Erich von Stroheim 1
- Ernst Lubitsch 5
- Federico Fellini 3
- Felix E. Feist 1
- Fernando Fernán Gómez 1
- Francis Ford Coppola 1
- Franco Zeffirelli 2
- François Truffaut 1
- Frank Borzage 3
- Frank Capra 4
- Frank Lloyd 2
- Franklin J. Schaffner 3
- Fred M. Wilcox 1
- Fred Niblo 1
- Fred Zinnemann 3
- Freddie Francis 2
- Frederick de Cordova 1
- Fritz Lang 7
- Gene Kelly 4
- Gene Saks 1
- Georg Wilhelm Pabst 2
- George A. Romero 2
- George B. Seitz 1
- George Cukor 8
- George Fitzmaurice 1
- George Marshall 1
- George Roy Hill 1
- George Seaton 1
- George Sidney 1
- George Stevens 7
- George T. Miller 1
- Gilberto Gazcón 2
- Gilles Grangier 1
- Giuseppe Tornatore 2
- Glen A. Larson 1
- Gordon Douglas 4
- Gregory Ratoff 3
- Guy Hamilton 1
- H.C. Potter 1
- H.G. Clouzot 1
- Henri Colpi 1
- Henry Cornelius 1
- Henry Hathaway 3
- Henry King 3
- Henry Koster 2
- Henry Levin 1
- Herbert Ross 1
- Herbert Wilcox 1
- Hermanas Wachowski 1
- HOWARD HAWKS 11
- Howard Hughes 1
- Howard W. Koch 1
- Hugo Fregonese 1
- Ingmar Bergman 6
- Irwin Allen 1
- Isao Takahata 2
- J. Lee Thompson 4
- Jack Arnold 3
- Jack Clayton 1
- Jack Conway 3
- Jack Cummings 1
- Jack Smight 1
- Jacques Becker 2
- Jacques Deray 1
- Jacques R. Marquette 1
- Jacques Tourneur 4
- James Fargo 1
- James V. Kern 1
- James Whale 1
- Jean Girault 1
- Jean Negulesco 6
- Jean Renoir 1
- Jean-Jacques Annaud 2
- Jean-Luc Godard 2
- Jean-Pierre Melville 3
- Jerry Lewis 2
- Jerry London 1
- Jesús Franco 1
- Jim Sharman 1
- Jimmy Sangster 1
- Joe Francis 1
- John Baxter 1
- John Berry 1
- John Boorman 3
- John Cromwell 4
- John Davies 1
- John Farrow 1
- John Ford 20
- John Frankenheimer 1
- John H. Auer 1
- John Huston 7
- John Landis 1
- John M. Stahl 3
- John Mackenzie 1
- John Madden 1
- John Rich 1
- John Sturges 3
- Jon M. Chu 8
- José Luis García Sánchez 1
- José Luis Tafur 1
- Josef von Sternberg 4
- Joseph H. Lewis 1
- Joseph L. Mankiewicz 5
- Joseph Losey 1
- Joseph M. Newman 2
- Joseph Santley 1
- Joseph Sargent 1
- Joshua Logan 2
- Juan Antonio Bardem 1
- Juan Bustillo Oro 1
- Jules Dassin 2
- Julien Duvivier 1
- Karel Reisz 1
- Katsuhiro Otomo 1
- Katt Shea 1
- Ken Hughes 1
- Kenji Mizoguchi 1
- Kenneth Branagh 2
- Kenneth Johnson 1
- King Vidor 3
- Kon Ichikawa 2
- Kurt Neumann 2
- Ladislao Vajda 1
- Lambert Hillyer 1
- Larry Cohen 3
- Leo McCarey 1
- Leslie Charteris 1
- Lewis Allen 1
- Lewis Milestone 1
- Lothar Mendes 1
- Louis Malle 1
- Luc Besson 1
- Luchino Visconti 2
- Luis Buñuel 2
- Marcel Carné 3
- Mario Bava 1
- Mario Monicelli 1
- Mark Robson 2
- Mark Rydell 1
- Mark Sandrich 1
- Martin Ritt 1
- Martin Scorsese 2
- Masaki Kobayashi 1
- Max Ophüls 3
- Mel Stuart 1
- Melvin Frank 1
- Mervyn LeRoy 4
- Michael Anderson 1
- Michael Caton-Jones 1
- Michael Curtiz 10
- Michael Gordon 2
- Michael J. Di Gaetano 1
- Michael Radford 1
- Michael Winner 1
- Michelangelo Antonioni 1
- Mike Nichols 3
- Milos Forman 2
- Milton Katselas 1
- Mitchell Leisen 5
- Moira Armstrong 1
- Narciso Ibáñez Serrador 1
- Nicholas Ray 2
- Norman Foster 1
- NORMAN JEWISON 3
- Norman Taurog 3
- Norman Z. McLeod 1
- Nunnally Johnson 1
- Olle Hellbom 1
- Orson Welles 6
- Otto Brower 1
- Otto Preminger 3
- Paul Leni 1
- Paul Schrader 2
- Pedro Amalio López 1
- Peggy Holmes 1
- Peter Frazer-Jones 5
- Peter Godfrey 2
- Peter S. Fischer 1
- Peter Yates 2
- Pier Paolo Pasolini 2
- Pietro Germi 1
- Preston Sturges 2
- RAFAEL GIL 1
- Rafael Moreno Alba 1
- Rainer Werner Fassbinder 1
- Ralph Levy 1
- Ralph Nelson 2
- Ranald MacDougall 1
- Raoul Walsh 9
- Ray Milland 1
- Ray Nazarro 1
- René Cardona 1
- René Clair 1
- René Clément 2
- Richard Boleslawski 1
- Richard Brooks 5
- Richard Donner 2
- Richard Fleischer 1
- Richard Lester 1
- Richard Levinson 8
- Richard Quine 1
- Richard Thorpe 2
- Richard Wallace 1
- Ridley Scott 2
- Rob Reiner 1
- Robert Aldrich 1
- Robert Florey 1
- Robert Lieberman 1
- Robert Markowitz 1
- Robert Montgomery 1
- Robert Mulligan 1
- Robert Rossen 2
- Robert Siodmak 3
- Robert Stevens 1
- Robert Wiene 1
- Robert Wise 6
- Robert Z. Leonard 2
- Robert Zemeckis 1
- Roberto Rossellini 3
- Roger Corman 2
- Roman Polanski 2
- Ronald Neame 2
- Rouben Mamoulian 1
- Roy Huggins 1
- Roy Rowland 2
- Roy Ward Baker 1
- Rupert Julian, Erich von Stroheim 1
- S. Sylvan Simon 1
- Sam Peckinpah 1
- Sam Raimi 3
- Sam Wood 5
- Satyajit Ray 1
- Serge Korber 1
- Sergei Bondarchuk 1
- Sergei M. Eisenstein 1
- Sergio Corbucci 1
- Sergio Leone 2
- Seth Holt 1
- Sid Marcus 1
- Sidney Lumet 4
- Stanley Donen 2
- STANLEY KUBRICK 3
- Stephen J. Cannell 2
- Steven S. DeKnight 2
- Steven SpielbergSteven Spielberg 7
- Stuart Burge 1
- Stuart Heisler 1
- Stuart Rosenberg 2
- Sydney Pollack 1
- Sylvester Stallone 1
- Tay Garnett 1
- Ted Post 1
- Terence Fisher 2
- Terry Jones, Terry Gilliam 1
- Tod Browning 3
- Todd Haynes 1
- Tomoharu Katsumata 1
- Val Guest 1
- Valentine Davies 1
- VARIOS 2
- varios directores 1
- Victor Fleming 10
- Victor Heerman 1
- Victor Sjöström 1
- Vincent Sherman 1
- Vincente Minnelli 9
- Vittorio De Sica 3
- Wallace Worsley 1
- Walter Bernstein 1
- Walter Grauman 1
- Walter Hill 1
- Walter Lang 3
- Walter Ruttmann 3
- William A. Seiter 2
- William A. Wellman 6
- William Beaudine 3
- William Castle 1
- William Dieterle 1
- William Friedkin 1
- William Keighley 2
- William Wyler 13
- Wim Wenders 1
- Wojciech Has 2
- Wolfgang Petersen 1
- Wolfgang Reitherman 1
- Yasujirō Ozu 1
Price
CATEGORÍAS
- Accessories 3
- GÉNERO 3118
- Acción / aventuras / artes marciales 1028
- Animación / Anime 123
- Asiatico 109
- Bélico 190
- Ciencia ficción / SCI FI 333
- Clasico 809
- Comedia 640
- Contemporáneo / moderno 127
- Documental 24
- Drama 1610
- Erótico / adultos 23
- Europeo 701
- Infantil 174
- Musical 144
- Religioso 69
- Romance 418
- Social / político 552
- Super héroes y comics 74
- Terror 474
- Thriller/ Policíaco 1069
- Western 149
- IMPORTACIÓN 71
- NOVEDADES 667
- PREVENTA 106
Clasico
EL ULTIMO AMERICANO VIRGEN
Género
Comedia. Drama | Adolescencia. Comedia juvenil. Remake
Sinopsis
Rick es el «Adonis» de los sueños de cada chica, y él lo sabe. David es el alegre de la escuela superior, que es importante sólo porque dispone de dinero. Gary es el típico adolescente al borde de la virginidad, es nuestro americano virgen. Caren es la joya del colegio y, naturalmente, es perseguida por toda la población infantil. Gary tiene un empleo que ejerce después del colegio repartiendo pizzas. Enamorado de Caren desde la primera vez que la vio, Gary trata de conseguirla, pero ella lo rechaza alegando que tiene “otros planes”, que resultan ser su mejor amigo; Rick. En un intento de apartar a Rick de Caren, Gary organiza una excursión a casa de Carmela, una explosiva mexicana que recibe con alegría a Rick, Gary y David.
(Boaz Davidson, 1982)
CRITICAS
«El último americano virgen» es una de las joyas en cierto modo olvidadas del cine adolescente de los 80’s. Se la podría considerar como una de las comedias más duras de la historia o simplemente como una de las películas en las que mejor se retrató la vorágine de sensaciones que el ser humano experimenta en esa etapa de la vida que conocemos como adolescencia.
Y es que este remake norteamericano de la mítica película israelí «Polo de limón» es uno de los máximos exponentes del género y cuenta con uno de los finales (respetando y sin cambiar el de la película original de finales de los 70’s en que se basa) más impactantes (teniendo en cuenta que se trata de una película yanqui), duros y contundentes del cine teen de los 80’s.
La película nos llegó de la mano de la mítica productora Cannon; uno de los valores seguros para el público joven durante la década de los 80’s que nos brindó clásicos tan dispares como: «Desaparecido en combate», «Breakdance», «Barfly» o «El tren del infierno». En la película se nos da todo lo que se espera de una comedia juvenil burra: comicidad, destape y pasiones a flor de piel; nada que cualquier persona con un mínimo de sangre en las venas no haya vivido en esa etapa de su vida.
Pero, al igual que en la vida real, y a diferencia de en la mayoría de películas de este género estrenadas en la época, la película consigue conjugar esa comicidad y desenfreno con el drama. La adolescencia es una etapa de hormonas descontroladas y de liarla con los colegas, pero también es una etapa de descubrimiento y decepciones en la vida, y esta película trata de todo ello.
Sin duda una obra de culto dentro del género. Mención aparte merece la banda sonora con famosas canciones a cargo de grupos como: The Police, REO Speedwagon, Devo o Journey.
EL ULTIMO GANGSTER
Género
Cine negro. Drama | Crimen. Mafia. Drama carcelario. Años 20. Años 30
Sinopsis
Tras diez años en la cárcel, un antiguo capo de la mafia (Edward G. Robinson) queda en libertad, pero le resulta muy difícil adaptarse a los nuevos y cambiantes años 30.
(Edward Ludwig, 1937)
CRITICAS
Magnífico thriller clásico dirigido por el poco conocido realizador Edward Ludwig donde los claros ecos de la vertiente del cine negro –y de la literatura– “crook story” (historia narrada desde el punto de vista de los delincuentes), del drama carcelario y del melodrama se aglutinan de forma admirable.
Con un ritmo ajustado y una modélica continuidad interna durante todo su metraje (salvando una elipsis temporal en un secuestro que, en mi opinión, debería haberse presenciado), el film nos va diseccionando la personalidad de un gánster –impresionante Edward G. Robinson–, desde su presuntuosa y visionaria forma de entender la vida, pasando por la obsesiva inclinación en perpetuar esa forma suya de vivir en la figura del hijo que ha nacido y que apenas conoce, hasta su reaparición, en un mundo que ha evolucionado y que ya le es ajeno, como un hombre triste, envejecido y derrotado, solo redimido, en su final, por el amor a ese hijo ya casi adolescente, el único ser que verdaderamente sabe que ama desinteresadamente y al que no puede ni ha podido disfrutar.
El film posee, en muchos aspectos, una evidente estética expresionista, predominado los espacios cerrados o nocturnos, y donde la violencia –explícita y brutal– en unas ocasiones, y el miedo en otras, determina el comportamiento de todos los personajes, muy bien interpretados –aparte del portentoso Edward G. Robinson– por un joven James Stewart y por una atractiva Rose Stradner entre otros actores de lujo como John Carradine y Lionel Stander.
La lección actoral de un fenómeno llamado E. G. Robinson y de la lección cinematográfica del sorprendente Edward Ludwig. ¡Qué peliculón! «El último gángster». Una obra maestra. Sí, la culpa es de esos dos tipos. Me han agarrado del cuello y me han introducido de lleno en su fascinante mundo de blanco y negro. Y no me han soltado hasta la última secuencia. Tirado en el asfalto estoy, empapado de la cabeza a los pies, con la boca y la mente muy abiertas. Ha sido todo tan rápido.
«El último gángster» (no podía ser otro que E. G. Robinson) seguía en la cima a pesar de sus sucias maniobras, de sus odiosos crímenes, de su fatuidad. Pero resulta que lo bajan a patadas. Lo meten en la cárcel, lo abandonan, lo pisotean, se ríen de él. Sale de la cárcel con sed de venganza pero aún va a tener que sufrir lo suyo.
Es el penúltimo giro de la fantástica trama. La penúltima dificultad para E. G. Robinson. ¡Ánimo E. G. un registro más!. Y E. G. lo consigue. Y la película es magnífica y Edward Ludwig la dirige de manera magistral.
Cuando me he secado y estoy apurando mi café frente a la chimenea, me viene fresca a la memoria, la maravillosa secuencia en la que Edward G. Robinson le habla a su pequeño recién nacido a través de la mampara de cristal. Con cuatro gestos y cuatro muecas deja claro a quien ama y a quien no.
Puro cine.
EL ULTIMO HOMICIDIO
Género
Thriller. Drama | Crimen. Robos & Atracos
Sinopsis
Relata la tragedia de un joven delincuente que, tras conseguir rehacer su vida con su familia, se ve envuelto, muy a su pesar, en un aparatoso atraco
(Ralph Nelson, 1965)
CRITICAS
Interesante película que recuerda ligeramente la atmósfera viciada que Losey. Una opresión permanente, un escenario claustrofóbico, una trama circular, viciosa, fúnebre, que estimula las pasiones más bajas del ser humano.
Una buena película de cine negra de un autor del que sólo había visto La conspiración (1975) y no me pareció especialmente buena. Esta es mejor, sin duda. Buen guión y un blanco y negro clásico que ayuda al desarrollo de la trama. La música de Lalo Schifrin en su epopeya de los años setenta. A veces muy intrusión, pero no es este el caso.
Alain Delon es el protagonista, en el cenit de su carrera. Guapo, sereno, maduro y todavía no demasiado castigado por la vida. La chica es Ann-Margret muy conocida por haber intervenido, ese mismo año, en El Rey del Juego. El policía maníaco es Van Heflin, tan sólido como siempre. Y el hermano es Jack Palance, en uno de esos papeles de malos hechos para ti.
EL ULTIMO MOHICANO
Género
Aventuras | Siglo XVIII. América colonial
Grupos
Adaptaciones de James Fenimore Cooper
Sinopsis
Adaptación del clásico de James Fenimore Cooper
(George B. Seitz, 1936)
CRITICAS
Estamos ante una de las primeras adaptaciones cinematográficas de la novela homónima de James Fenimore Cooper, dirigida por George B. Seitz. Guion de Phlip Dunne y John Alderston, que alteran elementos del relato original.
La historia se sitúa en el siglo XVIII durante la Guerra Franco-Indígena, y sigue las aventuras de Natty Bumppo (Scott), también conocido como Ojo de Halcón, un cazador blanco criado por los nativos americanos, su amigo el último mohicano, Chingachgook (Barrat), y su hijo Uncas (Reed). Juntos, intentan proteger a las hijas del coronel Munro, Cora (Barnes) y Alice (Angel), de los peligros que enfrentan en el territorio salvaje.
Es un filme sobre la probidad, la supervivencia, la guerra y el heroísmo. La relación entre Ojo de Halcón y los mohicanos es central en la cinta, destaca el respeto entre diferentes culturas.
La fotografía en blanco y negro de Robert H. Planck captura la belleza y la peligrosidad del paisaje americano, con escenarios naturales auténticos. Las escenas de acción son resultonas, efectivas y distraen.
Está muy bien Randolph Scott como Ojo de Halcón, personaje carismático. Binnie Barnes y Heather Angel están convincentes como las hijas del coronel Munro. Robert Barrat y Philip Reed muy lucidos en sus papeles como Chingachgook y Uncas, respectivamente.
Esta cinta tiene enorme mérito por su intento temprano de llevar la novela de Cooper a la pantalla grande. Tiene para mí un grato recuerdo infantil y aunque, como decía, no es completamente fiel a la obra original, sus desviaciones se toleran y se aprecia el savoir-faire del trabajo de Randolph Scott, sobre todo.
Una película que, obviando ciertas limitaciones, nos brinda un rato de entretenimiento y emociones en aquel lejano oeste.
EL UNICO JUEGO EN LA CIUDAD
Género
Comedia. Drama. Romance | Juego
Sinopsis
Fran es una corista de Las Vegas que mantiene un romance con Thomas, un hombre casado. Un día, Fran conoce a Joe, un pianista que pretende ganar dinero en el casino y progresar en su carrera musical. Tras entablar amistad, ambos deciden compartir piso, dejando bien claro que entre los dos no puede ocurrir nada. Finalmente, el roce hace el cariño y los dos acaban enamorándose.
(George Stevens, 1970)
CRITICAS
Mítico director de películas imprescindibles para un gran aficionado al cine, incluso para un aficionado normal, no excesivamente cinéfilo. Pero no la tenía catalogada como obra de Stevens. No creo que fuese bien recibida por el público y la crítica.
Amor adulto de seres solitarios, no necesariamente perdedores pero que se les va escapando la vida entre los dedos. Se hacen adultos, mayores, y sus sueños no se han cumplido, ni en lo profesional ni en lo personal -afectivo, emocional-, y no saben cómo poner remedio a ello. La vida les lleva pero no controlan las riendas; es un caballo desbocado y no saben cómo pararlo.
La propuesta es interesante, muy de la época, pero le falta el punch de otras de aquella época.
La temática evoluciona hacia el juego vicioso de él, fanático de los dados. Ella parece ser una de las múltiples chicas que pululan por Las Vegas buscando no se sabe qué… Un amor, una oportunidad, su momento…
Desde el principio se vislumbra que su relación -su vida, su amor- va a ser un auténtico fracaso. No tienen la más mínima oportunidad. Es la crónica de un fracaso.
EL VIAJE A NINGUNA PARTE
Género
Drama. Comedia | Comedia dramática. Años 40. Teatro. Posguerra española. Franquismo. Cine dentro del cine
Sinopsis
Franquismo, años cuarenta. En una compañía de cómicos de la legua medio emparentados entre sí, aunque no recuerdan con precisión cuál es su parentesco, surgen amores y desamores. Hay separaciones dolorosas y encuentros felices; el trabajo se entremezcla con el amor, los problemas económicos con los familiares, y el hambre con el sueño de alcanzar el triunfo.
(Fernando Fernán Gómez, 1986)
CRITICAS
La filmografía española es pródiga en películas que transcurren entre el golpe de estado de Franco y la posguerra española. La mayoría de ellas son mediocres o, todo lo más, llevaderas pero, aún así, también las hay buenas. Algunas, incluso, excelentes. “El viaje a ninguna parte” pertenece, sin lugar a dudas, a esta última especie.
La considero excelente porque no abundan en el panorama cinematográfico estatal demasiadas pelis tan bien dirigidas, tan bien narradas y tan bien interpretadas. Pero no sólo eso. El gran logro de Fernán-Gómez estriba, fundamentalmente, en haber sabido transferir el espíritu de su novela a la gran pantalla. Un sentido homenaje, literario y cinematográfico, a esa farándula mesetaria que, desgraciadamente, terminaría desapareciendo ante la implacable dictadura del fútbol y el cine. Me gustaría subrayar, por otro lado, la contundencia lírica y simbólica del título: “El viaje a ninguna parte”. Igual os parece una chorrada pero…¡Menudo título! Me encanta, en serio. Es poético, melancólico, desolador… No es nadie este Fernán-Gómez: actor, director, guionista, dramaturgo… Nuestro Orson Welles, dicen. Yo lo veo más bien como un humanista del cinquecento. Como un Leonardo da Vinci perpetuamente encabronado. Pero bueno, esa es una impresión subjetiva. Sin más.
Bajo el punto de vista del recuerdo, y no precisamente de la nostalgia, se cuenta este deambular de una serie de gente que iba de pueblo en pueblo, de tasca en tasca, y de batacazo tras batacazo, a leer unos textos con el mayor cariño del mundo, y con un hambre matadora.
Es una auténtica oda dedicada a un oficio jodido: el de actor. Narra la búsqueda de apaciguar el hambre con lo único que saben hacer y lo que han hecho siempre, que es actuar, ya sea bien o mal. Porque aspirar a la gloria es un chiste de mal gusto. Son los últimos eslabones de una cadena que se acerca a su fin, a la definitiva derrota. Al que las películas, los nuevos tiempos, la indiferencia del público, o vete tú a saber qué, han tocado de muerte.
Es una película en la que reina el sentimiento, y un retrato de la amargura formidable, pero muy disperso e irregular, tanto, como la carrera de un actor. Las interpretaciones de Fernando Fernán-Gómez, José Sacristán, Juan Diego y Agustín González son descomunales, sobre todo la del primero. Qué decir de ese señor, ese gran actor, esa presencia delante y detrás de una cámara, ese talento para conversar, bueno, y seguramente para lo que le diese la gana.
Esta película es una muestra de ese inmenso talento, sin ir más lejos una de las escenas más grandes del film es en la que le dan un papel de extra a Fernando, tan desternillante como amarga.
El viento (Victor Sjöström, 1928)
Género
Drama. Romance. Western | Melodrama. Cine mudo
Sinopsis
Letty (Lillian Gish), una inocente joven de Virginia, se traslada desde el Este a las praderas de Texas, donde parece que el viento nunca deja de soplar y la arena llega a todas partes. Allí vive con unos parientes, pero, como no se siente querida, se verá abocada a un matrimonio que no desea.
Magistralmente, el viento ejerce como elemento espacial antagonista para la protagonista; pero que, a su vez, se verá enriquecido a nivel literario por un arco de transformación que acompañará a Letty en el desarrollo de su adaptación al medio y superación de sus conflictos.
(Victor Sjöström, 1928)
Películas y cine para coleccionistas colección DVD
Posición en rankings FA
6 Mejores western de la historia del cine
11 Mejores películas románticas de la historia del cine
12 Mejores obras de cine mudo de la historia
EL YANT-SE EN LLAMAS
Género
Aventuras. Drama. Bélico | Años 20
Sinopsis
China, 1926. Un barco de la marina americana que patrulla el río Yang Tse, se ve envuelto en el conflicto armado entre nacionalistas y comunistas chinos. El maquinista (McQueen), atento a su trabajo, procura no tomar partido, pero los acontecimientos lo obligarán a cambiar de actitud.
(Robert Wise, 1966)
Posición en rankings FA
124 Mejores películas de guerra/cine bélico
Premios
1966: 8 nom. al Oscar, incluyendo película, actor (McQueen), actor sec. (Mako)
1966: Globos de Oro: Mejor actor de reparto (Attenborough). 8 nominaciones
1966: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director
CRITICAS
Esta es claramente una película infravalorada, por lo poco conocida que es, en comparación con otras películas muy inferiores.
El motivo por el que una película tan extraordinaria no recibe la consideración que merece se debe paradógicamente a su mayor virtud: es una película con muy pocas concesiones a lo que en general nos gusta ver en las películas. A todos parece encantarnos ver estrellas de cine en las películas y esta película tiene pocas: una, McQueen, que está perfecto.
Nos gusta ver acción y esta película pone la justa y necesaria para el argumento. Aceptamos los dramas pero sin perder la esperanza y esta película está cargada de un profundo pesimismo sobre el comportamiento de los seres humanos. También nos gusta ver heroes y esta película no los tiene, los protagonistas son marinos desarraigados en el barco más cochambroso de la armada americana.
Nos gusta poder tomar partido, distinguir más o menos bien, entre buenos y malos y aquí no podemos porque los que tienen razón se comportan brutalmente y los que no la tienen, tienen un armamento tan pobre que no aspiran más que a salvar un puñado de vidas.
En definitiva, esta pelicula hace muy pocas concesiones y no las hace porque lo supedita todo a construir una historia «realista», donde no sucede casi nada más que lo que tiene que suceder, en perfecta coherencia con las circunstancias que rodean al argumento. Por eso es tan buena, por eso es una de las mejores películas de la historia y por eso es también tan injustamente valorada.
EL YANT-SE EN LLAMAS
Género
Aventuras. Drama. Bélico | Años 20
Sinopsis
China, 1926. Un barco de la marina americana que patrulla el río Yang Tse, se ve envuelto en el conflicto armado entre nacionalistas y comunistas chinos. El maquinista (McQueen), atento a su trabajo, procura no tomar partido, pero los acontecimientos lo obligarán a cambiar de actitud.
(Robert Wise, 1966)
Posición en rankings FA
124 Mejores películas de guerra/cine bélico
Premios
1966: 8 nom. al Oscar, incluyendo película, actor (McQueen), actor sec. (Mako)
1966: Globos de Oro: Mejor actor de reparto (Attenborough). 8 nominaciones
1966: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director
CRITICAS
Esta es claramente una película infravalorada, por lo poco conocida que es, en comparación con otras películas muy inferiores.
El motivo por el que una película tan extraordinaria no recibe la consideración que merece se debe paradógicamente a su mayor virtud: es una película con muy pocas concesiones a lo que en general nos gusta ver en las películas. A todos parece encantarnos ver estrellas de cine en las películas y esta película tiene pocas: una, McQueen, que está perfecto.
Nos gusta ver acción y esta película pone la justa y necesaria para el argumento. Aceptamos los dramas pero sin perder la esperanza y esta película está cargada de un profundo pesimismo sobre el comportamiento de los seres humanos. También nos gusta ver heroes y esta película no los tiene, los protagonistas son marinos desarraigados en el barco más cochambroso de la armada americana.
Nos gusta poder tomar partido, distinguir más o menos bien, entre buenos y malos y aquí no podemos porque los que tienen razón se comportan brutalmente y los que no la tienen, tienen un armamento tan pobre que no aspiran más que a salvar un puñado de vidas.
En definitiva, esta pelicula hace muy pocas concesiones y no las hace porque lo supedita todo a construir una historia «realista», donde no sucede casi nada más que lo que tiene que suceder, en perfecta coherencia con las circunstancias que rodean al argumento. Por eso es tan buena, por eso es una de las mejores películas de la historia y por eso es también tan injustamente valorada.
EN AQUEL VIEJO VERANO
Género
Musical. Comedia. Romance | Remake
Sinopsis
Estados Unidos, principios del siglo XX. Andrew y Veronica se conocen a raíz de un accidente que desencadena entre ellos un odio que aumenta cuando obligan a Andrew a contratar a Veronica como vendedora en la tienda de música de Oberkugen. Lo que ambos ignoran es que mientras discuten y pelean constantemente durante el día, mantienen una relación inocente, romántica y completamente anónima durante la noche, a través del correo.
(Robert Z. Leonard, Buster Keaton, 1949)
Premios
1949: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión musical
EN EL ESTANQUE DORADO
Género
Drama | Familia. Vejez / Madurez. Melodrama
Sinopsis
Ethel y Norman Thayer son un anciano matrimonio que pasa sus vacaciones en un paradisíaco lugar, «el Estanque Dorado», entre los bosques y al lado de un lago. Norman, un hombre muy activo, soporta muy mal las limitaciones de la vejez y la cercanía de la muerte. Inesperadamente, llega de visita Chelsea, la hija de los Thayer, que siempre ha mantenido unas relaciones muy tensas con su padre.
(Mark Rydell, 1981)
Premios
1981: 3 Oscars: Mejor actor (H. Fonda), actriz (Hepburn), guion adaptado. 10 nom.
1981: 3 Globos de Oro, incluyendo mejor película – Drama. 6 nominaciones
1981: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor actor (Henry Fonda)
1981: Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor actor (Fonda)
CRITICAS
Decir que esta película es maravillosa sería quedarse corto. Lo confieso: Me he emocionado con ella, las lágrimas han aflorado a mi rostro tras contemplar una visión tan lúcida y bella de la vejez. Y sin duda alguna el mérito principal es de sus intérpretes. Dos merecidísimos Oscars a dos de los más grandes que ha habido en este oficio. Un precioso homenaje a sus carreras haciendo lo que mejor saben hacer: actuar magistralmente. Henry Fonda me ha recordado a mi abuelo, un hombre que ha sido un cascarrabias toda la vida pero que a pesar de ello ha querido a sus hijos y siempre ha tenido un corazón bondadoso. Katharine Hepburn fue y será la actriz con la mirada más bella que el cine ha dado (Ver Adivina quién viene esta noche y esta película para comprobarlo). Una mujer con una belleza interior desbordante, paciente, comprensiva… Y profundamente enamorada de ese hombre. Una frase preciosa que resume lo que el amor es dice: «Sabes, Norman, eres el hombre más encantador de la tierra. Pero yo soy la única que lo sabe». Pero también hay que destacar la labor de Doug McKeon (el pequeño Billy),
Una lástima que la mayoría tengamos que crecer para comprender lo que los ancianos muchas veces tratan de decirnos, a veces con la mirada, a veces con las palabras. Y para complementar a unas estupendas interpretaciones, Mark Rydell entremezcla con criterio imágenes preciosistas del bello «estanque dorado». Sin duda alguna, me encantaría morir tranquilamente rodeado de tanta belleza. Además, el director consigue no caer en la sensiblería y deja que el guión fluya tranquilamente como las notas que el bello piano (un steiner, quizá) hacer sonar a lo largo de toda la película. Y si por si esto fuera poco, para los recolectores de beldades, sale una Jane Fonda estupenda antes de enfundarse en mallas elásticas y grabar videos de fitness. Una de esas películas que te hace amar el cine. Obra maestra.
EN UNA ISLA TRANQUILA AL SUR
Sinopsis
Ken Jorgerson, su mujer y su hija Molly pasan unas vacaciones en una bella isla, donde él había trabajado veinte años antes como socorrista. Allí, se encuentra con Silvia, una antigua novia, que está casada con un hombre al que no quiere y que tiene un hijo adolescente. La antigua pasión renace de sus cenizas y, al mismo tiempo, los hijos de ambos también se enamoran
Premios
1959: Globos de Oro: Nueva promesa masculina (Troy Donahue)
CRITICAS
He aquí la Sandra Dee real, la verdadera actriz Sandra Dee, en carne y hueso, que veinte años después Olivia Newton-John recordaría a sus amigas, cuando en la película «Grease», interpretaba el personaje de «Sandy», una chica que al ser rubia, buenecita, linda, tímida y poco dada a dejarse manosear por los chicos, era tachada de parecerse a Sandra Dee.»A Summer Place» Nos cuenta la historia de dos adolescentes que se enamoran en unas vacaciones junto al mar y también la de sus progenitores en tanto y en cuanto renacen unos viejos amores entre dos de ellos y otros asuntos que los hacen tener disputas y desacuerdos.
Es una película donde la protagonista por excelencia es la adolescente actriz Sandra Dee, que en esos momentos contaba con 17 años de edad, con una carita de niña buena, limpia, virtuosa, religiosa (le pide a su novio que se adelante, que no la acompañe a casa porque quiere quedarse un rato rezando) y obediente a los dictados de papá y mamá; pero que cuando le sale un novio (interpretado por Troy Donahue, todo un esbelto galán en aquellos años) al que ama y por el que se siente loquita de pasión, como es natural se descontrola amorosamente en alguna medida.
Por supuesto, inolvidable también el melódico y pegadizo tema musical de Max Steiner, que recorre y acompaña el desarrollo amoroso de la película desde principio a fin, y que lleva por título el mismo que el filme en inglés, el citado «A Summer Place». Es cautivador y romántico como pocos, si usted no lo conoce búsquelo en Internet, hay sitios abundantes donde podrá oírlo y maravillarse.
ENCRUCIJADA DE ODIOS
Género
Cine negro. Intriga
Sinopsis
Un hombre aparece muerto en su apartamento, después de haber recibido una paliza mortal. Una amiga suya le confiesa al policía encargado del caso, que, poco antes de su muerte, había visto a la víctima en compañía de tres soldados, bebiendo en un bar. Precisamente la documentación de uno de ellos había aparecido junto al cadáver. El caso se presenta sumamente denso y turbio.
(Edward Dmytryk, 1947)
CRITICAS
Una de las películas más premiadas (Oscar a la mejor película, al mejor director y a la mejor actriz de reparto) fue La Barrera invisible de Elia Kazan con premio para Celeste Holm, cuyo tema de fondo era el antisemitismo. Bien, su principal rival (optó al Oscar en las mismas categorías y además en guión adaptado y al mejor actor de reparto, Robert Ryan) fue precisamente Encrucijada de Odios con idéntica temática del antisemitismo.
Aunque hay que decir que en la novela original no se plantea un tema racista sino de condiciones sexuales pues el asesinado es homosexual. Complicado lo tenía Dmytryk con estos “planteamientos” para eludir la caza de brujas macartiana (permítanme la palabrita). Como así fue.
Hechos estos prolegómenos, diré que Crossfire es una película excelente. Que los tres Roberts andan muy finos en sus interpretaciones, Mitchum con su imagen característica de estar un tanto de vuelta de todo, Young como policía cuya responsabilidad vence a su cansancio y Ryan en otro de sus papeles a los que nos tiene acostumbradísimos, de complejidades psicológicas y alteraciones mentales.
Y si a todo ello le sumamos, por una parte a una Gloria Grahame que es un gusto verla (nominada al Oscar) y por otra un combinado de música y fotografía absolutamente magníficas y muy apropiadas a este género de cine negro, pues lo que tenemos es un trabajo interesante y ciertamente convincente.
ENCUENTRO EN EL PACIFICO
Género
Bélico. Drama | II Guerra Mundial
Sinopsis
Tonie Carter ha luchado tenazmente por conseguir ser la mujer piloto más importante del mundo. Una vez conseguido su sueño, el departamento naval estadounidense requiere sus servicios en una misión de máxima importancia.
(Lothar Mendes, 1943)
CRITICAS
Biografía en ficción de la célebre aviadora Amelia Earhart (rebautizada para la ocasión como Tonie Carter). Comienza con un prólogo en la guerra del Pacífico, para hacer luego un flashback hasta su primer vuelo en solitario, en 1932, repasar su romance con el piloto inglés Randy Britton, por aquel entonces, considerado el nº 1 en su entorno, seguir el resto de su carrera y terminar con su famosa desaparición en aguas del Pacífico, se supone,.
En este sentido, la película popularizó la teoría de que la desaparición de Earhart tuvo que ver con un trabajo secreto que estaba realizando para la Marina americana. La película, encuadra en una de tantas y tantas sobre las fuerzas aéreas norteamericanas realizadas en la época, en plena contienda bélica, resulta entretenida.
ENCUENTRO EN LA NOCHE
Género
Drama. Romance | Melodrama
Sinopsis
Mae Doyle (Barbara Stanwyck) vuelve a su pueblo natal, una pequeña población pesquera de Monterrey (California). Allí se hace amiga de una joven (Marilyn Monroe) que trabaja en la fábrica de conservas. También conoce a un amable pescador (Paul Douglas) con el que se casa, aunque poco a poco se sentirá atraída por otro hombre del pueblo (Robert Ryan)
(Fritz Lang, 1952)
CRITICAS
En la encrucijada entre el cine negro y el melodrama se encuentra este film, con unas pinceladas iniciales del género documental; pero poco a poco y a medida que avanzamos en las relaciones pasionales entre los personajes que únicamente buscan salir de la rutina y encontrar la felicidad aunque sea viviendo de espaldas de los convencionalismos, es cuando encontramos los aspectos mas negros de este melodrama
La noche como escenario para dar rienda suelta a las pasiones, el claustrofóbico cuarto donde viven Mae y Jerry, los personajes del padre y el tío como aliciente a cambiar de vida, el cinismo de Earl, la insatisfacción de Mae; y en medio de tanto pesimismo la vitalidad de Peggy como contrapunto
Y un final convencional, pero triste y sin futuro para unos seres que siempre estarán en el dilema entre el deseo y la realidad. No es de extrañar que en su momento se la conoció también con el título «Tempestad de pasiones».
ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE – EDICION 4K UHD
Género
Ciencia ficción. Fantástico. Intriga | Extraterrestres. Película de culto
Sinopsis
Una noche, cerca de su casa, en Indiana, Roy Neary (Richard Dreyfuss) observa en el cielo unos misteriosos objetos voladores. Desde entonces vive tan obsesionado por comprender lo que ha visto que se distancia de su esposa (Teri Garr). Encuentra apoyo en una mujer que también ha sido testigo de los mismos hechos, y juntos intentan encontrar una respuesta al misterio que ha alterado sus vidas. Al mismo tiempo, un nutrido grupo de científicos internacionales comienza a investigar las apariciones de ovnis y otros extraños fenómenos en la zona
(Steven Spielberg, 1977)
CRITICAS
Sin duda alguna una de las películas más enigmáticas en la filmografía del cineasta hebreo de origen norteamericano Steven Spielberg, quien dos años después de su obra maestra por antonomasia, «Tiburón», facturaría esta película como anticipo temático de su obra más carismática y legendaria, «E.T, el Extraterrestre»…
Fue la primera vez que se abordaba el tema de los extraterrestres no como seres amenazantes, malvados y con intenciones invasoras, sino como seres civilizados con los cuales poder mantener una conversación fluída a través de un lenguaje gestual de manos para enseñar música a sordos, que inventara hacia finales del siglo XIX el compositor, etnomusicólogo y filósofo magiar Zoltán Kodály, en colaboración con el ministro congregacionista británico John Curwen…
Además los famosos platillos volantes utilizados en las décadas de los 50 y 60 son sustituidos ahora por naves aeroespaciales de diversas formas y de una luminosidad cegadora, que más bien parece un espectáculo musical en vivo del gurú ochentero de los teclados e hijo del célebre compositor de bandas sonoras Maurice Jarre, Jean Michel…
Trata el tema de la abducción con un ritmo narrativo que recuerda las lecturas de las novelas de Julio Verne, con una maestría y dominio de los medios técnicos que con sólo 28 años que contaba entones el amigo Spielberg deja sin duda estupefacto a cualquier ser, humano o alienígena…
Los efectos especiales a cargo del reputado cineasta, ex-trabajador de la NASA y responsable de los mismos efectos en la paradigmática cinta de ciencia ficción «2001, una odisea del espacio» de Kubrick, Douglas Trumbull…
La fotografía, antes de que Douglas Slocombe se hiciera con el timón ochentero de la filmografía de Spielberg corrió a cargo de Vilmos Zsigmond y la música es todo un ejemplo de la maestría de lo conciso y sencillo… Todo un estandarte de la película a manos del genial, pese a algunas voces, John Williams…quien esta vez deja de lado su habitual artificiosidad y grandilocuente sentido creativo («Star Wars» ó «Superman») para componer una música majestuosa que lleva ya implícito en el subconsciente del oyente al escucharla la visión de naves espaciales con seres abducidos dentro y alienígenas que quieren comunicarnos algo…
Todo un alarde soberbio de un cine, el de este jovencito de 28 años que ya con 26 nos había llamado la atención con un tiburón que sembraba el pánico en las aguas del oceano, que aún estaba por sorprendernos con nuevas vueltas de tuerca que harían las delicias de más de un espectador…
ENSAYO DE BODA
Género
Comedia. Drama | Comedia romántica
Sinopsis
A pesar de que su abuela lo presiona para que elija esposa, Reggie, marqués de Buckminster, se muestra reacio a contraer matrimonio.
(Alexander Korda, 1932)
CRITICAS
Comedia de ambiente aristocrático en el que un empedernido solterón es obligado por su abuela a casarse para no perder su asignación y debe buscar entre las doncellas casaderas de su clase. Sátira de las estúpidas costumbres de la aristocracia británica de entreguerras vagamente inspirada en el ambiente de las novelas de P.G.Wodehouse, resulta un producto demasiado previsible y claramente destinado al disfrute anodino de una clase media ávida de humor en los difíciles años 30.
La presencia de Roland Young y de una jovencísima Merle Oberon impide que la cosa caiga definitivamente en el terreno de la mediocridad más absoluta pero no pasa de ser un producto intrascendente y sin mayor recorrido. Alexander Korda rodaría obras de mucha mayor enjundia en años posteriores.
Eso sí, me gustan mucho las escenas de las rotativas que cantan las noticias y la belleza de las hermanas Wendy Barrie y Joan Gardner, casada esta última con Zoltan Korda, hermano de Alexander y también reconocido director.
Erase una vez en Hollywood 1, 2, 3 (2016)
Descripción
Género
Documental. Musical | Documental sobre cine. Música
Sinopsis
La Metro Goldwyn Mayer celebró su 50º aniversario haciendo una recopilación de sus mejores clásicos musicales y entrevistando a sus protagonistas. Música: Henry Mancini
Segunda parte de «Érase una vez en Hollywood». A diferencia del primer documental, sólo hay dos narradores: Gene Kelly y Fred Astaire. Incluye escenas de comedias y dramas en los que intervienen los hermanos Marx, Laurel y Hardy o Katharine Hepburn.
Tiempo de ejecución: 382 minutos
Fecha de lanzamiento: 29 junio 2016
Subtítulos: Español
Idioma : Inglés (Dolby Digital 2.0), Español (Dolby Digital 2.0)
Las dos primeras en idioma español y la tercera no ya que nunca se estrenó en España.
CRITICAS:
En este documental podemos contemplar secuencias de películas, tanto en blanco y negro como en color, con un recorrido a lo largo de la historia del cine musical y de sus intérpretes, músicos, directores, etc. Es un film muy entretenido y lleno de nostalgia para todos los que vivimos esa gloriosa época o parte de ella.
En las secuencias en blanco y negro que corresponden a los films más antiguos podemos apreciar la majestuosidad con que se concebían estas producciones para darles una calidad artística extraordinaria, que unida a las partituras musicales y sus intérpretes las hicieon famosas.
Tiene el atractivo también este film de estar sucesivamente presentado por grandes artistas de este género que los hicieron famosos, como Fred Astaire, Gene Kelly, etc., pero ya con unos cuantos años más que en esas películas donde triunfaron, y que hoy día ya han desaparecido. Años más tarde, en 1976, esta misma productora realizó una segunda parte de este documental con unas características muy parecidas.
Esa clase de mujer
Género
Comedia. Drama. Romance | Años 40. II Guerra Mundial
Sinopsis
1944. Segunda Guerra Mundial. Un tren lleva a dos mujeres, Kay y Jane, de Miami a Nueva York. Kay es la amante de un tipo poderoso que se hace llamar «El Hombre». Tanto ella como Jane son mujeres de compañía, cuyo trabajo consiste en entretener a un importante general con el que «El Hombre» tiene dudosos negocios. Las circunstancias hacen que cada una de ellas conozca a un hombre con el que congenia, y lo que parecía una fugaz aventura con un soldado de permiso, da paso a sentimientos y emociones más intensas
(Sidney Lumet, 1959)
Criticas
Catherina, la bella muchacha a quien todos conocen como Kay, es otra de aquellas que se ha reducido a sí misma a ser la amante de un industrial muy adinerado a quien todos conocen como “El hombre”, ya que prefiere vivir en el mayor anonimato. Acompañada siempre por su gran amiga Jane, una rubia que se tiene aún en menor estima, en junio de 1944, durante un viaje en tren a Nueva York, las muchachas conocen al sargento Kelly y a su subalterno, el soldado Red… y pronto la atracción es mutua y, sobre todo, Kay, va a verse abocada a elegir entre la comodidad y la felicidad.
Real y muy convincente en su propuesta narrativa, el filme está basado en “Layover en El Paso”, una de las muchas historias cortas que publicara el estadounidense, Robert Lowry, durante la posguerra. Walter Bernstein, se ocupó de un guion que logra un alto significado porque recrea una forma de vida que se repite a diario, y mediante la cual muchos seres humanos amargan sus vidas y las de quienes les rodean.
La historia es muy cálida, los personajes son tratados con el mayor respeto y, entre ellos, aflora una transparencia y una altura absolutamente ejemplares. Alguien, tan sólo, caerá en un momento de desesperanza, pero pronto volverá la calma y la razón se impondrá a los más primarios impulsos.
Iniciativa del productor Carlo Ponti, “ESA CLASE DE MUJER”, se convierte en otra ocasión para lucir a Sophia Loren donde ya había participado en unas cuantas películas y, ésta, junto a “La Llave” es, sin duda, otro de sus mayores logros. Como su partenaire, se eligió al joven, Tab Hunter, el cual tiene a su cargo a un leal amigo, ¿será capaz de demostrar también que puede ser un serio enamorado?
A su lado, Jack Warden es el sargento locuaz con algunos puntos muy a su favor; Barbara Nichols, es Jane, la amiga constante que, quizás, tarde un poco más en encontrarse… y George Sanders es, “El Hombre”, término que consigo ver, sobre todo, como aquella suerte de varón que sabe comportarse con la mayor integridad ante las adversidades.
No dudo en recomendar ampliamente esta película que, el director Sidney Lumet, ha hecho con sumo tacto, porque ofrece una luz que abre la posibilidad de enderezar el camino a todos aquellos que, por falta de compromiso y de fe en sus grandes valores, se han convertido a sí mismos en una muy triste mercancía.
ESCALA EN TOKYO
Género
Drama. Romance | Drama romántico. Aviones
Sinopsis
Dos aviadores, Mike y Al, a quienes une una vieja amistad que data desde la guerra, cuando prestaban servicio militar en la misma escuadrilla aérea, se dedican en la vida civil a menesteres diversos. Mike es piloto civil y Al dirige una escuela de aviación.
(Jack Arnold, 1958)
CRITICAS
Con visos de comedia entretenida y una trama romántica que se cuela de rondón, la película que dirige J. Arnold posee el encanto de las soluciones sencillas y la suavidad de una lisonja pero también exhibe fuerza, solidez y gran dosis de dinamismo narrativo.
Importa tanto el dibujo psicológico de los personajes como los detalles de la acción y en el guión se combinan ambos elementos con tacto para que cada pieza encuentre su lugar.
Por eso, cuando el registro del film pasa al ámbito de lo dramático, también la intriga y el suspense se incorporan sin brusquedad en un contexto de armonía cinematográfica.
La intervención de J. Chandler, de L. Turner y de R. Denning resulta decisiva para el éxito porque todos cumplen a la perfección su cometido.
ESPIRITU DE CONQUISTA
Género
Western
Grupos
Adaptaciones de Zane Grey
Sinopsis
Edward Creighton, ingeniero de la compañía telegráfica Western Union, se encarga de dirigir la instalación de una línea a través de los territorios del Oeste. Ayudado por su hermana Sue, recluta a los trabajadores en los pueblos más cercanos. Pero, como la región es peligrosa y está infestada de indios, la empresa tiene que ofrecer sueldos elevados para contratar al personal
(Fritz Lang, 1941)
CRITICAS
“Espíritu de conquista” es uno de esos westerns relativamente desconocidos que, de vez en cuando, conviene reivindicar. Y no sólo porque lo haya dirigido un grande como Lang ni porque me parezca, en efecto, un western cojonudo. Me apetece reivindicarlo porque “Espíritu de conquista” constituye, ante todo, un magnífico paradigma de aquellos clásicos westerns de antaño que describían a la perfección cómo y de qué manera los incipientes Estados Unidos habían forjado su país a base de mucha ilusión, mucha ambición y —por qué negarlo— mucha salvajada.
Lo mejor de todo, sin embargo, es que siendo “Espíritu de conquista” el típico western clásico de pura cepa también atesora, al mismo tiempo, ciertos detalles que lo alejan de los habituales cánones del género y que son fruto, sin lugar a dudas, del singular e insobornable criterio de Lang. Un cineasta cuyo origen europeo no le impidió aprender a narrar ‘a la americana’ ni, mucho menos, contemplar el western desde una perspectiva mucho más neutral, objetiva, crítica, irónica y hasta cómica.
Siete merecidas estrellitas, pues, para un western que —pese a su incuestionable aliento clásico— rezuma personalidad por los cuatro costados y en el que la presencia de un Randolph Scott algo más joven de lo habitual le confiere a esta peli —que, ojito, parece de Ford pero es de Lang— un aliciente extra muy digno a tener en cuenta. Recomendable.
EVA AL DESNUDO
Género
Drama | Teatro. Película de culto
Sinopsis
La joven Eva (Anne Baxter), que aspira a convertirse en actriz y triunfar en los escenarios, se las ingenia para introducirse en un grupo de actores de teatro y hacerse amiga y confidente de la famosa y veterana actriz Margo Channing (Bette Davis), gran dama de la escena neoyorquina. El deseo de actuar y los celos la consumen hasta el punto de comenzar a traicionar a sus compañeros en su escalada hacia el éxito. Ella halaga, atrae, seduce, pero también pisotea a todo el que se cruza en su camino: escritores, directores, productores. Sólo un inteligente crítico teatral comienza a adivinar lo que se esconde tras su dulce apariencia, sólo él es capaz de ver a «Eva al desnudo».
(Joseph L. Mankiewicz , 1950)
Posición en rankings FA
4 Mejores películas de los años 50
11 Mejores películas de drama
14 Mejores películas estadounidenses de todos los tiempos
16 Mejores películas de la historia del cine
CRITICAS
Hay un fenómeno que se repite una y otra vez en el cine, y supongo que en todos los campos de interpretación, que es que cuando las actrices cumplen los cincuenta de repente desaparecen. No siempre, claro, muchas actrices se mantienen (y digo actrices, porque parece que los actores con esa edad les dan más trabajo que a ellas), pero son las menos
El estrellato, la fama y la gloria se reducen a un ciclo que se renueva una y otra vez bajo la batuta del tiempo. De esto y mucho más habla «Eva al desnudo».
No es un homenaje al teatro, ni de coña. El mundillo teatral es sólo un mero escenario, va infinitamente más allá. Habla de los sueños que una vez cumplidos ya no son sueños, sino una mera propiedad, aquí en forma de galardón, que no significa nada. Pero que para alguien lo significa todo, alguien que desea exactamente ese galardón. Pero, qué cosas, cuando la persona que posee el galardón se da cuenta de que otra lo quiere, saltan chispas. Y no sólo habla de esto.
Me podría tirar escribiendo horas y horas, y creo que jamás terminaría de contar de todo lo que habla «Eva al desnudo», por eso, lo reduzco en que habla sobre la vida en general. Decir otra cosa es quedarse corto. Y para llevarnos por esta historia, la película se sirve de uno de los guiones más asombrosos, inmejorables y perfectos que yo he visto en forma de película. Es un prodigio de sugerencia y explicitud, según convenga, y si se explicita, es en forma de los diálogos más ingeniosos, y a la vez naturales, que concebirse pueda; diálogos que desgranan a los personajes, que nos los describen, que los hacen perfectamente creíbles y humanos.
Toda la galería de personajes que desfilan por la película no sólo están perfectamente escritos, sino que también están encarnados por interpretaciones excelsas. Por encima de todo, la actuación de Bette Davis, maravillosa, con una mirada que acuchilla, grandiosa, de una fuerza descomunal; seguida de ella, va un George Sanders genial, el cinismo y la ironía adquieren arte cuando salen de su boca; y después van Anne Baxter y Celeste Holm, profundamente creíbles, haciendo grandes creaciones. Y los demás secundarios muy bien.
Todos y cada uno de sus aspectos externos e internos funcionan a la perfección. Esta película es un milagro, un placer inconmensurable, al que se puede volver una y otra vez porque siempre parece nueva, un despliegue de ingenio y sabiduría.
Y aunque de entre todos los temas que toca, uno de ellos sea el inquebrantable paso del tiempo, esta película alcanza la inmortalidad. Soberbia.
EVA AL DESNUDO
Género
Drama | Teatro. Película de culto
Sinopsis
La joven Eva (Anne Baxter), que aspira a convertirse en actriz y triunfar en los escenarios, se las ingenia para introducirse en un grupo de actores de teatro y hacerse amiga y confidente de la famosa y veterana actriz Margo Channing (Bette Davis), gran dama de la escena neoyorquina. El deseo de actuar y los celos la consumen hasta el punto de comenzar a traicionar a sus compañeros en su escalada hacia el éxito. Ella halaga, atrae, seduce, pero también pisotea a todo el que se cruza en su camino: escritores, directores, productores. Sólo un inteligente crítico teatral comienza a adivinar lo que se esconde tras su dulce apariencia, sólo él es capaz de ver a «Eva al desnudo».
(Joseph L. Mankiewicz , 1950)
Posición en rankings FA
4 Mejores películas de los años 50
11 Mejores películas de drama
14 Mejores películas estadounidenses de todos los tiempos
16 Mejores películas de la historia del cine
CRITICAS
Hay un fenómeno que se repite una y otra vez en el cine, y supongo que en todos los campos de interpretación, que es que cuando las actrices cumplen los cincuenta de repente desaparecen. No siempre, claro, muchas actrices se mantienen (y digo actrices, porque parece que los actores con esa edad les dan más trabajo que a ellas), pero son las menos
El estrellato, la fama y la gloria se reducen a un ciclo que se renueva una y otra vez bajo la batuta del tiempo. De esto y mucho más habla «Eva al desnudo».
No es un homenaje al teatro, ni de coña. El mundillo teatral es sólo un mero escenario, va infinitamente más allá. Habla de los sueños que una vez cumplidos ya no son sueños, sino una mera propiedad, aquí en forma de galardón, que no significa nada. Pero que para alguien lo significa todo, alguien que desea exactamente ese galardón. Pero, qué cosas, cuando la persona que posee el galardón se da cuenta de que otra lo quiere, saltan chispas. Y no sólo habla de esto.
Me podría tirar escribiendo horas y horas, y creo que jamás terminaría de contar de todo lo que habla «Eva al desnudo», por eso, lo reduzco en que habla sobre la vida en general. Decir otra cosa es quedarse corto. Y para llevarnos por esta historia, la película se sirve de uno de los guiones más asombrosos, inmejorables y perfectos que yo he visto en forma de película. Es un prodigio de sugerencia y explicitud, según convenga, y si se explicita, es en forma de los diálogos más ingeniosos, y a la vez naturales, que concebirse pueda; diálogos que desgranan a los personajes, que nos los describen, que los hacen perfectamente creíbles y humanos.
Toda la galería de personajes que desfilan por la película no sólo están perfectamente escritos, sino que también están encarnados por interpretaciones excelsas. Por encima de todo, la actuación de Bette Davis, maravillosa, con una mirada que acuchilla, grandiosa, de una fuerza descomunal; seguida de ella, va un George Sanders genial, el cinismo y la ironía adquieren arte cuando salen de su boca; y después van Anne Baxter y Celeste Holm, profundamente creíbles, haciendo grandes creaciones. Y los demás secundarios muy bien.
Todos y cada uno de sus aspectos externos e internos funcionan a la perfección. Esta película es un milagro, un placer inconmensurable, al que se puede volver una y otra vez porque siempre parece nueva, un despliegue de ingenio y sabiduría.
Y aunque de entre todos los temas que toca, uno de ellos sea el inquebrantable paso del tiempo, esta película alcanza la inmortalidad. Soberbia.
EVA AL DESNUDO – EDICION LIBRETO
Género
Drama | Teatro. Película de culto
Sinopsis
La joven Eva (Anne Baxter), que aspira a convertirse en actriz y triunfar en los escenarios, se las ingenia para introducirse en un grupo de actores de teatro y hacerse amiga y confidente de la famosa y veterana actriz Margo Channing (Bette Davis), gran dama de la escena neoyorquina. El deseo de actuar y los celos la consumen hasta el punto de comenzar a traicionar a sus compañeros en su escalada hacia el éxito. Ella halaga, atrae, seduce, pero también pisotea a todo el que se cruza en su camino: escritores, directores, productores. Sólo un inteligente crítico teatral comienza a adivinar lo que se esconde tras su dulce apariencia, sólo él es capaz de ver a «Eva al desnudo».
(Joseph L. Mankiewicz , 1950)
Posición en rankings FA
4 Mejores películas de los años 50
11 Mejores películas de drama
14 Mejores películas estadounidenses de todos los tiempos
16 Mejores películas de la historia del cine
CRITICAS
Hay un fenómeno que se repite una y otra vez en el cine, y supongo que en todos los campos de interpretación, que es que cuando las actrices cumplen los cincuenta de repente desaparecen. No siempre, claro, muchas actrices se mantienen (y digo actrices, porque parece que los actores con esa edad les dan más trabajo que a ellas), pero son las menos
El estrellato, la fama y la gloria se reducen a un ciclo que se renueva una y otra vez bajo la batuta del tiempo. De esto y mucho más habla «Eva al desnudo».
No es un homenaje al teatro, ni de coña. El mundillo teatral es sólo un mero escenario, va infinitamente más allá. Habla de los sueños que una vez cumplidos ya no son sueños, sino una mera propiedad, aquí en forma de galardón, que no significa nada. Pero que para alguien lo significa todo, alguien que desea exactamente ese galardón. Pero, qué cosas, cuando la persona que posee el galardón se da cuenta de que otra lo quiere, saltan chispas. Y no sólo habla de esto.
Me podría tirar escribiendo horas y horas, y creo que jamás terminaría de contar de todo lo que habla «Eva al desnudo», por eso, lo reduzco en que habla sobre la vida en general. Decir otra cosa es quedarse corto. Y para llevarnos por esta historia, la película se sirve de uno de los guiones más asombrosos, inmejorables y perfectos que yo he visto en forma de película. Es un prodigio de sugerencia y explicitud, según convenga, y si se explicita, es en forma de los diálogos más ingeniosos, y a la vez naturales, que concebirse pueda; diálogos que desgranan a los personajes, que nos los describen, que los hacen perfectamente creíbles y humanos.
Toda la galería de personajes que desfilan por la película no sólo están perfectamente escritos, sino que también están encarnados por interpretaciones excelsas. Por encima de todo, la actuación de Bette Davis, maravillosa, con una mirada que acuchilla, grandiosa, de una fuerza descomunal; seguida de ella, va un George Sanders genial, el cinismo y la ironía adquieren arte cuando salen de su boca; y después van Anne Baxter y Celeste Holm, profundamente creíbles, haciendo grandes creaciones. Y los demás secundarios muy bien.
Todos y cada uno de sus aspectos externos e internos funcionan a la perfección. Esta película es un milagro, un placer inconmensurable, al que se puede volver una y otra vez porque siempre parece nueva, un despliegue de ingenio y sabiduría.
Y aunque de entre todos los temas que toca, uno de ellos sea el inquebrantable paso del tiempo, esta película alcanza la inmortalidad. Soberbia.